UN WESTERN VIOLENTO

DJANGO UNCHAINED. Estados Unidos, 2012. Un film escrito y dirigido por Quentin Tarantino

Así como en Inglorious Basterds (2009) Quentin Tarantino abordó la fantasía de la venganza de los judíos hacia sus torturadores nazis, aquí afronta otra historia de revanchismo donde los negros se vengan de sus esclavistas blancos en los años que preceden a la Guerra de Secesión. Adoptando la modalidad de un spaghetti western, Tarantino ideó una original historia con su talento habitual para la escritura de afilados y mordaces diálogos con una ajustada puesta escénica.

Christoph Walts y Jamie Foxx

La trama que transcurre en 1858 concierne al Dr. King Schultz (Christoph Waltz), un dentista oriundo de Alemania viviendo en Texas y que trabaja como cazador de recompensas de criminales. Al descubrir por azar que Django (Jamie Foxx), un esclavo afroamericano, puede conducirlo a localizar tres peligrosos asesinos, decide comprarlo y al hacerlo le promete dejarlo en libertad si le ayuda a cumplir su misión. Concluido ese trabajo en forma exitosa, el ex esclavo se convierte en el asistente de Schultz ayudándolo a que prosiga ejerciendo su profesión habitual en la captura o eliminación de criminales buscados por la justicia; a cambio de su participación, Schultz le promete tratar de ubicar y rescatar a su esclava esposa alemana Broomhilda (Kerry Washington) que fue vendida separadamente.

Con una inventiva riqueza visual, Tarantino ofrece un relato de acción calibrada que lleva a sus dos personajes principales a recorrer el corazón del sur americano para cazar criminales donde en todos los casos terminan matándolos violentamente; claro está que tratándose de Tarantino, no faltan las notas de humor para relajar la tensión. A pesar de su solidez, el realizador alarga innecesariamente el desarrollo del relato volviéndolo repetitivo en su sección intermedia. Es recién en su última parte cuando el film vuelve a cobrar el vuelo inicial al llegar a la mansión de Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), quien es el infame propietario de una plantación algodonera que ha comprado a Broomhilda y que la trata al igual que a casi todos sus esclavos negros en forma despótica. Es aquí donde la intriga cobra suspenso sobre la forma en que la señora de Django podrá ser rescatada de las garras de su amo.

Aunque Django es teóricamente su personaje central, Schultz consstituye el alma del relato gracias a la forma en que Tarantino lo concibió y, ciertamente, al modo en que Waltz lo ha caracterizado, especialmente con el comportamiento melifluo que adopta; la interpretación de este excepcional actor austríaco proporciona enorme placer al espectador que lo está observando. Otra actuación destacada es la de DiCaprio animando excelentemente a un cruel y sádico individuo que se deleita contemplando los espectáculos de lucha sangrienta de sus esclavos. Por su parte, Samuel L. Jackson, uno de los actores favoritos de Tarantino, anima con completa naturalidad al fiel valet negro de Candie quien a pesar de su raza se solidariza con el orden social imperante. En cambio, la caracterización del héroe de esta historia por parte de Foxx resulta un tanto unidimensional sin que llegue a cobrar verdadero impacto su transformación de débil esclavo en decidido hombre libre.

Tarantino es uno de esos directores que se han caracterizado por la audacia, irreverencia y el carácter provocativo de sus relatos; en este caso, Django no es la excepción y sin duda, sus leales seguidores estarán muy complacidos con lo que este film les ofrece. Sin embargo y a pesar de haber logrado un cuadro realista de la esclavitud de los Estados Unidos del período en que transcurre la acción, este ambicioso film peca por su excesiva duración –ya mencionada- y fundamentalmente por su chocante, explosiva y detestable violencia que aunque burlesca bien podría ser evitada; sin duda que al contemplar el desenlace de esta historia, más de un espectador asociará la furia explosiva que se despliega con la reciente tragedia ocurrida en una escuela primaria de Newtown en Connecticut que conmovió al mundo entero.

Conclusión: Un western violento con toques de comedia negra que agradará a los aficionados de Tarantino.   Jorge Gutman

EL TSUNAMI ASIATICO DE 2004

THE IMPOSSIBLE. España-Estados Unidos, 2012. Un film de J.A. Bayona

Las consecuencias del implacable tsunami que hacia fines de diciembre de 2004 arrasó a varias regiones costeras de Asia es lo que considera el director catalán Juan Antonio Bayona en The Impossible. Con un realismo sorprendente, el realizador aborda la catástrofe del terrible maremoto centrando su atención en una familia de turistas británicos que llega dos días antes de la tragedia al paradisíaco balneario de Phuket en Tailandia para pasar sus vacaciones navideñas. En esencia, el guión de Sergio G. Sánchez está basado en la historia real suministrada por María Belón sobre el drama que le tocó vivir a su propia familia en esos cruentos momentos. Si bien se trata de una ficción, algunos aspectos del relato han sido modificados pero sin alterar mayormente los acontecimientos reales vividos.

