FESTIVAL DE FILMES DEL MUNDO EN CÁPSULAS

Habiendo entrado ya en la última fase el Festival de Filmes del Mundo de Montreal (FFM), uno puede ya ir adelantando juicios sobre la calidad de las películas en exhibición así como de hacia donde el evento marcha, luego de haber superado difíciles momentos

Comentario de Sergio Martínez

Como la mayor parte de estos eventos se puede adelantar algunas opiniones sobre la calidad general de lo que hemos visto en pantalla, haciendo la salvedad en todo caso que como crítico uno al final sólo ve una fracción del total de las exhibiciones. Considerando sin embargo que lo visto tiene un cierto grado de representatividad es posible decir que mientras en el aspecto competitivo no se ha dado aun la presencia de algún film que uno pueda llamar “extraordinario” como fue el caso el año pasado con la excelente coproducción belga-holandesa Ben X, ha sido en otras secciones del Festival donde uno ha encontrado excelentes filmes: Les citroniers (Lemon Tree, El limonar), el film del director israelí Eran Riklis, y el también israelí For My Father (Por mi padre) de Dror Zahavi, son dos casos a notar, lo mismo el film del veterano director polaco Andrzej Wajda Katyn, todos ellos en la sección Fuera de Concurso.
A continuación, en forma de cápsulas, algunos comentarios sobre algunos de los filmes vistos hasta ahora:

NO MIRES PARA ABAJO, Eliseo Subiela (Argentina)
Este director argentino que maravillara al público con su Lado oscuro del corazón esta vez nos decepciona con este film en que se repite la vieja fórmula del joven adolescente que es iniciado, si no en el sexo, al menos en algunas formas más atrevidas y aventuradas de él. Por cierto una vieja fórmula puede ser siempre re-inventada y surgir como resultado algo novedoso. Lamentablemente no es el caso de este film, el agregado de elementos esotéricos no convence como para haber considerado esta obra de Subiela como algo que merezca mucha atención.
El joven Eloy, de algún modo afectado por la muerte de su padre acaecida recientemente, su sonambulismo por el cual llega a conocer a la muchacha diez años mayor que lo inicia en todas esas formas más atrevidas del sexo que le hacen literalmente transportarse mientras transita hacia su orgasmo, y todo el ambiente un tanto místico creado en torno a estas aventuras no logran elevarse más allá de una sexualidad que al final se hace banal.
No estuvimos aquí en la presencia del mejor Subiela, de eso no cabe duda.

EL VIAJE DE TEO, Walter Doehner (México)
El muro que marca el límite entre Estados Unidos y México, la desesperada búsqueda por encontrar alguna manera de cruzar la frontera y los dramas profundos y cotidianos del niño Teo y de su amigo Chuy, constituyen el trasfondo de este film bien narrado, con una actuación sólida y convincente, en especial de parte de los dos chicos actores.
Teo, que vive con su tío en un pequeño pueblo mexicano, se reencuentra con su padre que acaba de salir de la cárcel y que viene a llevárselo con él a Estados Unidos, si es que logran cruzar la frontera naturalmente, tarea que no resulta nada fácil y que en un dramático momento causa que Teo quede separado de su padre. A partir de allí se desencadena la parte más compleja del drama, envolviendo también a un chico algo mayor que se hace su amigo y protector, a la familia de éste y a la sombría figura de un personaje que maneja el tráfico de los indocumentados a Estados Unidos.
El film es un emotivo retrato de una situación que afecta a muchos niños en México que acompañan a sus padres en el aventurado intento de cruzar la frontera. El que muchas veces termina en fracaso, y aun peor, con el trágico resultado de muerte.

EN PLEIN COEUR, Stéphane Géhami (Canadá, 2008)
Un film interesante, ambientado en el ambiente de una criminalidad de menor monto, aunque no menos riesgosa: la del robo de automóviles por encargo. Benoit y su cómplice y amigo, el joven Jimi, comparten las peripecias del ilegal oficio. Benoit se debate entre las dudas por un amor que lo ha dejado y uno nuevo que ha empezado ardorosamente pero que él mismo pone en peligro; el muchacho Jimi por otro lado tiene que lidiar con una madre depresiva y la ausencia de un padre que él trata de suplir de algún modo en la a veces difícil relación de “trabajo” y amistad que mantiene con Benoit. Este último por otro lado está lejos de mostrar las cualidades de madurez y racionalidad que lo pudiera hacer un modelo para Jimi, pero las circunstancias lo acercarán a ese rol, pese a todas las improbabilidades.
Una muy buena actuación y ambientación son el mejor aspecto del film, una fluida narrativa y una adecuada historia hacen de este film canadiense que está en competencia un probable candidato a algún premio.

FOR MY FATHER, Dror Zahavi (Israel-Alemania, 2008)
Este es un film altamente emotivo a la vez que ofrece una exhaustiva visión de las varias facetas en el tema del terrorismo, el fundamentalismo religioso y las secuelas que sobre la gente común en Israel tiene el prolongado conflicto con sus vecinos palestinos.
Tarek, un joven palestino que alguna vez brilló como futbolista, se halla ahora en la más difícil movida de toda su existencia: para borrar una vieja mancha que los fundamentalistas religiosos de su comunidad no le perdonan a su familia, ha decidido transformarse en un suicida portador de bomba, la que piensa hacer estallar en un concurrido mercado de Tel Aviv. Una inesperada falla técnica sin embargo, frustra su primer intento. Obligado a cambiar el interruptor del detonador, Terak se halla en la cuasi-cómica situación de tener que recurrir a los servicios de una pequeña tienda de reparaciones eléctricas, atendida por su dueño, un viejo judío que ha sobrevivido el holocausto, pero que ha difícilmente lidiado con otra desgracia: la muerte de su hijo debido a cuestionables prácticas del ejército israelí. En el medio de todo esto, una chica judía que atiende un pequeño negocio se halla en dificultades por haber abandonado a su comunidad ultra-ortodoxa lo que la hace víctima de un ataque violento de parte de jóvenes de la secta. Ella y Tarek, quien casualmente la defiende del ataque, y en el fondo son ambos víctimas del fanatismo religioso, llegan a forjar una amistad que tendrá profundos efectos.

