La Plaza

QUEBEC, LAS AMERICAS Y ESPAÑA

2012-02-20T10:07:00.002-05:00

MUSICA CAMERATA

En un programa dedicado a destacar el repertorio de música de cámara de Quebec y de Hispanoamérica, Musica Camerata ofrecerá un concierto con composiciones de Amy Beach, Joaquín Turina, Jacques Hétu, Alberto Ginastera y Juan Carlos Cirigliano.

Amy Beach es considerada una pionera en la composición de Estados Unidos y particularmente en la región de New England. La obra que de ella se habrá de ejecutar es Theme and Variations para Flauta y Cuarteto de Cuerdas (1916) y está compuesta por seis variaciones de un amplio y lírico tema.

De Joaquín Turina , quien junto con Manuel de Falla es considerado el más grande compositor de su generación, se habrá de escuchar el Cuarteto en La menor para Piano y Cuerdas (1932), inspirado en la música folclórica de su país natal.

Jacques Hétu es uno de los más prestigiosos compositores canadienses cuyos trabajos se suelen ejecutar tanto en su país como a nivel internacional. La obra escogida por Musica Camerata es el Adagio y Rondo para Cuarteto de Cuerdas (1960), que dentro del repertorio del compositor es considerada como una de las más populares escritas para cuarteto de cuerdas.

El compositor argentino Alberto Ginastera es uno de los más reconocidos a nivel internacional. Pocos años antes de su muerte acaecida en 1983, se volvió muy crítico de sus primeros trabajos y resolvió sacarlos de circulación. Precisamente, una de esas composiciones es Impresiones de la Puna para Flauta y Cuarteto de Cuerdas compuesta en 1942 y que integra este concierto; se trata de una obra rica basada en melodías y ritmos del noroeste argentino.

Juan Carlos Cirigliano –pianista, compositor, arreglador y profesor de música nacido en Argentina- en 1998 compuso para Musica Camerata Imágenes de Brasil para Flauta, Piano y Cuarteto de Cuerdas. El público tendrá oportunidad de volver a escuchar esta composición inspirada en canciones y danzas brasileñas.

Este concierto tiene lugar en el Centro Segal, el domingo 26 de febrero (14h30) y los integrantes de Camerata que participarán son Karen Kevra (flauta), Berta Rosenohl (piano), Luis Grinhauz y Van Armenian (violines), Lambert Chen (viola) y Mariève Bock (violoncelo)

LOS ALCANTARILLADOS DE LVOV

2012-02-17T23:19:00.003-05:00

In Darkness. Polonia-Alemania-Canadá, 2011. Un film de Agnieszka Holland.

Agnieszka Holland retorna nuevamente al escenario de la Segunda Guerra Mundial, después de haberlo hecho exitosamente en Angry Harvest (1985) y Europa, Europa, (1990) relatando una historia verídica sobre el Holocausto. Su afinidad hacia el doloroso tema no resulta extraña si se considera que todos los miembros de la familia de su padre perecieron en el gueto de Varsovia, en tanto que su madre polaca actuó en la resistencia salvando a judíos.

A comienzos de 1944, los nazis comenzaron en Lvov, Polonia (hoy se llama Lviv y pertenece a Ucrania), la tarea de exterminación de judíos quienes vivían recluidos en un gueto de la ciudad. Eligiéndolos al azar, los desafortunados eran transportados en camiones hacia los campos de concentración. Frente a ese agorero panorama, un grupo de ellos antes de ser atrapados, tratan de escapar de una muerte segura y para ello eligen las alcantarillas como refugio.

La película comienza mostrando las actividades delictivas de Leopold Socha (Robert Wieckiewicz), quien junto con su compinche Szczepek (Krsysztof Skoniecznyh) se dedican a asaltar las casas de la región. Socha, quien es un católico polaco sin afecto alguno por los judíos, se desempeña como empleado municipal de los alcantarillados y por lo tanto es un experto conocedor de todos los vericuetos de ese mundo subterráneo. Cuando en uno de sus recorridos descubre a los judíos allí apostados, para no delatarlos les demanda a cambio la suma de 500 zlotych diarios y además les señala que el grupo no puede superar la docena de personas a fin de resguardarlos convenientemente de cualquier intromisión nazi. De este modo comienza una arriesgada aventura donde esta gente separada de sus familias vivirá por un período de 14 meses en condiciones infrahumanas tratando de sobrevivir a la triste realidad.

Valiéndose del guión de David F. Shamoon, basado en el libro In The Sewers of Lvov de Robert Marshall, Holland ilustra con sobriedad e intensidad las condiciones claustrofóbicas y de degradación de las cloacas subterráneas. Con completa autenticidad el público se envuelve en esa angustiosa atmósfera donde sus desgraciados moradores están obligados a soportar un ambiente infectado de ratas, aguas y olores putrefactos, comiendo lo que se puede, sufriendo las inclemencias del tiempo cuando una gran tormenta provoca una inundación de considerables proporciones y teniendo que cohabitar hacinados donde no siempre la convivencia humana resulta armoniosa. Dentro de ese contexto no es muy estimulante observar a Yanek (Marcin Bosak) mantener relaciones sexuales con su amiga Chaja (Julia Kijowska) durante la noche mientras que su esposa e hijita despiertas observan calladamente ese deplorable cuadro; más incómodo aún resulta una cruda escena donde una madre da a luz en ese lúgubre laberinto y termina asfixiando a su bebé recién nacido por temor a que sus llantos puedan llamar la atención de los nazis.

Uno de los aspectos más importantes del film es haber descripto muy bien la personalidad de Socha, que de oportunista explotador, gradualmente se convierte en un aliado del grupo que protege. Así, a medida que el tiempo transcurre y cuando a los judíos se les acaba el dinero para seguir financiando la estadía, el inicialmente corrupto hombre les exime del pago convenido e incluso pone en juego su propia vida cuando su superior (Michal Zurawski), un oficial nazi, comprueba lo que está haciendo. A diferencia de Oskar Schindler, Socha se transforma en un inesperado héroe que encuentra un sentido en su vida que le habrá de redimir de su pasado turbio. Esa conversión obliga nuevamente a reflexionar acerca de las dificultades que existen cuando se trata de deslindar el bien del mal. Al constatar la transformación de Socha, creciendo en humanidad y cobrando conciencia del holocausto judío, el film adquiere una dimensión especial exponiendo claramente la contradicción humana.

A nivel de interpretación, el elenco es de primer nivel con la excepcional actuación de Wieckiewicz en el personaje central. En los renglones técnicos, la dirección de fotografía por parte de Jolanta Dylewska es otro logro notable teniendo en cuenta que la oscuridad adquiere una dimensión de máximo realismo. También resulta acertado haber apelado a diferentes idiomas (polaco, alemán, ruso, idish, hebreo, entre otros) otorgando una mayor autenticidad a lo que se está relatando dentro del mosaico cultural representado por sus diferentes personajes.

Conclusión: Un film de profunda visión humanista a la vez que un sólido drama recreando otro triste episodio del Holocausto. Aunque el tema ya ha sido considerado en otros elogiosos filmes (Schindler’s List, The Pianist), el mismo sigue manteniendo validez universal porque, tal como lo ha declarado la realizadora, el peligro continúa persistiendo si se recuerdan las masacres de Ruanda, Bosnia, Srebrenica que tuvieron lugar en la década del 90, o bien lo que actualmente sucede en Siria. Jorge Gutman

SEMILLA DE MALDAD

2012-02-17T23:05:00.003-05:00

We Need to Talk About Kevin. Gran Bretaña-Estados Unidos, 2011. Un film de Lynne Ramsay.

Basado en una novela de Lionel Shriver, la directora Lynne Ramsay expone en Tenemos que hablar de Kevin la traumática relación existente entre una madre y su hijo. Con tal propósito el relato trata de que el espectador pueda compenetrarse con Eva (Tilda Swinton), una mujer que dio a luz a Kevin, un ser quien a través de su existencia va desarrollando una personalidad psicopática peligrosa.

Narrado de manera no lineal y con permanentes saltos temporales, el espectador sigue el desarrollo de los acontecimientos a través de la óptica de Eva quien, según lo que indica el título del film, trata de discutir con su marido Franklin (John C. Reilly) la conducta de Kevin.

Desde su nacimiento y durante los primeros meses de vida, Kevin (Rocky Duer) va evidenciando un comportamiento extraño que se acentúa en su niñez (Jasper Newell) al comienzar a exhibir su habilidad manipuladora cargada de malevolencia, para terminar agudizándose como muchacho adolescente (Ezra Miller). Cuando aún es niño, el nacimiento de su hermanita Celia (Ashley Gerasimovich) no ayuda mucho a cambiar su actitud ni tampoco modifica el dificultoso clima existente en el entorno familiar; si bien Franklin trata de mantener una actitud positiva con su hijo y obtiene una buena respuesta suya, la convivencia con su madre se torna insostenible y es eso lo que termina afectando a la familia en su conjunto.

Como lo que se observa son trozos de un relato excesivamente fragmentado, es necesario realizar un significativo esfuerzo para unir todas las piezas de este rompecabezas a fin de comprender por qué Kevin desprecia con alma y vida a su progenitora, aunque nunca se llegue a saber la razón. Sin tener en cuenta la novela original -porque ningún espectador está obligado a hacerlo-, lo que uno está juzgando es lo que el film muestra y en tal sentido no hay indicio alguno que pueda justificar la actitud de Kevin hacia su madre. Más aún, el trágico desenlace de la historia que nada tiene que ver con la relación madre-hijo, sugiere que decididamente estamos en presencia de una persona mentalmente enferma. Por lo que antecede, hay motivos para que este film irrite al espectador, a saber: a) ¿Cómo es posible admitir que durante tantos años los padres de Kevin jamás se hayan preocupado de proveerle asistencia psiquiátrica cuando todo demuestra que se está frente a un ser imbuido de una semilla de maldad completamente anormal? ¿Cómo se justifica la actitud extremadamente condescendiente de Franklin con su hijo frente al trato que su esposa recibe del mismo?

Los interrogantes que anteceden quedan sin resolver y lo que en última instancia ofrece este film es un panorama sombrío y descorazonador en la descripción de un cuadro familiar poco tonificante. Si la intención de la realizadora era ilustrar un estudio clínico sobre cómo una criatura puede convertirse en monstruo, el resultado no deja satisfecho porque no se ve razón alguna que justifique el comportamiento de Kevin, salvo la existencia de un desequilibrio mental que en ningún momento es considerado en el relato.

Teniendo en cuenta que todo gira en torno a Eva, puede afirmarse que Swinton ofrece una estupenda labor como la madre impotente de cambiar los hechos y teniendo que lidiar continuamente con un ser malévolo que le es prácticamente desconocido; por su parte los tres actores que animan a Kevin en sus diferentes edades transmiten muy bien el profundo rechazo que este personaje siente por su madre. La actuación de Reilly es efectiva aunque su personaje –completamente pasivo- no esté bien desarrollado.

En general, el film resulta intrigante hasta cierto punto, pero el estilo afectado de su puesta en escena con elementos cargados de simbolismos que nada tienen que ver con el relato, termina disminuyendo el interés inicial despertado.

Conclusión: Aunque muy bien actuado, este deprimente drama promete más de lo que ofrece dejando al espectador una sensación de perplejidad con su horroroso final. Jorge Gutman

UNA OPERA DE VERDI DESDE EL MET

2012-02-17T22:47:00.003-05:00

ERNANI

Ernani es la próxima ópera a ser difundida desde el Metropolitan Opera en alta definición en diferentes salas del mundo. Esta creación lírica de Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave, basado en un drama de Víctor Hugo, fue estrenada en Venecia en 1844 y gozó de un considerable éxito popular.

Aunque el argumento no es muy plausible Verdi aprovechó su historia para concebir un drama romántico con considerables escenas corales y bellas arias melódicas. La acción transcurre en España en el siglo XVI y se centra en un cuadrángulo sentimental donde la hermosa y joven doncella Elvira es admirada y codiciada por el Rey de España Don Carlo, Ernani quien es un noble proscripto que llegará a ser el prometido de Elvira y Ruy Gómez de Silva, el viejo tío de la joven dispuesto a casarse con ella.

El elenco está integrado en los roles centrales por la excelente soprano americana Angela Meade (Elvira), el tenor siciliano Roberto De Biasio (Ernani), el bajo italiano Ferruccio Furlanetto (Silva) y el barítono ruso Dmitri Hvorostovsky (Don Carlo).

La producción es de Pier Luigi Samaritani y Marco Armiliato es el director musical. La obra es cantada en la versión original italiana con subtítulos en inglés.

Su difusión tiene lugar el 25 de febrero a las 13h00 de Nueva York y redifundida el 31 de marzo. En Canadá las salas participantes pertenecen a la cadena exhibidora Cineplex Divertissement. Para información de las salas y horarios locales el sitio de Internet es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

AMERICANOS CIENTÍFICOS

2012-02-15T15:53:00.002-05:00

SCIENTIFIC AMERICANS. Autor: John Mighton. Dirección: Andrew Shaver. Elenco: Susan Bain, Michael Blake, Daniel Brochu, Julia Course, Graham Cuthbertson, Trent Pardy. Decorados y Vestuario: James Lavoie. Iluminación: Sarah Yaffe. Representaciones en el Centro Segal hasta el 26 de febrero.

Por Jorge Gutman

No siempre las buenas intenciones se concretan en resultados positivos. Ese es el caso de Scientific Americans, una obra del dramaturgo canadiense John Mighton donde analiza las relaciones entre la ciencia y la política, así como las complejas vinculaciones humanas que se presentan cuando los principios éticos y morales entran en juego.

Ambientada en 1987 en el estado de New Mexico, la obra presenta a Jim (Trent Pardy), un destacado físico y experto en radiaciones electromagnéticas que acaba de obtener un trabajo en New Mexico en el Departamento de Defensa de los Estados Unidos; ahí se traslada con su novia Carol (Julia Course) quien se desempeña como programadora informática en el campo de la inteligencia artificial. Aunque al principio Jim goza de cierta libertad para ejercer sus funciones, prontamente queda claro que el resultado de su trabajo de investigación puede ser utilizado para la fabricación de un poderoso arma de destrucción masiva. Esa situación desagrada a Carol quien no ve con buenos ojos la contribución que Jim efectúa con sus investigaciones y le insta a que deje su empleo, a lo que él se niega. Llega un momento en que la relación comienza a deteriorarse, cuando ella está convencida de que el trabajo de su novio cuestiona su integridad moral al poner en juego el bienestar de la humanidad.

Como puede apreciarse, la premisa es interesante y obliga al espectador a pensar sobre algunos de los temas planteados, en especial cuando los adelantos de la ciencia y la tecnología son utilizados con propósitos políticos; sin embargo, el tono de sátira que adopta la pieza y la forma de su exposición disminuyen sensiblemente su interés. Comenzando con un prólogo completamente anticlimático donde el psicólogo (Graham Cuthberson) de la oficina de Jim se presenta ante el público invitándolo a reflexionar sobre los acontecimientos que vendrán, la obra va desarrollándose a través de una sucesión de escenas cortas que careciendo de fluidez impiden al espectador involucrarse en el conflicto dramático de la pieza.

No hay gran comunicación entre los actores y el público; eso se debe a que el director Andrew Shaver ha concebido una puesta en escena fría y de naturaleza errática. Así, las relaciones establecidas entre Jim y su novia nunca suenan verdaderas, tampoco lo son los lazos que vinculan al científico con su distante madre (Susan Bain), el vínculo con su jovial y habilidoso jefe militar (Michael Blake) que supervisa sus tareas o las conversaciones mantenidas con un colega de trabajo (Daniel Brochu).

En cuanto a las actuaciones, sobresale el trabajo de Blake, en tanto que el resto del elenco se desempeña correctamente en función de lo que cada rol exige. La escenografía de James Lavoie es sencilla y funcional al crear acertadamente el ambiente militar en que se desarrolla la mayor parte de lo que se relata.

UNA GRAN INTERPRETACION DE GLENN CLOSE

2012-02-11T15:24:00.004-05:00

Albert Nobbs. Irlanda, 2011. Un film de Rodrigo García.

Comentario de Jorge Gutman

Sobre un cuento de George Moore adaptado al cine por Gabriella Prekop, John Banville y Glenn Close, Albert Noobs es un film que se distingue más por la naturaleza de sus personajes que por el desarrollo de su trama. El director Rodrigo García que ya había dirigido a Close anteriormente (Things you Can Tell Just by Looking at Her, Nine Lives) le da a esta gran actriz una nueva oportunidad para ratificar sus extraordinarias condiciones. Después de haber interpretado el mismo personaje en Off Broadway hace tres décadas, ella ofrece una excepcional caracterización de una persona que por imperio de las circunstancias debe cambiar de género.

Ambientado en Irlanda hacia fines del siglo XIX, Albert Nobbs deja su identidad femenina para masculinizarse y obtener un empleo como mayordomo en un respetable hotel de Dublín. En una sociedad conservadora en donde la mujer está sujeta a la represión, servidumbre y sumisión, actuar como hombre le brinda a Nobbs la paz, sosiego interior y un respetable empleo que lo desempeña con responsabilidad y eficiencia. Pero observando a Albert y aunque el personaje no lo exteriorice, uno puede intuir el enorme esfuerzo de tener que disimular su condición sexual, guardando celosamente ese secreto durante más de 30 años. Lo que se desprende de esta “hombre” es una personalidad reservada, discreta, de naturaleza introvertida, incapaz de expresar sus emociones y completamente asexuada.

Su vida cobra un giro inesperado cuando Hubert Page (Janet McTeer), un pintor, llega al hotel para efectuar ciertos trabajos y la propietaria del establecimiento (Pauline Collins) determina que Albert comparta con él su habitación. Es ahí que Nobbs debe revelarle su condición femenina y para su gran sorpresa se encuentra con que el recién llegado tampoco es hombre y que incluso llegó a casarse con una mujer. La influencia indirecta de Hubert motiva a que Albert comience a cortejar a Helen (Mia Wasikowska) una joven empleada doméstica del hotel; sin embargo no hay aquí intencionalidad sexual de Nobbs sino más bien un modo de establecer un contacto afectivo.

Además de brindar una buena pintura de época y de la desigualdad sexual que experimenta la mujer, García ofrece un impecable retrato de la soledad que envuelve al personaje central; con todo resulta difícil concebir que Albert pueda disimular su condición por tiempo tan prolongado sin que nadie descubra la superchería.

Más allá del guión que puede despertar cierta incredulidad, el film está pulcramente realizado y evita cualquier desborde emocional; pero, por otra parte, al ser demasiado contenido, le falta un poco de calidez que podría haber mitigado la sensación de frialdad que asoma en el relato. De todos modos, lo más importante de esta película es su prestigioso reparto donde descuellan los talentos de McTeer y Close y la relación que sus personajes establecen.

Conclusión: Un film para el lucimiento de Glenn Close quien fascina caracterizando a una persona impregnada de hondo patetismo y tristeza.

UN CONCIERTO DE LA OM PARA LA JUVENTUD

2012-02-11T14:38:00.003-05:00

La Orchestre Métropolitain en colaboración con la Competencia de Música Canadiense (Canadian Music Competition) ofrecerá este viernes 17 de febrero (9h30) un concierto integrado por músicos jóvenes dedicado a la juventud.

Como un modo de estimular a músicos comprendidos entre los 10 y 30 años de edad, la OM tiene como propósito destacar los talentos de esta gente joven a través de la realización de conciertos como el presente. Acompañados por los músicos de la OM y dirigidos por el joven director Daniel Myssyk, este concierto reúne a Tim Brady (compositor y guitarrista), Daniel Clarke Bouchard (piano), Antoine Malette-Chénier (arpa), Étienne Girard (violín) y 27 guitarristas eléctricos de la escuela de enseñanza media Marguerite-De Lajemmerais.

El programa incluye la Suite N°1 Peer Gynt de Grieg, el Concierto N°1 para Piano de Mendelssohn, el Concierto para Arpa en Do mayor de Boieldieu y la Introducción y Rondo Caprichoso para Violín, de Saint-Saéns.

El concierto tiene lugar en la Maison Symponique de Montreal. (www.orchestremetropolitain.com)

EL SEGUNDO FILM DE ORSON WELLES

2012-02-08T22:41:00.003-05:00

THE MAGNIFICENT AMBERSONS. Estados Unidos, 1942. Dirección: Orson Welles. Distribución: Warner Home Video (2011).

Comentario de Jorge Gutman

Una nueva edición en video, digitalmente remasterizada, acaba de aparecer de esta película dirigida por Orson Welles. Después del extraordinario suceso artístico obtenido por Citizen Kane (El Ciudadano) -que para muchos historiadores del cine es el mejor film de todos los tiempos-, ha sido enorme la expectativa para ver el segundo largometraje de este excepcional cineasta. Con todo, las vicisitudes experimentadas en su montaje final determinaron que el público no pudiera apreciar el trabajo realizado por Welles.

Como el film concluido por Welles no fue de entera satisfacción por parte de la productora, ante la ausencia de su autor, se encomendó al realizador Robert Wise para que efectuase un nuevo montaje a fin de reducir su duración original de poco más de dos horas. El resultado fue una poda de 42 minutos, con algunas escenas rehechas, sin que Welles tuviera participación alguna; por lo tanto los valores del film están estrechamente ligados a los problemas señalados.

Este drama romántico adaptado por Welles en base a la novela del mismo nombre narra los infortunios económicos experimentados por los Amberson -una familia de alta alcurnia del medio oeste americano de principios del siglo pasado-, debido a malas inversiones realizadas así como a la inhabilidad para adaptarse a los cambios tecnológicos de la época; dentro de ese contexto, se describen las manipulaciones del malcriado y caprichoso joven heredero que se interpone a que su madre viuda

pueda recomponer su vida sentimental con el hombre a quien siempre amó.

Aunque la historia de la magnificencia de los Amberson despierte interés, los obstáculos de edición mencionados contribuyeron a que el relato presente fracturas narrativas y desigualdades de estilo. A su favor cabe destacar sus buenos diálogos, el eficiente elenco integrado por Joseph Cotten, Anne Baxter, Dolores Costello, Tim Holt y Agnes Moorehead, los notables diseños de producción así como su espléndida fotografía.

Tratándose de un film de Orson Welles –a pesar que él terminó renegando del resultado final-, habría sido de gran interés que el DVD estuviese acompañado por material suplementario, pero lamentablemente no existe. La banda audio es en su idioma original inglés o en español, además de contar con subtítulos optativos en español, francés e inglés.

UN BUEN THRILLER DE GERARDO NARANJO

2012-02-08T22:23:00.002-05:00

MISS BALA. México, 2011. Un film de Gerardo Naranjo. Elenco: Stephanie Sigman, Noe Hernández, James Russo, José Yenque, Irene Azuela

Comentario de Jorge Gutman

En Miss Bala Gerardo Naranjo aborda la violencia y corrupción imperante en ciertos sectores de la sociedad mexicana donde el crimen organizado de la droga reina por doquier.

Basado en un caso real, el guión del director y de Mauricio Katz narra las vicisitudes atravesadas por Laura (Stephanie Sigman), una bella joven mexicana de 20 y tantos años de edad viviendo en Baja California y que junto a su amiga Suzu (Lakshmi Picazo) desean participar en un concurso de belleza local. Una desafortunada circunstancia quiere que sin sospecharlo y encontrándose en un lugar inoportuno Laura se convierta en la única testigo de una masacre ocasionada por los miembros de un cartel traficante de drogas. Ingenuamente, ella comete el error de contarle el incidente a un agente policial quien a su vez la entrega a Lino (Noe Hernández), el líder de la mafia. Atraído por su presencia física y gustando de Laura, Lino decide utilizarla como cómplice de sus actividades delictivas. De este modo la joven se ve repentinamente envuelta en un mundo corrupto donde sus integrantes la obligan a transportar dinero a través de la frontera para la adquisición de armas; a cambio de su participación, la organización le permite salvaguardar a su padre y hermano de la mugre que la rodea, además de ser coronada reina del certamen debido a las notables influencias de su jefe.

Aunque el tema ya fue tratado en otras oportunidades el film se distingue por su relato bien estructurado, una eficaz dirección escénica, un ritmo narrativo fluido, una buena cuota de suspenso y la inobjetable actuación de un buen elenco donde Sigman se destaca transmitiendo muy bien la vulnerabilidad emocional que su personaje le demanda. Visualmente, el film es impecable gracias a la notable fotografía de Mátyás Erdély que capta y transmite intensamente el cuadro de una anárquica sociedad. Los factores apuntados configuran un producto de calidad artística de importante valor testimonial a la vez que un buen entretenimiento.

Conclusión: Un satisfactorio thriller sobre una triste realidad social, muy bien narrado y con importantes valores de producción.

PROXIMOS CONCIERTOS DE LA OSM

2012-02-08T08:46:00.011-05:00

Música Italiana

La Orquesta Sinfónica de Montreal ofrecerá un programa de música italiana con dos conciertos a efectuarse el viernes 10 de febrero (10h30) y el sábado 11 de febrero (20h00), bajo la dirección del maestro invitado Carlo Rizzari.

En el programa se encuentran los poemas sinfónicos Fontane di Roma y Pini di Roma de Respighi, la obertura de la ópera I vespri siciliani de Verdi y arias de óperas de Leoncavallo, Puccini, Verdi y Cilea interpretados por el tenor Marc Hervieux (foto).

Un recital de Menahem Pressler

El pianista Menahem Pressler (foto), miembro fundador del célebre Trio Beaux-arts, llega a Montreal para ofrecer un concierto de música de cámara junto al violinista Alexander R Kerr, el violista Nobuko Imai, y el violoncelista Eric Kim

El programa está integrado por el Cuarteto para Cuerdas N°1, K. 478 de Mozart, Estampas para Piano de Debussy y el Cuarteto para Piano y Cuerdas N°2 de Dvorak. El concierto se efectuará el 16 de febrero (20h00).

Réquiem de Mozart

Una de las obras más emblemáticas de Wolfgang Amadeus Mozart es el Requiem en Re menor, K. 626. Basada en los textos latinos para el acto litúrgico católico, es la decimonovena y última misa escrita por Mozart en 1791, año de su deceso.

Esta obra de gran espiritualidad y testamento musical del genial músico será ejecutada en 4 oportunidades a saber: el 22 (20h00), 23 (20h00) y 25 de febrero (14h00 y 20h00). La OSM será dirigida por el maestro Kent Nagano (foto) y participan como solistas la soprano Kimy Mclaren, la mezzo soprano Anita Krause, el tenor Colin Ainsworth y el barítono Tyler Duncan quienes serán acompañados por el coro de la OSM. El programa se completa con la Sinfonía N°25 K.183 del genial compositor y Le Soleil des eaux, para soprano, coro mixto y orquesta de Boulez

Todos los conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts (http://www.osm.ca/)

LA NOCHE EN BLANCO 2012: LA FIESTA DE LOS TRASNOCHADORES

2012-02-07T15:33:00.003-05:00

La 9ª edición de la Nuit blanche à Montréal a efectuarse el sábado 25 de febrero, se emplazará en tres áreas de la ciudad, comprenderá 12 distintos temas con unas 150 actividades gratuitas y facilitará las cosas para quienes quieran desplazarse de un sitio a otro: 4 líneas del metro funcionarán toda la noche y además habrá servicios especiales de buses gratuitos.

Crónica de Sergio Martínez

El Festival Montréal en lumière / Montreal High Lights Festival (Festival de las Luces de Montreal) de cuya programación artística y gastronómica ya informamos en una nota anterior (ver sección Festivales) culmina el sábado 25 de febrero con la 9ª edición de la Nuit blanche (Noche en Blanco), una serie de eventos que tienen lugar desde el anochecer hasta el amanecer del día siguiente siguiendo lo que fuera una iniciativa parisina lanzada en 2002, pero que este año ya se ha extendido a muchas otras ciudades, por cierto incluyendo a Montreal, pero también presente en Bruselas, Riga, Málaga, Miami y más recientemente en Toronto, Leeds, Boloña, Nueva York, Kioto, Washington, Liverpool, Buenos Aires y Halifax.

Entre los espectáculos gratuitos que habrá esa noche puede mencionarse al grupo Bran Van 3000 que estará presentándose en el escenario RBC del Festival Montréal en lumière a las 20 hrs. En el Metrópolis (59 calle Sainte Catherine) habrá un concierto maratónico con una serie de bandas de rock a partir de ls 21 hrs. y hasta las 5 de la mañana. Para los amantes del tanto, un espectáculo llamado Air de tango se desarrollará en el 4324 boul. Saint Laurent entre las 21 hrs y las 3 de la mañana.

Para los que busquen cine, encontrarán algo diferente en la muestra La Elástica, una selección de cortometrajes presentados por L’Alternativa, un festival de cine independiente que tiene lugar en Barcelona. Este evento será desde las 20 a las 3 hrs. en el 4602 boul. Saint Laurent. Para una experiencia inusual de cine y comida, ciné-dinner ofrecerá una selección de filmes locales y de Francia en el Nouveau Palais, 281 Bernard oeste (metro Outremont). El cine fantástico presentado justamente por los organizadores del festival Fantasia, estará presente en el Teatro Maisonneuve desde medianoche hasta las 4 de la mañana. También habrá cine al aire libre en la Place Pasteur, frente al local central de la UQAM en la calle Saint Denis, presentando filmes quebequenses; y para los que no quieran pasar mucho tiempo en el frío, la confortable sala de la Cinémathèque Québécoise (335 boul. De Maisonneuve este, metro Berri-UQAM) ofrecerá las películas belgas C'est arrivé près de chez-vous (Ocurrió cerca de su casa) y Panique au village (Pánico en la aldea) a las 23, 0:30 y 2 hrs. Por su parte la ONF/NFB (1564 Saint Denis, metro Berri-UQAM) presentará una ecléctica mezcla de cine con música electroacústica y cine de animación.

Escena del film belga de animación Panique au village

La Noche en blanco permitirá además disfrutar de exposiciones artísticas, veladas de poesía y cuentos, despliegues de iluminación y proyecciones en edificios, humor, teatro y deporte. La mayoría de estas actividades son gratuitas.

Para una más detallada información sobre los espectáculos y escenarios de la Nuit blanche dirigirse al sitio web http://www.montrealenlumiere.com/ o llamar a los teléfonos 514-288-9955 ó sin cobro desde fuera de Montreal al 1-85LUMIERES.

UNA AUSENCIA EMOCIONAL

2012-02-05T12:46:00.003-05:00

IN ABSENTIA. Autor : Morrys Panych. Dirección : Roy Surette. Elenco : Jillian Fargey, Susan Glover, Jade Hassouné, Paul Hopkins y Carlo Mestroni. Decorados y Vestuario : John C. Dinning. Iluminación : Luc Prairie

Por Jorge Gutman

La compañía del Teatro Centaur ha estrenado en primicia mundial In Absentia, la nueva obra de Morrys Panych. Este autor canadiense, que además es un reconocido actor y director teatral, ha logrado con sus trabajos anteriores un singular suceso de crítica y público; en esta oportunidad ratifica sus condiciones de experto dramaturgo al abordar el tema de la ausencia como metáfora de la muerte. Su planteo es establecer qué es lo que queda para quienes sobreviven a los seres que amaron y que aunque ya no estén físicamente presentes siguen manteniendo una influencia permanente en sus vidas.

