UN DRAMA SHAKESPERIANO

Coriolanus. Gran Bretaña, 2011. Un film de Ralph Fiennes

Comentario de Jorge Gutman

Esta producción británica representa el debut del conocido actor Ralph Fiennes como director además de reservarse el papel protagónico. Coriolanus está basado en la pieza de William Shakespeare y a pesar de que muchas obras del inmortal autor han sido llevadas repetidamente al cine, esta obra lo es por primera vez.

Fiennes decidió trasladar la acción de la pieza a la época actual, más precisamente en 1994. Aunque el período pueda resultar poco importante para lo que el autor deseó transmitir, la audacia del director tiene efectos mixtos; por un lado, no hay ningún problema en observar a los personajes con atuendos modernos y con armas de la época actual, sin embargo la pintura de la Roma que presenta dista de la realidad y se asemeja más bien a lo que podría observarse en la región de los Balcanes durante la encarnizada guerra que la enlutó.

El guión de John Logan, que resume el contenido de la obra pero respetando su esencia, presenta a Cayo Marcio (Fiennes), un arrogante general romano, poco amante o dúctil con la plebe. Al haber logrado un importante triunfo militar en la guerra emprendida contra los volscos donde llegó a apoderarse de la ciudad de Corioli, a su regreso recibe el apodo de Coriolano. Su reciente victoria, motiva a que el Senado lo postule para ser nombrado Cónsul sujeto a la aprobación del pueblo, pero su actuación altiva y antidemocrática lo vuelve completamente impopular; a pesar de los esfuerzos de Menenio (Brian Cox), su leal consejero, no puede evitar que dos tribunos (James Nesbitt, Paul Jesson) lo traicionen logrando su destierro. Su resentimiento hace que Coriolano se alíe con Tulo Aufidio (Gerard Butler), su acérrimo enemigo y general de los volscos, para liderar a su ejército y marchar sobre Roma. Volumnia (Vanessa Redgrave), la influyente madre de Coriolano con quien guarda una compleja relación entre edípica y perversa, logra persuadirlo de sus intenciones; después de concluir con los volscos un tratado favorable para los mismos, éstos consideran que Coriolano traicionó los intereses de su pueblo, hecho que conduce a una resolución trágica para el guerrero.

Coriolanus, no constituye una tragedia en el sentido estricto de las grandes obras de Shakespeare como Hamlet, Macbeth y El rey Lear, sino más bien un drama histórico sobre un antidemocrático guerrero; con todo, siempre trasciende la dimensión humana de su valiosa producción literaria.

La dirección de Fiennes es muy buena y su actuación memorable al igual que la de Readgrave componiendo con pasión y excelencia a la madre del valiente soldado. Lo objetable del guión son sus diálogos. Tratándose de una puesta moderna, resulta poco convincente apelar al lenguaje isabelino que no siempre resulta claro para el que no domina la lengua original que Shakespeare utilizó en sus obras y que además no condice con la forma de hablar de esta época.

Conclusión: Un buen film audaz y provocativo que esencialmente está dirigido a un público familiarizado con Shakespeare.

LA PASION POR EL TANGO

TANGO PASION

Después del legendario éxito de público y crítica que obtuvo el espectáculo Tango Argentino tanto en Broadway como en otras ciudades de América del Norte incluyendo Montreal, los amantes del tango están de parabienes con el nuevo espectáculo Tango Pasion que se presentará en el escenario del Teatro Maisonneuve de la Place des Arts desde el 23 hasta el 25 de febrero.

Tango Pasión, además de jubilosa comedia musical, es una experiencia teatral y sensorial, plena de gracia y de gran intensidad emocional. A través de aplaudidos bailarines argentinos, el público tendrá ocasión de contemplar la historia del tango, desde sus orígenes en los arrabales porteños hasta su introducción en los salones mundanos, en un viaje imaginario donde la nostalgia, el deseo, la pasión, la tristeza y los celos no están ausentes.

La ingeniosa coreografía y dirección escénica corresponde al coreógrafo argentino Hector Zaraspe, quien ha recibido numerosas distinciones internacionales. La música, sensual e intemporal de Juan Carlos Zunini, que incluye composiciones de Carlos Gardel y Astor PIazzolla –entre otros prestigiosos autores-, es interpretada por el Sexteto Tango Pasión, conjunto considerado como uno de los mejores del mundo dentro del género.