Playas deslumbrantes con aguas transparentes y un cielo radiante ofrecido por la naturaleza constituyen una excelente bienvenida para Henry Belon (Ewan McGregor), su esposa María (Naomi Watts) y sus 3 hijos de 5, 8 y 12 años; no obstante, la dicha será de corto alcance cuando a escasos dos días de estadía un vigoroso tsunami irrumpe produciendo un calamitoso cataclismo. La inconmensurable fuerza del temporal que provocó graves inundaciones terminó arrasando bosques, derrumbando edificios y un sinnúmero de calamidades adicionales, incluyendo una gran cantidad de víctimas.

El desastre ocasiona que la familia Belon quede dispersa. Por una parte, las aguas arrastran a María y a su hijo mayor Lucas (Tom Holland), donde ella sufre serias heridas que la obligan a depender de su vástago para poderse movilizar. Entretanto, Henry junto con sus otros dos hijos, Simón (Oaklee Pendergast) y Thomas (Samuel Joslin), aguardan la llegada del equipo de rescate para que después Henry, dejando a los niños en un refugio de protección, parta para tratar de localizar a María y Lucas. Lo que sigue es un extraordinario relato donde los sentimientos de soledad y angustia que afligen a sus protagonistas coexisten con el espíritu de supervivencia que les anima.

Tom Holland y Naomi Watts

La actuación es inobjetable. Tanto Watts como McGregor despliegan una enorme fuerza física a la vez que transmiten con autenticidad la crisis emocional de sus personajes; además, es necesario resaltar la labor de los pequeños actores y muy en especial la de Holland, quien en su primer papel para el cine, ofrece una admirable composición como protector de su madre a la vez que demostrando una determinación y tenacidad a toda prueba para tratar de reunir nuevamente a los miembros de su familia.

Bayona abordando un tema completamente diferente del considerado en “El Orfanato” (2007) ha logrado un film de visceral intensidad que no tiene desperdicio alguno y que refleja los valores familiares y los indisolubles lazos que unen a una familia en situaciones límites de desesperación e incertidumbre.

Conclusión: Nadie podrá permanecer indiferente al modo en que Bayona logró reproducir el tsunami obteniendo espeluznantes imágenes que ofrecen una sensación de asombrosa verosimilitud. The Impossible es un film de calidad, decididamente recomendable.   Jorge Gutman

LOS MISERABLES EN VERSIÓN MUSICAL

LES MISERABLES. Gran Bretaña-Estados Unidos, 2012. Un film de Tom Hooper

Adaptado en más de 60 oportunidades para la radio, cine, teatro, televisión y tiras de historieta, transcurrió un siglo y medio para que Les Misérables, una de las más grandes creaciones de la literatura universal del siglo 19, llegase a la pantalla como espectáculo musical basado en la obra del mismo género estrenada en Londres en 1985. En tal sentido, Víctor Hugo puede reposar tranquilo en su tumba porque seguramente habría aprobado esta excelente versión teatral que hasta el presente ha llegado a emocionar a más de 60 millones de espectadores de 42 países. Además de volcar la esencia y espíritu de la novela original, su excepcional éxito se debió en gran parte a la extraordinaria música compuesta por Claude-Michel Schonberg y Alain Boublil así como a las elocuentes palabras escritas por Herbert Kretzmer para las conmovedoras canciones de esta obra.

Dicho lo que antecede, Tom Hooper, el oscarizado realizador de The King’s Speech (2010), abordó este querido musical transformándolo en una obra cinematográfica que de ningún modo desmerece a la producción teatral en la que está basada. Con algunas licencias formales, la adaptación realizada por el guionista William Nicholson en colaboración con los creadores originales de la pieza teatral adopta su misma estructura que consiste en eliminar casi completamente el diálogo hablado y solamente utilizarlo como un hilo conductor entre los diferentes temas musicales que van desarrollando la trama del film.

La historia comienza en Tolón en 1815, cuando el convicto Jean Valjean (Hugh Jackman) está a punto de lograr la libertad condicional por parte de Javert (Russell Crowe) el guardia de la prisión, tras haber pasado 19 años en prisión realizando trabajos forzados por el delito de haber robado un pedazo de pan. Después de su primera noche de libertad en una iglesia cobijado por un amable obispo (Colm Wilkinson), Valjean se siente sorprendido por la bondad y generosidad del clérigo quien le brinda una hermosa lección de perdón y afecto y le abre el camino hacia una nueva vida.