SUNNY HILL, Luzius Rüedi (Suiza, Alemania, 2007)
Este film exhibido en la categoría de Competencia de Primeras Obras es una interesante muestra del potencial de un joven director. Sunny Hill relata la historia de un grupo de jóvenes que se han conocido en un chatroom en el Internet y que a través de este medio han llegado a la conclusión que sus vidas no tienen sentido por lo que han llegado a un pacto para suicidarse en grupo. El lugar que han elegido para esa salida final de este mundo es un alejado y hermoso sitio en las montañas suizas. El que hace de líder informal del grupo tiene acceso a un chalet que perteneció a sus abuelos y que queda a poca distancia del lugar elegido para el suicidio masivo. Eventualmente sin embargo, las circunstancias interferirán con los planes de los jóvenes, incluso con algunos episodios semi-cómicos. El tono general del film sin embargo es dramático, pues lo que los jóvenes que han pactado su muerte refleja, es un profundo estado de desesperanza del cual no parecen encontrar salida.
La historia está bien narrada, sólo con algunos detalles menores de consistencia como el que nunca se sabe mucho de los motivos más específicos que los jóvenes tienen para haber tomado esa determinación. El ambiente claustrofóbico creado – a pesar que muchas escenas transcurren al aire libre – transmite bien el sentido de angustia que aflige a los integrantes del grupo. Una buena primera realización.

NIMA’S WOMEN, Zhuo Gehe (China, 2008)
Otro de los filmes en la Competencia Oficial que bien puede caracterizárselo como notable por la excelente actuación de los actores y la temática que aborda, aunque su ritmo no siempre logra mantener el interés del espectador. En todo caso podría ser considerado como un importante candidato al Premio de las Américas.
Nima, una matriarca que habita con una de sus hijas en un remoto rincón de Mongolia Interior se apresta a celebrar su cumpleaños y con ese motivo su otra hija, que habita en la ciudad, ha venido a verla en compañía de quien presenta como su nuevo esposo. Por otra parte, la hija menor aunque cortejada por un vecino de la comarca, un “buen hombre” como es caracterizado, encuentra su futuro limitado por el hecho que su pretendiente está aun casado, aunque su mujer padece de una enfermedad que la mantiene en estado vegetativo. Difíciles equilibrios entre los propios deseos y las costumbres ancestrales se hacen patentes a través del film en una manera a la vez conmovedora por las vicisitudes que deben pasar los personajes e ilustrativa de las costumbres de las cuales los protagonistas son de alguna manera prisioneros.

LA COLORINA, Fernando Guzzoni, Walter Giesen (Chile, 2008)
Este es un film documental centrado en la vida de una poco conocida poetisa chilena, Stella Díaz Varín, una mujer que en cierto modo fue toda una leyenda en los círculos literarios y bohemios del Santiago de los años 50 y 60. Conocida por Neruda, Parra, Jodorowsky y otros importantes figuras literarias de ese país, “La colorina” sin embargo publicó pocos trabajos, aunque la calidad de ellos nadie la pone en duda.
Militante comunista por un tiempo, más bien una anarquista de corazón, Stella Díaz Varín mantuvo una actitud contestataria hasta el final de su vida.
El film hace un buen acopio de material de archivo y utiliza eficientes técnicas de entrevista para recabar información sobre la poetisa de parte de quienes la conocieron más íntimamente, así como de quienes han estudiado su obra.

NARANJO EN FLOR, Antonio González-Vigil (Argentina-España, 2008)
Personajes inusuales son los que aparecen en este film, lo que hace que el espectador primero debe pasar por alto ciertas dudas sobre lo plausible de algunas de las situaciones en que estos se mueven. Una vez que uno da ese salto imaginativo sin embargo, se halla con un film en la tradición del thriller, con muchos elementos impredecibles y con una apasionada, aunque no muy convincente historia de amor en el trasfondo.
Con todo, Naranjo en flor es un film que apelará al gusto por los misterios que inexorablemente se esconden en una gran urbe como Buenos Aires. Un film en que además el espectador se siente motivado a querer a los personajes principales los que parecen bregar contra muchos obstáculos provenientes tanto del sistema mismo, como de sus propias personalidades.

LAS LÁGRIMAS DE MI MADRE – BERLÍN-BUENOS AIRES, Alejandro Cárdenas (Alemania-Argentina, 2008)
El film comienza con el joven Alex retornando a Buenos Aires después de haber vivido la mayor parte de su vida fuera de Argentina. Sus padres, especialmente su madre, debieron salir al exilio debido a la represión desatada por la dictadura militar. El lugar de destino fue Berlín Occidental como se lo conocía entonces, donde Lizzie, su madre, que era periodista documentalista logra insertarse con cierto éxito en el medio alemán. No es el caso de su padre, Carlos, quien nunca se adapta al nuevo país y para quien el exilio es una experiencia en extremo dolorosa que en definitiva llevará a una crisis en la familia.
El film re-crea bien las tensiones que las situaciones de exilio pueden provocar, así como el ambiente más bien cálido del loft que los exiliados comparten con otros emigrados y alemanes contestatarios del sistema. Sin embargo hay aspectos que son un tanto inconsistentes, la dictadura argentina termina en 1983 sin embargo la familia no retorna ni hace amagos siquiera de hacerlo. Sus convicciones políticas no aparecen muy claras frente a ese hecho histórico de la Argentina. Se trata de un film interesante aunque no extraordinario, un boceto del exilio más que una profunda mirada al fenómeno en todas sus facetas.