Pleno de melancolía, poesía y belleza, Tango Pasión ofrece una representación auténtica y exaltante de la danza que nació en Buenos Aires y que hoy día conmueve y entusiasma al mundo entero.

Para obtener información adicional así como para la adquisición de entradas se puede llamar a la boletería de la Place des Arts, 514-842.2112 /1866 842.2112 o bien visitar el sitio web http://www.laplacedesarts.com/

ALAIN LEFEVRE CON LA OSM

El miércoles 1 y jueves 2 de febrero (20h00) la Orquesta Sinfónica de Montreal recibe la visita del eximio pianista canadiense Alain Lefèvre. El renombrado músico tendrá a su cargo la ejecución del Concierto para piano en La menor de Schumann, que el compositor dedicara a su esposa Clara y quien fue la primera que lo ejecutó públicamente en su estreno de enero de 1846. Este poema musical, que Schumann consideró como una combinación de concierto, sinfonía y gran sonata, es una de las composiciones más importantes dentro del repertorio para piano y orquesta.

El maestro James Conlon, director musical del Festival de Ravinia y de la Opera de Los Angeles, tiene a su cargo la dirección de la OSM y ejecutará la Sinfonía N° 7 de Dvorák, también conocida como « Sinfonía Inglesa ». Esta obra que tuvo su estreno en 1885 es considerada como la más romántica de las sinfonías compuestas por el gran compositor checo. El concierto comienza con el Preludio de Los Maestros Cantores de Nuremberg de Wagner, que compuesto en forma de sonata constituye una expresiva pieza musical desbordante en vitalidad.

Otro concierto de la OSM es el que se realizará el domingo 5 de febrero (14h30) bajo la batuta del maestro Jacques Lacombe, director musical de la New Jersey Symphony y director musical de la Orquesta Sinfónica de Trois-Rivières. El programa incluye la Sinfonía N°3 de Prokofiev –tributo al expresionismo cuyo material temático es en gran parte extraído de la ópera El Angel de Fuego.

Para esta ocasión, el violinista Ray Chen -ganador del Concurso Reina Elizabeth (2009) y Yehudi Menuhin (2008)- hará su debut con la OSM con la ejecución del Concierto para Violín de Sibelius. El programa se completa con la suite orquestal de la música de escena de Peer Gynt de Edward Grieg.

Los conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts. Información adicional puede obtenerse visitando http://www.osm.ca/

AGRADABLE COMEDIA DE GEORGES FEYDEAU

LE DINDON.

Comentario de Jorge Gutman

Autor: Georges Feydeau. Dirección: Norman Chouinard. Elenco: Carl Béchard, Adrien Bletton, Normand Carrière, Jean-Pierre Chartrand, Violette Chauveau, Guillaume Cyr, Alexandre Daneau, Rémy Girard, Marie-Pier Labrecque, Roger La Rue, Véronique Le Flaguais, Catherine Le Gresley, Danièle Panneton, Sébastien René, Linda Sorgini y Alain Zouvi. Escenografía: Jean Bard. Vestuario: Suzanne Harel. Representaciones: Théâtre du Nouveau Monde, hasta el 18 de febrero

Georges Feydeau, el maestro del vodevil y de las farsas, escribió más de 60 obras en donde Le Dindon constituye una de sus más exitosas. Aunque nunca pretendió más que hacer divertir a su público, detrás de las mismas se puede apreciar una pintura de las debilidades humanas cuando el sexo entra a jugar y no puede ser contenido.

La trama es muy sencilla con personajes que se mueven en la ciudad de París, en plena “belle époque”; allí, y como punto de partida presenciamos al donjuanesco Edmond Pontagnac que pretende conquistar a toda costa a la respetada dama Lucienne sin saber que es la esposa del notario Crépin Vatelin, uno de sus amigos más cercanos. A partir de allí comienzan a incorporarse nuevos personajes que en conjunto originarán una serie de graciosos equívocos.