Ocho años después, en una pequeña ciudad vemos que Valjean con su identidad cambiada es el alcalde de la misma y muy apreciado por su gente. Sin embargo, su existencia cambiará nuevamente cuando llega a conocer a la sufrida Fantine (Anne Hathaway) y después de su muerte adopta a su pequeña hija Cosette (Isabelle Allen); cuando Javert llega al lugar como inspector policial e identifica a Valjean, comienza a perseguirlo tenazmente por no haber cumplido con los términos impuestos por su libertad condicional; eso obliga a que el redimido hombre tenga que huir del lugar con la niña. La última parte del relato se ubica en París en 1832 donde Valjean y la adulta Cosette (Amanda Seyfried) se ven involucrados en la rebelión estudiantil antimonárquica de junio de 1832 motivada por la pobreza que sufre el pueblo.

Teniendo en cuenta que el contenido y la música no se apartan de la producción musical, lo que puede diferir en esta versión es el tono que el director le imprime al relato al apelar con frecuencia a primeros planos de filmación para expresar mejor la psicología de los personajes; de este modo la grandilocuencia que todo espectáculo musical suele ofrecer así como sus aspectos visuales aquí son elementos que están al servicio del drama humano expuesto. Otra importante innovación de esta producción es que Hooper decidió que los actores cantaran en forma directa hacia las cámaras -sin recurrir al playback- con el propósito de lograr una mayor naturalidad y fuerza emocional, tal como si lo estuviesen haciendo directamente desde un escenario teatral; en tal sentido el resultado ha sido decididamente favorable.

Hugh Jackman

En lo que concierne al comportamiento actoral, Jackman ofrece una interpretación visceral de Valjean como el ex miserable que logra regenerarse y que por primera vez experimenta el genuino amor que un padre siente por su hija; en lo que concierne a su capacidad lírica, ofrece nobleza y calidez, como cuando entona What Have I Done? donde su personaje decide cambiar de vida para convertirse en un hombre de bien. Crowe, por su parte, a pesar de no poseer la voz ideal de barítono, interpreta con solidez al implacable Javert, cuya única obsesión es capturar a Valjean. Pero quien logra una intensa e inolvidable interpretación es Hathaway como la desafortunada madre soltera que se desprende de todo y debe ofrecer su cuerpo para poder mantener a su hijita; así, resulta imposible sentir indiferencia cuando sumergida en la piel de Fantine canta con desgarradora angustia la canción I dreamed a Dream expresando su total desesperanza. Una grata sorpresa constituye la participación de Eddie Redmayne quien como Marius, el joven revolucionario de quien Cossette se enamora, da muestras de gran expresividad tanto como actor como cantante entonando con voz de tenor la melancólica canción Empty Chairs at Empty Tables; del mismo modo impresiona la joven novel actriz Samantha Barks como Éponine, la descorazonada muchacha por el amor no correspondido de Marius, cantando On My Own. Mención aparte merece la simpática participación de Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen dando vida a dos rapaces y codiciosos posaderos cantando el animado tema Master of the House al propio tiempo que ofreciendo la nota cómica del relato. Finalmente, para cerrar magistralmente la gran obra, todo el elenco entona con brío y pasión el vibrante tema One More Day.

Conclusión: Hooper ha logrado un excelente film, que si no llega a la perfección es porque resulta imposible condensar en 2 horas y 38 minutos toda la extraordinaria riqueza que emana de la novela original. Pero indudablemente queda como legado un dramático y profundo documento fílmico sobre la opresión, injusticia social y la defensa de los desposeídos que hoy día tiene la misma trascendencia que cuando Víctor Hugo lo concibió en 1862. Si a ello se agrega un magnífico elenco, emocionante música y una impecable dirección, no es mucho más lo que el espectador puede exigir.   Jorge Gutman

LA CRISIS DE LA MEDIANA EDAD

THIS IS 40. Estados Unidos, 2012. Un film escrito y dirigido por Judd Apatow

 

Apropiándose de dos personajes secundarios de su popular película Knocked Up (2007), Judd Apatow se siente muy a gusto describiendo qué es lo que les sucede al bordear los 40 años.

Conociendo a este realizador y sus instintos de comediante, este film decide involucrar al espectador en un relato liviano donde el matrimonio integrado por Pete (Paul Rudd) y Debbie (Leslie Mann) experimenta la denominada crisis existencial al entrar a la mediana edad. A falta de un conflicto que genere una historia central, el relato de Apatow se traduce más bien en una serie de viñetas que transcurren en el espacio de 3 semanas donde comienza con la celebración del cumpleaños número 38 de Debbie para culminar con la del cuadragésimo de Pete.