A través de una estructura fragmentaria, el relato enfocado por Panych es audaz en su concepción y tratamiento, adoptando la forma de un misterio no resuelto. Gran parte del mismo está basado en reflexiones y pensamientos interiores que motivan a que los diálogos cedan espacio a los monólogos del personaje protagónico.

Es invierno y en su chalet de montaña rodeado de nieve Colette (Jillian Fargey), una mujer ya acercándose a los 40 años y casada con Tom (Paul Hopkins), vive la incertidumbre de no tener noticias de su marido; él es un ingeniero químico que partió en un viaje de negocios a Colombia y que después de un año de ausencia aún no ha regresado al hogar; todo hace suponer que ha sido secuestrado y su mujer sigue aguardando ansiosamente su retorno. Cuando la obra comienza, ella se encuentra en presencia de un enigmático personaje de escasos 20 años de edad que dice llamarse Jasper (Jade Hassouné) y a quien le ofrece un temporario albergue dada las condiciones inclementes del tiempo. Sin embargo, esa visita se va extendiendo y un raro lazo de conexión emocional y mística une a la anfitriona con su huésped; de alguna manera Colette lo identifica con su marido que a pesar de estar ausente adquiere una presencia fantasmagórica vigilando sus actos y observando lo que está sucediendo.

Para matizar el relato, el autor introduce dos personajes más. Uno de los mismos es Evelyn (Susan Glover), la hermana mayor de Colette, que ve con desconfianza la presencia del extraño huésped; el otro es Bill (Carlo Mestroni), un vecino que se siente atraído por Colette aunque ella no demuestre interés por él. A través de ambos personajes, el autor introduce algunas notas de humor que permiten atenuar el clima dramático de la historia.

Panych ha logrado crear una obra en donde el sentimiento de dolor se aúna al contenido poético que emerge del texto; todo ello dentro de un aura de misterio muy bien logrado en la figura de Jasper donde nunca se llega a saber con precisión si se está en presencia de un farsante, un fabulador de historias o alguien que realmente dice lo que piensa.

Las interpretaciones son irreprochables, especialmente la de Fargey transmitiendo las múltiples facetas de una mujer de extrema fragilidad frente a la situación que le toca vivir, así como la de Hassouné que perfectamente proporciona la ambigüedad que su personaje requiere, actuando como un catalizador de la angustia que experimenta Colette.

Aunque por lo general Panych dirige sus propias obras, en esta oportunidad permitió que Roy Surette lo reemplazara. A decir verdad y dada la relación profesional existente entre ellos por más de 30 años, no cabe duda que Surette está perfectamente compenetrado de lo que el autor quiso expresar. Su puesta en escena es magnífica al lograr un perfecto equilibrio de interacción entre sus personajes, sobre todo por enfocar con claridad el pensamiento introspectivo del personaje central a través de sus monólogos así como las diferentes apariciones que realiza el marido ausente. Finalmente y dada la naturaleza del relato es loable el trabajo de iluminació de Luc Prairie.

Dicho lo que antecede, In Absentia es una obra madura que gratifica a su audiencia. Sigue en cartel hasta el 4 de marzo en el teatro Centaur.

RECITAL DEL VIOLISTA ANTOINE TAMESTIT

2012-02-03T17:14:00.008-05:00

Para el primer concierto de este año Ladies Morning Musical Club (LMMC) ha invitado al violista francés Antoine Tamestit quien hace su debut para esta agrupación. El joven músico alcanza notoriedad internacional en 2000 al obtener el primer premio en el concurso musical Maurice Vieux y posteriormente en el concurso William Primrose en 2001. De allí en más seguirá logrando otras importantes distinciones a nivel mundial. Su repertorio se extiende desde la música barroca hasta la contemporánea.

Acompañado de una viola Stradivarius de 1672, prestado por la fundación Habisreutinger, Tamestit ofrecerá un recital integrado por la Sonata en Mi bemol mayor, Op. 120 N°2 de Brahms, Märchenbilder, Op. 113 de Schumann y la Sonata Op. 147 de Shostakovich. Tamestit será acompañado por el pianista alemán Markus Hadulla.

El concierto se efectuará en la salla Pollack el domingo 12 de febrero (15h30). Para información adicional, el sitio de internet es http://www.lmmc.ca/

LISE DE LA SALLE Y EL CUARTETO HAGEN

2012-02-03T16:33:00.004-05:00

La organización musical Pro Musica ofrece dos conciertos durante el mes de febrero. El primero de los mismos cuenta con la participación de la joven pianista francesa Lise de la Salle quien visitó Montreal en 2007 causando una impresión muy favorable. Durante estos últimos años, con una carrera prodigiosa, de la Salle de 22 años consolidó su personalidad artística en las más grandes salas de Europa, Estados Unidos y Asia.

En esta oportunidad ofrecerá un recital integrado por Miroirs y Sonatine de Ravel, 4 Preludios de Debussy y los Estudios Sinfónicos, Op. 13 de Schumann.

El recital tiene lugar el lunes 6 de febrero (20h00) en la Maison Symphonique de la Place des Arts.

El segundo concierto ofrecido por Pro Musica tiene lugar el 27 de febrero (20h00) con la presentación del Cuarteto de Cuerdas Hagen. Este conjunto fundado en 1981, logró importantes éxitos internacionales en diferentes concursos para cuarteto de cuerdas. A lo largo de estos 31 años, el grupo tuvo oportunidad de colaborar con músicos de renombre mundial como es el caso de Maurizio Pollini, Krystian Zimerman, Nikolaus Harnoncourt y Heinrich Schiff, entre otros.

Los integrantes de este conjunto además de su presentación en conciertos han registrado alrededor de 50 discos con el famoso sello “Deutsche Grammophon” y también se han desempeñado como profesores en el Mozarteum de Salzburgo, en la Academia de Basilea y en otras prestigiosas instituciones internacionales ofreciendo clases magistrales.

El Cuarteto Hagen ejecutará el Cuarteto en Fa menor, op. 95 de Beethoven, el Cuarteto Op. 33 N°2 de Haydn, y el Cuarteto en Re mayor K. 575 de Mozart.

Este concierto también se efectuará en la Maison Symphonique. Información adicional se puede obtener visitando http://www.promusica.qc.ca/

UN RELATO DE SUPERVIVENCIA MUY BIEN HECHO

2012-02-02T17:59:00.002-05:00

THE GREY. Estados Unidos, 2012. Un film de Joe Carnahan. Elenco: Liam Neeson, Frank Grillo, Dermot Mulroney, Dallas Roberts, Joe Anderson, Nonso Anozie, James Badge Dale.

Comentario de Jorge Gutman

Al ver The Grey inmediatamente surge el recuerdo de un trágico accidente que tuvo lugar en octubre de 1971; en esa ocasión, un avión de la Fuerza Aérea de Uruguay conduciendo a 40 pasajeros –integrados mayoritariamente por estudiantes uruguayos de un equipo de rugby- y 5 tripulantes se había estrellado en la Cordillera de los Andes a 3500 metros de altura. Los 27 sobrevivientes tuvieron que enfrentarse a las duras inclemencias del tiempo imperante en las montañas congeladas hasta que 72 días después el mundo tuvo noticias de ellos. La película de Joe Carnahan enfoca una historia similar pero en un relato de ficción.

Basado en Ghost Walker, un cuento de Ian Mackenzie quien es también autor del guión escrito junto con el director, se centra en un grupo de trabajadores de una compañía refinadora de petróleo ubicada en una alejada zona de Alaska donde Ottway (Liam Neeson), uno de los empleados, se ocupa de proteger a los restantes de cualquier peligro que pudieran ofrecer los animales salvajes del área. Cuando estos trabajadores están regresando a sus hogares en un vuelo aéreo, una fuerte tormenta hace que el avión se estrelle en las laderas montañosas donde todos perecen, con excepción de 8 personas incluyendo a Ottway que milagrosamente se salvan. Aunque el cine haya ofrecido en numerosas oportunidades accidentes aéreos, en este caso es encomiable y terrorífico contemplar el realismo de lo que se vive en el interior del aparato poco antes de la tragedia.

A primera vista, uno aguarda un relato de aventuras sobre cómo sobrevivir. Algo de eso hay pero descripto de un modo totalmente fidedigno en un film que dista parecerse a los típicos relatos de acción. La excelente actuación de Neeson permite que su personaje se transforme de la manera más natural posible en líder del pequeño grupo a través de una combinación perfecta de cierta autoridad mezclada de persuasión y madurez. Desde el primer instante en que asiste a un moribundo en sus últimos minutos de vida hasta lo que seguirá después, Ottway sabe cómo desenvolverse en el contexto de la realidad que lo circunda donde a la inhóspita soledad de la región se agrega la amenaza de temibles lobos depredadores.

Carnahan convirtió una historia aparentemente simplista en un intenso drama en el que el individuo debe enfrentarse con las difíciles situaciones que ofrece la naturaleza, apelando a los más ingeniosos recursos para tratar de seguir viviendo. Gracias a personajes muy bien delineados, el espectador convive permanentemente con la suerte que van experimentado los personajes; así y a lo largo de dos horas, que de ningún modo se hacen sentir, se acopla al grupo siguiendo el derrotero de una ruta plagada de peligros donde los temibles lobos comienzan a cobrar vidas de algunos de los forzados expedicionarios.

Frente a la intriga de saber qué es lo que acontecerá con cada uno de los que van sobreviviendo, el relato introduce momentos de tensión cuando uno de sus integrantes (Frank Grillo) se dispone a desafiar la natural autoridad de Ottway; tampoco están ausentes los momentos íntimos cuando en los instantes de vigilia nocturna reunidos en torno al fuego, surgen conversaciones personales de los integrantes del grupo quienes frente a un incierto futuro se solazan relatando episodios en donde quedan reflejados los lazos familiares; en tal sentido, en forma intermitente y tratando de no desesperar, los recurrentes recuerdos que Ottway tiene de su esposa (Anne Openshaw) le brindan necesaria fortaleza para seguir adelante.

El film está maravillosamente filmado con la fotografía de Masanobu Takayanagi captando la belleza y majestuosidad de la agreste naturaleza que es un personaje fundamental en esta historia. Al propio tiempo cabe mencionar la presencia de los salvajes lobos gracias al efecto logrado por la eficiente combinación de títeres, imágenes logradas por computación y animales amaestrados.

Conclusión: Una historia de supervivencia en un thriller introspectivo e inteligentemente realizado.

FESTIVAL DE LAS LUCES DE MONTREAL: CUANDO EL FRÍO NO ES OBSTÁCULO

2012-02-02T11:52:00.004-05:00

Música clásica, popular, jazz, teatro y fiesta gastronómica, y a pesar del frío, en la calle programación exterior gratuita ofrecerá algo para todos los gustos

Crónica de Sergio Martínez

Difícil resultará imaginarse para quienes no tengan la experiencia canadiense, que con temperaturas bordeando los 12 grados bajo cero a alguien se le ocurra organizar un festival que tenga lugar en la calle, con kioscos y espectáculos en escenarios al aire libre. La idea podría parecer una locura, pero es exactamente lo que la productora Spectra—el mismo equipo que en el verano nos trae el Festival Internacional de Jazz de Montreal y las Francofolies—se ha dispuesto a hacer en pleno febrero, es decir cuando el invierno canadiense está aun en pleno apogeo.

Una difícil apuesta, uno podría decir. En sus comienzos, como podemos recordar los que hemos cubierto este evento desde que se lanzó hace ya trece años, y como era por lo demás natural, los organizadores tuvieron algunas aprensiones y las actividades exteriores se limitaban a unas pocas en torno a braseros especialmente instalados donde uno podía consumir salchichas y vino caliente, eso aparte de actividades propiamente adecuadas para el clima, como el tobogán de hielo desde un comienzo muy popular entre niños y jóvenes y que originalmente se instalaba en el sector del Viejo Puerto. Este año sin embargo los organizadores se han decidido a lanzarse “con todo”: no sólo los tradicionales eventos en torno a puntos cálidos para capear el frío, sino derechamente la instalación de escenarios con espectáculos en vivo para—lo que se espera—sea un público numeroso y lo suficientemente audaz como para desafiar las bajas temperaturas.

Al revés de los otros festivales que organiza Spectra, el Festival Montreal en Lumière / Montreal Highlights Festival (Festival de las Luces de Montreal se podría traducir en español) ofrece un carácter ecléctico en que se muestran espectáculos de música popular y clásica, jazz y música de otras culturas como el tango y el flamenco; además contiene una parte de teatro, espectáculos para niños y fuera del ámbito propiamente escénico, también una siempre interesante muestra gastronómica que generalmente resalta la cocina de algún país o región, este año se ha enfocado la creación culinaria de la región francófona de Bélgica (Walonia y Bruselas). También, como es habitual, se resaltarán los vinos de una región, en este caso del estado de Washington en Estados Unidos.

EN SALA
Los espectáculos en sala constituyen la parte fuerte del festival, en este caso cabe resaltar los conciertos que marcarán el comienzo y el final del evento: el ejecutante de armónica Toots Thielemans, que ya estuvo en la edición de 1986 del Festival de Jazz estará dando marcha inaugural al evento el 16 de febrero a las 20 hrs. en el Teatro Maisonneuve. La clausura del evento tendrá lugar el domingo 26 de febrero en la Maison Symphonique de Montreal con un especial homenaje a Jacques Brel que contará con la presencia entre otros de Bïa, Bruno Pelletier, Diane Tell, Luc de Larochellière, Marc Hervieux, Marie-Élaine Thibert, Paul Piché, Pierre Flynn, Pierre Lapointe y Benoît Sarrasin al piano.

Para el público que guste de los ritmos latinos el Sexteto Tango Pasión bajo la dirección de Juan Carlos Zunini estará de retorno en Montreal con actuaciones entre el 23 al 25 de febrero a las 19:30 hrs. en el Teatro Maisonneuve.

Por su parte el grupo Tradición Flamenca presentará su espectáculo Paseando por Andalucía en una sola presentación el 16 de febrero a las 19 hrs. en Le Balcon Cabaret Music Hall (304 calle Notre Dame Este, metro Champ de Mars).

En ese mismo lugar se presentará el espectáculo Tango Nocturno el día 23 de febrero a las 19 hrs.

Por su parte los amantes del jazz encontrarán solaz en las presentaciones del dúo de Al Di Meola los días 23 y 24 de febrero a las 20 hrs. en la sala Astral (305 Sainte Catherine oeste, metro Place des Arts) y en el espectáculo Mardi gras, carnaval de la Nouvelle-Orléans con Dixieband el 24 de febrero a las 20:30 hrs. en Le Balcon Cabaret Music Hall.

EN LA CALLE
Para quienes no quieran o no puedan adquirir billetes para los espectáculos pagados, Montréal en Lumière ofrece la posibilidad de disfrutar de espectáculos gratuitos en el escenario montado en torno a la Place des Arts. Entre esos espectáculos cabe mencionar a los intérpretes de música tradicional La bottine souriante que estarán el 18 de febrero a las 20 hrs. en el escenario RBC. En el mismo lugar estará el grupo quebequense The Box el día 24 de febrero y la banda Bran Van 3000 el 25 de febrero, entre otros grupos y solistas.

El tradicional tobogán de hielo estará instalado en la explanada de la Place des Arts para delicias de chicos y jóvenes y para quienes quieran bailar, la Boîte Bell Télé Fibe estará presentando cada día a diversos DJs.

LA GASTRONOMÍA
El aspecto culinario fue desde un comienzo uno de los elementos centrales de este festival. Este año se remarca la gastronomía de la región walona de Bélgica, pero además habrá chefs invitados de la ciudad de Seattle (EE.UU.) y de la región de la Outaouais de la provincia de Quebec. Como siempre también habrá degustaciones de quesos de la provincia y de chocolates. La parte vinícola estará dedicada esta vez a los vinos del estado de Washington, no muy conocidos en Montreal, pero que probablemente valga la pena conocer esta vez.

Montreal en Lumière se desarrolla este año entre el 16 y el 26 de febrero y para tener una información más detallada de los eventos, artistas y precios de cada espectáculo se puede recoger los programas gratuitos que ya están disponibles en las tiendas de la SAQ, la Place des Arts y otros lugares, o visitar el sitio web del festival: http://www.montrealenlumiere.com/

UN DRAMA SHAKESPERIANO

2012-01-27T17:00:00.006-05:00

Coriolanus. Gran Bretaña, 2011. Un film de Ralph Fiennes

Comentario de Jorge Gutman

Esta producción británica representa el debut del conocido actor Ralph Fiennes como director además de reservarse el papel protagónico. Coriolanus está basado en la pieza de William Shakespeare y a pesar de que muchas obras del inmortal autor han sido llevadas repetidamente al cine, esta obra lo es por primera vez.

Fiennes decidió trasladar la acción de la pieza a la época actual, más precisamente en 1994. Aunque el período pueda resultar poco importante para lo que el autor deseó transmitir, la audacia del director tiene efectos mixtos; por un lado, no hay ningún problema en observar a los personajes con atuendos modernos y con armas de la época actual, sin embargo la pintura de la Roma que presenta dista de la realidad y se asemeja más bien a lo que podría observarse en la región de los Balcanes durante la encarnizada guerra que la enlutó.

El guión de John Logan, que resume el contenido de la obra pero respetando su esencia, presenta a Cayo Marcio (Fiennes), un arrogante general romano, poco amante o dúctil con la plebe. Al haber logrado un importante triunfo militar en la guerra emprendida contra los volscos donde llegó a apoderarse de la ciudad de Corioli, a su regreso recibe el apodo de Coriolano. Su reciente victoria, motiva a que el Senado lo postule para ser nombrado Cónsul sujeto a la aprobación del pueblo, pero su actuación altiva y antidemocrática lo vuelve completamente impopular; a pesar de los esfuerzos de Menenio (Brian Cox), su leal consejero, no puede evitar que dos tribunos (James Nesbitt, Paul Jesson) lo traicionen logrando su destierro. Su resentimiento hace que Coriolano se alíe con Tulo Aufidio (Gerard Butler), su acérrimo enemigo y general de los volscos, para liderar a su ejército y marchar sobre Roma. Volumnia (Vanessa Redgrave), la influyente madre de Coriolano con quien guarda una compleja relación entre edípica y perversa, logra persuadirlo de sus intenciones; después de concluir con los volscos un tratado favorable para los mismos, éstos consideran que Coriolano traicionó los intereses de su pueblo, hecho que conduce a una resolución trágica para el guerrero.

Coriolanus, no constituye una tragedia en el sentido estricto de las grandes obras de Shakespeare como Hamlet, Macbeth y El rey Lear, sino más bien un drama histórico sobre un antidemocrático guerrero; con todo, siempre trasciende la dimensión humana de su valiosa producción literaria.

La dirección de Fiennes es muy buena y su actuación memorable al igual que la de Readgrave componiendo con pasión y excelencia a la madre del valiente soldado. Lo objetable del guión son sus diálogos. Tratándose de una puesta moderna, resulta poco convincente apelar al lenguaje isabelino que no siempre resulta claro para el que no domina la lengua original que Shakespeare utilizó en sus obras y que además no condice con la forma de hablar de esta época.

Conclusión: Un buen film audaz y provocativo que esencialmente está dirigido a un público familiarizado con Shakespeare.

LA PASION POR EL TANGO

2012-01-27T15:00:00.006-05:00

TANGO PASION

Después del legendario éxito de público y crítica que obtuvo el espectáculo Tango Argentino tanto en Broadway como en otras ciudades de América del Norte incluyendo Montreal, los amantes del tango están de parabienes con el nuevo espectáculo Tango Pasion que se presentará en el escenario del Teatro Maisonneuve de la Place des Arts desde el 23 hasta el 25 de febrero.

Tango Pasión, además de jubilosa comedia musical, es una experiencia teatral y sensorial, plena de gracia y de gran intensidad emocional. A través de aplaudidos bailarines argentinos, el público tendrá ocasión de contemplar la historia del tango, desde sus orígenes en los arrabales porteños hasta su introducción en los salones mundanos, en un viaje imaginario donde la nostalgia, el deseo, la pasión, la tristeza y los celos no están ausentes.

La ingeniosa coreografía y dirección escénica corresponde al coreógrafo argentino Hector Zaraspe, quien ha recibido numerosas distinciones internacionales. La música, sensual e intemporal de Juan Carlos Zunini, que incluye composiciones de Carlos Gardel y Astor PIazzolla –entre otros prestigiosos autores-, es interpretada por el Sexteto Tango Pasión, conjunto considerado como uno de los mejores del mundo dentro del género.

Pleno de melancolía, poesía y belleza, Tango Pasión ofrece una representación auténtica y exaltante de la danza que nació en Buenos Aires y que hoy día conmueve y entusiasma al mundo entero.

Para obtener información adicional así como para la adquisición de entradas se puede llamar a la boletería de la Place des Arts, 514-842.2112 /1866 842.2112 o bien visitar el sitio web http://www.laplacedesarts.com/

ALAIN LEFEVRE CON LA OSM

2012-01-25T17:58:00.003-05:00

El miércoles 1 y jueves 2 de febrero (20h00) la Orquesta Sinfónica de Montreal recibe la visita del eximio pianista canadiense Alain Lefèvre. El renombrado músico tendrá a su cargo la ejecución del Concierto para piano en La menor de Schumann, que el compositor dedicara a su esposa Clara y quien fue la primera que lo ejecutó públicamente en su estreno de enero de 1846. Este poema musical, que Schumann consideró como una combinación de concierto, sinfonía y gran sonata, es una de las composiciones más importantes dentro del repertorio para piano y orquesta.

El maestro James Conlon, director musical del Festival de Ravinia y de la Opera de Los Angeles, tiene a su cargo la dirección de la OSM y ejecutará la Sinfonía N° 7 de Dvorák, también conocida como « Sinfonía Inglesa ». Esta obra que tuvo su estreno en 1885 es considerada como la más romántica de las sinfonías compuestas por el gran compositor checo. El concierto comienza con el Preludio de Los Maestros Cantores de Nuremberg de Wagner, que compuesto en forma de sonata constituye una expresiva pieza musical desbordante en vitalidad.

Otro concierto de la OSM es el que se realizará el domingo 5 de febrero (14h30) bajo la batuta del maestro Jacques Lacombe, director musical de la New Jersey Symphony y director musical de la Orquesta Sinfónica de Trois-Rivières. El programa incluye la Sinfonía N°3 de Prokofiev –tributo al expresionismo cuyo material temático es en gran parte extraído de la ópera El Angel de Fuego.

Para esta ocasión, el violinista Ray Chen -ganador del Concurso Reina Elizabeth (2009) y Yehudi Menuhin (2008)- hará su debut con la OSM con la ejecución del Concierto para Violín de Sibelius. El programa se completa con la suite orquestal de la música de escena de Peer Gynt de Edward Grieg.

Los conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts. Información adicional puede obtenerse visitando http://www.osm.ca/

AGRADABLE COMEDIA DE GEORGES FEYDEAU

2012-01-22T23:24:00.009-05:00

LE DINDON.

Comentario de Jorge Gutman

Autor: Georges Feydeau. Dirección: Norman Chouinard. Elenco: Carl Béchard, Adrien Bletton, Normand Carrière, Jean-Pierre Chartrand, Violette Chauveau, Guillaume Cyr, Alexandre Daneau, Rémy Girard, Marie-Pier Labrecque, Roger La Rue, Véronique Le Flaguais, Catherine Le Gresley, Danièle Panneton, Sébastien René, Linda Sorgini y Alain Zouvi. Escenografía: Jean Bard. Vestuario: Suzanne Harel. Representaciones: Théâtre du Nouveau Monde, hasta el 18 de febrero

Georges Feydeau, el maestro del vodevil y de las farsas, escribió más de 60 obras en donde Le Dindon constituye una de sus más exitosas. Aunque nunca pretendió más que hacer divertir a su público, detrás de las mismas se puede apreciar una pintura de las debilidades humanas cuando el sexo entra a jugar y no puede ser contenido.

La trama es muy sencilla con personajes que se mueven en la ciudad de París, en plena “belle époque”; allí, y como punto de partida presenciamos al donjuanesco Edmond Pontagnac que pretende conquistar a toda costa a la respetada dama Lucienne sin saber que es la esposa del notario Crépin Vatelin, uno de sus amigos más cercanos. A partir de allí comienzan a incorporarse nuevos personajes que en conjunto originarán una serie de graciosos equívocos.

El hecho de que esta pieza estrenada en 1896 resista el paso del tiempo es debido a la habilidad de su autor de haber construido hábilmente las variadas emociones que generan las complicaciones amorosas, los celos, la seducción, la venganza, las hipocresías para salvar las apariencias concluyendo con las consabidas reconciliaciones. Pero además de su contenido, lo que interesa es su implementación y en tal sentido Normand Chouinard tradujo el espíritu del autor a través de una impecable dirección escénica plena de ingeniosidad e inteligencia. Sin duda no es tarea sencilla dirigir a 16 actores que a través de dos horas y media brindan lo mejor de sí mismo desempeñándose con energía y entusiasmo sin que se deslice ninguna nota indeseable. Todo el elenco demuestra una gran solvencia aunque por la gravitación de sus roles algunos actores dejan una indeleble impresión como lo demuestran los excelentes actores Rémy Girard, Linda Sorgini y Alain Zouvi. Una escenografía competente y adecuados vestuarios refuerzan la calidad de esta producción.

Finalmente y a fin de otorgarle un toque moderno, Chouinard agrega a la pieza un matiz original al hacer que los actores ficticiamente publiciten una marca de chocolate como medio de financiar el espectáculo. En resumen, Le Dindon es una comedia hilarante de buen gusto e imparable ritmo que deja al espectador completamente satisfecho.

UN METODO PELIGROSO

2012-01-21T18:33:00.002-05:00

A DANGEROUS METHOD. Gran Bretaña-Alemania-Canadá-Suiza, 2011. Un film de David Cronenberg.

Comentario de Jorge Gutman

Un provocativo e intelectual film sobre el nacimiento del psicoanálisis es lo que David Cronenberg considera en Un Método Peligroso. El guión de Christopher Hampton adaptado de su obra teatral “The Talking Cure” y del libro de no ficción “A Most Dangerous Method” de John Kerr, explora por una parte la tumultuosa relación existente entre Carl Jung (Michael Fassbender) y su paciente Sabina Spielrein (Keira Knightley) así como el vínculo y posterior sismo profesional que se produce entre Jung y su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen).

En las primeras escenas se observa a Sabina, una joven rusa de origen judío, quien en 1904 es trasladada a Suiza para ser tratada en una clínica psiquiátrica a cargo de Jung; el estado histérico de la paciente es deplorable y su estado de abierta violencia y agresividad constituye un gran desafío para el psiquiatra quien está decidido a aplicar la teoría y método psicoanalítico de Freud a quien aún no había llegado a conocerlo personalmente sino a través de sus artículos profesionales. Lenta pero afirmativamente, la técnica comienza a brindar resultados positivos a medida que su paciente va exorcizando las heridas de su sombrío pasado de humillación y castigo físico recibido de su padre. Cuando dos años después Jung viaja a Viena para encontrarse con el autor de “La Interpretación de los Sueños” un lazo de comunicación científica se produce entre ambos . Sin embargo, la situación se complica para Jung cuando Sabina, a medida que se siente recuperada revela avidez en mantener una experiencia sexual con él; cuando la relación estrictamente profesional llega a convertirse en personal -a pesar de que Jung estaba enamorado de su esposa (Sarah Gadon)-. éste comete una seria transgresión ética que de ningún modo complace a Freud puesto que el hecho puede servir de seria crítica para quienes se oponen a la práctica del psicoanálisis.

La parte más interesante del film descansa en el momento en que comienzan a surgir divergencias entre las posiciones profesionales asumidas por estos dos renombrados científicos. Jung se resiste a admitir que el tratamiento psiquiátrico esté basado exclusivamente en la sexualidad tal como lo concibe Freud y este último no puede admitir la experimentación realizada por su discípulo al demostrar interés en aspectos espirituales, telepatías y estados sobrenaturales.

Es loable el riesgo asumido por Cronenberg al tratar de involucrarse en los complejos laberintos de la mente humana y sobre todo en lo que concierne a los misterios de la sexualidad como elemento fundamental que rige nuestra conducta. Con todo, y a pesar de su seriedad, el film conserva demasiado su esquema teatral y en determinadas instancias los diálogos tienden a disminuir su impacto cinematográfico; más allá de esta observación, esta obra -sin duda absorbente resulta mucho más cerebral que emocional y podrá ser gozada mejor por un público que tenga un conocimiento previo del método psicoanalítico.

La interpretación es de primer nivel. A pesar de que en los primeros momentos Knightley puede aparecer un tanto sobreactuada, a medida que transcurre el metraje logra amplia convicción con todos los matices emocionales de Spielrein, pasando desde la atormentada enferma para convertirse en amante de Jung y llegar finalmente a ser una de las más inteligentes y prestigiosas psicoterapeutas de su época. Fassbender, en otra remarcable actuación de su breve carrera, es el Jung apocado y tímido hasta la médula para cambiar a partir de su relación con Spielrein y terminar siendo víctima emocional de su propia experimentación. En un papel más breve pero sustancioso, Mortensen sale más que airoso como el padre del psicoanálisis, en tanto que el actor francés Vincent Cassel se luce como un discípulo psicoanalista de Freud partidario de no reprimir los instintos sexuales y que Jung toma a su cargo para tratar de exorcizarlo de sus propios demonios interiores.

Conclusión: Un interesante drama filosófico sobre la sexualidad humana a través de la diferente concepción psicoanalítica de Carl Jung y Sigmund Freud

LA OM HOMENAJEA A HAITI

2012-01-21T17:23:00.004-05:00

El primer programa de la Orquesta Metropolitana (OM) de 2012 tiene características especiales. Se trata de un programa colorido que reflejando el carácter multicultural de Montreal constituye a la vez un humilde tributo al pueblo haitiano. Como es bien sabido, en enero de 2010 Haití fue víctima de un trágico terremoto y dentro de esas penosas circunstancias quedó manifestado el coraje y la fortaleza de su gente al tener que enfrentar inmensos daños humanos y materiales.

En consecuencia y para esta ocasión la OM decidió elaborar un programa de compositores de variada formación cultural celebrando la solidaridad manifestada por pueblos de diferentes culturas que a través de diversos medios demostraron su cariño y profundo afecto a la devastada nación caribeña.

El público tendrá oportunidad de identificarse con el espíritu de la música tradicional ”vudú” que es uno de los ritmos de percusiones más misteriosos y cautivadores del Caribe, como la vibrante energía de la música judía “klezmer” que nació en el este de Europa en la época medieval, así como apreciar la delicada fineza del violín chino denominado “erhu”.

El programa es dirigido por el joven maestro ruso Airat Ichmouratov y está integrado por Heartland, para erhu y orquesta de Mark Armanini, Dremlen Feygl Oif Di Tsvaygn (canción folclórica idish) de Jérôme Blais, obras sobre Baron Lacroix (homenaje a Haití) de Carmen Brouard y la obertura de Cosmopolitan City de Airat Ichmouratov dedicada a la ciudad de Montreal. La orquesta es acompañada por Lan Tung en el erhu, la soprano Janice Jackson y el pianista Patrice Laré.