El hecho de que esta pieza estrenada en 1896 resista el paso del tiempo es debido a la habilidad de su autor de haber construido hábilmente las variadas emociones que generan las complicaciones amorosas, los celos, la seducción, la venganza, las hipocresías para salvar las apariencias concluyendo con las consabidas reconciliaciones. Pero además de su contenido, lo que interesa es su implementación y en tal sentido Normand Chouinard tradujo el espíritu del autor a través de una impecable dirección escénica plena de ingeniosidad e inteligencia. Sin duda no es tarea sencilla dirigir a 16 actores que a través de dos horas y media brindan lo mejor de sí mismo desempeñándose con energía y entusiasmo sin que se deslice ninguna nota indeseable. Todo el elenco demuestra una gran solvencia aunque por la gravitación de sus roles algunos actores dejan una indeleble impresión como lo demuestran los excelentes actores Rémy Girard, Linda Sorgini y Alain Zouvi. Una escenografía competente y adecuados vestuarios refuerzan la calidad de esta producción.

Finalmente y a fin de otorgarle un toque moderno, Chouinard agrega a la pieza un matiz original al hacer que los actores ficticiamente publiciten una marca de chocolate como medio de financiar el espectáculo. En resumen, Le Dindon es una comedia hilarante de buen gusto e imparable ritmo que deja al espectador completamente satisfecho.

UN METODO PELIGROSO

A DANGEROUS METHOD. Gran Bretaña-Alemania-Canadá-Suiza, 2011. Un film de David Cronenberg.

Comentario de Jorge Gutman

Un provocativo e intelectual film sobre el nacimiento del psicoanálisis es lo que David Cronenberg considera en Un Método Peligroso. El guión de Christopher Hampton adaptado de su obra teatral “The Talking Cure” y del libro de no ficción “A Most Dangerous Method” de John Kerr, explora por una parte la tumultuosa relación existente entre Carl Jung (Michael Fassbender) y su paciente Sabina Spielrein (Keira Knightley) así como el vínculo y posterior sismo profesional que se produce entre Jung y su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen).

En las primeras escenas se observa a Sabina, una joven rusa de origen judío, quien en 1904 es trasladada a Suiza para ser tratada en una clínica psiquiátrica a cargo de Jung; el estado histérico de la paciente es deplorable y su estado de abierta violencia y agresividad constituye un gran desafío para el psiquiatra quien está decidido a aplicar la teoría y método psicoanalítico de Freud a quien aún no había llegado a conocerlo personalmente sino a través de sus artículos profesionales. Lenta pero afirmativamente, la técnica comienza a brindar resultados positivos a medida que su paciente va exorcizando las heridas de su sombrío pasado de humillación y castigo físico recibido de su padre. Cuando dos años después Jung viaja a Viena para encontrarse con el autor de “La Interpretación de los Sueños” un lazo de comunicación científica se produce entre ambos . Sin embargo, la situación se complica para Jung cuando Sabina, a medida que se siente recuperada revela avidez en mantener una experiencia sexual con él; cuando la relación estrictamente profesional llega a convertirse en personal -a pesar de que Jung estaba enamorado de su esposa (Sarah Gadon)-. éste comete una seria transgresión ética que de ningún modo complace a Freud puesto que el hecho puede servir de seria crítica para quienes se oponen a la práctica del psicoanálisis.

La parte más interesante del film descansa en el momento en que comienzan a surgir divergencias entre las posiciones profesionales asumidas por estos dos renombrados científicos. Jung se resiste a admitir que el tratamiento psiquiátrico esté basado exclusivamente en la sexualidad tal como lo concibe Freud y este último no puede admitir la experimentación realizada por su discípulo al demostrar interés en aspectos espirituales, telepatías y estados sobrenaturales.

Es loable el riesgo asumido por Cronenberg al tratar de involucrarse en los complejos laberintos de la mente humana y sobre todo en lo que concierne a los misterios de la sexualidad como elemento fundamental que rige nuestra conducta. Con todo, y a pesar de su seriedad, el film conserva demasiado su esquema teatral y en determinadas instancias los diálogos tienden a disminuir su impacto cinematográfico; más allá de esta observación, esta obra -sin duda absorbente resulta mucho más cerebral que emocional y podrá ser gozada mejor por un público que tenga un conocimiento previo del método psicoanalítico.