ALL INCLUSIVE, Rodrigo Ortúzar (Chile-México, 2008)
Exhibida en la sección Fuera de Concurso, esta película que ya ha sido adquirida para distribución en Norteamérica, hace una aguda vivisección en la típica familia de clase media alta latinoamericana: por un lado segura en sus logros profesionales o económicos, cuidadosa de las apariencias, pero por otro lado con profundas grietas emocionales que afectan la relación de los esposos, así como la de cada uno de ellos con sus dos hijas e hijo, un hijo mayor muerto también pesa sobre el conjunto de la relación. Los temas que no se hablan, aunque están casi a ras de piel y afloran en momentos de tensión, mantienen a la familia sobre ascuas.
Veraneando en un lujoso hotel-balneario de la costa Maya en el Yucatán, las circunstancias imprevistas, incluido un huracán, contribuirán a hacer que los personajes enfrenten sus “fantasmas”. Ortúzar trata un tema que no es nuevo por cierto y el mérito del film consiste en no hacerlo una suerte de sermón ni tampoco una mera descripción de un estado de caos y negatividad. Hay un adecuado balance entre una crisis que no se resuelve necesariamente pero al mismo tiempo hay conciencia entre los protagonistas – por primera vez – de que ella existe.
Buena actuación de los actores y una adecuada ambientación donde el lujo contrasta con la pobreza emocional en que se desenvuelven los personajes.

A EVITAR
Filmes que no vale la pena ver:
SHULTES, un film ruso dirigido por Bakur Ziman, es un incomprensible pastiche de situaciones poco claras envolviendo a un ex atleta que luego de un accidente se ha convertido en un ladrón de carteras y billeteras. Personajes poco desarrollados, una trama incoherente y momentos de la historia insuficientemente explicados o justificados hacen de este uno de los peores filmes del Festival.

LA TROISIÈME PARTIE, un film francés dirigido por Eric Forestier trata de mostrar una historia con elementos fantásticos y de ciencia ficción, tirando de paso una relación amorosa. Todo es una inconsistente mezcla de elementos mal ensamblados, con una forzada referencia a lo fantástico.

Festival de Filmes del Mundo visto por Jorge Gutman

El FFM que inauguró su última edición el pasado jueves 21 de agosto va deparando algunas gratas sorpresas en base a filmes cuya calidad supera a la de años precedentes. Eso no implica que haya algunos títulos discutibles pero, como en cualquier otro festival, hay filmes para todos los gustos y en tal sentido lo que cuenta es el nivel de satisfacción que cada espectador pueda obtener de lo que haya visto. En lo que a mí respecta, el resultado hasta la fecha supera a la de ediciones anteriores. He aquí una breve evaluación de algunos filmes.

CHERRY BLOSSOMS-HANAMI (Alemania)
Doris Dorrie ofrece el mejor film como realizadora con un relato agridulce y de gran contenido realista. Como autora del guión ofrece una visión demoledora sobre el trato que los padres de edad madura reciben de sus hijos.
La primera parte se centra en un matrimonio anciano muy unido integrado por Trudi y Rudi quienes hacen lo imposible por complacer uno al otro en pequeños pero demostrativos actos de amor y ternura. Cuando Trudi se entera por el médico de su marido que está gravemente enfermo y le queda poco tiempo de vida, ella le oculta el hecho y le propone viajar a Japón para encontrarse con Karl, el hijo soltero que allí vive desde hace tiempo y además visitar el Monte Fuji que ella anhela conocer. Previamente harán una parada en Berlín donde viven sus otros dos hijos y nietos.
En Berlín reciben una fría recepción por parte de sus anfitriones. A pesar de la cordialidad formal que demuestran a sus padres, Trudi percibe de inmediato que los hijos ansían su partida lo antes posible. Cuando ella muere repentinamente y sin haber compartido con nadie de que su marido está por morir, Rudi queda absolutamente desconsolado y además desamparado ya que en el fondo sabe que no puede aspirar a que sus hijos le brinden, el cariño y la devoción que recibía de su mujer.
La segunda mitad del relato abarca el viaje a Japón que el anciano efectúa donde se aloja en casa de Karl. Nuevamente ahí se evidencia el egoísmo de un hijo que lo recibe con fría amabilidad, diciéndole que por estar muy ocupado en su lugar de trabajo, Rudi tendrá que entretenerse por su cuenta.
La soledad, desconcierto y el dolor de Rudi será mitigado en parte por el encuentro fortuito con una joven bailarina japonesa quien le ofrece sincero afecto, haciéndole conocer Tokio y llevándolo al monte Fuji.
La pintura de Tokio en un momento del año en que florecen los cerezos y el monte Fuji como telón de fondo ofrecen un cuadro poético de singular belleza. Pero en el fondo lo que queda de este hermoso film es la devastadora incomunicación intergeneracional de la sociedad alemana –tal como Dorrie la expone- donde los hijos no tienen conmiseración con sus padres. La caracterización de Elmar Wepper en el papel del anciano es excelente por la complejidad y características del personaje; no menos encomiable, aunque en un rol más breve, es la de Hannelore Elsner animando a su abnegada esposa. Sin duda, éste es uno de los grandes filmes hasta ahora presentados y que justifica la razón de un festival de cine como el FFM.

FAUBOURG 36 (Francia)
Cuatro años después de haber logrado un resonante éxito de público y crítica con « Les Choristes », Christophe Barratier retorna con una comedia musical que aunque sin llegar al mismo nivel que su suceso anterior, cuenta con la suficiente solidez como para contentar a la misma audiencia. Ubicado en Faubourg, un imaginario vecindario del nordeste de París, el relato se desarrolla entre fines de 1935 y mediados de 1936 (con un epílogo que tendrá lugar diez años después) y enfoca las peripecias de dos utileros y un mediocre imitador de un music hall, quienes quedan desempleados debido a dificultades financieras de la empresa que se ve obligada a cerrar sus puertas; para solucionar el problema, los tres individuos aspiran reabrir la sala y para ello vuelcan sus esfuerzos para montar un espectáculo que sea capaz de atraer a un público que lo celebre. Sin embargo, la tarea no es tan sencilla por las dificultades que se interponen en el camino. El contexto político, con las elecciones de Mayo de 1936 donde una alianza de izquierda (El Frente Popular) logra imponerse y las tensiones sociales que se suceden, sirve simplemente como telón de fondo pero en ningún momento se profundiza en la materia.
El resultado es una historia un tanto esquemática pero enriquecida con buenos números musicales que sin ser excepcionales son suficientemente atractivos, reproduciendo las melodías de los años 30 y 40; cabe aclarar que ninguna de las canciones originales pertenecen a esa época sino que han sido compuestas expresamente para este film. La dirección escénica es ajustada y aunque al promediar el relato, el ritmo pierde un poco de su dinamismo inicial, se recupera bien pronto gracias a un entusiasta elenco encabezado por Gérard Jugnot, acompañado eficazmente por Clovis Cornillac, Kad Merad y el veterano Pierre Richard; merece especial distinción la agradable presencia femenina de Nora Arnezeder, una promisoria actriz que a pesar de su nula experiencia en cine, anima con naturalidad a una joven cantante que arriba a París para convertirse en estrella del show.