Esta presentación especial es realizada a través de la gran región de Montreal gracias al auspicio del Conseil des arts y tendrá lugar en tres oportunidades, a saber: el miércoles 25 de enero (19h30) en la Iglesia Notre-Dame-des Sept-Douleurs de Verdun, el jueves 26 de enero (19h30) en la Maison Symphonique de la Place des Arts y el sábado 28 de enero (20h00) en el auditorio Désilets del Cégep Marie-Victorin de Rivière-des-Prairies. Información adicional puede obtenerse en el sitio www.orchestremetropolitain.com

LA DAMA DE HIERRO

2012-01-14T00:03:00.003-05:00

THE IRON LADY. THE IRON LADY. Gran Bretaña-Francia, 2011. Un film de Phyllida Lloyd

Comentario de Jorge Gutman

Al pasar revista crítica a este film sobre la vida de Margaret Thatcher resulta difícil olvidar los comentarios del Primer Ministro de Gran Bretaña David Cameron quien junto a numerosos políticos conservadores lamentaron que se la presente como una anciana frágil y con problemas de demencia senil. Más allá de cualquiera consideración ideológica, debo admitir que la observación no es desacertada; aunque de ninguna manera podrá considerarse que los responsables del film hayan insultado a la Dama de Hierro, lo cierto es que el guión de Abi Morgan pudo haber utilizado una aproximación diferente para reflejar la personalidad y pasión política de la Sra. Thatcher sin tener que recurrir a su estado actual que produce una innecesaria pero inmensa lástima contemplando el deterioro mental producido por el implacable envejecimiento físico.

Hecha la consideración que antecede, la directora Phyllida Lloyd logró un buen film que con el paso del tiempo será especialmente recordado por la insuperable actuación de Meryl Streep quien es sin duda una de las más grandes y dúctiles artistas del cine internacional. No encuentro las adecuadas palabras que hagan completa justicia a la interpretación antológica que Streep logró de Margaret Thatcher; es ella en cuerpo y alma, en el fraseo que logra con su tono de voz, en las diferentes miradas que echa al momento de tomar decisiones así como en los movimientos físicos que adopta frente a las diferentes alternativas que su personaje le hace vivir.

Con la ayuda de un asombroso maquillaje (J. Roy Helland), las primeras imágenes muestran a Streep metida en el cuerpo de la ex Primera Ministra a la hora actual. Moviéndose en forma pesada y considerablemente debilitada, en el departamento donde habita comparte su vida con el fantasma de quien fuera su amado marido Denis (Jim Broadbent) y que sigue viviendo en su imaginación. Aunque el guión no sigue un orden estrictamente cronológico, los recuerdos fragmentados de la vieja dama pasan revista a sus años de juventud cuando en ese entonces, la Margaret Roberts (Alexandra Roach) -hija de un almacenero- iba demostrando la naturaleza de su carácter y su firme posición feminista rechazando en forma decidida el rol tradicional de ama de casa asignado a la mujer; ése es precisamente el principal aspecto que le hace notar a su pretendiente Denis (Harry Lloyd) cuando éste le propone matrimonio.

Posteriormente, se la verá en su primer y fallido intento de ser electa como miembro del parlamento, sus primeras luchas cuando posteriormente debe desenvolverse dentro de un mundo masculino sexista de esa época, el momento en que ella se da cuenta que puede liderar al partido conservador y -después de haberlo logrado- su llegada al poder en 1979 como la primera mujer que tiene a su cargo el gobierno de Gran Bretaña. Los años iniciales de su gestión estarían signados por su conducción férrea y su decidida determinación de cortar gastos, no obstante la recesión y el alto desempleo imperante; tanto la inquietud social generada como los sinsabores producidos por el IRA con la huelga de hambre, hace que su popularidad estuviese en los niveles más bajos. Sin embargo, la ocupación de las Islas Malvinas por parte del gobierno argentino en 1982 habría de cambiar su fortuna; con completa convicción y en total oposición hacia su propio gabinete y la opinión pública, emprende una acción bélica contra Argentina, conduciendo a Gran Bretaña a su victoria y motivando a que obtuviese un éxito arrollador en las elecciones de 1983. A pesar de ser nuevamente reelecta por un tercer período en 1987, su estilo autocrático de liderazgo así como su política económica ultraconservadora que polarizó a la nación, produjo la deserción de algunos de sus ministros por discrepar con su filosofía, entre ellos la dimisión de su principal aliado Geoffrey Howe (Anthony Head) lo que precipitó su abrupto final al renunciar como líder de su partido y como Primera Ministra en 1990 tras 11 años y medio de gobierno.

Teniendo en cuenta que desde una perspectiva histórica, los acontecimientos narrados son prácticamente recientes, no es mucho lo que el film pueda ofrecer como novedad. Hay algunos episodios que aunque no hayan trascendido públicamente, uno pudo haberlos supuesto como es el caso de que la vocación política de esta dama haya sido a expensas de colocar en un segundo plano la atención a su marido y a sus dos hijos; de todos modos, queda claro que el film trató y logró humanizar su persona demostrando que a pesar de su firmeza y obstinación, sin claudicar jamás en sentimentalismos, emerge no obstante la presencia de una madre que lamenta y siente el dolor de quienes han perdido a sus hijos en el doloroso trance bélico. En lo personal y en aquellos momentos de intimidad, resulta agradable ver a la afectiva esposa bailando con su cónyuge Shall We Dance, el tema central del film musical The King and I que la pareja gozaba viéndolo.

A pesar de que el relato se sigue con interés dado que su ágil ritmo nunca decae, el espectador no puede pasar por alto que una considerable parte del mismo esté centrado en una mujer que a los ochenta y tantos años de edad le toca vivir en un completo estado de soledad, sobre todo después que experimentó la pérdida de su entrañable compañero, con el doloroso estigma de la senilidad y a la espera de la hora final. Así en las últimas escenas del film cunde en el ánimo del espectador una sensación de melancolía y tristeza al comprobar que quien fuera una persona inteligente y dinámica gobernando a una nación poderosa con un liderazgo indiscutible, queda ahora reducida a un ser débil, perdido e incapaz de valerse por sí mismo. ¿Era necesario brindar un retrato tan penoso? Cada espectador hallará su propia respuesta.

Conclusión: Aunque más no fuera que por contemplar la titánica caracterización que Meryl Streep hace de la Sra. Thatcher, este film honesto y bien realizado es recomendable.

IL TROVATORE

2012-01-13T23:44:00.007-05:00

OPERA DE MONTREAL

La Opera de Montreal presenta como tercera producción de la presente temporada Il Trovatore (El Trovador), la popular creación lírica de Giuseppe Verdi. Esta ópera cuya letra corresponde a Salvatore Cammarano está basada en la obra de teatro El Trovador de Antonio García Gutiérrez. Debido a que Cammarano falleció antes de haber concluido el libreto, ese hecho permitió a Verdi proponer algunas revisiones importantes que fueron realizadas por Leone Emanuele Bardare.

Presentada por primera vez en enero de 1853 en el Teatro Apollo de Roma, esta ópera inició a partir de entonces una carrera vertiginosa que incluyó su estreno en París en 1854, Nueva York y Londres en 1855, Montreal en 1858, para irse extendiendo a otros escenarios internacionales, sin haber disminuido sus representaciones a través del tiempo.

Su difícil y entreverada historia se desarrolla entre Vizcaya y Aragón dentro del contexto de la revuelta encabezada a comienzos del siglo XV por Jaime de Urgel contra Fernando de Antequera.

En el reparto de la presente versión, el rol de Manrico (el trovador), oficial del ejército del conde de Urgel, es interpretado por el tenor coreano Dongwon Shin. La soprano japonesa Hiromi Omura –quien hace unos años fue muy aplaudida en el rol principal de “Madame Butterfly”- anima a Leonora, la enamorada de Manrico. El siniestro Conde de Luna, implacable enemigo de Manrico, es cantado por el barítono canadiense Gregory Dahl, en tanto que el papel de Azucena –la gitana y madre de Manrico- es representado por la mezzo soprano italiana Laura Brioli en su primera actuación para la ODM. El reparto se completa con el bajo venezolano Ernesto Morillo, en compañía de los cantantes Gaétan Sauvageau, Karine Boucher, Riccardo Ianello y Jean-Michel Richer. La puesta en escena está cargo de Oriol Tomas, haciendo su debut para la compañía. La iluminación está a cargo de Anne-Catherine Simard-Deraspe. La Orquesta Sinfónica de Montreal, ejecutará la música bajo la dirección del maestro italiano Francesco Maria Colombo. Claude Webster se ocupa del Coro de la ODM.

La ópera es cantada en su versión original italiana con subtítulos en francés e inglés el 21, 24, 26 y 28 de enero en la sala Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts a las 19h30.

LA OSM RECIBE A CHRISTIAN GERHAHER

2012-01-08T13:07:00.003-05:00

El primer programa de la Orquesta Sinfónica de Montreal de 2012, bajo la batuta de su director artístico Kent Nagano, contará con la especial presentación del barítono alemán Christian Gerhaher.

El prestigioso cantante se ha destacado en el repertorio lírico mozartiano así como en la interpretación de los lieder de Shubert, canciones de Brahms y de Mahler, entre otros compositores. Después de haber grabado con la OSM El Canto de la Tierra de Mahler, en esta visita Gerhaher interpretará del genial compositor austríaco Canciones Sobre la Muerte de los Niños, en base a cinco emotivos textos de Friedrich Ruckert, escritos después de la muerte de sus dos hijos. También de Mahler, cantará Rückert-Lieder.

El programa se completa con la suite de Claude Debussy El Rincón de Los Niños (Children’s Corner) –que fuera compuesto en 1908 para su hijita de tres años y su gobernanta, y por el hermoso poema coreográfico de Ravel La Valse escrito en 1921, como un homenaje del compositor francés a la Viena imperial.

El concierto tiene lugar el miércoles 11 (20h00) y se repite el jueves 12 (20h00) y sábado 14 (20h00) en la Maison Symphonique de la Place des Arts.

IMPLACABLE RETRATO DE LAS RELACIONES HUMANAS

2012-01-06T22:44:00.003-05:00

CARNAGE. Francia-Alemania-Polonia-España, 2011. Un film de Roman Polanski

Comentario de Jorge Gutman

Resulta difícil sustraer la favorable impresión que me causó “Le Dieu du Carnage”, la pieza teatral de la dramaturga francesa Yasmina Reza, apreciada en francés y posteriormente en inglés. De allí que ahora, después de haber visto el film de Roman Polanski basado en la mencionada obra, no puedo menos que expresar mi gran satisfacción al comprobar la precisión con que el traslado al cine fue efectuado. Se trata de una pieza de cámara donde todo su desarrollo queda confinado a un solo escenario; sin embargo lejos de resultar claustrofóbica, la versión cinematográfica adquiere vuelo propio debido a la forma en que ha sido abordada. Polanski, valiéndose del guión por él escrito conjuntamente con Reza, para disimular su estructura teatral ubica las cámaras de tal modo que contribuye a que el espectador olvide por completo que está presenciando teatro filmado.

La historia de Reza es una ácida y lúcida descripción de las manifestaciones deplorables que pueden adquirir las relaciones humanas cuando la racionalidad cede paso al instinto animal.

A diferencia de la pieza teatral, el film transcurre en Nueva York en lugar de París y comienza con una secuencia que se desarrolla en un parque donde dos preadolescentes de 11 años de edad se pelean y uno de ellos golpea con un palo la cara del otro haciéndole perder dos dientes. De allí en más todo transcurre en el departamento de Penelope (Jodie Foster) y Michael Longstreet (John C. Reilly), los padres del chico golpeado, quienes reciben la visita de Nancy (Kate Winslet) y Alan Cowan (Christoph Waltz), los progenitores del niño victimario. .El encuentro tiene como propósito redactar en conjunto una carta al comité disciplinario de la escuela testimoniando lo ocurrido como así también tratar de que ambas parejas lleguen a una solución conciliatoria y pacífica.

Los dos matrimonios son clásicos representantes de la mediana burguesía. Penelope es una escritora de libros de derechos humanos, su marido un vendedor de productos hogareños, mientras que Nancy es una inversionista y Alan es abogado de una importante compañía farmacéutica. En nombre de las buenas maneras, todo comienza en forma decorosa y civilizada donde la conversación se ameniza con café y un postre servido por los dueños de casa. Cuando se cree que todo ha queda resuelto y los visitantes están por irse, surgen factores que los retienen retornando al departamento. A medida que la reunión se prolonga más allá de lo necesario comienzan a surgir comentarios incidentales de los dueños de casa hacia el hijo de los Cowan que hieren la sensibilidad de sus padres; eso comienza a desencadenar una guerra de nervios y tensiones donde los desencuentros iniciales de Penelope y Alan alcanzan niveles de discordia para luego irse extendiendo al resto del grupo.

El film que transcurre en tiempo real intercala las desavenencias de las partes involucradas entremezclados por inoportunos llamados que recibe Alan en su teléfono celular y de las comunicaciones que a su vez él efectúa, ignorando por completo la presencia de su esposa y de los dueños de casa; asimismo las conversaciones y altercados se entrecortan momentáneamente por parte del continuo llamado de la madre de Michael que en medio de la enrarecida atmósfera en que la reunión se desarrolla contribuye aún más a exacerbar los ánimos ya caldeados.

Dentro de la vorágine de situaciones que se van sucediendo en el transcurso del relato se va asistiendo a la desintegración de cuatro seres donde cada una de las parejas ataca a la otra además de las recriminaciones que se producen entre maridos y cónyuges; eso origina situaciones jocosas pero decididamente patéticas al demostrar cómo un incidente serio pero no catastrófico ponen en evidencia la fragilidad de las relaciones humanas entre personas que se muestran incapaces de resolverlo.

La autora de esta obra impone a sus protagonistas un gran desafío debido a las tensiones escénicas y los movimientos físicos a que están sujetos los protagonistas durante todo el metraje. En tal sentido la labor de los 4 intérpretes es de antología y resultaría injusto resaltar la actuación de cualquiera de los actores en detrimento de los restantes; Tanto Relly como Foster, Winslet y Waltz configuran un verdadero póquer de ases viviendo intensamente y con absoluta naturalidad sus respectivos personajes, mereciendo el respeto y decidida aprobación del público que los contempla.

A diferencia de la impresión de tristeza que deja la obra teatral, Polansky y Reza han introducido un ingenioso epílogo donde asoma una luz de esperanza. Mejor así.

Conclusión: una nueva lección de cine de Polanski quien acompañado de admirables actores echa una mirada mordaz e implacable a las relaciones humanas.

UNA EXCEPCIONAL ARTISTA DE LA DANZA

2011-12-23T09:47:00.003-05:00

PINA. Alemania, 2011. Un film de Wim Wenders

Comentario de Jorge Gutman

Para quienes no hayan oído hablar de ella, vale aclarar que Pina Bausch fue una extraordinaria coreógrafa alemana, además de eximia bailarina, profesora y directora de ballet. Con su distintivo estilo conjugando movimientos, sonidos y excepcionales puestas escénicas, se convirtió en una de las personas de mayor influencia en el género de la danza moderna desde los años 70.

Por la razón que antecede, el prominente realizador Wim Wenders, desde hacía tiempo deseaba efectuar un documental sobre la artista, donde la magia del cine pudiera amalgamarse con la riqueza artística de su ballet. El destino dispuso algo diferente porque cuando en junio de 2009 todo estaba preparado para el rodaje del film, Bausch sucumbe de un cáncer dos días antes de su comienzo. A pesar de esa gran pérdida, y en lugar de anular el proyecto, Wenders decidió llevarlo a cabo a través de sus intérpretes y como un homenaje póstumo a su arte creador; por esa razón lleva como subtítulo Un film para Pina Bausch de Wim Wenders.

De este modo el realizador decidió concentrarse en los integrantes de la compañía Tanztheater de la ciudad de Wuppertal que Bausch dirigía desde 1973 seleccionando algunas de sus famosas coreografías que incluyen Cafe Müller, La Consagración de la Primavera, Vollmond y Kontakthof. Para que el documental adquiera dinamismo cinematográfico, las cámaras además del escenario teatral enfocan el desplazamiento de los bailarines actuando en las calles y parques de Wuppertal.

El film se complementa con algunos materiales de archivo y con entrevistas de los artistas expresando sus comentarios sobre la labor que realizan, la experiencia de haber trabajado con su inolvidable maestra y lo que para ellos significó en términos de aprendizaje y enriquecimiento artístico la presencia de Pina.

Por primera vez en su filmografía, Wenders utiliza la técnica 3D para que el espectador sintiera una experiencia diferente a la de visualizar un espectáculo de ballet filmado en formato 2D. Aunque hasta el presente la tercera dimensión es generalmente utilizada para resaltar los efectos especiales de las producciones espectaculares de Hollywood, la decisión del realizador ha sido acertada; lejos de querer impresionar con imágenes que salen de la pantalla, el documental crea la sensación de estar apreciando un espectáculo de danza con la profundidad del escenario así como logra reforzar la intensidad dramática y la variada gama de emociones emanadas de la coreografía de Bausch en los fragmentos de los ballets representados.

Conclusión: Un film poético y de cautivante poder visual que la inolvidable Pina habría aprobado sin reserva alguna.

LAS NIEVES DE KILIMANJARO

2011-12-23T09:35:00.004-05:00

LES NEIGES DU KILIMANDJARO. Francia, 2011. Un film de Robert Guédiguian

Comentario de Jorge Gutman

Este film es un buen documento social enmarcado dentro del clima de la crisis económica que afecta al mundo y en donde Francia no es la excepción. Ubicando la acción, como gran parte de la filmografía del realizador, en su bienamada ciudad de Marsella, los personajes son gente de la clase obrera que trabajan duramente para ganar el dinero que proveerá el sustento a sus familias.

En esta historia concebida por Guédiguian y el coguionista Jean-Louis Milési, Michel (Jean-Pierre Darroussin) es un noble y bien querido líder sindical que representa a los estibadores portuarios; debido a la crisis, la administración de la empresa se ve obligada a licenciar 19 trabajadores y es Michel quien debe decidir quienes serán los afectados. Para que el proceso resulte democrático, este noble individuo decide librarlo a la suerte, efectuando un sorteo donde todo el personal y él mismo participan. Resultado del mismo es que Michel es uno de los trabajadores que quedan sin empleo. La nueva situación de prematuro jubilado lo obliga a reacomodar su vida y aunque la adaptación a la nueva situación no resulte muy fácil al menos cuenta con el calor familiar procurado por su devota esposa Marie-Claire (Ariane Ascaride) y el cariño de sus hijos y pequeños nietos.

A los pocos días, Michel celebra sus 30 años de casado con una pequeña fiesta a la cual acuden familiares y amigos, donde él y su señora reciben de los invitados un cofre conteniendo dos pasajes a Tanzania para visitar la montaña de Kilimanjaro y un monto adicional de dinero para las expensas de este viaje que el buen hombre soñó ver realizado algún día. Pero el destino dispone otra cosa cuando horas después de la reunión, el matrimonio que se encuentra en su casa junto con la hermana de Marie-Claire y su marido (Gérard Meylan, Denise Marilyne) son brutalmente asaltados por dos ladrones enmascarados que además de robarles la caja conteniendo los pasajes y el dinero para el viaje, también les sustraen las tarjetas de crédito. Sería injusto revelar la identidad de los asaltantes y menos aún de lo que acontece después; con todo baste señalar que la historia adquiere el carácter de un cuento moral cuando Michel entra en crisis con su conciencia al haber denunciado a uno de sus agresores después de haber sido identificado.

Para realizar este film Guediguian se inspiró lejanamente en el poema de Victor Hugo Les pauvres gens (La gente pobre), un verdadero canto a la solidaridad y generosidad humana; eso es lo que refleja el contenido de este emotivo relato, sobre todo en su conmovedor desenlace. Frente a un mundo cada vez más egoísta, individual y materialista, donde el triunfo se mide por el éxito económico, es posible que lo que aquí se expone resulte demasiado idealista como para ser completamente creíble. Pero el realizador prefirió que su historia adquiera el carácter de fábula aleccionadora donde los valores de la dignidad e integridad se imponen.

Guediguian contó para los papeles principales con un elenco de actores que participan en la mayoría de sus filmes como lo son Ascaride (su esposa en la vida real), su actor fetiche Darroussin y Meylan; en los roles secundarios se destacan Marilyne Canto y Grégoire Leprince-Ringuet, así como en los renglones técnicos se distingue la fotografía de Pierre Milon.

Conclusión: Un film enormemente gratificante por su profundo contenido humanista.

MISION CUMPLIDA

2011-12-23T09:26:00.003-05:00

MISSION IMPOSSIBLE – GHOST PROTOCOL. Estados Unidos, 2011. Un film de Brad Bird

Comentario de Jorge Gutman

Aunque la popularidad de Tom Cruise se ha visto disminuida en los últimos años, Mission Impossible – Ghost Protocol trata de resucitarla; en efecto, dada la extraordinaria energía física que despliega en este film, demuestra que se encuentra en plena forma animando películas de acción. Por su parte el director Brad Bird -que dio muestras de su talento en el campo de la animación (Ratatouille, “The Incredibles)- en su primer film en vivo se adapta muy bien al propósito del relato permitiendo que Cruise disponga de la libertad de acción necesaria para que su actuación llegue a gravitar.

Este cuarto capítulo escrito por Josh Appelbaum y André Nemec, basado en la popular serie televisiva del mismo nombre, comienza con alto voltaje al presenciarse cómo el agente Ethan Hunt (Cruise) es liberado espectacularmente de una cárcel de Moscú gracias al manejo electrónico orquestado desde el exterior por Benji Dunn (Simon Pegg), uno de los hombres de su confianza; nunca se llega a saber porqué estuvo allí, pero eso poco parecería importar. Inmediatamente, es solicitado por la IMF (Impossible Mission Force) para una nueva tarea de la cual además de Benji, participa también la agente Jane Carter (Paula Patton). Esta misión tiene como propósito infiltrarse en el Kremlin para apoderarse de un expediente de Kurt Hendricks (Michael Nyqvist), un siniestro individuo capaz de lanzar armas nucleares que pueden extinguir a la humanidad. Pero la operación queda seriamente comprometida cuando después de que el grupo sale del Kremlin se produce una fuerte explosión donde gran parte del edificio queda destruido. Como consecuencia del atentado, y antes de que Rusia pueda atribuirlo a los Estados Unidos, el jefe de Ethan (Tom Wilkinson) le comunica que el presidente de la nación ha decidido considerar a la IMS fuera de circulación convirtiéndola en un “protocolo fantasma”. La respuesta de Ethan es contundente: con sus dos compañeros y el apoyo de William Brandt (Jeremy Renner) -un analista del Ministerio de Defensa-, saldrá a la caza del brutal asesino quien fue el causante de la detonación.

Lo que sigue encuadra dentro de los relatos del género donde además de acción se trata de generar alguna cuota dramática y cierta tensión al entrar en juego las relaciones de las dos grandes potencias. Como el argumento es completamente disparatado e inverosímil, para tratar de acomodarse al esquema del film es necesario dejar de lado cualquier pensamiento o raciocinio lógico, tratando a cambio de disfrutar del magnífico despliegue visual –tal como se lo contempla en IMAX- así como de alguno que otro momento de impacto dramático. Hay una secuencia que quita el aliento; la misma tiene lugar en Dubai cuando Ethan a 300 metros de altura va escalando con guantes adhesivos las paredes exteriores del Burj Khalifa, el edificio más alto del mundo; a decir verdad, la filmación de esa escena, la cual ignoro si acaso fue real o generada por computadora, constituye un verdadero logro por el vértigo que produce y la consecuente tensión de ver cómo nuestro héroe logrará salvar su vida.

En líneas generales, el relato no se aparta de lo rutinario; lo que aquí se ofrece es un entretenimiento masivo con algunos momentos de oportuno humor y una constante acción traducida en una sucesión de corridas, saltos, vuelos humanos, persecuciones peligrosas, que a la postre se tornan repetitivas. En cuanto a la esencia dramática del film configurada por la posibilidad de un holocausto nuclear, los enemigos que Ethan debe enfrentar –el sanguinario Hendricks y una sugestiva asesina (Lea Seydoux)- están débilmente delineados por el guión como para que lleguen a causar pánico.

A nivel de interpretación, los actores se limitan a cumplir lo que el guión les provee donde sus personajes son descriptos de manera superficial y sin profundidad alguna. Excepción a la regla es Cruise quien ofrece una actuación absorbente; con su destreza, agilidad, entusiasmo y devoción logra que su personaje resulte atractivo y dinámico.

Para el placer de la vista la fotografía de Robert Elswit aprovecha acabadamente los escenarios de Moscú, Dubai y Mumbay donde la acción se desarrolla, en tanto que en la banda sonora la música Michael Giaccchino es muy buena e intercala el conocido tema central de la serie compuesta por Lalo Schifrin.

Conclusión: Un espectáculo para el lucimiento de Tom Cruise y al servicio del gran público que quiera disfrutar de un entretenimiento aceptable aunque no remarcable.

EL CIRQUE DU SOLEIL VISITA MONTREAL

2011-12-20T18:53:00.005-05:00

DRALION. Dirección escénica: Guy Caron. Dirección artística: Stéphane Roy. Intérpretes: Vladislav Myagkostupov, Han Yuzen, Jonathan Morin, Marie-Ėve Bisson. Bailarines: Amanda Orozco, Lorant Markocsany. Cantantes: Cristian Zabala, Agnes Sohier. Música: Violaine Corradi. Coreografía: Julie Lachance. Vestuario: François Barbeau. Iluminación: Luc Lafortune

Comentario de Jorge Gutman

Nuevamente el público de Montreal tiene la ocasión de disfrutar un espectáculo de calidad con el renombrado Cirque du Soleil en ocasión de la presentación de Dralion. En rigor de verdad se trata de un reestreno puesto que el espectáculo tuvo su estreno en abril de 1999 en la tradicional carpa circense y de esa manera recorrió el mundo entero. A partir de octubre de 2010 la compañía comenzó a representar el espectáculo en las arenas de Canadá y Estados Unidos con el propósito de congregar a un público más numeroso y poder incluir ciudades más pequeñas.

Si bien es cierto que la carpa permite un encuentro más íntimo con sus intérpretes lo cierto es que el brillo del espectáculo sigue vigente. El elenco ya no es el mismo y ahora está prestigiado con la participación de artistas de origen oriental, además de haber sido reelaborado parcialmente con la inclusión de nuevos cuadros, aunque sin alterar la esencia de su contenido original.

El objetivo de Dralion es tratar de fusionar la tradición milenaria de las artes acrobáticas chinas con el enfoque multidisciplinario que ha caracterizado a todas las producciones de esta compañía. La trama está inspirada en la filosofía oriental de la búsqueda de un equilibrio entre el ser humano y la naturaleza; a pesar de que el hilo temático es endeble, de ningún modo disminuye la jerarquía de lo que se presencia.

Con un equipo interpretativo que incluye más de 50 acróbatas, atletas, músicos y cantantes provenientes de diferentes lugares del mundo, Dralion cobra enorme vuelo en sentido figurativo y también literal en el marco del escenario donde se desarrolla. Dentro de sus variados números se destaca el de apertura, denominado “Los cuatro elementos y el pequeño buda”, donde están presentes los factores fundamentales que rigen el orden natural y representados por el aire, agua, fuego y tierra. Otros cuadros incluyen un sorprendente ballet con los “draliones” -mitad dragón y mitad león- a través de dinámicas y magnéticas secuencias con los artistas realizando movimientos acrobáticos mientras logran balancear pelotas de cuero. Más íntimo y de admirable belleza plástica es un “pas de deux” de una danza aérea donde sus bailarines dan prueba de su competencia en materia de flexibilidad y fuerza. También remarcable es observar a un artista realizando un estupendo acto de malabarismo con siete pelotas simultáneamente con estilizada coreografía y reminiscencia de danza moderna. El arte de la acrobacia despierta admiración en el despliegue realizado por 10 artistas que se zambullen y se tiran entre ellos como si se tratara de flechas a través de pequeños aros de madera.

Además de sus números artísticos, la fusión de la cultura occidental y oriental se manifiesta en la presencia de la música con motivos rítmicos y líricos inspirados en melodías indias con influencia europea, así como con su fastuoso y exótico vestuario de intensos colores provenientes de China, India y África.

Si hay alguna objeción que el espectáculo me ha merecido es la inclusión de payasos que de algún modo no se acomodan a la naturaleza del mismo. Más allá de esta observación debo aclarar que el entusiasmo de los espectadores al terminar la función ratifica una vez más el merecido prestigio mundial del Cirque du Soleil. Las representaciones continúan hasta el 30 de diciembre en el Centro Bell.

PARIS JE T'AIME

2011-12-20T08:34:00.002-05:00

MIDNIGHT IN PARIS. España-Estados Unidos, 2011. Un film escrito y dirigido por Woody Allen. Distribución: Sony Pictures Home Entertainment (2011)

Comentario de Jorge Gutman

Si no hubiese vivido en Manhattan lo habría hecho en París. Eso es lo que expresa Woody Allen a quien quiera escucharlo y para demostrarlo basta ver su última película Medianoche en París que ciertamente constituye una carta de amor a París, ciudad con la que este director se siente totalmente identificado y a la que considera la más hermosa del mundo. Si bien Allen ya había utilizado el mismo escenario en parte de su film Everyone Says I Love You (1996), en esta oportunidad está totalmente dedicado a París. Habiendo plasmado una bella comedia sentimental, el prolífico realizador transporta a su público en un viaje retrospectivo a la capital de Francia de los años luminosos del siglo 20, cuando atraía a los más grandes creadores internacionales de la literatura, pintura, cine, danza y otras expresiones artísticas.

Los primeros minutos del film no dialogados constituyen una hermosa postal turística que bien podría haber sido promocionada por la Oficina Nacional de Turismo de la ciudad. Así se la aprecia de día, por la tarde, al anochecer, a la medianoche, con buen tiempo y con lluvia, con la extraordinaria belleza de sus calles, jardines, bulevares, restaurantes, cafés y en donde la Torre Eiffel permanece erguida como el majestuoso símbolo de la bien denominada Ciudad Luz. Ahí llegan de visita Gil (Owen Wilson) junto con su novia Inez (Rachel McAdams) y sus futuros suegros, John (Kurt Fuller) y Helen (Mimi Kennedy) quienes son unos recalcitrantes conservadores y no consideran al muchacho como el más adecuado compañero para su hija. Gil es un exitoso escritor de Hollywood, de espíritu bohemio, pero su aspiración mayor es convertirse en un gran autor literario; en tal sentido está completamente absorbido con la novela que está escribiendo y que está convencido de sentirse inspirado en París, ciudad a la que ama y donde le gustaría vivir el resto de su vida. Ese punto de vista de ninguna manera es compartido por su novia quien jamás dejaría los Estados Unidos y además encuentra que Gil vive más en un mundo de ensueño que en la realidad que lo circunda.

Una noche en que el aspirante a novelista se encuentra solitario y vagando sin rumbo fijo por las calles de la ciudad, llega la hora de la medianoche y a través de un mecanismo mágico la actual realidad cede paso al pasado no vivido por él pero al que siempre añoró haber estado presente. Invitado por los novelistas F. Scott (Tom Hiddleston) y Zelda Fitzgerald (Alison Pill), participará de una fiesta noctámbula que lo hará conocer a su reverenciado Ernest Hemingway (Corey Stoll) a quien le pide ayuda para que le lea el borrador de la novela que está escribiendo y le dé su opinión; el célebre escritor le responde que la persona más adecuada para hacerlo es Gertrude Stein (Kathy Bates), la famosa escritora, poeta y coleccionista de arte; cuando llegan a su salón literario ahí se encuentra con otros famosos artistas como Pablo Picasso (Marcial Di Fonzo Bo), su amante de turno Adriana (Marion Cotillard) y el cineasta Luis Buñuel (Adrien de Van), entre otros, en medio de apreciaciones y discusiones sobre el último trabajo que Picasso acaba de completar.