Iris Apatow, Maude Apatow, Paul Rudd y Leslie Mann

Con ciertos momentos de reflexión bien logrados y valiéndose de algunos diálogos chispeantes, pero no exentos de ser parcialmente lascivos y procaces, el público asiste a los encuentros y desencuentros de esta pareja que aunque ciertamente demuestran que los une un auténtico amor eso no excluye las peleas que cotidianamente suelen suscitarse entre ellos. A todo eso asistimos a las normales presiones tanto financieras como las hogareñas que resultan de criar y educar a sus dos hijas, una ya casi adolescente (Maude Apatow) con la rebeldía propia de su edad que altera en parte la tranquilidad hogareña y la otra de 8 años (Iris Apatow) que quiere imitar a su hermana mayor.

No todo su desarrollo es uniforme al haber ciertas secuencias que se alargan demasiado y otras que podrían haber sido eliminadas. Pero en su conjunto, prevalece un film animado con algunos momentos emotivos, mucha comicidad surgida de situaciones naturales, al propio tiempo que ofrece un buen retrato de la generación actual de matrimonios de la misma edad, experimentando momentos de alegrías y frustraciones que finalmente son capaces de superar.

Con muy buenas actuaciones de Rudd y Mann, el film además cuenta con un buen reparto secundario que incluye la notable labor de Albert Brooks como el padre de Pete que necesita de su asistencia financiera, John Lithgow como el distanciado padre de Debbie, Megan Fox animando a una de las empleadas de la boutique de Debbie y la participación de Melissa McCarthy en un breve y graciosísimo rol que se destaca en los créditos finales de la película.    Jorge GutmanI

EL CIRQUE DU SOLEIL EN 3D

CIRQUE DU SOLEIL: WORLDS AWAY. Estados Unidos, 2012. Un film escrito y dirigido por Andrew Adamson

En general, el espectador que asiste a una representación del Cirque du Soleil no va solamente atraído por su argumento sino también para gozar con la belleza de las imágenes brindadas y la estética única del conjunto. En tal sentido, esta película ofrece por espacio de hora y treinta minutos un espectáculo de danza y acrobacia muy bien escenificado y excelentemente filmado en 3-D. No resulta extraño que este formato haya sido utilizado con gran éxito por James Cameron en Avatar y que aquí, como productor ejecutivo del film mancomunado con el buen trabajo de realización de Andrew Adamson, haya logrado que la tercera dimensión se traduzca en una mayor profundidad de las secuencias expuestas, sin permitir que la acción del relato salte a la butaca del espectador. 

Temáticamente, la historia es prácticamente inexistente y lo más que podría señalarse es que el público asiste a un viaje imaginario emprendido por uno de los dos personajes protagónicos del film. Se trata de Mia (Erica Linz), una joven mujer de una pequeña ciudad que visita un circo ambulante; su mirada se concentra en un acróbata aéreo denominado The Aerialist (Igor Zarilpov) y de inmediato surge una mutua atracción entre ellos; cuando Mía lo sigue observando él cae en un mar de arena y es allí que ella deja de ser la espectadora normal para sumergirse en el espectáculo circense a fin de ubicar al trapecista desaparecido. Si a partir de ese momento, uno cree que la incursión de Mia en el viaje imaginario que emprende podrá compararse con el vivido por la protagonista de Alicia en el País de las Maravillas o por Dorothy en El Mago de Oz, esa impresión es un tanto errónea; lo que el espectador contempla es una sucesión de números que pertenecen a escenas de diferentes producciones que el Cirque du Soleil presenta en la ciudad de Las Vegas (O; Ka, Love, Believe, Viva Elvis, etc.). Naturalmente, quien tuvo la oportunidad de haber apreciado esos shows gozará plenamente del espectáculo, pero aquél que no lo haya hecho sólo admirará el arte indiscutible del circo como si se tratara de un documental ilustrativo sin ilación o conexión con las aventuras que se supone atraviesa Mia. Solo al final se produce su reencuentro con el acróbata donde ambos ofrecen un atractivo pas de deux aéreo.

Dicho lo que antecede, esta incursión cinematográfica del Cirque du Soleil permite una vez más apreciar su incomparable arte y sus siempre increíbles acrobacias y danzas visuales. Como quedó dicho, la película prácticamente carece de trama y su endeble fantasía romántica podría ser su punto débil para quien busque el desarrollo de una línea temática; con todo, Worlds Away es capaz de superar ese inconveniente porque el espectáculo está ampliamente compensado por la precisión técnica, la excelente destreza acrobática y las admirables contorsiones físicas evidenciada por sus artistas. No es de sorprender que otros detalles de producción como la fotografía, iluminación y escenografía respondan a un óptimo nivel así como el empleo acertado de una banda sonora que combina música de los Beattles con un tema de Elvis Presley.