THE LEMON TREE (Israel)
Después de haber considerado en “The Syrian Bride” (2004) una historia con un mensaje pacifista en la agitada zona del Medio Oriente, el director Eran Riklis nuevamente ubica THE LEMON TREE en dicha región para narrar otra historia realista ilustrando cómo factores inesperados pueden desencadenar un malestar que llega a trascender a nivel nacional.
El guión de Riklis y Suha Arraf se centra en Salma (Hiam Abbass), una viuda árabe viviendo en la línea verde que se halla entre Israel y los Territorios Ocupados, cuya casa incluye un ,terreno que alberga un limonar cuyos árboles fueron plantados por su padre hace más de 50 años y que le producen además un magro ingreso para vivir. Cuando en el lado opuesto, el ministro de defensa israelí (Doron Tavory) se muda a una gran casa que enfrenta al limonar, las fuerzas de seguridad israelí consideran que los árboles deben ser eliminados porque constituyen una amenaza a la seguridad personal del alto funcionario; como medida temporaria a Selma le es prohibido entrar en el terreno donde se encuentra la plantación y debido a la falta de cuidado los árboles comienzan lentamente a deteriorarse. Dolorida por este insospechado acontecimiento, la mujer no se dejará vencer y es así que se embarca en un viaje legal con la ayuda de un abogado palestino (Ali Suliman); bajo ningún aspecto está dispuesta a que la despojen de una parte vital de su propiedad y está preparada para llevar su caso hasta la máxima instancia legal, la Corte Suprema de Justicia.
A través del desarrollo del relato no es muy difícil determinar hacia donde está dirigida la simpatía del director; pero en todo caso también se aprecia que Riklis trata de adoptar una actitud equilibrada para que el film no termine abrazando a una sola de las partes en pugna. Si bien el espectador puede conmiserarse con la sufrida mujer árabe, no menos cierto es que dispone de los mecanismos apropiados para llevar su problema a la justicia y aunque el veredicto final no llegue a satisfacerla como ella habría aguardado, su naturaleza “salomónica” demuestra que los jueces, trataron de actuar con ecuanimidad frente al difícil caso planteado.
En síntesis, este film constituye un buen ejemplo de las múltiples situaciones que se presentan en el marco geográfico conflictivo donde cada una de las partes cuenta con sólidos argumentos para respaldar sus respectivos puntos de vista; en todo caso, el espectador corriente, no involucrado directamente en el problema, puede apreciar un relato dramático y humano, planteado con sencillez e inteligencia.

VICKY CRISTINA BARCELONA (España-Estados Unidos)
Después de su penúltimo film (“Cassandra’s Dream”) que narraba una tragedia familiar, Woody Allen decidió esta vez no tomarse las cosas muy a la tremenda y optó por una livianísima comedia romántica, que si bien está a años luz de distancia de “Annie Hall” y “Manhattan”, de todos modos el film reúne los condimentos necesarios para que tenga buena repercusión comercial.
El relato se desarrolla en Barcelona donde Vicky (Rebeca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson), dos turistas americanas amigas, llegan para gozar todo lo que la bella capital de Cataluña les puede ofrecer. Cada una de ellas responde a una personalidad diferente. Mientras que la primera es ordenada, centrada en sus juicios y está comprometida con un hombre de negocios de los Estados Unidos de parecida personalidad, Cristina es desinhibida, extravertida y a la eterna búsqueda de nuevas experiencias amorosas. La oportunidad se presenta en oportunidad de conocer a Juan Antonio (Javier Bardem), un artista “latin lover” y bohemio que para reponerse de sus penas sentimentales por la partida de su temperamental ex-mujer María Elena (Penélope Cruz) decide invitar a las muchachas a pasar un fin de semana en Oviedo, conocer la ciudad y, como plato adicional, hacer el amor entre los tres.
Adrede o no, el caso es que Allen recurre a todos los clichés y estereotipos posibles para describir a Barcelona a través de escenas que se asemejan a postales turísticas. Así no faltan las referencias a Gaudi y la Sagrada Familia, los paseos por las Ramblas y el Parque Güell, el espectáculo de música flamenca con guitarra incluida, el buen vino, y la figura machista de su principal personaje masculino. Lo que sí queda claro, es que el marco geográfico de Barcelona gravita muy poco en el desarrollo del relato, al punto tal que el mismo podría haberse desarrollado -con ligeros retoques- en Venecia, París, Viena, Praga, o en otras pintorescas ciudades del viejo continente. En tal sentido, uno no puede dejar de recordar a “L’Auberge Espagnole” de Cédric Klapisch, historia de una estudiantina que vive un año en Barcelona y donde la influencia del lugar realmente se hace notar.
Desde la óptica de comedia, ésta es realmente superficial aunque debo admitir que como pasatiempo es eficaz y permite que uno se entretenga sin temor de aburrirse; sin embargo, tratándose de un film firmado por Allen se aguarda sus mordaces e irónicos diálogos que han sido celebrados en otras comedias de su filmografía pero que aquí están ausentes.
Las interpretaciones de Hall y Johansson son buenas aunque no destacables. En cuanto a Bardem, nadie duda de su calidad como actor pero sin embargo tengo mis dudas si su personaje es intencionalmente ridículo o producto de una caracterización no muy bien definida por el guión; así, cada vez que dialoga con sus colegas americanas produce una sensación risueña en el espectador, pero no precisamente por lo gracioso de sus ocurrencias.
El verdadero espectáculo lo brinda Cruz quien se beneficia al animar el personaje más jugoso de esta historia. Resulta francamente divertida contemplar sus neuróticos exabruptos y su insistencia de hablar frente a Vicky y Cristina en español, a pesar de que ellas ignoran la lengua de Cervantes; pero allí está Juan Antonio que por lo menos en 5 oportunidades le suplica a María Elena que hable en inglés (“please, speak in English”), hecho que encuentra impacto reidero en la platea.
Con sus más y sus menos, el film se beneficia con el atractivo de su marco escénico, la gran popularidad de los actores que encabezan su reparto, y algunos toques sexuales brindados por Allen para estar a tono con la época actual; eso contribuye para que el gran público pueda celebrarlo sin tener que profundizar ni preocuparse demasiado.