La interpretación es de primer nivel. A pesar de que en los primeros momentos Knightley puede aparecer un tanto sobreactuada, a medida que transcurre el metraje logra amplia convicción con todos los matices emocionales de Spielrein, pasando desde la atormentada enferma para convertirse en amante de Jung y llegar finalmente a ser una de las más inteligentes y prestigiosas psicoterapeutas de su época. Fassbender, en otra remarcable actuación de su breve carrera, es el Jung apocado y tímido hasta la médula para cambiar a partir de su relación con Spielrein y terminar siendo víctima emocional de su propia experimentación. En un papel más breve pero sustancioso, Mortensen sale más que airoso como el padre del psicoanálisis, en tanto que el actor francés Vincent Cassel se luce como un discípulo psicoanalista de Freud partidario de no reprimir los instintos sexuales y que Jung toma a su cargo para tratar de exorcizarlo de sus propios demonios interiores.

Conclusión: Un interesante drama filosófico sobre la sexualidad humana a través de la diferente concepción psicoanalítica de Carl Jung y Sigmund Freud

LA OM HOMENAJEA A HAITI

El primer programa de la Orquesta Metropolitana (OM) de 2012 tiene características especiales. Se trata de un programa colorido que reflejando el carácter multicultural de Montreal constituye a la vez un humilde tributo al pueblo haitiano. Como es bien sabido, en enero de 2010 Haití fue víctima de un trágico terremoto y dentro de esas penosas circunstancias quedó manifestado el coraje y la fortaleza de su gente al tener que enfrentar inmensos daños humanos y materiales.

En consecuencia y para esta ocasión la OM decidió elaborar un programa de compositores de variada formación cultural celebrando la solidaridad manifestada por pueblos de diferentes culturas que a través de diversos medios demostraron su cariño y profundo afecto a la devastada nación caribeña.

El público tendrá oportunidad de identificarse con el espíritu de la música tradicional ”vudú” que es uno de los ritmos de percusiones más misteriosos y cautivadores del Caribe, como la vibrante energía de la música judía “klezmer” que nació en el este de Europa en la época medieval, así como apreciar la delicada fineza del violín chino denominado “erhu”.

El programa es dirigido por el joven maestro ruso Airat Ichmouratov y está integrado por Heartland, para erhu y orquesta de Mark Armanini, Dremlen Feygl Oif Di Tsvaygn (canción folclórica idish) de Jérôme Blais, obras sobre Baron Lacroix (homenaje a Haití) de Carmen Brouard y la obertura de Cosmopolitan City de Airat Ichmouratov dedicada a la ciudad de Montreal. La orquesta es acompañada por Lan Tung en el erhu, la soprano Janice Jackson y el pianista Patrice Laré.

Esta presentación especial es realizada a través de la gran región de Montreal gracias al auspicio del Conseil des arts y tendrá lugar en tres oportunidades, a saber: el miércoles 25 de enero (19h30) en la Iglesia Notre-Dame-des Sept-Douleurs de Verdun, el jueves 26 de enero (19h30) en la Maison Symphonique de la Place des Arts y el sábado 28 de enero (20h00) en el auditorio Désilets del Cégep Marie-Victorin de Rivière-des-Prairies. Información adicional puede obtenerse en el sitio www.orchestremetropolitain.com

LA DAMA DE HIERRO

THE IRON LADY. THE IRON LADY. Gran Bretaña-Francia, 2011. Un film de Phyllida Lloyd

Comentario de Jorge Gutman

Al pasar revista crítica a este film sobre la vida de Margaret Thatcher resulta difícil olvidar los comentarios del Primer Ministro de Gran Bretaña David Cameron quien junto a numerosos políticos conservadores lamentaron que se la presente como una anciana frágil y con problemas de demencia senil. Más allá de cualquiera consideración ideológica, debo admitir que la observación no es desacertada; aunque de ninguna manera podrá considerarse que los responsables del film hayan insultado a la Dama de Hierro, lo cierto es que el guión de Abi Morgan pudo haber utilizado una aproximación diferente para reflejar la personalidad y pasión política de la Sra. Thatcher sin tener que recurrir a su estado actual que produce una innecesaria pero inmensa lástima contemplando el deterioro mental producido por el implacable envejecimiento físico.