Finalmente, y sin negar los méritos de esta producción, nada podrá reemplazar a la gran emoción que se experimenta cuando se asiste a una representación en vivo de este maravilloso conjunto.

Conclusión: Un buen espectáculo para la familia en su conjunto y en especial para los fanáticos adictos al Cirque du Soleil.  Jorge Gutman

ACTIVIDAD LIRICA DE ENERO

LES TROYENS

En una nueva transmisión directa en alta definición desde el Metropolitan Opera (MET) de Nueva York, el público adicto al arte lírico tendrá ocasión de juzgar la ópera de cinco actos Los Troyanos de Héctor Berlioz con libreto del mismo autor; el tema que  gira en torno de la guerra de Troya está basado en la Eneida de Virgilio. Considerada como la creación más ambiciosa al propio tiempo que la más extensa de Berlioz, el compositor no tuvo la oportunidad de verla representada en forma completa con excepción de los últimos tres actos cantados en París en 1863, pocos años antes de su muerte. Recién en 1890 fue representada por primera vez en Alemania en forma integral.

La producción del MET de Francesca Zambello de 2003, que se caracteriza por su impactante riqueza visual, cuenta con un importante reparto. En los roles principales participan la mezzosoprano Susan Graham como la reina de Cartago Dido, el tenor Bryan Hymel quien haciendo su debut en el MET encarna al  héroe troyano Aeneas, la soprano Deborah Voigt interpretando a la profetisa Cassandra y el barítono Dwayne Croft en el rol de Coroebus, el novio de Cassandra.  En otros papeles destacados figuran la mezzosoprano Karen Cargill, los bajos Kwangchuyl Youn y Richard Bernstein y el tenor Eric Cutler. La dirección musical está a cargo del maestro Fabio Luisi, la coreografía pertenece a Doug Varone, la escenografía es de Maria Bjornson y la responsable del vestuario es Anita Yavich.

La ópera es cantada en francés con subtítulos en inglés el 5 de enero a las 12h00, hora local de Nueva York, y redifundida el 9 de marzo.

MARIA STUARDA

La segunda ópera de enero transmitida desde el MET es Maria Stuarda, la tragedia lírica de Gaetano Donizetti con libreto de Giuseppe Bardari, basada en la pieza de Friedrich Schiller Maria Stuart.

Esta ópera, cuyo estreno mundial tuvo lugar en el teatro San Carlo de Nápoles en octubre de 1834, representa al más puro bel canto italiano y transcurre al igual que  Anna Bolena y Roberto Devereux  del mismo compositor en el siglo 16, período de la dinastía Tudor de la historia inglesa. Maria Stuarda gira en torno del enfrentamiento entre la  reina protestante Isabel I de Inglaterra y la católica Mary Stuart, reina de Escocia. Ésta última que se encuentra confinada en la prisión inglesa del castillo de Fotheringhay, finalmente será ejecutada en 1587 por orden de la soberana inglesa. Cabe señalar que según los registros históricos ambas monarcas nunca llegaron a reunirse pero Schiller concibió ese encuentro para dramatizar las abismales diferencias que las convirtieron en rivales por el trono de Inglaterra. 

En esta nueva producción del MET bajo la dirección escénica de  David McVicar y la  dirección musical del maestro Maurizio Benini, los roles principales son cantados por la excelente mezzosoprano americana Joyce DiDonato en el rol titular, la notable soprano sudafricana Eliza van den Heever encarnando a Isabel I (Elisabetta), el tenor Matthew Polenzani que interpreta Robert Dudley, conde de Leicester, de quien la reina está enamorada, el barítono Joshua Hopkins como el secretario de estado Lord Cecil, y el bajo Matthew Rose encarnando  a George Talbot, el conde de Shrewsbury.  La coreografía es de Leah Hausman en tanto que la escenografía y vestuario corresponden a John Macfarlane.

La ópera es cantada en su versión original italiana con subtítulos en inglés el 19 de enero a las 12h55, hora local de Nueva York y se vuelve a difundir los días 18 y 23 de marzo.

Para conocer los horarios locales y las salas del circuito CINEPLEX que participarán en la difusión de las dos óperas, el sitio a consultar es www.cineplex.com/events/metopera  

EL MURCIÉLAGO

La célebre opereta vienesa El Murciélago (Die Fledermaus) es la tercera producción que la Opera de Montreal (ODM) presenta en su actual temporada 2012-2013. Esta popular creación de Johann Strauss hijo (1825-1899) cuenta con un libreto de Carl Haffner y Richard Genée, basado en la pieza teatral francesa Le réveillon de Henri Meilhac y Ludovic Halévy.