Cuando el alba irrumpe, el ensueño de Gill lo traslada a la realidad aunque sus horas vividas con los grandes artistas lo siguen acompañando en el resto de la jornada al punto tal que su novia llega a dudar de su estado mental. La fantasía seguirá sucediéndose en las siguientes medianoches y el período de los años locos volverá nuevamente a cobrar vida con un Gil que, entre asombrado, hipnotizado y deleitado, va conociendo a los grandes pintores Henry Matisse (Yves-Antoine Spoto), Paul Gauguin (Olivier Rabourdin), Edgar Degas (François Rostain), al glorioso compositor Cole Porter (Yves Heck), la gran cantante Joséphine Baker (Sonia Rolland) y nada menos que al dramaturgo y excepcional poeta Thomas S. Elliot (David Lowe).

Allen ya había logrado con gran éxito la convivencia de una historia de la vida real transformándola en ocurrente fantasía en The Purple Rose of Cairo (1985). Aquí nuevamente consigue que su vivaz ingeniosidad cobre vuelo llevando al espectador a un mundo esplendoroso habitado por personajes que realmente existieron y que cobran vida no solamente a través de notables caracterizaciones sino por un casting que trató de cuidar de que los actores seleccionados se asemejen físicamente a quienes deberían personificar. Por si eso fuera poco, cabe felicitar a Allen por la forma en que su inspiración le permitió lograr algunos momentos muy ingeniosos; como vía de ejemplo, se puede mencionar una escena –que los cinéfilos amarán- en que Gil le adelanta a Buñuel lo que sería el argumento de El Angel Exterminador, film que el genial cineasta dirigió en 1962.

Otros detalles que destacan al film son sus diálogos. No es sorpresa que Allen siempre se destacó por la excelencia de los mismos, incluso en sus trabajos menos logrados. Pero aquí, ese aspecto queda resaltado aún más porque en las conversaciones ficticias que Gil mantiene con algunos personajes, tales como Hemingway, Dali, Stein, Buñuel por ejemplo, parecería que éstas fuesen verdaderas y en donde cada una de las frases dichas es objeto de regocijo.

La recreación de época por parte de Anne Seibel como diseñadora de producción y el vestuario de Sonia Grande, son detalles meticulosamente tenidos en cuenta, reflejando con autenticidad tanto el período de los años 20 como el París actual.

Como de costumbre, la música de jazz que Allen utiliza en sus filmes, aquí más que nunca se presta adecuadamente en perfecta combinación con algunas de las melodías encantadoras de Porter.

He dejado para el final el rubro interpretación. Nuevamente queda ratificado que Allen es un excelente director de actores. Comenzando por el protagonista, el Gil de Wilson es remarcable; lo que podría ser una suerte de alter ego de Allen pero sin su neurosis, este actor es el alma del film dado que su personaje transmite una sinceridad y un entusiasmo capaz de contagiar a la audiencia y lograr que en todo momento simpatice con su persona. Dentro de los personajes actuales se destaca Michael Sheen animando muy bien a un pedante intelectual y cuya presencia irrita sobremanera a Gil. Dentro de los personajes de antaño, sobresalen Bates, Brody y sobretodo Cotillard brindando ternura como el interés sentimental de Gil quien encuentra en ella lo que está ausente en su novia del presente. Algunas palabras para Carla Bruni; la actual Primera Dama de Francia aparece en 4 breves escenas animando a una guía de museo parisina; aunque su actuación no tenga mayor relevancia, cumple su cometido en forma satisfactoria en función de lo que el guión le permite.

Aunque éste no sea el mejor film de Allen, sin duda está entre los mejores que realizó en la última década. En esencia, hay una atmósfera nostálgica excelentemente lograda, una forma ideal de retratar el clima intelectual de una época en forma sencilla y nada pretenciosa; hay un humor chispeante que se manifiesta permanentemente, un montaje adecuado que logra en 94 precisos minutos que el ritmo e interés no decaiga en momento alguno y por último en el fondo hay una ciudad que brilla más que nunca gracias a la hermosa fantasía que Woody Allen nos ofrece.

El film está editado en los formatos Blu-ray y DVD en inglés y francés con subtítulos optativos en español, francés e inglés. Como suplemento contiene extractos de la conferencia de prensa que tuvo lugar en el Festival de Cannes de este año en oportunidad de su primera exhibición pública; en la misma participan Woody Allen, Owen Wilson, Rachel McAdams y Adrien Brody.

UNA HISTORIA DE ADULTERIO

2011-12-16T12:58:00.002-05:00

TUESDAY, AFTER CHRISTMAS. Rumania, 2010. Un film de Radu Muntean

Comentario de Jorge Gutman

Confirmando la calidad que el cine rumano vino deparando en los últimos años (4 meses, 3 semanas, 2 días, La Muerte del Sr. Lazarescu, Bu12:08 Hora Este de Bucarest) el film de Radu Munteau vuelve a sorprender abordando el tema del adulterio: si bien ese tópico ha sido tratado en múltiples oportunidades, aquí adquiere una fisonomía distintiva por su franco realismo.

Como si el espectador estuviese asistiendo en forma invisible, las primeras imágenes que transcurren durante unos 7 minutos y con una cámara prácticamente inamovible, reflejan la intimidad de una pareja durante el acto de amor y los instantes que le siguen con el relajamiento postcoital. Nada de lo que se dice es trascendente pero la banalidad de las palabras no podría reflejar más adecuadamente lo que en la vida real suele ocurrir entre dos personas que se aman. La siguiente escena demuestra que Paul (Mimi Branescu) y Raluca (María Popistasu) son amantes; en efecto cuando él y su esposa Adriana (Mirela Oprisor) están en una zapatería comprando un calzado para Paul queda claro que ella no sospecha que algo esté aconteciendo en su relación conyugal y el comportamiento de ambos no se diferencia mucho del de otras parejas casadas que aunque guardan mutuo cariño, después de varios años de convivencia la pasión inicial se ha visto disminuida. Un momento de cierta tensión se produce cuando Adriana acude con su marido al consultorio dental donde su hijita Mara (Sasa Paul-Szel) de 9 años es tratada por Raluca quien en su carácter de dentista explica a los padres el tratamiento al que la pequeña es sometida.

El guión escrito por el realizador y sus colaboradores Alexandru Baciu y Razvan Radulesco evita el tono melodramático y tampoco recurre a situaciones vistas en otras muestras sobre infidelidad conyugal; aquí ni la amante exige la separación ni tampoco la esposa es desagradable o poco simpática. Por el contrario, el relato se interesa en describir la situación ambigua de Paul de la manera más natural posible creando en su primera hora de metraje la curiosidad de saber cómo y cuándo la verdad saldrá a relucir y de qué modo reaccionarán las partes afectadas. Cuando la misma llega con la confesión del hombre a su esposa, la calma inicial se traduce en dolor y posteriormente ella reacciona con ira; a pesar de ese momento de honda intensidad emocional, la narración no llega a desbordar.

La historia transcurre durante los días previos a la celebración de las fiestas navideñas, período en que por lo general queda evidenciado el valor de la familia y donde aquí ocurre precisamente lo contrario.. De allí que el relato mantenga la intriga hasta el final por ver cómo Paul y Adriana revelarán a su hija y a los padres de Paul lo que está pasando.

En ningún momento Muntean juzga moralmente a sus personajes sino que se limita a exponer los hechos para que el público lo catalogue por sí mismo. No hay indicio alguno que señale cómo un hombre casado, donde aparentemente todo marchaba bien durante 10 años, tenga que optar entre dejar a su familia o bien a su amante. Por eso, el film puede producir cierta incomodidad y tristeza al comprobar cómo la falencia del comportamiento humano es capaz de conducir al quiebre de una sana relación matrimonial cuando el destino introduce inesperadamente a una tercera persona en el camino.

El film está impecablemente realizado, sus diálogos no son abundantes pero rigurosamente precisos y el uso de largos planos secuencia permite que uno se involucre plenamente de lo que está aconteciendo.

Conclusión: Una película íntima y sutil que deja una impresión decididamente positiva.

2011-12-16T12:44:00.002-05:00

TINKER, TAILOR, SOLDIER, SPY. Gran Bretaña-Francia-Alemania, 2011. Un film de Tomas Alfredson.

Comentario de Jorge Gutman

Tomas Alfredson después de haber abordado exitosamente una historia de vampiros en el film sueco Let the Right One In (2008), hace su primera incursión en el cine de habla inglesa abordando un género completamente diferente; en esta ocasión se involucra en el mundo del espionaje tomando como referencia la novela de John Le Carré Tinker, Tailor, Soldier, Spy publicada en 1974. Lejos de las historias del mismo género y de gran acción concebidas por Ian Fleming con James Bond, Le Carré adopta en sus relatos un tono emocionalmente frío, cerebral y más pausado, algo que precisamente se aprecia en este film. Su historia ya fue objeto en 1979 de una satisfactoria miniserie británica para la televisión que duraba varias horas, mientras que aquí el tiempo queda reducido a un espacio de dos horas de metraje que, dada la naturaleza de su compleja trama, resulta insuficiente para expresar fielmente toda la riqueza de la obra literaria.

Este relato es una variación sobre los aspectos considerados por Le Carré en su literatura analizando la Guerra Fría durante los años de postguerra. Cuando Control (John Hurt), la máxima autoridad del Servicio de Inteligencia Británico -generalmente conocido como M16- sospecha que dentro de la organización hay un informante que actúa para los rusos, encomienda al agente Jim Prideaux (Max Strong) que viaje a Budapest a fin de contactar a un general que le habrá de suministrar el nombre del doble espía. Sin embargo, la operación fracasa cuando Jim es baleado en Budapest y Control es despedido de su cargo muriendo poco tiempo después. El problema es ahora abordado por uno de los ministros del gobierno (Simon McBurney); para ello convoca al jubilado George Smiley (Gary Oldman), quien fuera uno de los principales espías del M16, para que abandone temporalmente su retiro a fin de tomar las riendas del asunto; concretamente debe determinar quién es el topo infiltrado en la agencia dentro de una lista reducida a cuatro sospechosos que trabajan en la misma con nombres codificados; ellos son Percy Alleline (Toby Jones) “Tinker”, Bill Haydon (Colin Firth) “Tailor”, Roy Bland (Ciarán Hinds) “Soldier” y Toby Esterhase (David Dencik) “Poor Man”.

El relato es demasiado denso y absorbente creando algunas dificultades para seguir su desarrollo para quienes no hayan visto la serie o leído la novela. Así, cierta confusión se produce debido a diferentes razones, a saber: los numerosos personajes secundarios que contiene la historia no siempre están vinculados con claridad, las diferentes subtramas dentro de la trama central propenden a desviar la atención, las situaciones cambiantes que se van produciendo en el proceso de investigación de Smiley y los numerosos flashbacks del presente al pasado someten al espectador corriente al desafío de poder digerir en forma satisfactoria el desarrollo del relato. Curiosamente cuando muchas veces se suele objetar la excesiva duración de un film, éste es uno de los raros casos donde una media hora adicional de metraje podría haber permitido una mayor claridad expositiva.

A pesar de las observaciones formuladas, el film transmite el clima opresor y lúgubre de la Guerra Fría reflejando un moderado suspenso aunque sin escenas de gran tensión. A nivel de interpretación, la actuación de Oldman es sobresaliente al cargar sobre sus hombros el peso del relato, brindando considerable gravedad emocional a su personaje; otros nombres destacables son los de Hurt, Tom Hardy y Benedict Cumberbatch. En los renglones técnicos se destaca el excelente trabajo del compositor Alberto Iglesias en la banda sonora.

UNA DIFICIL RELACION FAMILIAR

2011-12-16T12:29:00.002-05:00

THE EYE OF THE STORM. Australia, 2011. Un film de Fred Shepisi

Comentario de Jorge Gutman

Un potente drama aunque no del todo bien estructurado es lo que ofrece Fred Shepisi con The Eye of the Storm, sobre las dificultosas relaciones mantenidas entre una madre y sus dos hijos. Adaptado de la novela del mismo nombre del Premio Nobel de literatura Patrick White, este film se distingue por la calidad de su elenco encabezado por Charlotte Ramplilng, Geoffrey Rush y Judy Davis.

El guión de Judy Morris enfoca a Elizabeth Hunter (Rampling), una anciana octogenaria de gran fortuna quien gravemente enferma pasa sus últimos días de vida en una mansión palaciega en un suburbio de Sydney mientras aguarda la llegada de sus dos hijos expatriados. Ellos son Basil (Rush), un famoso actor de teatro de Londres, y Dorothy (Davis) quien vive en Francia y está divorciada de un hombre de la nobleza que la convirtió en princesa.

El reencuentro familiar no impide que la postrada Elizabeth en sus pocos momentos de lucidez, siga lanzando dardos ponzoñosos a sus hijos así como lo ha hecho durante toda su vida; en rigor de verdad, el retorno de Basil y Dorothy no se debe tanto al respeto que les merece su madre a punto de morir sino que por las dificultades financieras en que ambos se encuentran están interesados en hacerse cargo de la importante herencia que les habrá de corresponder.

Además de sus hijos, Elizabeth está rodeada por el leal personal que la atiende. Entre ellos se encuentra un par de enfermeras, una es Flora (Alexandra Schepisi) quien sabe cómo granjearse la simpatía de la enferma a la vez que astutamente seduce a Basil persiguiendo intereses personales; la otra es la sumisa Mary (Maria Theodorakis); también se encuentra Lotte (Helen Morse), una angustiada y devota cocinera que, ataviada con los elegantes vestidos de Elizabeth, la entretiene con sus bailes y números de cabaret durante sus horas libres. Otros personajes incluyen a Albert (John Gaden) el devoto abogado de Elizabeth, ocupado de redactar su testamento y de ejecutarlo cuando llegue el momento de hacerlo, y un aspirante Primer Ministro (Colin Friels) que trata de conquistar a Dorothy.

Aunque el film dure dos horas no es mucho lo que anecdóticamente se llega a resaltar. Parte del relato descansa en los recuerdos que acuden a la confusa mente de Elizabeth; allí retornan los fantasmas del pasado donde con veinte años más joven aparece menospreciando y humillando a sus hijos, especialmente a Dorothy al punto tal de arrebatarle a su atractivo novio. Si bien esas escenas intentan agregar nuevos matices sobre la personalidad de la moribunda, lo más importante, aunque no del todo lograda, es una escena de epifanía espiritual que experimenta como consecuencia de una borrascosa tormenta.

Aunque bien filmada, la película sufre los efectos de un guión un poco deshilvanado que resta fuerza al relato; por ejemplo una pareja con 4 hijos vive cerca del lugar donde Basil y Dorothy pasan cierto tiempo; sin embargo, nada se sabe quiénes son o cómo se injertan en el relato.

Rampling, en la piel de la sarcástica y malevolente anciana, ofrece una de las mejores actuaciones de su exitosa carrera; a su lado, Rush da otra muestra de solidez como un donjuanesco y presumido individuo, y Davis deja una indeleble impresión animando a una frustrada y un tanto neurótica mujer; todos los actores de apoyo también son muy convincentes. En resumen, éste es un film ambicioso que aunque no logra convencer por completo, se deja ver por el nivel de interpretación, indudablemente el plato fuerte del mismo.

CINE EN LA PLAZA: SHERLOCK HOLMES COMO CARICATURA

2011-12-15T12:22:00.006-05:00

Los lectores del más popular detective tendrán otra vez que bregar para reconocer al real Sherlock Holmes—detective primeramente cerebral como lo concibió Arthur Conan Doyle—en medio de la maraña de balazos y violencia gratuita del recientemente estrenado Sherlock Holmes—A Game of Shadows (Sherlock Holmes—Un juego de sombras). Básicamente se trata de un Sherlock Holmes adaptado para las mentalidades light de Norteamérica.

Comentario de Sergio Martínez

SHERLOCK HOLMES—A GAME OF SHADOWS. Dirigida por Guy Ritchie (EE.UU., 2011)
Confieso haber ido a la exhibición de este film con cierta predisposición negativa fomentada por la primera versión de Sherlock Holmes, dirigida por el mismo realizador que esta vez nos ha endilgado una segunda parte a la historia del famoso detective. Lamentablemente ese sentimiento se vio confirmado una vez terminada la cinta.

Mi primera objeción apunta a la premisa misma del personaje central (encarnado por Robert Downey Jr.,) la que es completamente desvirtuada en esta segunda versión aun más que en la primera. En efecto, cualquiera que haya leído al menos algunas de las obras del famoso detective creado por Arthur Conan Doyle, o haya disfrutado de la excelente serie producida por Granada Television de Gran Bretaña en 1994, sabrá que Holmes es primeramente un detective cerebral, un hombre que resuelve sus casos recurriendo a lo que llama “deducción” (en estricto sentido, se trata de su opuesto, “inducción” la llegada a una conclusión a partir de la observación de un evento o detalle particular). En todo caso, básicamente un proceso lógico. Ese es su fuerte, como luego lo sería en otro detective famoso como Hercule Poirot, creado por Agatha Christie), y eso es lo que da al personaje su carácter esencial. En los textos originales efectivamente Holmes recurre ocasionalmente a la violencia y al uso de armas, pero eso es sólo un complemento a su trabajo detectivesco. Lo central es su impecable capacidad de razonamiento.

En este film en cambio lo que se enfatiza en algo así como un 90 por ciento de la historia, es el uso de armamento, incluyendo ametralladoras cuyo uso estaba muy lejos de ser generalizado en la época en que la película se sitúa (1891) sin contar que tampoco las armas cortas tenían el grado de precisión con que se las muestra aquí.

Downey en el rol de Holmes, le confiere al personaje un aspecto caricaturesco, propio de personajes cómicos que este actor ha encarnado en otras ocasiones, por cierto su interpretación no se condice con el personaje más bien severo creado por Conan Doyle, con sus excentricidades es cierto, pero un excéntrico con encanto, no el tipo deschavetado que Downey retrata. Tampoco Jude Law le hace honor al Dr. Watson, el compañero de aventuras de Holmes, el retrato del personaje cae también en la caricatura, muy lejos de ser el elemento catalizador de las energías y arranques del detective. La complementariedad de los personajes no se advierte por parte alguna.

La comparación a la serie que aquí conocimos por las ondas del canal PBS de Estados Unidos con Jeremy Brett en el rol estelar se nos hace inevitable, y por cierto Brett era mil veces mejor que el payasesco Downey, al punto que muchos lo llaman el “definitivo” Holmes. Lamentablemente dada la exposición mediática de este reciente film, es probable que ahora mucha gente, especialmente la más joven, termine con la idea de que Holmes era como lo ha caracterizado Downey en esta cinta. Lo que por cierto no le hace ninguna justicia al más famoso detective.

Sherlock Holmes—A Game of Shadows no se basa en alguna de las historias específicas del detective, sino más bien lo que los guionistas del film (Michele y Kieran Mulroney) hicieron fue combinar tramas de diversas historias, en especial The Adventure of the Final Problem donde tiene su encuentro mortal con el Profesor Moriarty y parcialmente en The Adventure of the Empty House, cuando al final el detective hace su retorno. Inspirándose en otras historias donde Holmes ponía su talento al servicio de uno u otro gobierno para desbaratar planes de enemigos internacionales. En este caso se trata de las acciones terroristas de grupos anarquistas, destinadas supuestamente a desestabilizar Europa y crear condiciones para un nuevo conflicto, especialmente entre Alemania y Francia. Recuérdese que este período victoriano de fines del siglo 19 es conocido también como la Belle Époque, un período de paz en el viejo continente que se había iniciado al terminar la guerra franco-prusiana y que se extendería con sólo pocas escaramuzas hasta la Gran Guerra de 1914-1918. Holmes, el Dr. Watson, con la ayuda de la gitana Simsa (Noomi Rapace) intentan llegar hasta las raíces de los atentados anarquistas y confrontar al villano que ha estado moviendo los hilos detrás de todos ellos.

El film en suma no hace justicia al personaje, por el contrario lo adapta a las demandas comerciales de un público que quiera ver mucha acción, peleas y balaceras en gran escala, pero quienes quieran ver al detective en acción en su juego deductivo (inductivo más bien) se verán defraudados, prácticamente no hay nada de eso, a no ser que se quiera hacer pasar por habilidad lógica, la aparente capacidad del Holmes de Downey de anticipar donde alguno de sus numerosos adversarios intentará golpearlo.

Sherlock Holmes—A Game of Shadows es un film que entretendrá a los que busquen diversión en una adaptación muy “light” del célebre personaje.

(En exhibición en Montreal desde el 16 de diciembre en versión original inglesa y en versión doblada al francés).

SOBRIO ESTUDIO DE LA ADICCION SEXUAL

2011-12-10T11:21:00.003-05:00

SHAME. Gran Bretaña, 2011. Un film de Steve McQueen

Comentario de Jorge Gutman

A pesar de que el sexo constituye un ingrediente usual en los filmes de la época actual, la adicción sexual es un tema raramente abordado por el cine y eso puede deberse a que por su naturaleza se lo considere como un factor de difícil aceptación cultural; de allí que resulta de gran interés la propuesta que el realizador Steve McQueen ofrece con Shame. Se trata de un film provocativo aunque de ningún modo sensacionalista, donde el director efectúa un análisis clínico de la conducta sexual de su principal personaje; el resultado es una película de admirable franqueza que concita atención por la forma en que está relatada.

Con un guión que le pertenece y escrito junto con Abi Morgan, McQueen enfoca el comportamiento de Brandon (Fassbender), un exitoso ejecutivo neoyorkino de 30 y tantos años cuya compulsión sexual rige su vida en las relaciones indiferentes e impersonales que mantiene con el medio que le circunda. Así, en sus horas de ocio su existencia es matizada con encuentros sexuales que no duran más de una noche, relaciones mantenidas con una mujer que encuentra en un bar, prostitutas que llegan a su departamento y la gratificación solitaria de la masturbación practicada a la hora de ducharse o en el baño de su oficina; por si eso no bastara, también se nutre del material pornográfico que observa en su computadora personal a través de las páginas sexuales de la red de internet.

Aunque en apariencia no hay nada extraño que sus actitudes puedan reflejar para quien no lo conoce íntimamente, lo cierto es que su manera obsesiva de pensar y sus fantasías asociadas con el sexo opuesto responden a una necesidad compulsiva de la cual no puede liberarse convirtiéndolo en una persona atormentada y emocionalmente vacía.

Las cosas cobran un giro inesperado a partir del día en que inesperadamente recibe la visita de su hermana Sissy (Carey Mulligan) quien se dispone a quedarse a vivir en su departamento por tiempo indeterminado. Además de crearse una latente vinculación incestuosa, lo cierto es que Sissy, de naturaleza completamente opuesta a la de su hermano, invade en forma irritante su intimidad con lo que lo fuerza a relacionarse de modo diferente con el mundo exterior.

McQueen confirma en su segundo film la madurez que manifestó en “Hunger” (2008) al demostrar cómo es posible describir intenciones y actitudes sin necesidad de diálogos con solo permitir que la cámara cumpla con su objetivo. Como ejemplo, basta citar una escena de excelente cine en la que Brandon, viajando en un transporte público, divisa a una pasajera sentada a cierta distancia; sin intercambio de palabras, durante el corto trayecto puede observarse hasta qué punto la mujer se siente seducida por su mirada, generándose entre ambos una tensión sexual de considerable intensidad.

Trabajando nuevamente con Fassbender, el director encuentra en el joven actor al intérprete ideal que se despoja de su propia personalidad para sumergirse en la vida de un hombre sexualmente adicto que se ve obligado a confrontar sus demonios interiores; el trabajo de Fassbender es nada menos que excelente y constituye una de las razones para ver este film.

Puede que la última parte del relato no resulte completamente satisfactoria en la medida que adopta una narración convencional no del todo convincente; pero en todo caso, eso no disminuye su nivel de atracción. Por su tema perturbador, desnudos y situaciones sexuales explícitas Shame mantendrá incómodo a cierto sector del público; de todos modos, el mérito de McQueen es el haber realizado un minucioso trabajo quirúrgico develando ciertos tabúes que afectan el comportamiento humano e indirectamente invitando al espectador a enfrentar su propio pudor.

LAS AVENTURAS DE UN POPULAR PERSONAJE

2011-12-09T12:40:00.003-05:00

THE ADVENTURES OF TINTIN: THE SECRET OF THE UNICORN. Estados Unidos-Nueva Zelandia, 2011. Un film de Steven Spielberg

Comentario de Jorge Gutman

Steven Spielberg como director y Peter Jackson en carácter de productor se asocian para brindar un film basado en Tintin, personaje popularizado a través de los cómic de George Remi quien utilizó el seudónimo de Hergé para firmar sus trabajos realizados entre 1929 y 1976. Se trata de un fenómeno interesante que habiendo nacido en Bélgica llegó a cautivar a varias generaciones de diferentes culturas del mundo en la medida en que los libros ilustrados de Hergé fueron traducidos a numerosos idiomas y alcanzaron un importante éxito comercial.

Spielberg retorna en gran forma en este relato de acción que ha sido filmado con la técnica de animación motion capture consistente en la captura digital de movimientos de los actores que posteriormente son incorporados en sus respectivos personajes. Aunque el film dé la impresión de pertenecer a una época ya pasada, reúne los elementos necesarios como para conformar especialmente tanto al público familiarizado con el personaje como así también para atraer al sector infantil comprendido entre los 10 y 13 años de edad; de todos modos, eso no implica que los adultos de cualquier edad queden excluidos de esta colorida aventura

El guión de Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish entremezcla tres de los relatos de Hergé (“The Crab With the Golden Claws, “The Secret of the Unicorn” y “Red Rackham’s Treasure”), pero siempre respetando el espíritu de los libros originales. La acción comienza en un mercado de pulgas de Bruselas donde el periodista Tintin (Jamie Bell), siempre acompañado de su querido perro “Snowy”, observa con curiosidad la maqueta de una nave de guerra (El Unicornio) del siglo XVII que naufragó; instantes después que el joven la adquiere por el valor de una libra aparece un americano (Joe Starr) y posteriormente un amenazador villano llamado Ivanovich Sakharine (Daniel Craig) tratando de comprársela pero Tintin rechaza la oferta. Cuando al regresar a su casa se da cuenta de que el objeto que adquirió contiene una valiosa información sobre un tesoro escondido en las profundidades marinas, ese hecho lo habrá de involucrar en un singular viaje que compartirá con su inseparable Snowy y también con Archibald Haddock (Andy Serkis). Este último es un pintoresco capitán adepto a la bebida y es el último sucesor de Sir Francis Haddock, el comandante del Unicornio que perdió su barco al ser atacado por piratas comandados por Red Rackham; quiere la casualidad que el temible Sakharine es a su vez descendiente de Rackham.

La búsqueda del tesoro por el trío y los enfrentamientos con Sakharine conforman la sustancia de una odisea que transporta a sus integrantes al Sahara y a una ciudad de Marruecos, entre otros lugares.

Tanto Bell como Serkis y Craig satisfacen ofreciendo los matices ilustrados en los álbumes originales, así como Snowy responde muy bien a la idea que el lector tiene del fiel canino de Tintin; entre algunos de los personajes secundarios se destacan los ineptos agentes de Interpol Thomson (Nick Frost) y Thompson (Simon Pegg) quienes ofrecen las notas de humor apropiadas para matizar el relato.

Desde una perspectiva visual, los efectos especiales empleados representan el último estadio de la tecnología, conformando de este modo al espectador más exigente. La captura digital de movimientos empleada es altamente ingeniosa dando la sensación de estar observando a actores en un film estándar de viva acción antes que en uno de animación. El empleo del 3D, permite realzar algunas escenas –por ejemplo, una persecución en motocicleta-otorgando sustancial relieve a las mismas; de todos modos no creo que el 2D opaque las cualidades inherentes del film. En resumen, Spielberg sale muy bien parado del desafío de llevar al cine a una figura mítica, cuidando minuciosamente los mínimos detalles para mantener la idiosincrasia de los personajes y el estilo que los caracteriza; a pesar de una duración un poco más larga de lo necesario, obtiene una buena película de aventuras donde la acción es prácticamente imparable y que resulta altamente entretenida, sobre todo para el público a quien especialmente está destinada.

UNA CARTA DE AMOR AL CINE MUDO

2011-12-09T11:58:00.004-05:00

THE ARTIST. Francia, 2011. Un film escrito y dirigido por Michel Hazanavicius

Comentario de Jorge Gutman

Si bien hubo varios filmes -entre ellos algunos notables como el clásico Singin’ in the Rain (1952)- abordando la desaparición del cine mudo para ceder paso al sonoro, The Artist enfoca ese tema bajo una óptica diferente y al hacerlo brinda un cálido homenaje a aquellas películas que cuando el sonido real era todavía inexistente debían expresarse exclusivamente a través de las imágenes. El director Michel Hazanavicius se ha arriesgado a considerar un tópico que a primera vista parecería anticuado y a contracorriente con lo que en la actualidad se presencia en la pantalla grande; afortunadamente, ha ganado la partida con un film no parlante en blanco y negro que cautivará al gran público si se juzga el éxito popular logrado en su primera exhibición en el Festival de Cannes así como en los otros eventos internacionales en que fue presentado.

El film que transcurre durante los años 20 del siglo pasado es fundamentalmente la historia del ascenso y caída de George Valentin (Jean Dujardin), un ídolo del cine hollywoodense. Cuando comienza el relato, George es uno de los astros más cotizados con una popularidad comparada a la que gozara en ese entonces Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino o bien en la época actual Brad Pitt y George Clooney. El guión muestra cómo el galán le da una oportunidad a Peppy Miller (Bérénice Béjo), una de sus entusiastas admiradoras, que en poco tiempo avanza en su carrera desde extra principiante hasta convertirse en la pareja cinematográfica del actor. Todo cambia dramáticamente con la llegada del cine sonoro y George ya no es considerado útil para su productor (John Goodman) que para la etapa que se inicia prefiere nuevos talentos de actores con voces agradables y provistos de una modalidad de actuación diferente frente a las cámaras; precisamente la belleza y juventud de Peppy representan su carta de triunfo para la ocasión. Lo que continúa es un relato profundamente humano centrado en el ocaso de la carrera de un actor donde quedan expuestos algunos temas como la vanidad y el orgullo menoscabado así como hasta dónde puede conducir el deterioro de la autoestima.

En líneas generales el film evoca el espíritu y sentimiento de las películas de esa gloriosa era pero con la perspectiva actual en lo que concierne a la forma de relatar una historia, la actuación, el encuadre y la dirección escénica. El indudable mérito de Hazanavicius es haber superado la limitación impuesta por la ausencia del texto dialogado, permitiendo que sus imágenes hablaran por sí mismas expresando el sentido del relato; de esta manera logró un poético film que llega al espectador del mismo modo como si se tratara de uno sonoro.