KATYN (Polonia)
El gran director polaco Andrzej Wajda quien fuera el autor de “Kanal”, “Cenizas y Diamantes” ”El Hombre de Hierro” y muchas otras inolvidables obras artísticas que integran su filmografía, retorna con otra película de gran interés. En base a legítimos diarios y cartas de la época, Wajda rinde un sincero tributo a los miles de oficiales del ejército polaco que fueron asesinados en Katin, Rusia, por la policía secreta rusa en 1940, y en forma más personal a su propio padre quien fuera una de esas víctimas. Dieciséis días después de haber comenzado el conflicto bélico, donde Polonia fue el primero de los países ocupados por Alemania, la nación fue objeto de otro ataque por parte de los soviéticos debido a un acuerdo secreto firmado por Hitler y Stalin. La invasión de Rusia y la captura de los militares polacos por parte del ejército rojo condujo a la matanza de Katyn en 1940. Los familiares de las víctimas no sabían nada de ellos y siempre albergaban la esperanza de un pronto retorno. Es en 1943 y después de que los nazis invadieran Rusia, cuando se descubrió la masacre. Aunque los soviéticos atribuyeron el hecho a Alemania, la autoría de los crímenes finalmente llegaría a saberse en 1990 cuando el Kremlin reconoció oficialmente que la tragedia fue causada por los servicios secretos del NKVD (el departamento gubernamental que se ocupaba de los asuntos internos de la ex Unión Soviética).
Basado en la novela de Andrzej Mularczyk “Post Mortem” sobre dichos hechos, Wajda elaboró un film sobrio que si bien no llega a explicar las razones que motivaron a Rusia para desencadenar semejante tragedia, es con todo una buena reconstrucción de ficción, relatando varias historias centralizadas en los familiares de los personajes afectados por la matanza.
Wajda demuestra una vez más su maestría en conciliar los diferentes hilos abordados por el relato, utilizando la máxima contención para describir el horror. Las interpretaciones de Maja Ostaszewska, Artur Zmijewski, Andrzej Chyra, Jan Englert, Jan Englert, Danuta Stenka, Magdalena Cielecka y Agnieszka Glinska son muy buenas así como la música del renombrado compositor polaco Krzysztof Penderecki.

ROAD TO BALEYA (Canadá-Malí)
Se trata de un interesante documental donde el espectador descubre un medio cultural de un país africano no muy difundido en cine.
Dirigido por Bay Weyman, el film gira en torno a cuatro músicos canadienses –Lewis Melville y sus colegas Dave Clark, Dale Morningstar y Tannis Slimmon- quienes llegan a Bamako, capital de Mali, con el propósito de ofrecer sesiones de grabaciones gratuitas así como instrumentos a los músicos del lugar. El documental está enfocado en ilustrar la interacción que se produce especialmente entre Melville, que es el productor musical, y Mansa Sissoko, un músico de Malí que además es “griot” (un relator de historias) y un consumado artista tocando el “kora”, una suerte de arpa. Como Sissoko tiene especial interés en hacer conocer a los canadienses su pueblo natal, el grupo viaja al lugar y allí el film testimonia no solo el retorno por primera vez del hijo pródigo a la aldea rural que dejó cuando era niño sino también los tres días de celebración musical que le siguen conmemorando ese acontecimiento.
El documental permite la rareza de descubrir no solamente la música local sino también sus rituales, danzas, ceremonias, todo ello dentro de un marco de tradiciones islámicas de la región. También deja en evidencia cómo la música de Malí y su vinculación con otras culturales musicales del mundo, constituyen un instrumento importante para el desarrollo económico y social de una de las zonas más pobres del mundo, donde un significativo segmento de su población padece de Malaria.

LAS LAGRIMAS DE MI MADRE (Alemania-Argentina)
El director Alejandro Cárdenas nacido en Perú quien vivió en diferentes países de América Latina y actualmente reside en Europa, después de haber realizado su primer film documental, “Alias Alejandro” en 2006 y galardonado en Alemania con el premio Adolf Grimme, ofrece ahora un relato de ficción basado en el difícil proceso de adaptación cuando se abandona en forma obligada la tierra natal para inmigrar a un medio totalmente diferente.El relato escrito por Cárdenas y Cuini-Amelio Ortíz gira en torno de un joven matrimonio, Lizzie y Carlos con un hijo de 12 años de edad, quienes a causa del terrorismo que imperó en Argentina durante la dictadura militar (1976-1983) dejan Buenos Aires después de que el hermano de Lizzie fuera secuestrado por el ejército y posteriormente asesinado. Al instalarse en Berlín Occidental, cada uno de ellos adopta una actitud diferente; mientras que Lizzie trata de olvidar el pasado asimilándose de lleno a la sociedad alemana como a su trabajo de documentalista de cine, Carlos extraña a Argentina, rechaza los valores del nuevo medio social y cultural y además no logra encontrar una ocupación estable.
A través de un tratamiento fílmico sencillo y emotivo, el relato adopta la óptica del niño, observando como el vínculo de sus padres se va desintegrando y de qué modo resulta complicado vivir navegando entre dos culturas diferentes frente a las circunstancias planteadas.
Si bien el tema de la inmigración ya ha sido tratado muchas otras veces, la descripción que realiza Cárdenas es sin duda una de las mejores que se haya ofrecido sobre el tema. Cabe resaltar la actuación de Adrián Goessel como el niño que se ve obligado a madurar antes de tiempo por la difícil situación que atraviesa.