Estrenada en Viena en abril de 1874, al principio esta opereta  no tuvo mucho éxito al  debido en parte a la crisis económica que atravesaba Austria en ese entonces; sin embargo, poco a poco fue ganando aceptación por parte del público y con el correr de los años se ha transformado en una de las expresiones de este género de mayor popularidad mundial  por el considerable humor, ingenio y energía que destila. A todo ello debe tenerse en cuenta la hermosa música de Strauss tonificando el oído de la audiencia; su magnífica obertura presagia la atmósfera de baile como así también la de algunos motivos líricos que se habrán entonar a medida que se va desarrollando su historia.

En una breve sinopsis, la acción -que originalmente se sitúa en la Viena del siglo XIX pero que en esta producción se ubica en Montreal de la década del 30- presenta al Dr. Falke, el notario amigo de Gabriel von Eisenstein, quien quiere vengarse de él por haberlo dejado en una fiesta de disfraces abandonado en pleno calle, a plena luz del día y vestido de murciélago. A partir de allí urde unplan donde varios enredos amorosos habrán de suscitarse, donde no faltarán los juegos de seducción y cambios de identidades, todo ello en medio de bellos valses y en una atmósfera de franco humor y alegría.

El renombrado tenor Marc Hervieux encabeza el elenco enteramente canadiense de esta producción. El reparto es completado con las sopranos Caroline Bleau y Marianne Lambert, el barítono Dominique Côté, el barítono-bajo Alexandre Sylvestre, el ténor Thomas Macleay, la mezzosoprano Emma Parkinson y el popular comediante Martin Drainville haciendo su debut para la ODM.

El director Oriol Tomas, muy aplaudido por su Trovatore de la última temporada, tiene a su cargo la puesta escénica, en tanto que el maestro canadiense Timothy Vernon dirigirá a la Orquesta Sinfónica de Montreal y al Coro de la Opera de Montreal. Los decorados pertenecen a Richard Roberts en tanto que el vestuario es responsabilidad de Angus Strathie.

El Murciélago será cantado y dialogado principalmente en francés, con subtítulos en francés e inglés, los días 26, 29, 31 de enero y el 2 de febrero en la sala Wilfrid-Pelletier. Para toda otra información consultar www.operademontreal.com

PRIMEROS CONCIERTOS DE 2013

Ludovic Morlot

 OSM

El primer programa de este año de la OSM que se efectuará los días 15 y 16 de enero (20h00) será dirigido por el maestro Ludovic Morlot. En carácter de solista participará el renombrado pianista canadiense Alain Lefèvre quien tendrá a su cargo la ejecución en primicia mundial del Concerto de l’asile del compositor oriundo de Quebec Walter Boudreau; esta composición evoca a lo largo de sus tres movimientos la vida del poeta y dramaturgo Claude Gauvreau. El programa comienza con el preludio de Los Maestros Cantores de Nuremberg de Richard Wagner y se completa con la composición impresionista Images de Debussy que está integrada por tres movimientos donde el movimiento central “Iberia” es el más popular.



Jonas Kaufmann



En su serie de recitales y en coproducción con la organización musical Pro Musica, la OSM presentará el 20 de enero (20h00) al tenor alemán Jonas Kaufmann, uno de los artistas líricos más importantes de su generación. Acompañado del pianista Helmut Deutsch, Kaufmann cantará La Bella Molinera; se trata de una de las obras maestras de Franz Schubert que reúne  un ciclo de lieder basado en poemas de Wilhelm Muller donde el compositor siguiendo el hilo de un relato completo, emplea registros musicales diferentes para explicar las peripecias sucesivas de su contenido. La trama gira en torno de un hombre joven que deambula feliz por el campo hasta llegar a un molino en donde se enamora de una hermosa joven que allí trabaja. Como esta bella molinera no responde a sus sentimientos prefiriendo en cambio  las de un cazador lugareño, el joven se desespera para terminar suicidándose.

El 22 de enero (20h00) la OSM recibe por primera vez la visita de la Orquesta del Festival de Budapest, conjunto musical cofundado en 1983 por el director de orquesta Iván Fischer y el pianista Zoltán Kocsis. Bajo la dirección de Fischer esta agrupación orquestal ha escogido un programa integrado por la Suite para Orquesta de Varieté de Shostakovich, la Serenata de Bernstein que es una obra creada por Isaac Stern y que contará como solista a la violinista holandesa Liza Ferschtman y la Sinfonía N°2 de Rachmaninov, una de las más populares de este compositor.

Para concluir el mes, el 25 de enero (18h30) la OSM ofrecerá un concierto de música de cámara con la participación de Brigitte Rolland (violín), Natalie Racine (viola), Anna Burden (violonchelo) y Carmen Picard (piano). El programa comprende el Cuarteto para Piano y Cuerdas en Sol menor, K. 478 de Mozart, y el Cuarteto para Piano y Cuerdas N°1 en Sol menor de Brahms.