Hecha la consideración que antecede, la directora Phyllida Lloyd logró un buen film que con el paso del tiempo será especialmente recordado por la insuperable actuación de Meryl Streep quien es sin duda una de las más grandes y dúctiles artistas del cine internacional. No encuentro las adecuadas palabras que hagan completa justicia a la interpretación antológica que Streep logró de Margaret Thatcher; es ella en cuerpo y alma, en el fraseo que logra con su tono de voz, en las diferentes miradas que echa al momento de tomar decisiones así como en los movimientos físicos que adopta frente a las diferentes alternativas que su personaje le hace vivir.

Con la ayuda de un asombroso maquillaje (J. Roy Helland), las primeras imágenes muestran a Streep metida en el cuerpo de la ex Primera Ministra a la hora actual. Moviéndose en forma pesada y considerablemente debilitada, en el departamento donde habita comparte su vida con el fantasma de quien fuera su amado marido Denis (Jim Broadbent) y que sigue viviendo en su imaginación. Aunque el guión no sigue un orden estrictamente cronológico, los recuerdos fragmentados de la vieja dama pasan revista a sus años de juventud cuando en ese entonces, la Margaret Roberts (Alexandra Roach) -hija de un almacenero- iba demostrando la naturaleza de su carácter y su firme posición feminista rechazando en forma decidida el rol tradicional de ama de casa asignado a la mujer; ése es precisamente el principal aspecto que le hace notar a su pretendiente Denis (Harry Lloyd) cuando éste le propone matrimonio.

Posteriormente, se la verá en su primer y fallido intento de ser electa como miembro del parlamento, sus primeras luchas cuando posteriormente debe desenvolverse dentro de un mundo masculino sexista de esa época, el momento en que ella se da cuenta que puede liderar al partido conservador y -después de haberlo logrado- su llegada al poder en 1979 como la primera mujer que tiene a su cargo el gobierno de Gran Bretaña. Los años iniciales de su gestión estarían signados por su conducción férrea y su decidida determinación de cortar gastos, no obstante la recesión y el alto desempleo imperante; tanto la inquietud social generada como los sinsabores producidos por el IRA con la huelga de hambre, hace que su popularidad estuviese en los niveles más bajos. Sin embargo, la ocupación de las Islas Malvinas por parte del gobierno argentino en 1982 habría de cambiar su fortuna; con completa convicción y en total oposición hacia su propio gabinete y la opinión pública, emprende una acción bélica contra Argentina, conduciendo a Gran Bretaña a su victoria y motivando a que obtuviese un éxito arrollador en las elecciones de 1983. A pesar de ser nuevamente reelecta por un tercer período en 1987, su estilo autocrático de liderazgo así como su política económica ultraconservadora que polarizó a la nación, produjo la deserción de algunos de sus ministros por discrepar con su filosofía, entre ellos la dimisión de su principal aliado Geoffrey Howe (Anthony Head) lo que precipitó su abrupto final al renunciar como líder de su partido y como Primera Ministra en 1990 tras 11 años y medio de gobierno.

Teniendo en cuenta que desde una perspectiva histórica, los acontecimientos narrados son prácticamente recientes, no es mucho lo que el film pueda ofrecer como novedad. Hay algunos episodios que aunque no hayan trascendido públicamente, uno pudo haberlos supuesto como es el caso de que la vocación política de esta dama haya sido a expensas de colocar en un segundo plano la atención a su marido y a sus dos hijos; de todos modos, queda claro que el film trató y logró humanizar su persona demostrando que a pesar de su firmeza y obstinación, sin claudicar jamás en sentimentalismos, emerge no obstante la presencia de una madre que lamenta y siente el dolor de quienes han perdido a sus hijos en el doloroso trance bélico. En lo personal y en aquellos momentos de intimidad, resulta agradable ver a la afectiva esposa bailando con su cónyuge Shall We Dance, el tema central del film musical The King and I que la pareja gozaba viéndolo.