Dujardin tiene el apropiado físico y reúne las condiciones adecuadas en materia de estilo y ductilidad para transmitir la simpatía, egocentrismo, dolor y derrumbe de su personaje; por su parte Béjo aporta vivacidad, frescura y gracia como la actriz que al llegar al pináculo de la fama sabe que tiene una deuda moral que saldar con el hombre que le brindó la posibilidad de triunfar y en consecuencia debe rescatarlo del pozo en que se hundió. En un equipo bien homogéneo donde también participan Penélope Ann Miller como la esposa del protagonista y James Cromwell como el fiel mayordomo y chófer de George, nobleza obliga a destacar a Uggie, el perrito inteligente y cómplice del protagonista quien muy bien entrenado juega un papel importante en la historia del relato.

Rodado íntegramente en estudios interiores, la muy buena fotografía así como los magníficos diseños de producción reflejan acabadamente el Hollywood de la época en que transcurre el relato y no cabe duda que el realizador estuvo bien documentado para que su equipo técnico lograra el efecto deseado.

Resulta fácil pronosticar que con el estreno que tiene lugar hoy en América del Norte, el público gozará con este maravilloso y nostálgico film debido al sentimiento y emoción que transmite y porque constituye una hermosa carta de amor al cine mudo.

Como nota adicional, la semana pasada el New York Critics Circle ha considerado a este film como el mejor del año y a Hazanavicius como el mejor director, reforzando de este modo la visibilidad de The Artist en su carrera hacia los Oscars.

EL HOMBRE QUE VENDIO SU ALMA AL DIABLO

2011-12-06T18:03:00.003-05:00

FAUSTO

La ópera Fausto de Charles Gounod basada en la pieza teatral homónima de Wolfgang von Goethe con libreto de Jules Barbier ha sido objeto de una nueva producción en el Metropolitan de Nueva York el pasado 29 de noviembre y será la próxima creación lírica a ser transmitida en alta definición en distintos lugares del mundo. Fue cantada por primera vez en marzo de 1859 en el escenario del Théâtre Lyrique.de París y ha sido una de las más representadas mundialmente, además de haber sido la ópera con la cual el Met inauguró sus actividades el 22 de octubre de 1883.

La actual presentación es una coproducción con la English National Opera y ha sido dirigida por Des McAnuff, el galardonado director muy conocido en Broadway por haber sido premiado con el premio Tony, quien hace su debut para el Met. En esta versión la clásica historia del hombre que vendió su alma al diablo está ambientada en un laboratorio donde Fausto, un científico nuclear, se envenena y en su agonía va reviviendo su juventud.

La dirección musical corresponde al maestro canadiense Yannick Nézet-Seguin y cuenta con la participación del tenor Jonas Kaufmann en el rol titular. En los otros dos papeles centrales se destacan la soprano Marina Poplavskaya como Marguerite y el bajo René Pape asumiendo el rol de Méphistophélès. Participan también el barítono Russell Braun y la mezzo soprano Michèle Losier.

La difusión en las provincias de Quebec y Ontario tiene lugar el sábado 10 de diciembre (redifusión el 4 de febrero de 2012) a las 12h55 (hora del este) en las salas participantes de la compañía exhibidora CINEPLEX. Para los cines participantes y las horas locales en las diferentes ciudades de Canadá, el sitio web es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

EL POPULAR BALLET DE TCHAIKOVSKY

2011-12-03T14:13:00.011-05:00

LES GRANDS BALLETS CANADIENS

Como lo ha venido realizando desde 1964 la compañía Les Grands Ballets Canadiens de Montréal presenta para la temporada festiva el clásico ballet Cascanueces coreografiado por Fernand Nault.

El ballet compuesto en 1892 se basa en un cuento de hadas de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann denominado “El Cascanuesces y el Rey de los Ratones”. Con la maravillosa música de Tchaikovsky mundialmente se ha convertido en el ballet más representado durante el período navideño.

La historia gira en torno de la niña Clara quien durante una fiesta familiar de Nochebuena recibe como regalo de su padrino, el Doctor Drosselmeyer, un juguete de cascanueces que aparentemente posee poderes mágicos. Su envidioso hermanito Fritz se apropia del mismo y accidentalmente lo rompe, pero es inmediatamente reparado por el buen doctor. Cuando la fiesta concluye y todos se acuestan, Clara se dirige al living del hogar y allí se queda dormida aferrada a su juguete. Mágicamente aparecen ratones y ratas quienes comienzan a batallar con soldaditos de plomo cuando repentinamente el Cascanueces cobra vida gracias a Dorsselmeyer y viene al rescate de la niña. Al concluir la batalla, el Cascanueces se transforma en un elegante Príncipe trasladando a Clara hacia el Mundo de los Copos de Nieve y el Reino de los Dulces. Acompañada de su Príncipe y del Hada de Azúcar, la niña descubre un fantástico mundo de felicidad.

Este ballet que durante los 47 años precedentes ha reportado enorme éxito a la compañía es representado con la participación de la orquesta de Les Grandes Ballets Canadiens bajo la dirección de Allan Lewis, decorados de Peter Horne, vestuario de François Barbeau e iluminación de Nicholas Cernovitch.

Vinculado con este evento cabe señalar que gracias al Fondo Cascanueces para Niños, más de 2800 chicos pertenecientes a medios desfavorecidos del Gran Montreal podrán asistir gratuitamente el 13 de diciembre a las 14h00 a una de las representaciones para disfrutar del espectáculo así como también para familiarizarse con el mundo del ballet. Hasta la fecha más de 16300 niños se han beneficiado de esta iniciativa filantrópica que Les Grands Ballets Canadiens de Montreal puso en marcha hace 14 años.

Desde el 10 hasta el 30 de diciembre en la sala Wilfred-Pelletier de la Place des Arts. Para los horarios de las representaciones visitar el sitio web http://www.grandsballets.com/

BALLET BOLSHOI

Simultáneamente, el público de Montreal también tiene la oportunidad de poder juzgar Cascanueces a través de la versión ofrecida por el famoso Ballet Bolshoi mediante la transmisión que tendrá lugar el 18 de diciembre a las 13h00 en la transmisión realizada en alta definición directamente desde Moscú. El espectáculo será redifundido al día siguiente, 19 de diciembre a las 18h30. En los roles protagónicos participarán los bailarines Alexei Loparevich, Nina Kaptsova y Olga Suvorova.

La transmisión será realizada en los cines Quartier Latin, Scotiabank Montreal, Cavendish Mall, Colossus Laval, Colisée Kirkland, Ste. Foy, Brossard, Sherbrooke, pertenecientes a la compañía exhibidora CINEPLEX. Información adicional se puede obtener en el sitio www.cineplex.com/evenements o bien en www.cineplex.com/events

PROXIMOS CONCIERTOS DE LA OSM

2011-11-27T13:29:00.012-05:00

ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL

El 30 de noviembre y 1 de diciembre la OSM (20h00) actuará bajo la dirección del maestro británico Sir Roger Norington en un programa que incluye The Waspes de Vaughan Williams A London Symphony de Vaughan Williams, así como el Concierto para Piano No. 1 de Beethoven. Actuará como solista el pianista noruego Leif Ove Andsnes. El 6 de diciembre la OSM (20h00) ejecutará Los Planetas de Gustav Holst y Pluto, the Renewer de Colin Matthews. En este concierto tendrá especial participación el joven barítono Gordon Bintner quien ha sido el gran ganador del reciente concurso de la OSM Standard Life. Bintner cantará un extracto de La Sonámbula de Bellini, Cuatro Canciones de Don Quijote de Ibert y un extracto de Las Bodas de Fígaro de Mozart. El prestigioso maestro noruego Arild Remmereit, actual director musical de la Orquesta Filarmónica de Rochester, dirigirá a la orquesta y será acompañado por el Coro de Mujeres de la OSM.

En el último programa del año, se escuchará el Mesías de Haendel (orquestación de Mozart) bajo la dirección de John Oliver con la participación de la soprano Lucia Cesaroni, la mezzo soprano Emma Parkinson, el tenor Isaiah Bell y el bajo barítono Stephen Hegedus acompañados del Coro de la OSM. Los días 21 y 22 (19h30).

Todos los conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts. Información adicional puede obtenerse en el sitio http://www.osm.ca/

POR AMOR AL CINE

2011-11-25T12:46:00.003-05:00

HUGO. Estados Unidos, 2011. Un film de Martin Scorcese.

Comentario de Jorge Gutman

Este es la obra más personal, original y audaz de Martin Scorcese que seguramente causará un considerable placer a aquel público que ama al cine. Aunque el libro en que Hugo está basado, The Invention of Hugo Cabret, es un cuento ilustrado para niños, lo cierto es que el logrado guión de John Logan lo transforma más en un relato para adultos; de todos modos, posee la suficiente calidez y encanto como para que también pueda ser considerado un film para toda la familia.

Empleando por primera vez la técnica del 3D, Scorcese ha logrado un resultado asombroso realzando los mágicos poderes que el cine puede deparar en esta cautivante fantasía de ensoñación, aventura y misterio.

Su trama transcurre en París en 1930 y gira en torno de Hugo (Asa Butterfield), un niño huérfano de 12 años que perdió a su padre (Jude Law) en un incendio. El está obstinado en desenterrar el secreto de un robot que su progenitor recibió de un museo y que había tratado de repararlo sin haberlo logrado. Sin ningún pariente cercano a su lado, Hugo vive solo en una estación de trenes y debe permanentemente eludir la presencia de un implacable gendarme policial (Sacha Baron Cohen) que está a la caza de niños huérfanos para ser destinados a un orfanato. La soledad del niño desaparece a partir del día en que conoce a Isabelle (Chloe Grace Moretz), una joven que también huérfana fue criada y educada por su padrastro Georges Méliès (Ben Kingsley) y su señora (Helen Macrory); Isabelle será un factor clave para componer el robot de Hugo y a medida que el metraje avanza se irá determinando de qué manera ese objeto está vinculado con su padrastro a través de una historia que se remonta al pasado.

Si hay algún elemento que pudiera ser objetable en el film es que su comienzo resulta lento y un poco desconcertante al no saber hacia donde enfoca. Pero superado ese tramo, el relato encuentra su razón de ser y revela una amplia gama de emociones que permiten a la audiencia conectarse plenamente con el mismo.

Lo más trascendente de esta película es el tributo que Scorcese rinde a Georges Méliès, el famoso director francés que fue un pionero en el uso de los efectos especiales; este cineasta tuvo importante resonancia en la primera época del cine mudo con 80 filmes realizados desde comienzos del siglo pasado hasta el inicio de la primera guerra mundial cuando su fama comenzó a declinar. A través del ingenioso guión, el público tiene oportunidad de apreciar algunas escenas de sus primeros filmes así como extractos de Le Voyage dans la Lune realizado en 1902, que para muchos historiadores es su más importante creación y el primer trabajo de ciencia ficción abordado por el cine.

Meticulosamente realizado, Scorcese contó con un excelente equipo técnico de colaboradores, entre ellos el director de fotografía Robert Richardson quien fue un elemento vital para el magnífico empleo del 3D, Dante Ferreti en los diseños de producción, Sandy Powell en el vestuario y Howard Shore en la música. A diferencia de otros filmes, su riqueza visual no empalidece las virtudes de un homogéneo elenco donde en los roles principales los adolescentes Butterfield y Moretz proporcionan grato encanto sin llegar a empalagar, Kingsley llega a emocionar y Cohen exhibe pintoresquismo en su personaje sin desbordar; en los papeles secundarios, Richard Griffiths, Frances de la Tour, Christopher Lee, Emily Mortimer se desempeñan adecuadamente aportando calidez y alguna que otra nota de humor a sus breves roles.

En síntesis, Scorcese ofrece un fascinante viaje mágico a los orígenes del cine y si hay algún mensaje que se puede extraer del film, eso queda expresado cuando en la escena final Méliès se dirige al público que lo está homenajeando diciéndole “¡Vengan y sueñen conmigo!”. Ese hermoso sueño que ofrecen las imágenes cinematográficas es lo que también el gran director americano siente y quiere compartir con su audiencia. A no dudarlo que lo ha logrado con este inolvidable film

SANTA CLAUS EN UN FILM DE ANIMACION

2011-11-25T12:32:00.005-05:00

ARTHUR CHRISTMAS. Gran Bretaña-Estados Unidos, 2011. Un film de Sarah Smith
Comentario de Jorge Gutman

Si bien la compañía británica Aardman especializada en filmes de animación es la productora de Arthur Christmas, la responsable directa es la realizadora Sarah Smith quien destila ternura y afectividad en el relato de una tradicional historia navideña donde la figura de Santa Claus no llega a ser el único protagonista sino que también lo es su entorno familiar.

Si la fantasía de Papa Noel ha estado presente a través de los siglos poco importa aquí que la imaginación del guión de Smith y Peter Baynham trate de dar una respuesta a lo que miles de niños se preguntan sobre cómo es posible que Santa pueda distribuir los innumerables regalos en el espacio de las escasas horas de una sola noche para que todos los niños los reciban el día de Navidad. Todo tiene una sencilla respuesta si se piensa que eso es debido gracias a una operación realizada en una usina ubicada debajo del Polo Norte que apela a las maravillas ofrecidas por la alta tecnología junto con la colaboración prestada por más de un millón de eficientes elfos permitiendo que en tiempo récord los regalos puedan llegar a buen destino.

Sobre la base de lo que antecede como prólogo a esta historia, el espectador puede contemplar que Santa (Jim Broadbent) con sus más de 70 años a cuesta y pensando en su retiro va delegando su tarea a Steve (Hugh Laurie) con vistas a ser su heredero para la noble tarea de brindar felicidad a los niños, en tanto que Arthur (James McAvoy) ocupa un lugar secundario al ir apilando las cartas dirigidas a su padre. Los acontecimientos adoptan giro inesperado cuando a pesar de la tecnología avanzada, Gwen (Ramona Márquez) una de las niñitas es dejada por omisión sin su correspondiente regalo; como nadie puede quedar sin el mismo será entonces el turno de Arthur quien contando con la ayuda de su abuelo (Bill Nighby) juntos iniciarán la gran aventura de un viaje que los llevará a África y México entre otros lugares a través de una carrera contra el tiempo; lo importante es llegar a la pequeña aldea donde vive Gwen para que cuando ella despierte se encuentre con el obsequio que solicitó a Santa.

El relato está muy bien construido y entretiene con personajes atrayentes, en gran parte logrado por la más que satisfactoria animación generada por computación en tercera dimensión; además se destaca por sus buenos diálogos, inteligentes chistes y por revivir con agrado la esencia mágica de estas festividades. Sin ser un clásico del género, el film ofrece una mirada algo diferente a la leyenda de Santa que llega a satisfacer a los adultos y gratifica a la audiencia menuda.

LA LLAVE DE SARAH

2011-11-24T19:57:00.005-05:00

ELLE S’APPELAIT SARAH. Francia, 2010. Dirección:Gilles Paquet-Brenner. Distribución: TVA FILMS (2011)

Comentario de Jorge Gutman

Uno de los episodios acontecidos durante el holocausto es revivido en Elle s’appelait Sarah de Gilles Paquet-Brenner; tomando como referencia la novela de Tatiana de Rosnay y adaptada para el cine por el realizador juntamente con Serge Joncour, esta película está meticulosamente estructurada presentando dos historias paralelas donde dos mujeres viviendo en épocas diferentes llegan a vincularse a través del tiempo.

En la primera escena del film que transcurre en julio de 1942 se contempla a Sarah Starzynkski (Melusine Mayance), una niña judía de 11 años, jugando alegremente con su hermano menor de 4 años en el departamento que ocupa con sus padres; el juego es bruscamente interrumpido cuando la policía francesa arriba bruscamente al departamento y procede a arrestar a la familia tomándolos cautivos como parte de la redada que tuvo lugar en esa fecha; para tratar de salvar a su hermanito, instantes antes de la captura lo encierra en un armario guardando la llave consigo.

Al ser trasladados al velódromo de invierno parisino como lugar temporario, antes de su deportación a los campos de concentración de Auschwitz, Sarah logra escapar del lugar y tras algunas peripecias que acontecen se dirige a la casa en que habitaba para rescatar a su hermano. Lo acontecido con el niño deja en Sarah huellas muy profundas que habrán de marcarla para el resto de su vida.Simultáneamente, el relato se traslada a 2009 presentando a Julia Jarmond (Kristin Scott Thomas), una periodista americana viviendo actualmente en París y que trabaja para una revista anglófona. Su relación con la suerte corrida por Sarah se producirá debido a la concurrencia de dos hechos: por un lado, la revista para la que trabaja le encomienda preparar un artículo sobre la deplorable redada acontecida en Francia durante el régimen de Vichy; por el otro, quiere la casualidad que su marido (Fréderic Pierrot) herede un departamento que es el mismo que había ocupado la familia de Sarah. Como en la novela, el relato alterna entre estas dos historias, apreciando el modo en que Julia, a medida que prosigue su tarea detectivesca, cobra conciencia de que el derrotero de Sarah tiene vinculación con su propia vida, obligándola a revaluar su propia existencia y el rumbo futuro que habrá de adoptar.

Si hay alguna observación que merezca este film es que el guión introduce ciertas coincidencias discutibles para que el pasado y presente puedan quedar bien engarzados. Sin embargo la narración que Paquet Grenier efectúa es admirable logrando que la emoción fluya sin desbordes sentimentales; de este modo, el relato conmueve y cala hondamente en el ánimo del espectador tanto por el testimonio casi documental de un hecho que por largo tiempo permaneció oculto en la historia de Francia, como así también por la atracción que despiertan los diferentes personajes del relato con especial referencia al de Sarah y Julia.

Uno de los méritos de este film se debe a la notable composición que la versátil y bilingüe artista Scott Thomas brinda de su Julia así como la revelación de la niña Mayance en una natural y convincente composición de Sarah. En papeles secundarios cabe destacar las buenas interpretaciones de Niels Arestrup, Aidan Quinn, Charlotte Poutrel, Dominique Frot, Frederic Pierrot y George Birt.De lo que antecede queda como saldo un film sencillo, profundamente conmovedor y sobre todo aleccionador para rememorar un triste capítulo que avergonzó a Francia y que en este caso no es atribuido a los nazis sino a las autoridades de Francia de aquel momento.

La banda audio del DVD es en su versión original francesa o doblada al inglés. Tiene subtítulos optativos en ambos idiomas.

UN NOTABLE FILM DE ALEXANDRE PAYNE

2011-11-24T17:51:00.003-05:00

THE DESCENDANTS. Estados Unidos, 2011. Un film de Alexandre Paine

Comentario de Jorge Gutman

Después de varios años de ausencia retorna Alexandre Paine con The Descendants el mejor film de su carrera, ratificando una vez más que es uno de los realizadores más humanistas sabiendo cómo utilizar el tono de comedia cálida para narrar un relato dramático. Adaptando una novela de Kaui Hart Hemmings, el guión preparado por Paine, Nat Faxon y Jim Rush es a todas luces excelente y permite que el público permanezca atrapado durante casi dos horas de metraje apreciando una gran película.

George Clooney, en su mejor actuación para el cine, es Matt King, el protagonista y relator de lo que acontece en Hawai donde vive con su familia. Lo primero que aclara es que ese lugar no es el paraíso sobre la tierra que todos imaginan; la verdad es que tiene sus buenas razones para pensar así. Como abogado de muy buena posición económica especializado en bienes raíces, aparentemente tiene todo para ser feliz, pero el destino le asesta un duro golpe cuando su esposa Elizabeth (Patricia Hastie) sufre un grave accidente náutico dejándola en estado de coma. Aparte de la angustia que lo embarga al saber que son muy pocas las posibilidades de que su señora se recupere, Matt debe por vez primera asumir la responsabilidad de actuar como padre de familia dado que nunca mantuvo cercanía con sus dos hijas, Scottie (Amara Miller) de 10 años y Alexandra (Shailene Woodley) de 17 años; ahora le corresponde recomponer la unidad familiar. Por si eso fuera poco, la situación se vuelve más compleja cuando Alexandra le revela que su madre lo estaba engañando con otro hombre casado.

Aunque el dolor, frustración, traición conyugal e impotencia de Matt para revertir los acontecimientos son aspectos que bien podrían adoptar un cariz de melodrama lacrimógeno, Payne logra que los hechos dramáticos y patéticos de la historia puedan combinarse con situaciones de humor sin desembocar en la farsa o la caricatura.

Clooney prácticamente domina el film con una interpretación excepcional. Como un individuo imperfecto, padre desorientado, marido desolado y traicionado, así como el hombre que debe adoptar una trascendental decisión sobre una considerable superficie de terreno virgen en Kauai que pertenece a la familia ampliada y que sus primos desean vender, el actor transmite en todo momento la vulnerabilidad, ternura y la cambiante gama de sentimientos por la que atraviesa su personaje.

Aunque el popular actor despierte entusiasmo, el guión también posibilita que cada uno de los personajes secundarios adquiera gravitación; en tal sentido todo el elenco que lo acompaña proporciona estupendas caracterizaciones. Miller, como la hija adolescente rebelde y a veces impertinente, es una verdadera revelación; también se destaca Nick Krause quien animando al muchacho bobalicón que sale con Alexandra ofrece algunos de los momentos más risueños del relato; no menos importante es la presencia de Robert Foster como el suegro de Matt, Matthew Lilard como Brian, el amante de Elizabeth, y en especial Judy Greer que en escasos minutos de intervención deja una excelente impresión caracterizando a la esposa engañada de Brian.

Además de los factores mencionados, el suceso artístico de este film es debido a que aborda tópicos que tienen validez universal donde en mayor o menor grado cada espectador puede sentirse identificado. Por lo que antecede no sería extraño que este excelente drama se haga merecedor de varias nominaciones a la hora de los Oscars.

MEZZO SOPRANO CHRISTIANNE STOTIJN

2011-11-23T17:33:00.003-05:00

LADIES MORNING MUSICAL CLUB

Para el último concierto de este año que será dedicado al canto la agrupación musical LMMC presentará a la mezzo soprano holandesa Christianne Stotijn, quien ha hecho conocer su voz en los más importantes auditorios de música, entre otros, el Concertgebouw de Amsterdam, Mozarteum de Salzburgo, Carnegie Hall de Nueva York, Keneedy Center de Washington, entre otros. La cantante ha trabajado con reputados directores de orquesta y de manera intensiva con Bernard Haitink quien ha contribuido enormemente al éxito de su carrera.

Para la ocasión, la artista será acompañada por el pianista Julius Drake en un recital que incluye Lenau-Lieder und Requiem, Opus 90 de Schumann, selecciones de Hollywood Liederbuch y selecciones de Des Knaben Wunderhorn de Mahler.

El concierto tiene lugar en la sala Pollack de la Universidad McGill el 4 de diciembre a las 15h30 (http://www.lmmc.ca/)

OPERA DE MONTREAL

2011-11-23T10:44:00.005-05:00

CONCIERTO GALA DE LA OPERA DE MONTREAL

Una nueva edición del concierto gala de la Opéra de Montréal tendrá lugar el domingo 4 de diciembre (14h00) en la Maison Symphonique de la Place des Arts. Se trata de un evento beneficio en el que este año participarán diez cantantes canadienses, dos músicos solistas, el Coro de la Opera de Montreal y la Orchestre Métropolitain bajo la dirección de Timothy Vernon.

El concierto será precedido de la entronización del barítono Bruno Laplante al Panteón Canadiense de Arte Lírico. Posteriormente el público asistente tendrá la oportunidad de escuchar algunas de las más populares arias de ópera de celebrados compositores como Leoncavallo, Leoncavallo, Donizetti, Mozart, Gounod, Bizet, Verdi, Giordano, Massenet, Delibes, Puccini, Cilea, Bizet, Bellini, Tchaikosky, Wagner, Offenbach, Plamondon/Cocciante.

Los artistas invitados son : Phillip Addis, Alain Coulombe, Gregory Dahl, Antonio Figueroa, Lyne Fortin, Marc Hervieux, Marie-Josée Lord, Sonia Racine, Lauren Segal, Alexandre Sylvestre, Stéphane Tétreault (violoncelista) y Serhiy Salov (pianista). Para información adicional el sitio web es http://www.operademontreal.com/

UNA OPERA DE HAENDEL

2011-11-23T10:25:00.004-05:00

RODELINDA

Una nueva transmisión en alta definición desde el Metropolitan Opera de Nueva York tendrá lugar con la ópera barroca Rodelinda de George Frideric Haendel, compuesta en 1725. Se trata de una producción de 2004 perteneciente a Stephen Wadsworth y que cuenta como protagonista a la célebre soprano Renée Fleming.

Además de Fleming (Rodelinda) el reparto está integrado en los principales roles por los contratenores Andreas Scholl (Bertarido) y Iestyn Davies (Unolfo) la mezzo soprano Stephanie Blythe (Eduige), el tenor Joseph Kaiser (Grimoaldo) y el bajo barítono Shenyang (Garibaldo).

La dirección orquestal está a cargo del maestro Harry Bicket quien es un experto en música barroca, la escenografía es de Thomas Lynch y el vestuario es responsabilidad de Martin Pakledinaz. La ópera es cantada en italiano con subtítulos en inglés.

La difusión tiene lugar el sábado 3 de diciembre (redifundida el 28 de enero de 2012) a las 12h30 (hora del este) en las salas participantes de la compañía exhibidora CINEPLEX. Para saber cuales son los cines participantes y las horas locales en las diferentes ciudades de Canadá, el sitio web es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

CINE EN LA PLAZA

2011-11-19T17:01:00.006-05:00

Crónica de Jorge Gutman

LA PIEL QUE HABITO. España, 2011. Un film de Pedro Almodóvar
Carente de la profundidad que ha caracterizado al cine de Almodóvar a partir de sus trabajos más maduros que comenzaron en 1994 con La Flor de mi Secreto (1994), el último film de Almodóvar logra interesar aunque sin llegar a provocar el entusiasmo habitual.

Adaptado de la novela “Tarántula” de Thierry Jonquet, el guión confeccionado por el director junto a su hermano Agustín Almodóvar penetra en el terreno del thriller perverso donde la forma radical que adopta la historia a mitad de camino crea perplejidad. Para no privar de la curiosidad al público deseoso de ver La piel que habito bastará con indicar sobre su tema pero sin suministrar mayores detalles que pudieran malograr su interés. La historia se centra en un eminente cirujano plástico de Toledo cuyo estado de enajenación mental lo induce a crear un nuevo tipo de piel mediante la transgénesis que consiste en la combinación de células animales y vegetales; para la experimentación que realiza, utiliza como conejillo de indias a una joven a quien mantiene encerrada en una de las habitaciones de su suntuosa mansión. De aquí en más y a medida que el metraje va cobrando acción, el espectador se impone de las razones que lo llevan a convertirse en un monstruoso Frankenstein, del vínculo que lo une con la mujer prisionera, así como del resentimiento producido por el dolor de heridas emocionales del pasado aún no cicatrizadas.

En gran parte perturbador, el relato que está narrado en forma fragmentada con ruptura de sus tiempos, transita entre varios géneros entre los cuales se destaca el horror psicológico. Si bien el suspenso que genera su trama es capaz de producir una razonable intriga, cuando todos los hilos sueltos llegan a unirse en la resolución del misterio que lo alienta, uno tiene la sensación de haber asistido a una historia disparatada e insólitamente fría, sin una dimensión dramática que realmente llegue a emocionar.

A pesar de tratarse de una obra menor, este film logra crear una atmósfera atractiva, proporciona algunos toques surrealistas bien calibrados y permite gozar de ciertos momentos que, si bien absurdos, producen hilaridad. A lo anterior habrá que agregar la sofisticada creatividad que anima al relato, su impecable elegancia, una muy buena banda sonora con la música de Alberto Iglesias, la buena fotografía de José Luis Alcaíne, el original vestuario de Paco Delgado en colaboración con el famoso innovador Jean Paul Gautier y el excepcional diseño de producción de Antxón Gómez.

Como es habitual, Almodóvar se reunió con un elenco inobjetable. Después de su último trabajo con el director en “Átame” (1990), Antonio Banderas vuelve a hacerlo caracterizando al obsesionado cirujano sediento de venganza por trágicos acontecimientos que afectaron por completo su vida. Marisa Paredes está estupenda como la cómplice ama de llaves del facultativo, en tanto que Elena Anaya se distingue en un difícil trabajo dentro de las características especiales de un rol que la mantiene en cautiverio a lo largo del relato.

Es muy probable que este film radicalice la opinión de los espectadores, pero aunque se trata de un Almodóvar de menor envergadura, los leales seguidores de este gran director no deplorarán el tiempo invertido que insume su visión.

MARGIN CALL. Estados Unidos, 2011. Un film escrito y dirigido por JC Chandor

Inspirado en los sucesos que condujeron a la quiebra de Lehman Brothers en Septiembre de 2008 con la consiguiente crisis económica que produjo a nivel mundial y que todavía está repercutiendo, el novel realizador JC Chandor propone con Margin Call una dramatización de los hechos previos que condujeron a dicha situación, imaginando a una de las tantas empresas financieras actuando con el mismo nivel de irresponsabilidad y malicia. El film deja una sensación de pesadumbre contemplando una historia que si bien es muy conocida tiene el mérito de describir una realidad tan sombría como repulsiva al ilustrar los esfuerzos de una compañía financiera para evitar su derrumbe, aunque eso implique hundir al resto del mundo.

Todo acontece en un período de escasas 36 horas en el seno de un banco de inversiones. La primera jornada comienza con la decisión de los cuadros superiores despidiendo a una considerable parte del personal, frente a eventuales problemas que puedan surgir a breve plazo. Uno de los afectados es Eric Dale (Stanlely Tucci), un gerente de riesgo con 19 años de antigüedad, quien apenas es notificado de la medida adoptada es despojado en la forma más inhumana posible de todos sus atributos y pertenencias de la empresa y es acompañado por un agente de seguridad hasta la puerta del edificio; sin embargo y antes de dejar el lugar logra entregarle un USB a Peter Sullivan (Zachary Quinto), un joven analista, advirtiéndole que tenga cuidado. Horas después, cuando todos los empleados ya se han retirado, Peter examina lo que Eric le ha confiado y se alarma al constatar que el análisis de proyecciones realizados por el ex gerente refleja que la compañía corre el riesgo de una quiebra inminente debido a la posesión de activos financieros compuestos por hipotecas tóxicas de valor casi nulo así como otros productos inservibles. Peter convoca urgentemente a su compañero de trabajo Seth Bregman (Penn Badgley) y a Will Emerson (Paul Bettany), el jefe de ambos, imponiéndoles de la gravedad de los hechos para ser posteriormente transmitida a su superior Sam Rogers (Kevin Spacey) lo que está pasando. A medida que avanza la noche llegan a la organización otros ejecutivos de alto nivel (Demi Moore, Simon Baker), y finalmente a las 4 de la madrugada arriba el dueño y CEO de la compañía John Tuld (Jeremy Irons). En esa reunión de emergencia se adopta la decisión de ubicar con urgencia a Dale y de reincorporarlo a la compañía, cualquiera que sea los honorarios que exija por sus servicios; además, Tuld ordena la venta inmediata de los activos putrefactos de la firma al mejor precio posible apenas el mercado se reabra, para evitar que la noticia llegue a divulgarse. De allí en más, seguirá una segunda jornada signada por una marcada tensión.