Salvo el concierto de música de cámara que se desarrollará en la sala Bourgie del Museo de Bellas Artes, las otras presentaciones de la OSM se efectuarán en la Maison symphonique de Montreal.

Para información adicional, el sitio a consultar es www.osm.ca

MUSICA CAMERATA

El 20 de enero (14h00), Musica Camerata Montreal interpretará tres obras musicales raramente ejecutadas. En esta ocasión, el conjunto estará integrado por la pianista Berta Rosenohl, los violinistas Luis Grinhauz y Van Armenian, la violista Lambert Chen y el violonchelista Leo Grinhauz. Las piezas que integran el programa son las siguientes:

1. Sonata para viola y piano en Mi de Rebecca Clarke (1886-1979), Se trata de una obra que esta altista compuso a los 23 años y que constituye una fuisión del romanticismo inglés con el impresionismo. Esta composición es considerada como una de las más importantes para viola y piano.

2. Trío para dos violines y viola (Le Londres) de Eugene Ysaye (1858-1931). Pionero del violín moderno, este compositor belga ha transmitido al siglo XX la tradición de Vieuxtemps et de Wieniawsky. El trío que se escuchará es uno de los más románticos de su repertorio. Camerata guarda un especial vínculo con el autor dado que el Sr. Grinhauz fue alumno de Josef Gingold quien a su vez ha sido discípulo de Ysayé.

3. Quinteto para Piano y Cuarteto de Cuerdas en Mi menor, Op. 5 de Christian Sinding (1856-1941). Esta obra del compositor noruego que será presentada como primicia para Canada, ha sido escrita en un estilo influenciado por Grieg y Liszt. Constituye una pieza remarcable que ha logrado un gran éxito.

El concierto tendrá lugar en el Centro Segal de las Artes. Para cualquier otro tipo de información llamar al 514-739 7944 o visitar www.segalcentre.org

HACIA LA MONTAÑA SOLITARIA

THE HOBBIT: AN UNEXPECTED JOURNEY. Estados Unidos-Nueva Zelanda, 2012. Un film de Peter Jackson

Después de 9 años de la última parte de Lord of the Rings, su director Peter Jackson retoma nuevamente el universo de J.R.R. Tolkien basándose esta vez en su novela The Hobbit (1937) que fue escrita con antelación a aquélla. En este caso, el propósito del autor fue el de concebir una fantasía infantil sin la profundidad filosófica contenida en  El Señor de los Anillos; eso implica que su contenido sea menos sombrío y que contenga algunas notas de humor.

El criterio del equipo involucrado en la producción de este film juzgó oportuno dividirlo en tres partes y es así que este año solamente se aprecia su primer capítulo denominado Un viaje inesperado para recién conocer el que le sigue en 2013 y su conclusión en 2014. Eso impide que se pueda tener una impresión sobre toda la obra sino simplemente juzgar lo que hasta aquí se muestra.

El escenario sigue siendo la Tierra Media aunque la acción tiene lugar 60 años antes de la aventura emprendida por Frodo y su séquito. El prólogo enfoca a la ciudad subterránea de Erebor, donde los habitantes de este reino viven tranquilos y felices hasta el momento en que el descomunal y feroz dragón Smung invade el lugar y expulsa a su gente después de una nefasta batalla. Poco tiempo después el mago Gandalf (Ian McKellen) decide que ha llegado la hora de recuperar la tierra usurpada. De este modo, recluta al hobbit Bilbo (Martin Freeman) para que junto a un grupo de 13 enanos guerreros liderados por el príncipe Thorin (Richard Armitage) inicie un viaje hacia la Montaña Solitaria donde se encuentra el terrible enemigo. Naturalmente, dado de que se trata de la primera parte, el público –si no ha leído la obra original- ignora cómo habrá de proseguir esta historia.

Martin Freeman

No hay duda que Jackson se mueve cómodamente relatando las novelas de Tolkien. Es un consumado director y el film que ofrece tiene valores sólidos innegables. Con todo, por lo hasta aquí visto, este primer episodio dista de tener el mismo impacto que el primer capítulo de Lord of the Rings. Eso se debe a que la narración se alarga demasiado y las casi tres horas de duración llegan en ciertos momentos a producir fatiga, sobre todo en su primera hora donde Jackson siguiendo minuciosamente al libro deja de lado la síntesis necesaria que permita fluidez a lo que relata. En tal sentido, parecería que la división en tres partes adoptada obedecería más que nada a razones de marketing antes que a criterios estrictamente cinematográficos.