FOR MY FATHER (Israel)
El director y guionista israelí Dror Zahavi ofrece un sólido film que a no dudarlo originará discusiones entre el público, según sea el punto de visto y la apreciación personal de cada persona para juzgar lo que el relato ilustra. Como muchos colegas suyos, Zahavi no puede desprenderse del entorno política y social y es de este modo que su película está inspirada en muchos de los desgraciados episodios que tuvieron y que aún tienen vigencia, como es el caso de los mártires suicidas palestinos encaminados a sacrificarse en pos de una causa que ellos consideran necesaria.
La anécdota enfoca a Tarek (Shredi Jabarin), un joven árabe de Tulkarem que es miembro de un grupo terrorista y al cual se le asigna la misión de hacer explotar una bomba en el mercado Carmel de Tel Aviv. Cuando llegado el momento decisivo, el dispositivo falla y la explosión no se produce; así, el joven se verá demorado por 48 horas para poner nuevamente en acción el mecanismo que producirá su muerte instantánea y la de las personas que en ese momento lo rodeen en el lugar fatídico elegido. Durante el tiempo “libre” disponible, Tarek tendrá la ocasión de relacionarse con varios personajes de la sociedad israelí, que como consecuencia de ello, habrá de producirle serías dudas sobre el legítimo sentido de la aberración que debe cometer.
El film se presta al debate por cuanto uno puede preguntarse si el intento de humanizar a esta suerte de personas tiene o no asidero. Así, en el relato están presentadas las razones que impulsaron a Tarek vincularse con la causa terrorista, y además las lecciones que aprende durante esa breve estadía sobre las penas, alegrías, sinsabores y esperanzas que guían la existencia del israelí corriente y que nada tiene que ver con el conflicto político capaz de crear percepciones e ideas equivocadas sobre la naturaleza humana de cada una de las partes opuestas.

EL CAMINO (Costa Rica)
Es muy raro tener la oportunidad de juzgar un film procedente de Costa Rica y a decir verdad el FFM estuvo muy acertado en presentar EL CAMINO de la directora rusa Ishtar Yasin quien durante varios años vivió en dicho país como estudiante de arte dramático en la Universidad de Costa Rica.
Con un guión que le pertenece, el relato enfoca a Saslaya, una niña de 12 años viviendo en Nicaragua con su hermano menor Darío que es sordo. Ambos tratan de huir del acoso sexual que Soslaya sufre por parte de su abuelo. Ese hecho unido a la añoranza que ambos sienten por la madre que partió varios años atrás a Costa Rica sin tener la menor noticia de ella, les hace emprender la aventura de viajar por su cuenta desde Managua con destino a Costa Rica en procura de poder ubicarla. Será un largo camino físico y emocional, plagado de gran incertidumbre, en donde los niños saldrán al encuentro de varios personajes inesperados que les hará cambiar la visión inocente del mundo en que creían vivir.
Inspirado en la literatura naturalista, el film se distingue por reflejar una realidad de la dura existencia imperante en gran parte de América Latina y en donde se hace difícil cambiar las condiciones de vida.
Esta digna expresión de cine latinoamericano ha merecido varios premios internacionales, entre ellos el de la FIPRESCI en el Festival de Cine de Guadalajara de este año.

MASANGELES (Uruguay-Bélgica-Suiza-Chile)
Este es posiblemente uno de los mejores filmes uruguayos de los últimos años. A través de Masángeles, una niña ilegítima de 7 años que tras el suicidio de su madre va a vivir a la mansión de su padre biológico, el film presenta a una familia de alta clase social y su paulatina desintegración como metáfora de lo que vivió el país desde 1966 (con la elección del presidente Diego Gestido) hasta 1973 (donde se quiebra el orden constitucional existente). Más allá de la interesante trama que nos ofrece la realizadora Beatriz Flora Silva en un guión que le pertenece (en colaboración con Janos Kovacsi), y durante dos horas de cautivante relato y que es difícil de sintetizar en una breve sinopsis, este film es un fresco histórico sobre la forma en que una auténtica democracia de un país que fuera considerado como la Suiza de América del Sur, se desintegra lentamente hasta que irrumpe la dictadura militar. El apocalíptico final que se puede apreciar en inolvidables imágenes, representa una de las escenas más desgarrantes del film.
Con un sentido marcado del ritmo cinematográfico y evitando tintes melodramáticos, Flores Silva ofrece al público un film palpitante que no solo interesará al público de América Latina sino a cualquier espectador interesado en conocer algunas facetas de la reciente historia del cono sur.
Tanto la caracterización de los personajes como la homogénea calidad de un elenco integrado por Antonella Aquistapache, Elisa García Léster, Héctor Guido y Margarita Musto, ubican a este film como uno de los mejores de la muestra.

LE SEPTIÈME JURÉ (Francia-Bélgica)
Una vez más el cine francés alude a la discriminación efectuada a argelinos con motivo de la independencia del país africano. Dirigido por Edouard Niemans, el film tiene lugar al finalizar la guerra de Argelia, a principios de la década del 60, en una típica ciudad provincial, donde Grégoire Duval, un respetable farmacéutico y vecino ejemplar del lugar, mata en un acto de locura pasional a una joven que rechaza sus avances amorosos. Como nadie contempló el asesinato, él decide permanecer en silencio. Cuando un joven trabajador argelino que salía con la chica es considerado como el único sospechoso, es inmediatamente detenido y sujeto a juicio. Uno de los miembros del jurado es el verdadero asesino quien hace todo lo posible por absolverlo aunque fracasa en su intento.
Bien elaborado y relatado en forma concisa, el film además de ser condenatorio al racismo de la época, describe la angustia de un hombre que a pesar de confesar su crimen nadie llega a creerlo y termina hundiéndose en forma inexorable. Jean-Pierre Darrousin logra una óptima interpretación encarnando al desgraciado Grégoire.