En su primer trabajo como realizador Chandor ha logrado un documento de gran madurez, donde el espectador queda totalmente inmerso en la acción y sumergido en el mismo clima de suspenso agobiante que envuelve a los altos ejecutivos de la firma.

Muy parecido a lo que el dramaturgo David Mamet ofrecíera en Glengarry Glen Ross, el texto de Chandor es de gran ingeniosidad con algunos memorables monólogos y corrosivos diálogos. Por ejemplo, demostrando que a medida que se va ascendiendo a las posiciones superiores de la escala jerárquica los ejecutivos saben menos que sus subalternos, el público asiste a una escena fascinante cuando al comenzar la dramática reunión nocturna, Tuld le pide a Peter que le explique en los términos más simples posibles, como si tuviera que dirigirse a un niño de 6 años, en qué radica la gravedad de la situación. De modo similar procede Chandor con su relato permitiendo que el mismo pueda ser seguido por cualquier persona que ignore la forma en que los mercados operan, llegando a saber cómo actúan los titanes multimillonarios de estas instituciones cuya fortuna ha sido acumulada en base a la especulación y depredación efectuada al modesto e inocente inversor.

Aunque gran parte de este lúcido documento es debido a su realizador, no menos importante es la contribución realizada por el brillante elenco que lo anima donde cada uno de los actores participantes se despoja de su propia personalidad para reemplazarla con asombrosa convicción con la del personaje asumido.

Este elogiable film produce en el espectador una gran frustración por la naturaleza de su tema; sin embargo su visión es muy recomendable porque Chandor retrata acabadamente el rostro humano de los rapaces financieros, aunque en última instancia carezcan de humanidad. Lo triste del caso es que la mayoría de los mismos sale impune de los delitos cometidos y nada parece indicar que el sistema haya cambiado para evitar el advenimiento de nuevas catástrofes económicas.

LIKE CRAZY. United States, 2011. Un film de Drake Doremus
Esta película del joven realizador Drake Doremus en principio reúne los atributos necesarios para convertirse en una buena historia romántica, sin embargo se queda a mitad de camino y solo en forma muy intermitente presenta algunas situaciones que despiertan relativo interés.

La historia se refiere a la relación no muy convencional que une a dos jóvenes próximos a graduarse en la Universidad de Los Ángeles. Ella es Anne (Felicity Jones) quien se siente atraída por Jacob (Anton Yelchin), uno de sus compañeros de curso; para conquistarlo, utiliza un modo bastante particular al dejarle un curioso mensaje de amor en el parabrisas de su coche. Después de conocerse, flirtear e intimar, llega la hora de la separación porque Anne, que es británica, reside en Estados Unidos con una visa de estudiante de vencimiento inminente. Para pasar el verano junto a su novio, contraviene el permiso legal al quedarse más tiempo del debido antes de retornar a Londres; cuando posteriormente quiere volver a Los Ángeles con una visa de turista, los funcionarios de inmigración americana le niegan su entrada, obligándola a regresar a Inglaterra.

Aunque en principio podría despertar curiosidad en ver cómo se habrá desarrollar un vínculo sentimental donde las partes viven a miles de kilómetros de distancia, el guión de Daremus y Ben York Jones carece de la necesaria sustancia cómo para que lo que se expone resulte más atractivo. Durante la separación física, los estados anímicos de la pareja se ven alterados con el resultado de que Jacob pronto encuentra solaz sentimental con una colega de su trabajo (Jennifer Lawrence), en tanto que Anne no dudará en intimar con un vecino (Charlie Bewley) del lugar donde habita. El viaje que él efectúa a Londres para reencontrar a su novia provocará situaciones de ruptura, reconciliación, reproches, resentimientos, pero sin que todo ello repercuta vitalmente en el espectador; a todo esto, la mutua infidelidad de la pareja resta convicción a la sinceridad de los sentimientos envueltos.

Lo más objetable de Like Crazy es la débil caracterización de sus personajes y la falta de química existente entre los personajes principales donde se observa a un Jacob más bien pasivo frente a una Anne mucho más dinámica y apasionada. Los pasajes en que el relato alcanza un matiz de mayor interés son en las escenas que intervienen los padres de Anne (Alex Kingston y Oliver Muirhead) quienes le otorgan un poco de calor y humor al mismo.

La actuación de Jones y Yelchin es buena pero sus personajes, especialmente el de Jacob, carecen de la profundidad necesaria y su final abierto de novelita rosa impide que el film llegue a perdurar en la memoria del espectador. Para resumir, aunque este film se puede ver está muy lejos de generar el entusiasmo que dentro del mismo género alcanzaran, para citar algunos ejemplos, Before Sunrise(1995) y Before Sunset (2004) con Ethan Hawke y Julie Delpy y/o hace poco tiempo Blue Valentine (2010) con Ryan Gosling y Michelle Williams

CINE EN LA PLAZA

2011-11-18T21:37:00.007-05:00

Comentarios de Sergio Martínez

J. EDGAR. Director: Clint Eastwood (2011)
John Edgar Hoover, uno de los personajes más siniestros de la historia de Estados Unidos, director por casi 40 años del FBI (Federal Bureau of Investigations), ha sido el objeto de esta interesante película biográfica realizada por Clint Eastwood. La estructura del film alterna entre los comienzos de la carrera de Hoover (encarnado por Leonardo DiCaprio) hasta su período final a cargo del FBI. DiCaprio ciertamente hace una muy buena caracterización de su personaje, aunque gran mérito en ello corresponde también a quienes hicieron el maquillaje del actor para trasladar a la pantalla una imagen creíble del personaje en sus últimos años.
El film transporta al espectador por las vicisitudes personales y profesionales de un individuo que ciertamente no despierta mayor simpatía, un hombre ambicioso aunque a la vez capaz de disfrazar esa ambición de poder con lo que se muestra como un real convencimiento de que su accionar es siempre motivado por un profundo sentimiento patriótico. Su lucha contra comunistas y otros izquierdistas por ejemplo está abundantemente alimentada por esa mezcla de odio con esa otra ilusión patriótica.
Al final sin embargo, Eastwood nos entrega de manera creciente la imagen de una Hoover más interesado en preservar su puesto—para lo cual no vacilará en chantajear a presidentes—y hacer valer su poder aun cuando ya la vía libre que una vez tuvo aparece obstaculizada hacia los años 60 por diversos pronunciamientos judiciales que cuestionan sus procedimientos.
Este film proporciona un ajustado retrato del siniestro jefe policial, incluyendo aquellos aspectos de su vida personal que a su vez contribuyen a formarse un perfil psicológico de él: su enfermizo apego a la madre, Annie (Judi Dench), su desconfianza y consiguiente soledad, aunque la faceta más controvertida de Hoover, su homosexualidad nunca admitida, aunque claramente insinuada en su relación con el agente Clyde Tolson (Armie Hammer) no es explorada más a fondo. Eso pese a que Hoover hizo del chantaje a homosexuales una de sus herramientas favoritas para perseguir a presuntos izquierdistas u otros potenciales enemigos en la administración pública de Estados Unidos.
Aparte de Tolson, la única otra persona que goza de la confianza de Hoover es su secretaria Helen Gandy (Naomi Watts) y esa relación es presentada de modo detallado en el film.
En suma, se trata de un film que aporta una visión histórica de interés sobre este personaje, aunque insuficiente en la cobertura de algunos de los aspectos más controvertidos de su vida, como su homosexualidad latente. Para el público norteamericano J. Edgar tiene posiblemente un mérito adicional: el enterarse que Estados Unidos ha tenido su propia “policía secreta”, que ella se ha visto envuelta en una serie de maniobras sucias y que en este sentido, Hoover fue un buen equivalente de Laurenti Beria en la URSS, comparación que puede acentuarse en los comienzos de la Guerra Fría.

HAPPY FEET TWO. Director: George Miller (2011)
Un film de animación computarizada en 3D que ciertamente ha de gustar a los niños de edad más menuda, especialmente menores de 9 años, aunque algunas escenas pueden crear alguna reacción de susto también.
Happy Feet Two, sigue la historia de una comunidad de pingüinos que debe enfrentar una inesperada catástrofe natural, el derrumbe de hielos que les cierra el paso al mar y por tanto los deja sin poder alimentarse.
La historia se condimenta un poco con la aparición de un pingüino volador y su lugarteniente que harán al pequeño Eric, el pequeño pingüino en quien se centra la historia, descubrir sus propias capacidades. Eric, en compañía de su padre y en los encuentros que tiene con otros animales, irá comprendiendo también valores como la amistad, la lealtad y la gratitud.
Como historia paralela transcurre también la de dos krils (minúsculos camarones) embarcados en la búsqueda de un modo de vida fuera del enjambre en que nacieron y siempre vivieron. Sus peripecias aportan una nota humorística y de acción, en contraste con el ritmo más pausado y reflexivo de la historia principal.
Como ya se ha hecho costumbre en los recientes filmes de animación, algunos actores famosos como Robin Williams y Elija Wood prestan sus voces a algunos de los personajes (en su versión inglesa, la versión doblada al francés tiene sus propios intérpretes).

MUSICA DE AMERICA LATINA Y UN CLASICO ORATORIO

2011-11-17T18:11:00.009-05:00

ORCHESTRE METROPOLITAIN

Alternando la música sinfónica con el tango y los animados ritmos de la música latinoamericana, la Orquesta Metropolitana ofrece en su tercer concierto de esta temporada un programa ecléctico y colorido.

Para este evento, la OM ha invitado al conjunto Quartango que es una de las contadas agrupaciones musicales que ha tenido la oportunidad de ejecutar con orquestas sinfónicas durante los últimos 20 años en base a un repertorio integrado por milongas, los tradicionales tangos y los renovadores del gran compositor Astor Piazzolla. El grupo está integrado por Stéphane Aubin (piano), Antoine Bareil (violín), René Gosselin (contrabajo), Denis Plante (bandoneón) y Chantal Simard (percusión). Los bailarines argentinos Roxana Callegari y Fabián Belmonte acompañan al conjunto.

El concierto es dirigido por el maestro Alain Trudel y el programa incluye la Sinfonía No. 4 de Carlos Chávez, la Sinfonietta No 1 de Heitor Villa-Lobos, y una selección de tangos sinfónicos. El 27 de noviembre (16h00) en la Maison Symphonique (http://www.orchestremetropolitain.com/)

MCGILL CHAMBER ORCHESTRA

Bajo la dirección del maestro Boris Brott, la Orquesta de Cámara de McGill ofrecerá el Mesías de Haendel con la participación de la soprano Hélène Brunet , el contratenor Daniel Taylor, el tenor Rufus Müller, el bajo Alexander Dobson, y el Coro de la Catedral Christ Church.

El oratorio tiene lugar el lunes 28 de noviembre (19h30) en la catedral Christ Church (http://www.ocm-mco.org/)

MUSICA DE CAMARA EN EL CENTRO SEGAL

2011-11-17T16:37:00.004-05:00

MUSICA CAMERATA MONTREAL

Fiel a la tradición de hacer conocer al público melómano obras poco conocidas o bien no ejecutadas habitualmente, el celebrado conjunto de cámara Musica Camerata Montreal ofrece como segundo programa de la presente temporada, dos composiciones que son primicias para Canadá.

El programa incluye el Quinteto para piano y cuerdas del compositor ruso Anton Arensky (1861-1906) y el Quinteto No. 2 para piano y cuerdas del compositor húngaro Karl Goldmark (1830-1915) . Los músicos que participan son Berta Rosenohl (piano), Luis Grinhauz (violín), Van Armenian (violín), Lambert Chen (viola) y Mariève Bock (violoncelo). bajo la dirección de Luis Grinhauz.

El concierto tiene lugar el el domingo 27 de noviembre a las 14h30. en el Centro Segal. Información suplementaria se puede obtener visitando http://www.segalcentre.org/ y/o http://www.camerata.ca/

UN PADRE PROLIFICO

2011-11-17T14:49:00.005-05:00

Crónica de Jorge Gutman

STARBUCK. Canadá, 2011. Dirección: Ken Scott. Distribución: Films Christal

El director Ken Scott brinda una comedia donde la gracia y la ternura se combinan adecuadamente. Patric Huard anima a David Wozniak, un individuo que en su juventud había donado su esperma a cambio de una considerable suma de dinero utilizando el seudónimo de “Starbuck”. Hoy día, con cuarenta y tantos años, es un hombre bastante inmaduro, no muy responsable, endeudado hasta la médula de sus huesos y trabajando sin mayor emprendimiento como empleado repartidor en la carnicería de su padre (Igor Ovadis).

Su vida cambia drásticamente el día que recibe la visita de un abogado de la clínica donde él había cedido su esperma, quien le comunica que su donación generó el nacimiento de 533 personas y que 142 de las mismas se han dirigido a la justicia demandando conocer la identidad del padre. Como si eso fuese poco, cuando su compañera Valérie (Julie Le Breton) le anuncia que esperan un hijo, la noticia le causa gran preocupación dada su naturaleza de querer evitar cualquier tipo de atadura que lo comprometa y menos aún asumir una imprevista paternidad.

Para solucionar el problema judicial, David acude a su abogado amigo (Antoine Bertrand) para que lo ayude a seguir manteniéndose en el anonimato. Al propio tiempo trata de relacionarse con algunos de sus hijos biológicos sin revelar quien es él y en ese contacto se producen situaciones anecdóticas bastante emotivas, aunque cabe reconocer que el director utiliza cierta manipulación para congraciarse con el público.

Sin otro propósito que el de apelar a genuinos sentimientos, el film va ilustrando cómo David va superando el momento crítico por el que atraviesa al ir cambiando de actitud y madurando lentamente en un proceso de concientización que le permite comprender lo que significa traer hijos al mundo, la responsabilidad de ser padre y la gratificación que resulta de todo ello. De ese modo, el camino está preparado para que pueda recibir con todo entusiasmo a su primer hijo concebido en forma tradicional con Valérie, la mujer que verdaderamente quiere.

A pesar de alguno que otro clisé, el balance de STARBUCK es positivo. Aparte de tratar un tema universal como el de la paternidad, el film posee calidez, abunda en humor y además cuenta con la impecable actuación de Huard quien ofrece el mejor trabajo de su carrera caracterizando a un carismático antihéroe capaz de granjearse la inmediata simpatía del público.

El DVD no ofrece suplementos de relevante interés con excepción de algunas escenas suprimidas del montaje original. La banda audio es en francés/inglés con títulos optativos en inglés

EL CAMINO DE SANTIAGO

2011-11-12T13:36:00.009-05:00

Comentario de Jorge Gutman

THE WAY. Estados Unidos, 2010. Un film escrito y dirigido por Emilio Estévez

En un film dedicado a su abuelo, el director Emilio Estévez eligió a su padre Martin Sheen como el protagonista de un relato de significativo contenido espiritual acerca de un hombre que rinde un tributo póstumo a su hijo.

El guión presenta a Tom (Sheen), un oftalmólogo de California que inesperadamente recibe un llamado telefónico de Francia donde le comunican que su hijo Daniel (Estévez) falleció en una tormenta acaecida en los Pirineos cuando estaba emprendiendo el milenario Camino de Santiago, una ruta que recorren los peregrinos procedentes de Europa y cuya meta es llegar a pie hasta la Catedral de Santiago de Compostela de esa misma ciudad en donde se veneran las reliquias del apóstol Santiago el Mayor. Completamente apesadumbrado, Tom viaja al lugar de la tragedia para recuperar su cuerpo pero en el lugar cambia de opinión y respetando los principios religiosos de su hijo resuelve efectuar el camino que Daniel debió emprender llevando consigo sus cenizas y cumplir con lo que él habría deseado realizar en vida.

De este modo y a lo largo de un itinerario de 800 kilómetros, el relato se convierte en una película del camino aunque diferente de las tradicionalmente conocidas. Las circunstancias hacen que en esa marcha también participen un agradable y extravertido holandés (Yorick van Wageningen) que desea perder peso con el ejercicio físico que implica caminar el largo trecho, una canadiense divorciada de edad media (Deborah Kara Unger) que tratará de perder el vicio de fumar y un escritor irlandés (James Nesbitt) que intenta escribir un libro en base a la experiencia que recoja a través del largo recorrido.

Durante el itinerario queda reflejado el drama de Tom quien se mantiene parco y poco propenso para compartir con sus compañeros de ruta la tristeza íntima que lo aflige; ese dolor es en parte atenuado por la presencia ensoñadora de su hijo que le sirve de aliciente suministrándole fuerza para cumplir con su meta. Pasando por pequeñas localidades y algunas ciudades de importancia como Pamplona, Burgos y León, el viaje ofrece algunos momentos de tensión como cuando a Tom se le cae la mochila con las cenizas de su hijo en un río y posteriormente cuando un joven gitano le roba sus pertenencias para serle posteriormente reintegradas por el padre de aquél.

La naturaleza del film está lejos de ajustarse a los tradicionales gustos del público joven de hoy día puesto que no hay acción violenta, sangre, sexo o drogas para que le otorguen “color”; en cambio destila una especial sensibilidad que satisfará al espectador inclinado por un relato sincero y humano. La interpretación es irreprochable aunque claramente se distingue la de Sheen quien con su expresivo rostro transmite el sufrimiento de su personaje a pesar del escaso diálogo que el guión le permite mantener. En los rubros de producción, se destaca la fotografía de Juan Miguel Azpiroz captando las bellas imágenes de los paisajes montañosos de Francia y las zonas vascas de España.

LA BELLA DURMIENTE

2011-11-11T09:34:00.004-05:00

BALLET BOLSHOI

Sleeping Beauty es la tercera producción de la nueva temporada de la compañía del Ballet Bolshoi, a ser difundida en Canadá directamente desde Moscú en alta definición. Este célebre ballet en dos actos con libreto de Ivan A. Vsevoloisky de Marius Petipa está basado en el popular cuento original de Charles Perrault La Bella Durmiente del Bosque de Charles Perrault y La Bella Durmiente de los Hermanos Grimm.

Su trama gira en torno de la princesa Aurora quien al nacer, un hada maligna la maldice haciendo saber que al cumplir 16 años morirá al pincharse con un huso de hilar. Afortunadamente, la presencia de un buen hada modificará parcialmente la sentencia señalando que la princesa habrá de caer en un profundo sueño del que despertará cuando reciba un beso de amor.

Este ballet es considerado como uno de los más espectaculares y más representativos del lenguaje clásico está agraciado por la maravillosa música de Peter Tchaicovsky. Si bien la coreografía original pertenece a Marius Petipa, la versión presentada por el Bolshoi pertenece al maestro Yuri Grigorovich.

Entre los principales bailarines se destacan María Allash, Svetlana Zakharova, Alexei Loparevich, Pavel Dmitrichenko, David Hallberg. Los decorados pertenecen a Ezio Frigerio y la dirección musical está a cargo del maestro Vassily Sinaisky.

El espectáculo será transmitido el 20 de noviembre (redifundido el 29 de enero de 2012) en los teatros pertenecientes a la cadena de exhibición CINEPLEX. En el área de Montreal, las salas de exhibición son Quartier Latin, Scotiabank, Cavendish Mall, Colossus Laval y Colisée Kirkland a las 13h00 local. Para una mayor información sobre horarios locales y teatros en el resto de Canadá, el sitio a visitar es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

EL PACIFISMO DE GHANDI

2011-11-10T23:00:00.004-05:00

SATYAGRAHA

La cuarta ópera de la temporada 2011-2012 directamente desde el Metropolitan Opera de Nueva York es Satyagraha, la creación lírica de Philip Glass. El libreto del novelista Constance DeJong, basado en proverbios filosóficos provenientes de un épico poema hindú, relata la lucha de Mohandas K. Ghandhi por los derechos civiles de la minoría india de Sudáfrica desde 1893 a 1914 y fue quien utilizó la táctica del "satyagraha", la resistencia sin violencia, en sus campañas para lograr la independencia de India.

En los roles principales participan el tenor Richard Croft como Ghandi, la soprano Rachelle Durkin como su secretaria, la mezzo soprano María Zifchak animando a su esposa, el bajo barítono Alfred Walker como su compañero de trabajo indio y el barítono Kim Josephson interpretando a su colega europeo.
La producción es de Phelim McDermott con la colaboración de Julian Crouch como director asociado y responsable del diseño escénico. La dirección musical está a cargo de Dante Anzolini.

La ópera es cantada en sánscrito –lengua litúrgica en el hinduísmo, budismo y janismo- con subtítulos en inglés.

La difusión via satélite y en alta definición tiene lugar el 19 de noviembre (redifundida el 14 de enero de 2012) a las 13h00 (horario del este) a través de la compañía exhibidora CINEPLEX. Para los cines participantes y las horas locales en las diferentes ciudades de Canadá, el sitio web es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

El Festival de Cine Documental de Montreal

2011-11-09T13:53:00.007-05:00

Crónica de Jorge Gutman

RENCONTRES INTERNATIONALES DU DOCUMENTAIRE DE MONTREAL

El miércoles 9 de noviembre comienza en Montreal la 14ta edición del festival de filmes documentales (RIDM) que este año presenta 115 títulos de 32 países. La muestra se inaugura con CRAZY HORSE (Estados Unidos), en donde el director Frederick Wiseman transporta al espectador a la trastienda del célebre cabaret parisino durante los ensayos de un nuevo espectáculo, “Deseos”, coreografiado por Philippe Decouflé.

Entre algunas de las películas destacadas de esta selección figura JOSÉ E PILAR (Portugal-España-Brasil), un emotivo y cálido documental de Miguel Conçalves Mendes centrado en los últimos años de la vida del premio Nobel José Saramago (fallecido en 2010) y su esposa, la periodista española Pilar del Río. Aunque el film no soslaya la personalidad de Saramago como escritor, el enfoque está más bien dirigido a su parte humana y al amor y devoción que recibió de su esposa; durante los 22 años de vida en común, ella además de haber sido la traductora oficial de la obra literaria del novelista, fue su insustituible colaboradora que siempre se mantuvo pendiente de todo lo que le acontecía organizándole su vida en términos de viajes, recepciones, conferencias, tributos, etc. Pero lo que fundamentalmente prevalece es la hermosa historia de amor de esta singular pareja que está relatada con gran ternura.

También recomendable es L’EMPIRE DU MILIEU DU SUD (Francia) donde Jacques Perrin, buen actor y renombrado documentalista francés, junto con el cineasta historiador Eric Deroo ofrecen un excelente recuento de la historia colonial de Vietnam hasta la caída de Saigón en 1975. Después de un trabajo que insumió 10 años de investigación reuniendo un importante material de archivo de diferentes lugares del mundo que ha sido montado en forma impecable, los realizadores han logrado brindar un documento vívido, dinámico y sobre todo instructivo para las nuevas generaciones, brindando de este modo un respetuoso tributo a un pueblo oprimido a lo largo de su existencia.

Entre los filmes de América Latina dignos de mención se encuentra EL LUGAR MÁS PEQUEÑO (México) de Tatiana Huezo, abordando el caso de algunos sobrevivientes salvadoreños de la aciaga guerra civil que acosó a El Salvador entre 1980 y 1992, retornan a la región de Cinquera para construir una comunidad en aquellos lugares donde la sangre ha sido derramada. Aunque la vida normal reina ahora en el lugar, resulta difícil eliminar las huellas traumáticas que les ha dejado a esta gente a pesar de los años transcurridos. Con un bello estilo poético, la realizadora impresiona gratamente en ésta su ópera prima donde su cámara permite que los habitantes del lugar se expresen por sí mismos, sin ningún agregado retórico.

También despierta interés YATASTO (Argentina) de Hermes Paralluelo, enfocando a chicos que viven en un barrio humilde de la provincia de Córdoba. Valiéndose de un carro de caballo, trabajan recogiendo cartones y materiales reciclables mientras sueñan con un futuro más venturoso. Con una lograda puesta escénica, enfocando a sus personajes con planos fijos, Paralluelo obtiene una buena pintura social de gente que a pesar de su pobreza vive con dignidad pero nunca en la miseria.

El festival concluye el domingo 20 de noviembre con la premiere canadiense de TAHRIR, PLACE DE LA LIBÉRATION (Francia-Italia) donde el director Stefano Savona, durante 18 días, entre enero y febrero de este año, testimonió una imponente multitud en estado de revuelta que ocupó la plaza Tahrir de El Cairo para exigir la partida del presidente Moubarak y permaneció en la misma hasta lograr su objetivo.

Para información sobre las salas de proyección así como la lista de todos los filmes y proyección horaria, el sitio a visitar es http://www.ridm.qc.ca/

EL CANTO DE LA SIRENA

2011-11-09T11:39:00.008-05:00

OPERA DE MONTREAL PRESENTA RUSALKA

En calidad de premiere, la Opera de Montreal presentó Rusalka, la creación lírica de Antonin Dvorák. Aunque la obra del compositor checo es más conocida por su repertorio musical, de todas maneras compuso 10 óperas de las cuales la presente es la más importante. Su argumento es una fantasía dramática donde Rusalka, el personaje principal, es una ondina que se enamora de un príncipe que habita en tierra firme; para casarse con él, la bella serena debe convertirse en un ser humano, hecho que habrá de lograrlo con la colaboración de la hechicera Jezibaba. En la noche de bodas, el príncipe la abandona por una princesa extranjera y cuando posteriormente vuelve a ella y le pide perdón, terminará muriendo en sus brazos en tanto que Rusalka volverá a las aguas para recobrar su estado natural.

Como ópera no es mucho lo que el amante del arte lírico debe aguardar porque lo más importante queda relegado a la orquestación musical. De hecho, esta ópera carece de arias importantes, con excepción de la muy conocida “Canción a la Luna” cantada por Rusalka al promediar el primer acto. En última instancia lo que predomina aquí son las hermosas melodías de Dvorak que causan placer auditivo.

La ópera es cantada por un reparto internacional integrado por la soprano americana Kelly Kaduce en el rol del título, el tenor ruso Khachatur Badalyan como su amado príncipe, la soprano polaca Ewa Biegas encarnando a la princesa extranjera, el bajo canadiense Robert Pomakov como el Genio de las Aguas y padre de Rusalka y la mezzo soprano rumana Liliana Nikiteanu dando vida a Jezibaba. El elenco cumple satisfactoriamente su cometido con especial referencia a las sopranos Kaduce y Biegas quienes ofrecen una exquisita riqueza vocal además de transmitir intensidad dramática en sus actuaciones.

Lo más importante de esta moderna producción es su deslumbrante contenido visual. Gracias a un dispositivo tecnológico –el uso de pantalla gigante LED de alta definición- la proyección de imágenes crea la ilusión de estar asistiendo a un espectáculo encantador que prestigia la puesta escénica de Bill Murray y complementando armoniosamente los decorados creados por Erhard Rom.

En el podio está el maestro John Keenan dirigiendo correctamente a la Orquesta Metropolitana, así como Claude Webster logra positivos resultados con el coro de la ODM.

Para los lectores que deseen apreciar un extracto del espectáculo, pueden visitar http://www.operademontreal.com/fr/popup_fr.html?id=1198&indexGroup=4

La ópera se seguirá representando los días 12, 15, 17 y 19 de noviembre (19h30h) en la Sala Wilfrid Pelletier de la Place des Arts, en la versión original checa con subtítulos en francés e inglés (http://www.operademontreal.com)/

RECIENTES DVDs

2011-11-08T21:30:00.009-05:00

Crónica de Jorge Gutman

A BETTER LIFE. Estados Unidos, 2011. Dirección de Chris Weitz. Distribuidora : Entertainment One (2011)

El drama de los trabajadores latinoamericanos viviendo ilegalmente en Estados Unidos para tratar de alcanzar el sueño americano, es un tema que ha sido tratado en varias oportunidades. Con todo, la película A Better Life sin innovar en la materia, está imbuida de gran humanidad y la narración del realizador Chris Weitz mantiene permanente interés, en parte debido a que sus personajes están óptimamente descriptos.

Carlos Galindo (Demian Bichir) es un humilde mexicano indocumentado que reside en Los Ángeles y se gana la vida trabajando para Blasco (Joaquín Cosio), un compatriota suyo, ocupándose de la jardinería de las casas de la gente pudiente de la ciudad. Después de que su señora lo dejó junto a su hijo Luis cuando éste era pequeño, su preocupación mayor es que ahora el adolescente muchacho (José Julián), por quien manifiesta una acallada pero genuina devoción, pueda aspirar a un futuro mucho más venturoso que el que él disfruta.

Con el escenario descripto como telón de fondo el guión de Eric Eason, basado en una historia de Roger L. Simon, gira en torno de la relación que existe entre padre e hijo destacando las características personales de cada uno de ellos. En tanto que Carlos es un hombre de nobles sentimientos que trata de mantener un bajo perfil para no despertar las sospechas o ser detectado por parte de la policía migratoria, su hijo es díscolo, bastante irresponsable, sin interés alguno en mantener comunicación con su padre y sin cobrar conciencia de lo que Carlos realiza para protegerlo de las pandillas poco recomendables que abundan por la zona; ausentándose de sus estudios y con amigos no muy recomendables todo haría suponer que de proseguir ese camino, el futuro de Luis no resultará muy halagüeño.

A través de su abnegada y comprensiva hermana Anita (Delores Heredia) que le llega a facilitar 12 mil dólares, Carlos lo invierte en la compra del camión que le vende Blasco con el propósito de mejorar sus ingresos y así poder colmar sus aspiraciones de mejorar su nivel de vida junto a su hijo. Con reminiscencias del extraordinario film neorrealista de Vittorio de Sica “Ladrones de Bicicletas” (1948), la historia adopta un vuelco inesperado cuando a Carlos le sustraen su vehículo al día siguiente de su adquisición, incluyendo sus herramientas de trabajo. Lo que sigue después, es un relato que motiva a que padre e hijo lleguen a solidificar su relación a pesar de todas las circunstancias negativas mediante un viaje espiritual de gran ternura para demostrar que los valores familiares pueden gravitar mucho más que las penurias atravesadas por los golpes desafortunados del destino.

Con inteligencia y sensibilidad Weitz conmueve al espectador con una historia sencilla pero que cala a fondo mostrando los sectores de una ciudad donde habita la población más humilde y que contrasta enormemente con los atractivos sectores de Beverly Hills apreciados en otros filmes. Con diálogos claros y precisos, el realizador llega a transmitir con convicción un drama realista, ilustrando los esfuerzos realizados por los inmigrantes latinos para sobrevivir al valerse de cualquier medio para escapar de los arrestos policiales y la temida deportación. Al hacerlo, Weitz no adopta posición política alguna ni tampoco llega a criticar al sistema legal vigente dado que el tema de los indocumentados es aquí el hilo conductor para establecer los lazos existentes entre un padre y su hijo.

El director logró el aporte de un muy buen elenco donde, sin duda alguna, Demian Bichir descuella llegando a conmover en la caracterización de un individuo de moralidad y dignidad ejemplar que está firmemente determinado a que su hijo disfrute de una vida mejor.

El DVD incluye un comentario audio a cargo del realizador así como escenas eliminadas y un video musical. La banda audio es en inglés y/o español con subtítulos optativos en ambos idiomas.