A pesar de que el relato se sigue con interés dado que su ágil ritmo nunca decae, el espectador no puede pasar por alto que una considerable parte del mismo esté centrado en una mujer que a los ochenta y tantos años de edad le toca vivir en un completo estado de soledad, sobre todo después que experimentó la pérdida de su entrañable compañero, con el doloroso estigma de la senilidad y a la espera de la hora final. Así en las últimas escenas del film cunde en el ánimo del espectador una sensación de melancolía y tristeza al comprobar que quien fuera una persona inteligente y dinámica gobernando a una nación poderosa con un liderazgo indiscutible, queda ahora reducida a un ser débil, perdido e incapaz de valerse por sí mismo. ¿Era necesario brindar un retrato tan penoso? Cada espectador hallará su propia respuesta.

Conclusión: Aunque más no fuera que por contemplar la titánica caracterización que Meryl Streep hace de la Sra. Thatcher, este film honesto y bien realizado es recomendable.

IL TROVATORE

OPERA DE MONTREAL

La Opera de Montreal presenta como tercera producción de la presente temporada Il Trovatore (El Trovador), la popular creación lírica de Giuseppe Verdi. Esta ópera cuya letra corresponde a Salvatore Cammarano está basada en la obra de teatro El Trovador de Antonio García Gutiérrez. Debido a que Cammarano falleció antes de haber concluido el libreto, ese hecho permitió a Verdi proponer algunas revisiones importantes que fueron realizadas por Leone Emanuele Bardare.

Presentada por primera vez en enero de 1853 en el Teatro Apollo de Roma, esta ópera inició a partir de entonces una carrera vertiginosa que incluyó su estreno en París en 1854, Nueva York y Londres en 1855, Montreal en 1858, para irse extendiendo a otros escenarios internacionales, sin haber disminuido sus representaciones a través del tiempo.

Su difícil y entreverada historia se desarrolla entre Vizcaya y Aragón dentro del contexto de la revuelta encabezada a comienzos del siglo XV por Jaime de Urgel contra Fernando de Antequera.

En el reparto de la presente versión, el rol de Manrico (el trovador), oficial del ejército del conde de Urgel, es interpretado por el tenor coreano Dongwon Shin. La soprano japonesa Hiromi Omura –quien hace unos años fue muy aplaudida en el rol principal de “Madame Butterfly”- anima a Leonora, la enamorada de Manrico. El siniestro Conde de Luna, implacable enemigo de Manrico, es cantado por el barítono canadiense Gregory Dahl, en tanto que el papel de Azucena –la gitana y madre de Manrico- es representado por la mezzo soprano italiana Laura Brioli en su primera actuación para la ODM. El reparto se completa con el bajo venezolano Ernesto Morillo, en compañía de los cantantes Gaétan Sauvageau, Karine Boucher, Riccardo Ianello y Jean-Michel Richer. La puesta en escena está cargo de Oriol Tomas, haciendo su debut para la compañía. La iluminación está a cargo de Anne-Catherine Simard-Deraspe. La Orquesta Sinfónica de Montreal, ejecutará la música bajo la dirección del maestro italiano Francesco Maria Colombo. Claude Webster se ocupa del Coro de la ODM.

La ópera es cantada en su versión original italiana con subtítulos en francés e inglés el 21, 24, 26 y 28 de enero en la sala Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts a las 19h30.

LA OSM RECIBE A CHRISTIAN GERHAHER

El primer programa de la Orquesta Sinfónica de Montreal de 2012, bajo la batuta de su director artístico Kent Nagano, contará con la especial presentación del barítono alemán Christian Gerhaher.

El prestigioso cantante se ha destacado en el repertorio lírico mozartiano así como en la interpretación de los lieder de Shubert, canciones de Brahms y de Mahler, entre otros compositores. Después de haber grabado con la OSM El Canto de la Tierra de Mahler, en esta visita Gerhaher interpretará del genial compositor austríaco Canciones Sobre la Muerte de los Niños, en base a cinco emotivos textos de Friedrich Ruckert, escritos después de la muerte de sus dos hijos. También de Mahler, cantará Rückert-Lieder.

El programa se completa con la suite de Claude Debussy El Rincón de Los Niños (Children’s Corner) –que fuera compuesto en 1908 para su hijita de tres años y su gobernanta, y por el hermoso poema coreográfico de Ravel La Valse escrito en 1921, como un homenaje del compositor francés a la Viena imperial.

El concierto tiene lugar el miércoles 11 (20h00) y se repite el jueves 12 (20h00) y sábado 14 (20h00) en la Maison Symphonique de la Place des Arts.