COMME UNE ETOILE DANS LA NUIT (Francia)
Podría ser una novelita rosa al estilo de « Love Story », pero el director René Féret le brinda un tratamiento depurado y contenido describiendo el proceso que vive una joven pareja que se quiere y próxima a casarse cuando él es diagnosticado con el mal de Hodgkin. El objetivo del film no se concentra en lamentar una tragedia que se avecina, sino la actitud de dos enamorados que asumirán el triste reto del destino tratando de luchar positivamente contra la adversidad. Una triste historia muy bien realizada que el director dedica a su sobrina y su novio que afrontaron hechos similares a lo que aquí se narra.

FESTIVAL DE FILMES DEL MUNDO - Día 1

Faubourg 36, film francés del director Christophe Barratier dio la partida a la 32ª edición del Festival que marca el fin del verano montrealés

Comentario de Sergio Martínez

Un buen comienzo ha tenido el Festival de Filmes del Mundo de Montreal (FFM) con la exhibición de la película Faubourg 36 del director francés Christophe Barratier. Como es habitual el FFM abrió con una ceremonia especial en la que Danièle Cauchard, directora general del Festival, se explayó brevemente sobre el sentido de la cultura y cómo el cine encaja en las diversas visiones de la cultura. Fiel a la noción de diversidad cultural, el FFM – expresó Mme. Cauchard – recoge ese espíritu de diversidad reflejando en la pantalla la variada producción artística mundial.
Luego de presentar a los miembros del jurado y a un representante del cine de Baviera – el FFM dedica una sección al cine de esa región alemana – el presidente del Festival, Serge Losique, procedió a entregar una distinción especial al productor norteamericano Alan Ladd Jr. por su contribución al arte cinematográfico.
Ladd Jr. respondió a las elogiosas palabras de Losique con singular modestia, “en realidad yo no soy el que hace las películas, ese es un arte de los directores, yo soy simplemente el que dice sí o no a los proyectos cinematográficos”. Palabras por lo demás muy acertadas en cuanto a reflejar el rol de los productores.

FAUBOURG 36: RETRATO DE UNA ÉPOCA
Este film se ambienta en París de 1936, a poco de triunfar la coalición izquierdista Frente Popular en las elecciones generales, al frente del gobierno ha sido elegido el líder socialista Leon Blum. Es un momento de cambios, pero también de crisis económica – el mundo todavía sufriendo los efectos de la crisis de esa década – reflejada especialmente en el desempleo y la pobreza. Además, merodeando en la oscuridad se halla la creciente amenaza del fascismo.
“Chansonia” un teatro de vaudeville ubicado en un barrio (faubourg) de París sufre también los sobresaltos que afecta a la economía y agobiado por las deudas su dueño se suicida y con ello morirá la sala de espectáculo también. Un inescrupuloso agente de propiedades tiene otros planes para el sitio, pero ellos serán inesperadamente alterados cuando la joven y bella Douce (Nora Arnezeder) arriba en la ciudad despertando su apetito. Al mismo tiempo, inspirados por los nuevos aires creados por el triunfo del Frente Popular, los trabajadores del teatro deciden “tomarse” el local y revivir el teatro, con escaso éxito. Douce, que ha sido contratada por los trabajadores transformados en empresarios teatrales, sin embargo se revela como una cantante de gran futuro. Milou, un activista que alega haber estado en el Ejército Rojo, un imitador de voces famosas, y sobre todo el encargado del teatro cuya mujer lo ha abandonado llevándose a su hijo, completan este cuadro de entusiastas e improvisados actores que quieren mantener su fuente de trabajo, pero al mismo tiempo quieren dar al barrio obrero que habitan, un trozo de esa cultura popular de la que ellos son sus mensajeros.
El film tiene una estructura narrativa convencional, pero a la vez tiene mucho dinamismo, sin olvidar que hay un hecho con el cual empieza, a partir del cual se narra prácticamente toda la historia.
Un film que tiene un contenido emocional, pero también un interesante retrato del espíritu de lucha de la gente cuando enfrenta situaciones de crisis y de injusticia. Muy buenos números musicales acompañan el film, algo de esperar en un director como Barratier que en 2004 cerrara el FFM con su film Les choristes. La película es también un tributo al teatro de vaudeville.
Faubourg 36 se estrenará comercialmente después del Festival.

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"HAY UNA RE-EMERGENCIA DE LOS CINES NACIONALES”

“HAY UNA RE-EMERGENCIA DE LOS CINES NACIONALES” AFIRMA PRESIDENTE DEL FESTIVAL DE FILMES DEL MUNDO
La vista puesta en el cine del mundo, más la evidente presencia del cine de Estados Unidos y un vibrante cine local quebequense, son el marco en el cual se anuncia el programa de la 32ª edición del Festival de Filmes del Mundo de Montreal (FFM).

Crónica de Sergio Martínez

En conferencia de prensa este 5 de agosto, se dio a conocer la programación de la nueva edición del Festival de Filmes del Mundo de Montreal que tiene lugar entre el 21 de agosto y el 1º de septiembre de 2008.
En lo que hace a la competencia oficial, 20 largometrajes se disputarán el Gran Premio de las Américas, el trofeo que confiere el FFM y que el año pasado tuviera como uno de sus ganadores el excelente film Ben X de Nic Balthazar, una co-producción belga-holandesa.