Demian Bichir y José Julian

SUBMARINE. Gran Bretaña-Estados Unidos, 2010. Dirección: Richard Ayoade. Distribución: Alliance Vivafilm (2011)

Esta es una de esas raras comedias británicas donde el familiar tema del proceso de madurez de un adolescente adquiere matices especiales debido a la ingeniosidad con que Richard Ayoade lo abordó en su primer largometraje como realizador.
Adaptado de una novela de Joel Dunthorne, el guión de Ayoade enfoca a Olivier Tate (Craig Roberts), un muchacho galés de 15 años de edad que además de una imaginación singular que se evidencia en su mundo interior es también dueño de una sensibilidad especial en lo que concierne a su núcleo familiar. Así, una de sus preocupaciones es tratar de salvar el matrimonio de sus padres que se encuentra afectado por la rutina y frustración de su madre (Sally Hawkins) y la impasibilidad e indiferencia demostrada por su padre (Noah Taylor); el hecho se agrava con los encuentros que su madre mantiene con un excéntrico vecino (Paddy Considine) que fuera un antiguo amor de su juventud y es por eso que Olivier no guardará escrúpulos de actuar contra él con tal de evitar que sus padres se separen. El otro motivo que inquieta a Olivier es tratar de perder su virginidad con Jordana (Yasmin Paige), el primer amor de su vida, con quien mantiene una relación sentimental un poco complicada debido a los problemas de sus padres y a la enfermedad que aqueja a la madre de su novia.

Con un humor sutil, irónicos diálogos y una estilística narrativa que visualmente adopta un tono surrealista, el realizador logró un film poético, melancólico y esencialmente cálido describiendo muy bien la dicha, sinsabores, temores y otras inquietudes que afectan el período de la adolescencia. Todos los actores se desempeñan correctamente aunque claramente se destaca Craig Roberts llevando en sus espaldas el peso de este refrescante relato. Muy buena es la banda sonora con las canciones de Alex Turner.

Entre sus extras, el DVD presenta algunas escenas eliminadas y/o extendidas así como un breve material adicional donde los actores y el director se refieren a los personajes animados y a algunos aspectos en torno al proceso de creación del film.
La banda sonora es en inglés con subtítulos optativos en español e inglés.

Craig Roberts en "Submarine"

ANNA BOLENA

2011-11-06T07:18:00.010-05:00

The MET HD: ANNA BOLENA

New York City, 10.10.2011. Metropolitan Opera House. Lincoln Center for the Performing Arts. Anna Bolena. Opera en dos actos con música de Gaetano Donizetti (1797-1848) y libreto de Felice Romani (1788-1865) basado en la vida de Ana Bolena, la segunda esposa del rey Enrique VIII de Inglaterra. Estreno: Teatro Carcano de Milán el 26 de diciembre de 1830. Elenco: Anna Netrebko (Ana Bolena), Ildar Abdrazakov (Enrique VIII), Ekaterina Gubanova (Jane Seymour), Stephen Costello (Percy), Keith Miller (Lord Rochefort), Tamara Munford (Smeton), Eduardo Valdés (Sir Hervey). Marco Armiliato, director musical – David McVicar, dirección escénica. Temporada 2011-12.

Comentario de Daniel Lara

Más allá de toda la parafernalia mediática que como es habitual en la era Gelb precedió la apertura de la temporada 2011-12 del Met con la ópera Anna Bolena y que colocó la imagen de Anna Netrebko en el centro de toda la atención de la ciudad, nada debe opacar el acontecimiento que significó el estreno incomprensiblemente tardío de la ópera de Donizetti en la cartelera del primer coliseo neoyorquino.

Última incorporación en el repertorio de Anna Netrebko, el personaje protagónico de Anna Bolena es -comparado con sus anteriores incursiones belcantistas en la casa- el rol con el que salió mejor parada. Su aproximación al personaje de la reina de Inglaterra subrayó el lado más lírico de la parte y fue allí donde Netrebko obtuvo los mejores momentos de la caracterización. Como ejemplos pueden citarse su “Come, innocente giovanne...” del primer acto o bien la remembranza final del “Al dolce guidami…” donde con voz aterciopelada, bellísimas medias voces y un sin número de sutilezas le dio a la noche algunos de los momentos de mejor y más efectivo canto. En el resto de la ópera, su labor no mostró falencias en los agudos ni en el arte del canto legato. Sus agilidades sin ser todo lo precisas que se hubiese deseado conformaron teniendo en cuenta que Netrebko es una cantante lirica y no una lirico-coloratura nata. A pesar de todo esto, el personaje requiere de la interprete mucho mas de lo que la diva rusa esta en condiciones de ofrecer, sobretodo en cuanto a carácter y autoridad refiere. Así fue como, en las escenas en las cuales debió confrontar ya sea con Seymour o con el rey, su caracterización hizo agua por los cuatro costados y sólo se la escucho interesada en cantar bonito sin molestarse demasiado en darle una impronta personal a lo que estaba cantando. Tampoco ayudó el hecho que la escritura vocal de la ópera sacó a relucir sus falencias en el registro medio-grave donde la voz tendió a perder peso y volumen, situación que tampoco contribuyó a darle autoridad a lo que se estaba cantando.
De todos modos, el público la aplaudió a rabiar y se fue extasiado con la labor de Netrebko aunque mucho más por el peso artístico y el carisma de la cantante que por su contribución a un repertorio que a pesar de su gran insistencia le sigue quedando muy grande. ¡Persevera y triunfaras!

Como Giovanna Seymour, Ekaterina Gubanova se desempeño con mucho profesionalismo y una vez vencido cierto trac inicial supo siempre ir de más en más. Su consistente y caudalosa voz sumadas a la fuerza expresiva con la que se lanzó a componer su personaje convinieron a la perfección para delinear el carácter de la amante del rey y a posteriori reina de Inglaterra.

De imponente presencia y temperamento, Ildar Abdrazakov cinceló un rey Enrique con voz dúctil, musicalidad y graves de bellísimo esmalte, cualidades a las que siempre les imprimió nobles y aristocráticos acentos. El rendimiento del bajo ruso pudo ser aun mejor de haber contado con otro director musical menos propenso a tirarle la orquesta encima y mas proclive a exponer la intensidad del canto del bajo ruso.

El ascendente y joven tenor Stephen Costello fue otra de las grandes figuras de la noche brillando a más no poder en su composición de Lord Riccardo Percy, personaje al que interpretó con una voz lirica de particular calidez, generosidad y asombrosa perfección estilística. Como si esto fuese poco, su caracterización rebozó fuerza emotiva y gran entrega. ¡Chapeau!

Completaron el elenco vocal las muy sólidas prestaciones de Tamara Mumford y de Eduardo Valdés como el joven músico de la corte Smeaton y el desagradable oficial Harvey respectivamente.

Muy tocantes y emotivas fueron las intervenciones del coro de la casa que cantó como una sola voz y en su habitual nivel de excelencia.

Al frente de la orquesta de la casa, la dirección musical de Marco Armiliato pasó con más penas que glorias. Plagada de irregularidades, su lectura de la partitura de Donizetti pasó por alto –en muchas ocasiones en beneficio de los cantantes, otras en perjuicio de estos y otras sin sentido alguno- toda la intensidad y el carácter de la música. Todo sonó igual, sin matices y sin la menor emoción.

A cargo del montaje escénico, David McVicar ofreció un espectáculo sobrio de línea tradicional buscando siempre pisar sobre terreno seguro y en el que sobresalió la elegancia y la sensibilidad del director de escena a la hora de extraer lo mejor de los solistas y del coro en materia de movimientos escénicos. Una particular mención mereció Jenny Tiramani quien diseñó un bellísimo vestuario rico en detalles y fiel al momento histórico en el que se desarrolla la trama.

En síntesis, un gran espectáculo que con sus altos y bajos resultó interesante para quien quiera conocer esta opera y poco aconsejable para los puristas del genero.

La ópera será redifundida en su versión original italiana con subítulos en inglés el sábado 12 de noviembre en los cines de Canadá de la compañía exhibidora CINEPLEX DIVERTISSEMENT. Para conocer las salas participantes y los horarios locales de cada ciudad, visitar el sitio web www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

FERENC MOLNAR, YASMINA REZA, REJEAN DUCHARME EN LA CARTELERA TEATRAL

2011-11-05T12:11:00.004-04:00

SEGAL CENTRE

El Centro Segal presenta la segunda producción de la presente temporada con The Play’s the Thing del autor húngaro Ferenc Molnár con la puesta en escena de Blair Williams. Escrita en 1924, Molnár estructuró su creación como una obra dentro de otra, de manera que la realidad vivida por sus personajes es utilizada para ser volcada durante el proceso de elaboración de una pieza teatral.

El argumento presenta a Sandor Turai, un renombrado dramaturgo, quien junto a Mansky, su colaborador de larga data, invitan al joven compositor Albert Adam a un castillo ubicado en la rivera italiana donde esperan sorprender a la novia de este último, la prima donna Ilona Szabo. Pero el joven músico se llevará una gran sorpresa cuando por azar escucha un intercambio apasionado que mantiene Ilona con un actor que fuera su mentor y antiguo amante. Preocupados por el hecho de que este descubrimiento de infidelidad pueda destruir la carrera del joven músico, los dramaturgos utilizan los acontecimientos reales para escribir una pieza teatral que pueda recomponer la situación. A través de esta trama, Molnar desea mostrar como el arte puede llegar a reflejar la vida real.

El elenco cuenta con la participación de Paul Hopkins, James Kidnie, Chip Chuipka, Jessica B. Hill, Michael Rudder, Chris Barillaro y Jonathan Patterson. El decorado y vestuario está a cargo de Peter Hartwell. Las representaciones continúan hasta el 20 de noviembre (http://www.segalcentre.org/).

CENTAUR THEATRE

Finalmente el público anglófono de Montreal tiene la oportunidad de apreciar en inglés la excelente pieza God of Carnage (Le Dieu du Carnage) de la dramaturga francesa Yasmina Reza en traducción realizada por Christopher Hampton, presentada por el teatro Centaur. Esta obra tuvo resonante éxito en oportunidad de la excelente producción ofrecida el año pasado por el Teatro du Nouveau Monde en su versión original francesa.

La obra enfoca las relaciones humanas establecidas entre dos matrimonios de buena posición económica que se reúnen para tratar de enmendar la situación originada por una pelea de sus respectivos hijos de 11 años de edad; la misma tuvo lugar en un parque público con la consecuencia de que uno de los chicos perdió dos dientes debido al golpe infligido por el otro. Lo que comienza como una conversación refinada y cordial de gente adulta irá degenerando en acusaciones e insultos que desembocan en un combate grotesco entre las 4 personas. Bajo el disfraz de una comedia negra satírica Reza logró condensar en 80 minutos una historia de singular hilaridad que de alguna manera constituye un buen análisis de la condición humana.

La pieza está dirigida por Roy Surette y está protagonizada por Mark Camacho, Ellen David, Marcel Jeannin y Janine Theriault y es representada desde el 8 de noviembre hasta el 11 de diciembre en el escenario del teatro Centaur (http://www.centaurtheatre.com/).

THEATRE DU NOUVEAU MONDE

El TNM ofrece la obra de Réjean Ducharme HA ha!... que fuera estrenada en 1978 por Jean-Pierre Ronfard y repuesta en 1990 por Lorraine Pintal por esta compañía. Para esta nueva producción Dominique Champagne retorna al TNM para la puesta escénica de esta pieza que cuenta con la participación de Marc Béland, Anne-Marie Cadieux, Sophie Cadieux y François Papineau.

La obra es representadaza desde el 15 de noviembre hasta el 10 de diciembre (http://www.tnm.qc.ca/)

PROXIMOS CONCIERTOS

2011-11-04T10:52:00.019-04:00

ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL

El próximo programa de la OSM tendrá lugar el 9 (20h00), 10(20h00) y 11 (10h30) de noviembre con el oratorio La pasión según San Juan de Bach bajo la dirección del maestro Kent Nagano. Actuarán como solistas la soprano Sibylla Rubens, la contralto Ingeborg Danz, los tenores Martin Mitterutzner y Christoph Genz, los barítonos Tyler Duncan y Markus Werba, el bajo barítono Philippe Sly, acompañados del Coro de la OSM.

Los conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts (http://www.osm.ca/)

Sibylla Rubens

MCGILL CHAMBER ORCHESTRA

La Orquesta de Cámara de McGill (OCM) dirigida por Boris Brott, presenta el sábado 12 de noviembre (19h30) las Cantatas Profanas de Bach, entre ellas la Cantata del Café y la Cantata de los Campesinos. Con los músicos de la OCM participarán la soprano Pascale Baudin, el tenor Jacques-Olivier Chartier, y el barítono Nathaniel Watson. El concierto tiene lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts (http://www.ocm-mco.org/)

LADIES MORNING MUSICAL CLUB

Invitado por cuarta vez por LMMC se presentará el 13 de noviembre (15h30) el prestigioso Cuarteto Miró integrado por Daniel Ching (violín), Teresa Stanislav (violín), John Larguess (viola) y Joshua Gindele (violoncelo), con el pianista isaraelí Shai Wosner. El programa comprende el Cuarteto en Do menor de Schubert, el Cuarteto de Piano en Mi bemol mayor de Dvorak, y el Quinteto de Piano en Fa menor de Brahms.

Como es habitual el lugar del concierto es la sala Pollack de la Universidad McGill (http://www.lmmc.ca/)

PRO MUSICA

La organización musical Pro Musica presenta el Cuarteto Talich de la República Checa integrado por Jan Talich hijo (primer violín), Petr Macecek (segundo violín), Vladimir Bukac (viola) y Petr Prause (violoncelo). Este conjunto considerado como uno de los mejores cuartetos de cuerda del mundo ejecutará el Cuarteto en Sol mayor de Mozart, el Cuarteto No. 1 de Shulhoff y el Cuarteto en La menor (Rosamunda) de Schubert.

El concierto tiene lugar el 13 de noviembre (20h00) en la Maison Symphonique de la Place des Arts (http://www.promusica.qc.ca/)

CINE EN LA PLAZA

2011-10-30T22:31:00.016-04:00

Comentarios de Jorge Gutman

TAKE SHELTER. Estados Unidos, 2011. Un film escrito y dirigido por Jeff Nichols
Precedido por la excelente recepción lograda en el festival de Sundance y con el premio de la crítica internacional obtenido en el de Cannes, este segundo largometraje de Jeff Nichols impresiona por la solidez de su guión y por la eficiente forma en que se narra el difícil tema que aborda.

Teniendo como contexto una pequeña ciudad rural de Ohio donde transcurre la acción, la primera escena enfoca el rostro de Curtis (Michael Shannon), un hombre de poco más de 30 años quien parado y absorto observa fijamente los amenazadores nubarrones que cubren el cielo mientras las primeras gotas de lluvia van cayendo sobre su rostro. Cuando entra a su hogar, todo parece adquirir un aire normal al verlo interactuar con su familia integrada por su abnegada esposa Samantha (Jessica Chastain) y Hanna (Tova Stewart), su hijita de 6 años que padece de insuficiencia auditiva. Gradualmente, se aprecia que Curtis comienza a distraerse mentalmente durante sus horas de trabajo donde se desempeña como obrero de la construcción, pero con todo reina una calma inquietante que precede al drama que se avecina. Eso empieza a manifestarse con las visiones apocalípticas que comienza a experimentar mientras duerme, al punto tal que al despertarse cree sentir que lo soñado tiene visos reales. En los días que le siguen, las pesadillas nocturnas se le vuelven recurrentes y más angustiosas con la consecuencia de escupir sangre y experimentar incontinencia urinaria que llega a descubrir cuando despierta; ocultando lo que le ocurre a su señora, decide ver a su médico de familia quien le recomienda visitar a un psiquiatra, aunque no llega a hacerlo.

La única inconsistencia del libreto es que resulta difícil de aceptar que Samantha, pese a estar compartiendo la misma pieza y una misma cama con su marido, demore en darse cuenta de lo que le está ocurriendo. Ella recién se impone de la situación, cuando como efecto de las visiones que lo acosan, Curtis decide utilizar parte del terreno de la casa para la construcción de un refugio subterráneo que pueda proteger a su familia frente a posibles tornados; para financiar la obra, utiliza los escasos ahorros de la unidad familiar, que estaban destinados para un implante quirúrgico al que debía ser sometida su hija a fin de restablecer parcialmente su sordera.

El film es un absorbente estudio clínico de una persona afectada por una marcada obsesión que llega al nivel de esquizofrenia, aunque sin quedar establecida su causa; solo se llega a saber que la madre (Kathy Baker) de Curtis -cuando él era aún pequeño- tuvo que dejar a su familia para ser internada por problemas mentales de similares características. Más allá de esa conjetura, lo cierto es que el perturbador relato de Nichols concentra la total atención del espectador a lo largo del desarrollo, realzado en gran medida por la extraordinaria interpretación de Shannon. Este actor se identifica por completo con el hombre taciturno y emocionalmente reprimido que atormentado por el pánico va transitando por un peligroso sendero hacia la locura; los delirios, alucinaciones y ansiedades del personaje que encarna adquieren un nivel de notable realismo, sólo comparable a la maravillosa actuación de Jack Nicholson en The Shining (1980) componiendo un rol parecido. Otra contribución importante es la de Jessica Chastain como la devota madre que además de tener que ocuparse de la discapacidad física de Hanna debe cargar también con la aflicción de su marido; esta joven actriz que en solo dos años se ha destacado interpretando diferentes papeles (entre ellos, The Debt, The Three of Life, The Help), reafirma aquí su capacidad con la notable expresividad que emana de su rostro y la acabada naturalidad que transmite en cada una de las situaciones que le toca intervenir.

Además de su calificado elenco, es apreciable la meticulosidad con que Nichols abordó pequeños detalles que circundan a la anécdota central; en tal sentido su guión refleja algunos interesantes aspectos de la vida familiar, el entrañable amor de los padres a su hijita, la importancia de disponer de un seguro de asistencia médica para afrontar ciertas enfermedades mientras uno está trabajando y cómo ese beneficio desaparece cuando se llega a perder el empleo. También es destacable cómo el realizador se valió inteligentemente de los efectos visuales generados por computación, sin abusar de los mismos, para dramatizar los desvaríos de Curtis.

Sin saber si el realizador tuvo asistencia de médicos o psiquiatras para describir tan acabadamente la historia de un esquizofrénico, lo cierto es que lo que se expone es tan vívido como inquietante logrando que la película quede grabada en el espectador mucho después de concluida. Puede que por su particular tema Take Shelter no resulte demasiado atractivo para todo tipo de público; de todos, sus importantes valores artísticos lo convierten en un film de óptima calidad y uno de los mejores vistos en el transcurso del año.

THE IDES OF MARCH. Estados Unidos, 2011. Un film de George Clooney
Además de ser un buen actor, George Clooney ratifica su talento como director en su cuarto film The ides of March, un eficiente relato que contempla las maniobras, manipulaciones y confabulaciones del mundo político en la lucha por el poder.

El guión preparado por Clooney en colaboración con Grant Heslov y Brian Oliver basado en la la pieza teatral Farragut North, narra los entretelones de una campaña política en los días previos a una elección crucial de las primarias presidenciales demócratas en Ohio, en donde se espera que su ganador será el candidato elegido por el partido para aspirar a la presidencia de los Estados Unidos. Uno de los dos contendientes aspirantes a lograr la nominación es el gobernador Mike Morris (Clooney), un bien inspirado liberal con experiencia política, que tiene las mejores intenciones de introducir reformas sociales que beneficiarán al electorado americano. A su lado cuenta con la valiosa colaboración de Paul Zara (Philip Seymour Hoffman), su devoto consejero y el responsable del manejo de todos los detalles vinculados con la campaña electoral; también se encuentra Stephen Meyers (Ryan Gosling), un entusiasta muchacho de agradable presencia y simpatía que se desempeña como jefe de prensa y reporta a Zara.

La primera parte del film, que demora un poco en cobrar fuerza, se centra en las actividades de Stephen preparando los discursos apropiados para el gobernador, la forma cómo se desenvuelve con los medios de comunicación –especialmente con una de las periodistas del New York Times (Marisa Tomei)- para la difusión más apropiada de las noticias y también evalúa con Zara cuál sería el modo de conseguir que el influyente senador Thompson (Jeffrey Wright) decida adherir con sus votos a la causa de Morris en lugar de hacerlo para el senador Pullman (Michael Mantell) que es el candidato rival participando en la contienda.

Cuando todo parecería marchar sobre ruedas, Stephen comete el error táctico de entrevistarse con Tom Duffy (Paul Giamatti), el encargado de la campaña de Pullman, quien trata de inducirlo para que abandone al gobernador y se una a su equipo. Para complicar la situación, la relación íntima que el carismático joven mantiene con Molly (Evan Rachel Wood), una joven de 19 años que realiza una pasantía en la campaña de Morris, conduce a insospechadas revelaciones y a la postre adquiere situaciones dramáticas que ilustrarán hasta qué punto todo lo que se cuece en las trastiendas del medio político hiede para terminar apestando.
Clooney ha obtenido un film de incisivo e ingenioso diálogo que refleja el mundo de la política actual. Aunque el personaje de Seymour Hoffman manifieste que la lealtad es el único escaso valor que predomina en este particular medio, los hechos demuestran que no existen pautas específicas a seguir cuando en la lucha por el poder entran en juego los factores de influencia, compromisos forzados, retribución de favores, así como secretos bien guardados de honorables hombres públicos que terminan comprometiendo valores éticos y morales. Ciertamente, la historia que aquí se contempla ofrece una visión cínica, ácida y poco complaciente de una realidad irrefutable, dejando en el ánimo del espectador la misma sensación de pena que contemplamos en el rostro de Stephen cuando concluye el relato.

En un elenco de importantes valores se destaca Gosling animando excelentemente al principal personaje; el competente actor, uno de los mejores de su generación, transmite cabalmente la transformación que experimenta como el entusiasta y bien intencionado idealista del principio hasta llegar a la desilusión que siente cuando comprende que para ganar y defenderse de los manejos turbios del mundo que lo rodea deberá sacrificar principios que le son caros aunque se trate de vender su alma. Clooney como actor también impresiona como un político de ambigua moral y el resto del competente reparto está a tono con la calidad de este logrado drama político.

FRENCH IMMERSION. Canadá, 2011. Un film de Kevin Tierney
Inspirado en el suceso de Bon Cop, Bad Cop (2006) donde Kevin Tierney fue el autor del guión de esa ingeniosa comedia bilingüe, aquí intenta repetir el éxito en su primer trabajo como realizador para abordar nuevamente a las “dos soledades” (anglófona y francófona) que alberga Canadá. Lamentablemente, FRENCH INMERSION deja que desear porque en lugar de una fina comedia, lo que se aprecia es una burda caricatura plagada de situaciones estereotipadas que ya han sido apreciadas en ocasiones anteriores con mejor suerte.

La premisa de este film es más interesante que su ejecución. El guión de Tierney y Jefferson Lewis concibe a cinco adultos anglófonos, cuatro de ellos canadienses y el quinto de Nueva York, llegando a una pequeña comunidad rural en el norte de la provincia de Quebec para asistir por dos semanas a un curso de inmersión francesa impartido por un centro lingüístico. El método utilizado implica que a partir del momento en que llegan a la clase todo el diálogo debe realizarse en la lengua de Molière y aquel participante que pronuncie alguna palabra en inglés es sancionado con una tarjeta amarilla de amonestación. ¿En qué consiste la pena para quienes repitan el error y acumulen nuevas tarjetas? Nada de eso importa y ese dato habrá que pasarlo por alto.

Entre los alumnos, se encuentran un miembro del parlamento gay (Gavin Crawford) que oculta su identidad de político y sus ambiciones de llegar a Primer Ministro, un aspirante chef de cocina (Jacob Tierney) de fe judía, una azafata aérea (Olunike Adeliyi), una empleada gubernamental (Martha Burns) y un empleado postal (Fred Ewanuick). La interacción de los participantes entre sí así como con la profesora (Karine Vanasse), la directora del establecimiento (Pascale Bussières), un senador de Quebec (Robert Charlebois) y otros habitantes locales, origina una serie de anécdotas donde la política, el deporte, la sexualidad y la religión entran en juego pero sin proporcionar elementos satisfactorios para la comprensión o convivencia de ambas culturas.

Cuando uno esperaría que la colisión o bien la asimilación cultural del grupo visitante a las costumbres de un pueblo integrado por francófonos de pura cepa y profunda convicción nacionalista podría generar genuinas observaciones de interés complementado con situaciones humorísticas, el guión apela en cambio a recursos de dudoso gusto para provocar la risa; por ejemplo, eso se manifiesta cuando la curiosa anfitriona católica (Rita Lafontaine) que se encarga de hospedar al participante judío, se introduce en su habitación mientras está durmiendo para saber cómo luce su órgano genital circuncidado.

Con un desenlace insulso, el director introduce en los créditos finales un número musical estilo Bollywood que si bien resulta agradable a la vista nada tiene que ver con el film ni tampoco lo salva de su mediocridad general.

50/50. Estados Unidos, 2011. Un film de Jonathan Levine
Un tema angustiante enfocado como comedia puede resultar algo extraño pero en el caso de 50/50 el resultado es positivo. Teniendo en consideración la dura batalla personal emprendida por el guionista Will Reiser contra una enfermedad que parecía terminal, decide describir su dura experiencia en un relato de ficción que el director Jonathan Levine traslada al cine con ternura y simpatía.

Adam Lerner (Joseph Gordon-Levitt) es un joven de 27 años que dispone de todo para ser feliz; además de su juventud, tiene un buen trabajo, disfruta de una agradable vida social y sentimental donde todo parece sonreírle. Pero cuando una molestia que siente en su espalda demora en desaparecer, consulta a su médico para finalmente ser diagnosticado con un extraño tumor maligno cuya chance de sobrevivir es de un 50 por ciento.

A partir del dramático momento en que Adam se impone sobre la gravedad de su enfermedad, sin que al principio esté completamente asumido para concientizar lo que le está pasando, la historia sigue todos los pasos conocidos que se deben realizar para combatir el cáncer. Entre las primeras personas que se enteran de su problema figura su mejor amigo Kyle (Seth Rogen) quien a través de situaciones naturalmente jocosas trata de confortarlo, así como Rachael (Bryce Dallas Howard) la chica con quien está saliendo que promete ocuparse de él aunque al poco tiempo la realidad lo desmiente; posteriormente comunica la noticia a su madre (Anjelica Huston) quien debido a la gran pena que sufre termina siendo consolada por él. Paralelamente, se asiste a algunos momentos íntimos y emotivos vividos por Adam cuando en sus sesiones de quimioterapia comparte su experiencia con otros dos pacientes (Philip Baker Hall, Matt Frewer) de similar condición.

Este no es el primer film que trata un asunto tan serio como el del cáncer pero lo que lo distingue es la delicadeza con que es abordado; a pesar de que el drama está latente en todo el metraje, la forma expuesta a través de un humor tonificante y la actitud optimista que guarda el protagonista ofrece al espectador la posibilidad de que en todo momento se pueda identificar con los personajes de esta real historia.

Si hay algunas observaciones que hacer a este film, las mismas radican en la situación anticlimática que se produce cuando Kyle descubre que Rachael engaña a Adam, conduciendo a la ruptura de la relación, así como el vínculo ambiguo establecido entre el enfermo y la joven terapeuta Katherine (Anna Kendrick) que lo está tratando, cuando ella comienza a tener un interés más que profesional por su paciente, donde eso jamás debería ocurrir. Sin embargo, los reparos apuntados no alcanzan a mitigar la excelente impresión que logra Gordon-Levitt de su personaje transmitiendo acabada verosimilitud en las conflictivas emociones que lo envuelven, sobre todo en las últimas escenas cuando su frustración queda traducida en una reacción desesperante que llega intensamente al espectador; por su parte Rogen se luce en un rol menor como el afable amigo de Adam, haciéndolo dentro de un sobrio estilo de humor sin recurrir a situaciones de dudoso gusto.

En resumen, el realizador Jonathan Levine valiéndose del inspirado guión de Reiser demuestra cómo puede abordarse con delicadeza una historia devastadora con un tono edificante, dejando al propio tiempo una visión esperanzadora de que la vida habrá de seguir por más bajas que puedan resultar las posibilidades de supervivencia.

CAFÉ DE FLORE. Canada-Francia, 2011. Un film de Jean-Marc Valllée
Presentado en Venecia y posteriormente en Toronto, CAFÉ DE FLORE generó considerable expectativa teniendo en cuenta que el realizador Jean-Marc Vallée fue el autor de C.R.A.Z.Y, uno de los mejores filmes canadienses de la década pasada. Sin embargo, en esta oportunidad, su complejo relato abordando dos historias que transcurren en diferentes momentos de tiempo no alcanza la misma resonancia.
Lo mejor del film son sus secuencias visuales que estéticamente impresionan dotando a la historia concebida por el realizador de considerable fuerza magnética, realzada por la muy buena banda sonora donde se puede apreciar música perteneciente a diferentes géneros. Pero a pesar de la fascinación que en los aspectos formales pueda deparar el trabajo de Vallée, las limitaciones de su guión restan fuerza al relato.

Entre el pasado y el presente asistimos a dos narrativas presentadas paralelamente aunque totalmente independientes una de la otra. En una de ellas, que transcurre en Montreal en la era actual, el público sale al encuentro de Antoine (Kevin Parent), un exitoso DJ de muy buena situación económica, padre de dos niñas quien dejó a su esposa Carole (Hélène Florent) -la madre de sus dos hijas- al haberse enamorado súbitamente de Rose (Evelyne Brochu), una atractiva y joven mujer; el conflicto dramático radica en el complejo de culpa que el hombre siente por haber abandonado a Carole y el sufrimiento que ella experimenta al no poder adaptarse a la nueva situación. En la segunda historia, el relato retrocede en el tiempo para ubicarse en 1969 en la ciudad de París donde Jacqueline (Vanessa Paradis), una humilde y devota madre monoparental, vive obsesionada por brindar el mayor confort y cariño a su hijo Laurent (Marin Gerrier), quien padece del Síndrome de Down; el problema se presenta cuando en la escuela Laurent entabla amistad con una niña en condiciones semejantes y que no es bien vista por Jacqueline.

Después de una primera parte donde resulta difícil ver con claridad hacia dónde el film apunta, las cosas comienzan a aclararse aunque nunca terminan siendo convincentes. Lo primero que uno se pregunta es la razón por la cual Vallée se vale de dos tramas que no tienen aspectos comunes, salvo que uno quisiera forzadamente asociar la desolación de Carole habiendo perdido el amor de su marido con el dolor que siente el pequeño Laurent cuando su madre le priva del lazo afectivo mantenido con su amiguita. Pero lo más objetable es que el film no logra entablar un enlace satisfactorio entre ambos relatos; probablemente influido por lo que Krzysztof Kieszlowski exitosamente lograra en La Doble Vida de Verónica(1991), el realizador recurre a conceptos místicos y sobrenaturales para vincular el pasado con el presente, pero tal como aquí está presentado ese artificio resulta difícilmente aceptable por no decir absurdo, ofreciendo una conclusión poco satisfactoria. Queda como resultado un film de muy buenos valores formales pero sin estar completamente logrado.

OMAR M’A TUER. Francia, 2011. Un film de Roschdy Zem.
El estreno de Omar m’a tuer por mera casualidad coincidió con el ajusticiamiento de Troy Davis que tuvo lugar en el estado de Georgia por un crimen acontecido hace 20 años en 1989, pese a haber existido numerosas dudas de su culpabilidad. Estel film de Roschdy Zem trata un tema similar, donde la justicia es puesta en tela de juicio frente a lo acontecido con Omar Raddad –un jardinero analfabeto de origen marroquí- viviendo en Francia quien en 1994 fue sentenciado con 18 años de prisión por la muerte de su patrona de 65 años Ghislaine Marshall ocurrida en junio de 1991 al norte de Cannes. Según el dictamen forense, durante los minutos de agonía sufrida por la víctima antes de su muerte, ella alcanzó a escribir “Omar me ha matado” -haciendo uso de su dedo y con su propia sangre- en la puerta del lugar donde fue acuchillada.

Basado en los libros ¿Por qué yo? de Omar Raddad y Sylvie Lotiron, y Omar: La construcción de un culpable de Jean Marie-Rouart, el film reproduce en forma sobria el juicio al cual fue sujeto el inculpado donde en última instancia la única evidencia concreta es el mensaje escrito por Marshall a pesar de que no existió ninguna otra prueba como tampoco motivo o testigo alguno de que el acusado haya sido o estado implicado en el crimen.

A pesar de los esfuerzos desplegados por su abogado Verges (Maurice Benichou), uno de los más famosos de Francia que en todo momento estuvo convencido de la inocencia de Raddad (Sami Bouajila), nada impidió modificar la actitud del juez que intervino en la causa.

El relato sigue los esfuerzos de un noble humanista escritor (Denis Podalydes) que siguiendo su propia investigación escribe un libro demostrando la inocencia del jardinero; simultáneamente queda reflejado el vía crucis del acusado ilustrando su enorme sufrimiento al verse despojado de su libertad y del núcleo familiar, la huelga de hambre iniciada y su posterior intento de suicidio, hasta que en 1998 es objeto del perdón presidencial de Jacques Chirac logrando salir de la prisión aunque sin quedar exonerado de culpa.

El film destaca sutilmente cómo el dictamen judicial de culpabilidad dependió en gran medida –teniendo en cuenta la condición de extranjero marroquí de Raddad- de actos prejuiciosos donde el racismo no está excluido dentro del contexto del medio conservador de la región donde tuvo lugar el crimen . A pesar de toda la carga emocional que implica el sufrimiento de esa dramática injusticia, el realizador evitó cualquier atisbo melodramático logrando en cambio que Bouajilla transmita magníficamente los diferentes matices de un hombre inocente que se encuentra en una situación sin salida frente a un sistema legal al cual quiere tenerle fe pero que en última instancia termina abandonándolo. Lamentablemente y a pesar de todos los esfuerzos realizados para lograr su rehabilitación, hasta la fecha la maquinaria judicial se ha mostrado inflexible en reconsiderar su caso y es así que después de 20 años del crimen que alguien cometió, Raddad -aunque en libertad- sigue siendo considerado culpable del mismo.

THE HELP. Estados Unidos, 2011. Un film de Tate Taylor
Hollywood abordó en variadas oportunidades las particulares características e idiosincrasias de los estados sureños de Estados Unidos así como las complejas relaciones que existieron entre blancos y negros; baste recordar, a modo de ejemplo, el notable film de Steven Spielberg “The Color Purple” (1985) donde narra la historia de una joven chica afroamericana afrontando los problemas de pobreza y racismo a principios del siglo pasado. Con todo, el carácter familiar The Help no le quita méritos a a este film de Tate Taylor que está basado en el best seller del mismo nombre de Kathryn Stockett; esencialmente, refleja el predominante racismo sureño durante la década del 60, cuando se desarrollaba una larga lucha no violenta para lograr que los ciudadanos negros no fuesen ya más discriminados y tuviesen el acceso pleno a los derechos civiles y la misma igualdad de oportunidades ante la ley.

El guión preparado por el director y la autora del libro ubica la acción durante ese período en Jackson ubicado en el estado segregacionista de Mississippi. Ahí vemos a Skeeter (Emma Stone), una joven chica blanca de la sociedad sureña quien regresa al hogar familiar después de haber completado sus estudios universitarios. Su meta es convertirse en escritora y para ese propósito desea volcar en su primer libro las características culturales de la zona en que vive así como las experiencias de las empleadas domésticas negras que han pasado la mayor parte de sus vidas trabajando para sus amos blancos ocupándose de la limpieza, cocina y actuando como niñeras de sus hijos. En gran parte, su interés en el tema se debe a la simpatía natural que Skeeter siente por esta gente dado que fue criada por una empleada (Cicely Tyson) negra que había trabajado para su familia y que la colmó de cariño, gran ternura además de haber contribuido en la formación de su carácter y personalidad.

Al principio solamente es Aibileen (Viola Davis) quien está dispuesta a participar en el proyecto de la entrevistadora; al manifestarle a Skeeter su temor de poder ser arrestada por las declaraciones que efectúe, ella la tranquiliza haciéndola saber que la fuente de información que reciba permanecerá anónima. A Aibileen posteriormente se le unirán Minni (Octavia Spencer) y otras domésticas de la misma raza quienes a través de las clandestinas entrevistas de Skeeter le harán saber las situaciones de abuso, discriminación y desdén que han sido objeto trabajando para familias blancas; eso no implica que exista la excepción a la regla como en el caso de Minni quien habiendo sufrido un pésimo trato de Hilli (Bryce Dallas Howard), una detestable e insensible racista que acostumbra tratar a su servidumbre con menosprecio, llega a conseguir un nuevo empleo trabajando para Celia (Jessica Chastain) –una tierna mujer blanca que logra vencer su escepticismo y conquistarla con un trato humano e igualitario al punto de convertirse en su amiga.

A pesar de que el film dura casi dos horas y media –que de ningún se sienten, la adaptación del libro no alcanza a reflejar por completo el carácter y personalidad de varios personajes secundarios que intervienen en la trama. Pero eso queda ampliamente compensado porque la esencia de la novela original prevalece y en gran parte eso es debido a un nivel de interpretación excepcional que Taylor logró de su reparto casi totalmente femenino.

Davis infunde respeto y admiración por su brillante caracterización de la mujer que es la relatora de la historia y que como tal transmite todo lo que ocurre en el entorno social que la rodea; aunque no exprese sonrisa en su rostro o humor especial, refleja la firmeza de su carácter sabiendo ser afable y gentil. Spencer constituye una sorprendente revelación animando a una mujer completamente resentida y agriada que no tiene vueltas para denunciar con vehemencia las condiciones humillantes de su trabajo. Stone en su primer papel dramático de seriedad exhibe sus verdaderas condiciones de actriz joven apartándose de las frívolas comedias que le tocó animar hasta el presente. En los papeles de reparto, merecen también elogio Allyson Janney, Dallas Howard y sobre todo la veterana Tyson que brinda la escena más emotiva de la historia en oportunidad de ser despedida por sus dueños después de haber trabajado toda una vida para ellos con dedicación y completa lealtad.

Para concluir cabe también distinguir al director quien transmite el clima y la ambientación de una época sin caricaturizar ni exagerar en la descripción de sus personajes, logrando que sus actitudes, movimientos y manierismos resulten completamente naturales. Efectuando una clara descripción de la cultura blanca prevaleciente, dota al relato de una emoción genuina, y a pesar de la injusticia social descripta nunca adopta una actitud de lástima o conmiseración hacia los personajes negros.

En resumen, el público asiste a un film de calidad que aunque no perfecto logra conmover y permite ilustrar a los jóvenes de la generación actual sobre una página de la historia de Estados Unidos poco encomiable.

THE DEBT. Estados Unidos-Gran Bretaña, 2010. Un film de John Madden

Combinando el drama psicológico con un relato de espionaje de considerable suspenso, el director John Madden brinda en The Debt un relato muy bien elaborado. Basado en el film israelí de 2007 del mismo nombre, el guión de Matthew Vaughn, Jane Goldman y Peter Straughan respeta la esencia de la versión original.

Estamos en 1997, año en que Sarah Gold (Romi Aboulafia), la hija de Rachel Singer (Helen Mirren) publica un libro cuyo foco central es su madre y el papel heroico que le cupo desempeñar en una misión delicada. En 1966, Rachel (Jessica Chastain) junto con Stefan (Marton Czokas) y David (Sam Worthington) trabajando para el Mossad –el instituto de inteligencia de Israel encargado de la recopilación de informaciones de inteligencia, espionaje y contraterrorismo- deben viajar a Berlín oriental para cumplir con la arriesgada tarea de ubicar, capturar y transportar a Israel a Dieter Vogel (Jesper Christensen), un notorio criminal de guerra nazi que era conocido como el “carnicero de Birkenau”, para que sea sometido a juicio. Cuando el trío logra apresarlo, surgirá entre sus integrantes algunas discrepancias sobre cómo finiquitar la tarea encomendada dado que surgen impedimentos para poder contrabandearlo vivo hacia Israel; eso produce un cambio en los planes dado que no hay otra alternativa que el criminal sea asesinado en Alemania. La atmósfera creada durante estas secuencias que transcurren durante la época de la guerra fría crea una convincente tensión comparable a la de las novelas de espionaje de John Le Carre.

De algún modo, la intriga del film no radica únicamente en lo ocurrido en Alemania sino también en las consecuencias de la publicación del libro reviviendo la heroica hazaña y otros aspectos que no conviene revelar y que van creando la sensación de que la encubierta tarea cumplida por Rachel, Stefan y David mantiene algunos detalles ocultos que podrían alterar la versión oficial de los hechos.

Bajo cualquier aspecto que se la considere, la historia que aquí se relata es absorbente y cumple acabadamente el objetivo de brindar diferentes niveles de emoción al involucrar aspectos de culpa, mentira, decepción y al mismo tiempo un enorme peso de responsabilidad y vulnerabilidad de espías que antes que nada son seres humanos con facetas completamente diferentes a las de los héroes del género como James Bond o Jason Bourne. Conjugando emoción con legítima acción, el realizador trasciende las convenciones del suspenso tradicional para sumergir a sus actores en la piel de sus personajes humanamente imperfectos y con todas las implicancias emotivas y morales aparejadas por el cometido de sus actos.
Si bien el relato atrapa por su contenido, con todo es necesario reunir a actores que lo implementen adecuadamente. En tal sentido, el director contó con la presencia de un selecto reparto encabezado por la excelente Mirren quien transmite toda la incertidumbre que la acosa, acompañada de Tom Wilkinson (el adulto Stefan), Ciaran Hinds (el adulto David), Worthington, Chastain y Csokas infundiendo completa verosimilitud a los personajes que les tocó animar. Finalmente, otro aspecto atractivo de este film es que abre campo para la discusión sobre el mito del heroísmo y sus connotaciones éticas cuando se producen situaciones como las expuestas en este relato.

LA NEW YORK PHILARMONIC EN MONTREAL

2011-10-30T17:03:00.004-04:00

LA ORQUESTA SINFÓNICA DE MONTREAL PRESENTA A LA NEW YORK PHILARMONIC

Como invitada de la OSM la Orquesta Filarmónica de Nueva York se presenta en Montreal bajo la batuta de Alan Gilbert, su director musical y artístico desde 2009 y el primer neoyorkino designado para ocupar esa posición. Dicha orquesta, la más antigua de América del Norte es una de las más importantes del mundo y su prestigio en gran parte se debe por haber tenido prestigiosos directores artísticos, entre otros, Gustav Mahler, Arturo Toscanini, Pierre Boulez, Zubin Mehta y Leonard Bernstein.

Para esta ocasión el conjunto visitante ofrece dos programas diferentes que serán ofrecidos el 4 y el 5 de noviembre. En la velada del viernes 4 (20h00) la orquesta ejecutará la Obertura Tanhäusser de Wagner y la Sinfonía No. 5 de Mahler. El programa del sábado 5 (14h30) está integrado por la Obertura Rosamunda de Schubert, el Concierto para Flauta y Arpa de Mozart con el flautista Robert Langevin y la arpista Nancy Allen y la Sinfonía No. 3 de Brahms.

Ambos conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts. Para información adicional el sitio a consultar es http://www.osm.ca/

EL BALLET DE MOSCU VISITA MONTREAL

2011-10-30T16:27:00.004-04:00

UNA PRESENTACION DE LES GRANDS BALLETS RUSSES

Los amantes de la danza tendrán la oportunidad de juzgar el Ballet de Moscú que presentado por Les Grands Ballets Russes para ofrecer en primicia mundial el épico ballet ROMEO Y JULIETA con música de Sergei Prokofiev.

Esta producción está coreografiada por André Litvinov, un renombrado artista de la danza, ahora en su quinta temporada con la compañía. Natalia Balan y Anatolie Ustimov, quienes han recibido numerosos premios, tienen a su cargo animar a los trágicos amantes y están acompañados por un conjunto de 40 bailarines rusos de impecable formación artística. En la gira que el año pasado emprendió la compañía en varias ciudades de los Estados Unidos, sus integrantes han sido aclamados por los comentarios críticos de la prensa, de allí que despierta expectativa la presentación del conjunto ruso.

La presentación tendrá lugar en el Teatro St-Denis de Montreal, los días 7, 8 y 9 de noviembre a las 19h30 en una gira que comenzando en Montreal en las próximas semanas abarcará también otras ciudades canadienses.

Para la adquisición de entradas, el número de teléfono es (514) 790-1111 o bien visitando el sitio web http://www.ticketpro.ca/. Para detalles adicionales, acudir a http://www.balletdemoscou.ca/

SIEGFRIED DESDE EL MET

2011-10-30T15:15:00.007-04:00

LA TERCERA OPERA DE LA TETRALOGIA WAGNERIANA

En alta definición y directamente del Metropolitan Opera de Nueva York será transmitida la ópera Sigfrido (Siegfried) de Richard Wagner en una nueva producción de Robert Lepage. En esta tercera parte de la famosa tetralogía del poema mítico medieval El Anillo de los Nibelungos, la visión cósmica del compositor enfoca las tempranas conquistas de Sigfrido - encarnación de la juventud heroica- en tanto que la máquina revolucionaria imaginada por Lepage hace que el escenario se transforme de bosque embrujado en nido de amor ubicado en lo alto de una montaña. Para esta producción, el director escénico utiliza una tecnología avanzada y considerablemente compleja, compuesta por 24 flexibles paneles para formar los diferentes decorados.

El elenco está integrado en los principales roles por el tenor americano Jay Hunter Morris en el rol titular, la dramática soprano americana Deborah Voigt personificando a Brunilda y el bajo barítono galés Bryn Terfel animando el personaje de El Viajero (Wanderer). La dirección musical está a cargo del maestro Fabio Luisi.

La ópera será difundida en su versión original alemana con subítulos en inglés el sábado 5 de noviembre. En Canadá, el evento tendrá lugar en los cines pertenecientes a la compañía exhibidora CINEPLEX DIVERTISSEMENT. Mientras que las salas de las provincias de Ontario y Quebec comenzarán su transmisión a la misma hora local que Nueva York, o sea a las 12h00. Como en el resto del país los horarios locales son diferentes, lo más conveniente es consultar el sitio web http://www.cineplex.com/evenements

Jay Hunter Morris

DON GIOVANNI

2011-10-20T17:30:00.005-04:00

SEGUNDA OPERA TRANSMITIDA DESDE EL MET

El próximo sábado 29 de octubre será difundida (redifusión el 17 de diciembre y el 9 de enero de 2012) en alta definición y directamente desde el Metropolitan Opera House Don Giovanni, la última de las óperas compuestas por el genial Wolfgang Amadeus Mozart.

El protagonista del célebre antihéroe es el barítono Mariusz Kwiecien, quien se espera quedará restablecido por una enfermedad que le aqueja y por la cual no pudo asumir su papel en su primera presentación del 13 de Octubre, siendo reemplazado por el barítono sueco Peter Mattei. En el papel de Doña Elvira participa la soprano Barbara Frittoli en tanto que la soprano Marina Rebeka asume el rol de Doña Anna. Entre otros cantantes del elenco se encuentran el veterano tenor Ramón Vargas, la soprano Mojca Erdmann, el bajo barítono Luca Pisaroni y el bajo Stefan Kocan.

La producción corresponde al laureado director teatral Michael Grandage, la dirección orquestal está a cargo del maestro Fabio Lisi en tanto que la coreografía corresponde a Ben Wright. Los decorados y vestuario pertenecen a Christopher Oram.

La ópera es cantada en su versión original italiana con subtítulos en inglés. En Canadá esta producción será vista en las salas del circuito CINEPLEX y para conocer los horarios locales se sugiere consultar el sitio www.cineplex.com/events

PHANTOM OF THE OPERA EN ALTA DEFINICION

2011-10-20T16:49:00.002-04:00

EL FANTASMA DE LA OPERA, drama musical de Andrew Lloyd Webber con la espectacular puesta en escena de Cameron Mackintosh, se ha representado en 145 ciudades de 27 países y ha sido vista por más de 100 millones de personas, además de ser el espectáculo de mayor permanencia en Broadway, superando de este modo el récord que había ostentado "Cats".

Al cumplirse el vigésimo quinto aniversario de su estreno y celebrando tal acontecimiento, el último 2 de octubre este espectáculo musical ha sido grabado en vivo desde el Royal Albert Hall de Londres con un gran elenco encabezado por Ramin Karimloo y Sierra Bogges, a fin de ser difundido en alta definición en salas cinematográficas de varias ciudades internacionales. En Canadá, la primera difusión tuvo lugar el 3 de octubre y una nueva presentación tendrá lugar el 22 de octubre en varios cines de la compañía exhibidora CINEPLEX.

Para conocer los cines y la hora local en donde se podrá apreciar este espectáculo, el sitio de internet a consultar es www.cineplex.com/events

MARC-ANDRÉ HAMELIN CON LA OSM

2011-10-20T15:57:00.006-04:00

LA ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL RECIBE A MARC-ANDRÉ HAMELIN

Marc-André Hamelin, uno de los más renombrados pianistas canadienses e internacionales, será el invitado solista de la OSM para ejecutar algunas de las obras que integran el programa del miércoles 26 (20h00), jueves 27 (20h00) y domingo 30 de Octubre (14h30), bajo la batuta del maestro Kent Nagano.

El destacado pianista participará en las Variaciones Sinfónicas para Piano y Orquesta de Cesar Franck y en la Ballade para Piano y Orquesta de Gabriel Fauré.

El programa se completa con la Sinfonía No. 5 de Schubert, Derive 1 para seis instrumentos de Boulez y la Sinfonía en Do Mayor de Bizet.

El concierto tiene lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts.

ATRACTIVOS CONCIERTOS PARA LOS PROXIMOS DIAS

2011-10-20T14:27:00.020-04:00

VALERY GERGIEV NUEVAMENTE EN MONTREAL

Después de la visita efectuada en Marzo de 2010, Valery Gergiev retorna a Montreal al frente de la Orquesta Mariinsky de St. Petersburgo de la cual es director artístico y musical por más de 20 años. El renombrado músico dirigirá un programa dedicado a Tchaicovsky interpretando la Sinfonía No. 1 y la Sinfonía No. 6 (Patética).
El concierto tiene lugar el sábado 22 de octubre a las 20 horas en la Nueva Sala de la Place des Arts.

PRIMERA VISITA DE YUJA YANG

La joven y talentosa pianista china Yuga Yang efectúa su primera visita a Montreal con el auspicio de la organización musical Ladies Morning Musical Club (LMMC). Reconocida por su prodigiosa técnica y madurez artística, la pianista se ha venido desempeñando en recitales, así como solista con las más importantes orquestas de América del Norte, Europa y Asia.
El programa está integrado por el Preludio en Si Mayor de Scriabine, la Sonata No. 6 de Prokofiev y la Sonata en Si Menor de Liszt.
El recital tiene lugar el 23 de octubre en el Auditorio Pollack de la Universidad McGill, a las 15h30.

UN PRESTIGIOSO BARITONO CON LA ORQUESTA METROPOLITANA

Bryn Terfel, considerado como uno de los más grandes barítonos del mundo lírico visitará Montreal el 23 de Octubre para cantar extractos de algunas de las óperas de Richard Wagner, cuyo repertorio le es bien conocido. Como es sabido, Terfel fue uno de los destacados intérpretes en el ciclo El Anillo de los Nibelungos en la nueva producción de Robert Lepage para el Metropolitan Opera de Nueva York.
El programa se completa con la espectacular Sinfonía Alpina de Richard Strauss, bajo la dirección del talentoso y carismático director artístico de la OM, maestro Yannick Nézet-Séguin.
El concierto se realiza en la Nueva Sala de la Place des Arts, a las 16h.

LA McGILL CHAMBER ORCHESTRA INAUGURA LA SALA BOURGIE

El 24 de Octubre a las 19h30 la Orquesta de Cámara de McGill ofrecerá el primer concierto en la Salla Bourgie del Museo de Bellas Artes de Montreal. Para tal oportunidad, el joven pianista Milos Popovic, nombrado "Joven Solista del Año 2010", ejecutará el Quinteto para Piano No. 2 en La Mayor, op. 81 de Dvorak, en un arreglo para orquesta de cuerdas y piano efectuado por Boris Brott, el director artístico y musical de la agrupación.

El programa se completa con obras de D. Wirén y N. Lizée

UN BUEN COMIENZO DE TEMPORADA PARA LES GRANDS BALLETS CANADIENS

2011-10-20T13:12:00.002-04:00

RODIN/CLAUDEL es la primera producción que Les Grands Ballets Canadiens presenta en su nueva temporada y sin duda se trata de otra de las grandes creaciones artísticas que enriquecen al panorama cultural de Montreal. El autor de este ballet es Peter Quanz, excelente coreógrafo y bailarín canadiense, cuya inspiración se debe a una primera visita que efectuara años atrás al museo Rodin de París donde las esculturas de Auguste Rodin y Camille Claudel llegaron a conmoverle profundamente.

La historia del amor pasional e imposible de Rodin y Claudel es muy bien conocida dado que la literatura y el cine se ocuparon de ella, sobre todo en el hermoso film de Bruno Nuytten Camille Claudel donde Isabelle Adjani interpretó maravillosamente a la infortunada escultora. Como ballet, este drama alcanza una nueva dimensión artística al demostrar como el poder de la danza puede también llegar a ser expresado teatralmente teatro adaptando un capítulo de la vida real de dos extraordinarios artistas

A través de 105 minutos de gran espectáculo dividido en dos actos, hay momentos de gran desarrollo dramático como la consumación del amor de ambos escultores, las escenas del aborto de Camille, así como su enajenación mental frente al abandono de Rodin y la frustración que le produjo la pérdida del hijo que llevaba en sus entrañas. Con todo, la escena más impactante se produce cuando Claudel en un ataque de rabia y desesperación comienza a destruir furiosamente sus valiosas esculturas, magníficamente representadas por una docena de bailarines que forman parte del cuerpo de ballet; sin máscaras ni disfraces, Quanz ofrece otra muestra de su gran talento transformando seres humanos en esculturas realistas.

Puesto que el elenco es rotativo, en la velada del viernes 14 de octubre, los bailarines intervinientes hicieron gala de su singular maestría como lo fue con Edi Bloshmi como Rodin, Jéremy Galdeano animando a Paul Claudel, hermano de Camille, y Eline Malègue como Rose Beuret con quien Rodin estuvo sentimentalmente ligado; con todo, y debido a que el ballet gravita en torno de Camille Claudel, Graziella Lorriaux es la bailarina que ha descollado como la trágica escultora, brindando momentos de legítima emoción.

Enriqueciendo la calidad del espectáculo, el acompañamiento musical estuvo a cargo de la Orquesta de Grands Ballets Canadiens bajo la acertada dirección de Allan Lewis, interpretando temas entre otros como La Muerta de Ofelia de Berlioz, Los caminos del amor de Francis Poulenc con palabras de Jean Anouilh, Le Tombeau de Couperin y La Valse de Ravel, el Concierto para Pequeña Orquesta de Albert Roussel e In Memoriam de Alfred Schnittke.

Esta magnífica producción seguirá representándse los días 20, 22, 27, 28 y 29 de Octubre (20h00) en el escenario del Teatro Maisonneuve.

El coreógrafo Peter Quanz en uno de los ensayos de Rodin/Claudel

EL TEATRO CENTAUR COMENZO UNA NUEVA TEMPORADA

2011-10-20T11:19:00.006-04:00

TRUE NATURE

La primera producción de esta nueva temporada del Teatro Centaur es True Nature de la dramaturga canadiense Colleen Curran. Con una muy buena puesta en escena de la directora Amanda Kellock, la pieza utiliza una excusa científica para ilustrar un romance entre dos científicos de mediana edad.

La trama presenta a Anna (Leny Parker) una investigadora obsesionada por el trabajo realizado por Mary Anning, una paleontóloga inglesa que vivió durante la primera mitad del siglo 19 y que como coleccionista de fósiles efectuó importantes hallazgos que habrían de ser útiles a Charles Darwin en la elaboración de su teoría sobre la evolución de la especie. Cuando la pieza comienza Anna pronuncia una conferencia sobre esta mujer y entre sus asistentes está Mitch (Bruce Dinsmore), quien es también un científico especializado en el mismo tema. Como consecuencia de este primer encuentro comienza un romance entre ambos.

La obra está estructurada a través de viñetas donde además de la pareja central, participan tres personajes más que son una amiga de Anna (Mary Harvey), la hermana de Mitch (Felicia Shulman) y un amigo gay (Michel Perron) que poco añaden al conflicto central de esta historia; eso se evidencia casi una hora después de su desarrollo cuando Anna comunica a su novio que ha aceptado un trabajo que la llevará por 6 meses a residir en otra ciudad; como él no acepta seguirla, esa circunstancia conlleva a una fractura temporal de la relación.

Todo el tono de la obra es liviano, matizado con cierto humor donde la autora quiere mostrar algunas facetas de la fragilidad afectiva de sus personajes en la cuarentena de sus vidas y las dificultades que se producen cuando se debe decidir entre la carrera profesional o estar al lado de la persona que uno ama.

En palabras, todo resulta más importante que lo que el texto de Curran provee. Se trata de una obra demasiado endeble, aunque se deja ver debido a la ingeniosa escenografía de James Lavoie complementada por ciertos recursos visuales de logrado efecto y a la eficiente dirección de Amanda Kellock que además de imprimir un ágil ritmo en el cambio de las diferentes escenas logra que el entusiasmo de sus eficientes intérpretes contagie positivamente al espectador.

Se representa en el escenario del Centaur hasta el 6 de noviembre próximo.

Felicia Shulman y Leni Parker

BOLLYWOOD LLEGÓ A MONTREAL CON BHARATI

2011-10-20T07:57:00.002-04:00

Un viaje a la India a través de BHARATI.

Bollywood llegó a Norteamérica para quedarse. Además de las películas indias que semana a semana van estrenándose en las principales ciudades de Estados Unidos y Canadá y que gozan del fervor popular, en las próximas semanas este género musical adquirirá una especial dimensión con la presentación del espectáculo BHARATI, concebido para el público internacional, que se verá en Montreal y Toronto.

En una gira que comenzó hace aproximadamente cinco años en la ciudad de París, el show ha sido visto por más de un millón de espectadores de Europa generando elogiosas críticas. Su historia se centra en el idilio de Siddharta, (Muthu Saravanan), un joven ingeniero que ha crecido en los Estados Unidos y que regresa a la India, su país natal, para sanear las aguas del Ganges: allí conoce y se enamora de la encantadora Bharati (Bhavna Pani), una distinguida joven educada dentro de la estricta tradición india, pero que ya está prometida a otro hombre. A través de este romántico relato, el espectador se sumerge en la cultura de una nación donde coexisten las tradiciones milenarias con la modernidad de la época, así como también se involucra con la diversidad geográfica, lingüística e histórica que se ilustran en los cuadros que componen este espectáculo.

Todo el relato está animado por la presencia de 70 bailarines, músicos, cantantes y acróbatas, al propio tiempo que el suntuoso vestuario, que excede el millar de atuendos provenientes de las diferentes regiones de este país milenario, confieren a este fresco musical un singular colorido dentro de la más pura tradición de Bollywood.

Esta comedia que se desarrolla por completo con música india, está acompañado por comentarios efectuados por un narrador que humorísticamente se dirige al público durante el espectáculo explicando las características y motivaciones de cada personaje.

Las representaciones de Montreal se desarrollan de acuerdo al siguiente calendario y horario: 18, 19, 20 y 21 de octubre (8 p.m). 22 de octubre (4 p.m y 8.30 p.m) y el 23 de octubre (2 p.m.). El lugar es la sala Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts.

¡TODO UN PERSONAJE!

2011-08-07T19:35:00.006-04:00

El motivo fue la inauguración de la exposición de sus más recientes obras, pero el asistente al evento tuvo mucho más: un verdadero espectáculo con declaraciones cargadas de ironía y sarcasmo, revelando al iconoclasta personaje que es Armand Vaillancourt. La exposición estará abierta hasta el 18 de septiembre en la Galerie Lounge TD, en la sede del Festival Internacional de Jazz de Montreal.

Crónica de Sergio Martínez
Los organizadores del Festival Internacional de Jazz de Montreal no sólo se preocupan de la música, en el segundo piso de su cuartel general, La Maison du Festival Rio Tinto Alcan, en calle Sainte Catherine en el barrio de los espectáculos, se sitúa la galería Lounge TD que presentará diversas exposiciones.

Armand Vaillancourt: ¡Todo un personaje! (foto: Víctor Díaz Lamich, Festival Internacional de Jazz de Montreal)

En la ocasión que comentamos el artista del cual se exhiben algunos de sus más recientes obras es nada menos que Armand Vaillancourt, que ha tenido vinculación con el Festival de Jazz ya que previamente había creado para una de las ediciones del Festival, su serigrafía La révolution du coeur.

Vaillancourt, de 82 años pero ciertamente muy bien conservados a juzgar por el despliegue de energía del que hizo gala el día del vernissage, es una de las figuras emblemáticas de la pintura en la provincia de Quebec. Su carrera tiene ya 50 años y en todo ese período se ha revelado como un gran innovador, tanto en su técnica como en su aporte estético. Situado en la tradición de arte abstracto que surgiera en Norteamérica en los años 40, Vaillancourt sin embargo tampoco ha eludido incursionar en otros estilos y en el empleo de materiales fuera de lo común para reforzar su intención expresiva.

Esto último ha sido particularmente claro en su instalación Earl Jones, Conseiller financier en que un inodoro sirve como motivo central y comentario sarcástico a propósito de ese individuo que estafó millones de dólares a jubilados en Montreal.

Vaillancourt también mantiene un fuerte compromiso con la causa del medio ambiente y con causas políticas progresistas, aunque también tiene una mirada casi evocadora del nacionalismo quebequense.

Alain Simard y Armand Vaillancourt durante la inauguración de la exposición On n'a pas de printemps à perdre (Foto: Víctor Díaz Lamich, Festival Internacional de Jazz de Montreal)

La exposición denominada On n’a pas de printemps à perdre! (A no perderse la primavera) estará abierta hasta el 18 de septiembre en el segundo piso de la Maison du Festival Rio Tinto Alcan, 305 Sainte Catherine oeste (metro Place des Arts) martes y miércoles de 11:30 a 18:00 hrs., jueves y viernes de 11:30 a 21:00 hrs., y sábados y domingos de 11:30 a 17:00 hrs. La entrada es libre.
Para mayor información ir al sitio http://www.galerieloungetd.montrealjazzfest.com/

En la foto, Paul Piché, Diane Dufresne y Armand Vaillancourt (foto: Víctor Díaz Lamich, Festival Internacional de Jazz de Montreal)