LAS COMPETENCIAS
En este año, dos filmes latinoamericanos y dos españoles estarán en la competencia oficial:
· Lluvia, dirigido por Paula Hernández (Argentina), en el cual una joven mujer que acaba de romper con su pareja conoce a un hombre que recién retornaba a Buenos Aires para enterrar a su padre.
· El viaje de Teo, dirigido por Walter Doehner (México), narra la lucha por sobrevivir de Teo, de 9 años, que acompaña a su padre en su intento de cruzar ilegalmente a Estados Unidos.
· Todos estamos invitados, realizado por Manuel Gutiérrez Aragón (España) presenta la historia de un joven terrorista vasco que recién recuperándose de sus heridas es reclutado para una nueva misión.
· Bienvenido a Farewell-Guttman, del catalán Xavi Puebla (España) muestra como a la muerte del jefe de recursos humanos en una gran compañía farmacéutica, sus subordinados entran en una feroz competencia para sucederlo.

En la competencia de cortometrajes figura un film español:
· Las mofas mágicas de Daniel Rebner

En la competencia de primeras obras hay 17 filmes de jóvenes realizadores buscando los honores, de ellos dos son latinoamericanos:
· Gigantes de Valdés, dirigido por Alex Tossenberger (Argentina)
· El regalo de la Pachamama, de Toshifumi Matsushita (Bolivia-Japón-EE.UU.)

FUERA DE CONCURSO
Esta sección ofrece una selección de lo mejor que se ha presentado en otros festivales o que ha sido ya presentado comercialmente en otros países. Treinta títulos estarán en esta prestigiosa sección, de los cuales dos son latinoamericanos, uno español y dos tocan temas latinoamericanos o españoles, aunque sean realizados por directores de otras partes del mundo:
· No mires para abajo, del celebrado director Eliseo Subiela (Argentina) en el cual la muerte de su padre y su encuentro con una mujer española mayor, lleva a Eloy, de 19 años, a un inesperado aprendizaje de lo que ser adulto significa
· Todo incluido, dirigido por Rodrigo Ortúzar Lynch (Chile) presenta a una familia que de vacaciones en la península de Yucatán, México, ve desencadenarse una secuela de dramas personales que anticipan un huracán
· El pollo, el pez y el cangrejo real, de José Luis López Linares (España) es un documental sobre un famoso campeonato mundial de gastronomía
· Maradona by Kusturica (Maradona por Kusturica) realizado por el serbio Emir Kusturica quien le da su personal enfoque al gran astro del fútbol argentino
· Vicky Cristina Barcelona, la más reciente obra del genial Woody Allen sitúa en Barcelona a dos muchachas en sus románticas peripecias: ambas se enamoran del mismo pintor sin saber que su ex esposa, está a punto de re-entrar en escena.



En la foto, el presidente del Festival de Filmes del Mundo Serge Losique, y la directora general Danièle Cauchard

UNA MIRADA AL CINE DEL MUNDO
En esta sección que cubre las cinematografías de todos los rincones del planeta se incluye una variada y ecléctica lista de películas. Entre ellas quince títulos son latinoamericanos o españoles:
· Las lágrimas de mi madre: Berlín-Buenos Aires, de Alejandro Cárdenas (Alemania-Argentina)
· La rabia, de Albertina Carri (Argentina)
· La extranjera, de Fernando Díaz (Argentina)
· Naranjo en flor, de Antonio González-Vigil (Argentina)
· Os desafinados (Los desafinados), de Walter Lima Jr. (Brasil)
· Perro come perro, de Carlos Moreno (Colombia)
· El camino, de Ishtar Yasin (Costa Rica-Francia)
· Cumbia Connection, de René Villarreal (México)
· Cobardes, de José Corbacho y Juan Cruz (España)
· El caserón, de Pau Martínez (España)
· Nevando voy, de Maitena Muruzabal y Candela Figueira (España)
· Paísito, de Ana Diez (España-Argentina-Uruguay)
· Call Girl, de Antonio Pedro Vasconcelos (Portugal-Brasil)
· Masángeles, de Beatriz Flores Silva (Uruguay-Bélgica-Suiza-Chile)
· Cyrano Fernández, de Alberto Arvelo (Venezuela)

Y LOS DOCUMENTALES
Largometrajes del género documental abundan esta vez, entre ellos hay cinco latinoamericanos y españoles:
· La colorina, realizado por Fernando Guzzoni y Werner Giesen (Chile)
· Alicia en el país, de Esteban Larraín (Chile)
· Orson Welles y Goya, de Emilio Ruiz Borrachina (España)
· Princesa de África, de Juan Laguna (España-Senegal)
· Stranded: vengo de un avión que cayó en las montañas, de Gonzalo Arijón (Uruguay-España-Francia).

HOMENAJES
Los homenajeados de este año serán el actor Tony Curtis, el productor Alan Ladd Jr., la actriz Kashiko Kawakita de quienes se mostrarán diversos filmes, y habrá también un homenaje a los filmes musicales rusos de la era soviética.

EL JURADO
Aunque todavía no está completo, los nombres ya confirmados son los del actor y director estadounidense Mark Rydell, quien lo presidirá, la actriz francesa Evelyne Bouix, el director chino Xie Fei, el director checo Vojtech Jasny, el escritor canadiense de origen haitiano Dany Laferrière y la representante del público, Johanne Dugas.

SALAS Y PRECIOS
El FFM tendrá sus exhibiciones en el Teatro Imperial (1430 de Bleury), Teatro Maisonneuve (Place des Arts), Cinemas Quartier Latin (350 Emery), y Cinema ONF / NFB (1564 St. Denis).
Tickets individuales $ 10
30 cupones $ 150 (50% de rebaja por billete)
10 cupones $ 60 (40% de rebaja por billete)
Pase Cinéfilo $250 (antes del 15 de agosto), $300 (después de esa fecha)
Pase Estudiante $150 (antes del 15 de agosto), $ 200 (después de esa fecha).
Para comprar billetes on-line ir a http://www.admission.com/
Para toda información detallada sobre la programación del FFM ir a su sitio web en la siguiente dirección: http://www.ffm-montreal.org/ww.ffm-montreal.org/