Analizado técnicamente, el film es impecable. La conjunción de la filmación en vivo más la visualización logrado por las imágenes computadorizadas dan como resultado un espectáculo de innegable valor visual. Jackson es un maestro en la materia sabiendo explotar al máximo los adelantos tecnológicos existentes. En ese aspecto, el realizador utilizó en el rodaje el sistema HFR 3D que consiste en filmar con una velocidad de 48 cuadros por segundo, o sea al doble de la velocidad habitual, con el propósito de obtener imágenes más realistas, de superior claridad y nitidez; ciertamente, el propósito ha sido ampliamente logrado.

A nivel actoral, los actores cumplen bien su cometido dentro de los roles que les han sido asignados; sin embargo si habría que distinguir a alguien en particular, Andy Serkis vuelve a transmitir magníficamente el patetismo del conocido personaje Gollum, logrado con la técnica captura de movimiento.

Concusión: Con un primer episodio un tanto desigual, habrá que aguardar los dos siguientes para valorar al film en su total dimensión. Hasta aquí, la inspirada y eficaz tecnología es lo más remarcable.   Jorge Gutman

LA VISITA DEL REY

HYDE PARK ON HUDSON. Estados Unidos, 2012. Un film de Roger Michell

Basándose en el diario personal de Margaret “Daisy” Suckley y en algunas de sus cartas íntimas -descubiertos en ocasión de su muerte en 1991-, el guionista Richard Nelson concibió un relato que entremezcla dos historias: por un lado la relación sentimental de Daisy con el presidente Franklin Delano Roosevelt, y por otra parte la primera visita que un monarca de Gran Bretaña realiza a los Estados Unidos. Hyde Park on Hudson es una película de tono costumbrista donde la política juega aquí un rol muy secundario, para privilegiar su atención en la relación de Roosevelt con su familia y entorno que lo rodea así como en su carácter de anfitrión del rey George VI.

La acción tiene lugar en la mansión campestre de la familia de Roosevelt en Hyde Park, Nueva York, y se desarrolla en el verano de 1939 a pocos meses de irrumpir la Segunda Guerra Mundial. El presidente (Bill Murray) convoca a Daisy (Laura Linney), una prima de lejano grado de parentesco, para que como asistente lo alivie y distraiga de la abultada carga que implican sus tareas administrativas. La narración, que es efectuada adoptando el punto de vista de esta pariente, va haciendo conocer detalles sobre las inclinaciones donjuanescas de Roosevelt, la relación cordial pero solamente amistosa que mantiene con su esposa Eleanor (Olivia Williams), la existencia de una madre posesiva que vive bajo un mismo techo (Elizabeth Wilson), la presencia de su secretaria personal Missy (Elizabeth Marvel) -que luego se revelará que constituye algo más que eso- y finalmente el affair amoroso con Daisy.

El otro hilo del relato se nutre con la llegada por un fin de semana del rey George VI (Samuel West) y su señora, la reina Elizabeth (Olivia Colman), a Hyde Park invitados por el presidente, para cimentar los lazos amistosos entre Gran Bretaña y Estados Unidos. Esta parte de la historia es la mejor del film y la que provee algunas notas de humor, como la sensación de incomodidad que en ciertos momentos experimenta la reina por la actitud extraña de sus anfitriones; así por ejemplo, ella no se encuentra complacida al saber que al día siguiente deberá asistir con el rey y su comitiva a un picnic cuyo plato único de comida será hot dogs y que el almuerzo estará amenizado con canciones autóctonas interpretadas por la gente nativa del lugar.

El director Roger Michell deja de lado el aspecto político de la visita, a pesar de que es bien sabido que el rey estaba sumamente interesado en la adhesión y ayuda que Estados Unidos le brindaría a su país frente a la amenaza de Hitler en Europa.

Aunque el relato no se destaca por la emoción, hay una escena que realmente trasciende. Eso sucede en una conversación privada entre el rey y Roosevelt, donde aquél maldice su tartamudez porque le impide expresarse con mayor fluidez; frente a los hechos, el presidente lo consuela maldiciendo su parálisis parcial motivada por la poliomielitis sufrida varios años atrás y que físicamente lo dejó discapacitado.

Laura Linney y Bill Murray

A diferencia de lo visto en Lincoln de Steve Spielberg, este film descarta la arista de Roosevelt como estadista y menos aún resalta su rol como presidente en momentos tan difíciles como los que estaban conmocionando al mundo . En cuanto a lo concerniente a la relación amorosa que mantiene con Daisy, la misma está tibiamente expuesta, más bien desdibujada, sin que llegue a gravitar mayormente en el contenido del relato.

En líneas generales las actuaciones son buenas pero sin que ningún actor llegue a sobresalir. Murray actúa con corrección así como también lo hace Linney, pero ambos carecen del suficiente material como para que el vínculo afectivo que unió a sus respectivos personajes llegara a cobrar verdadera vida en la pantalla; otro caso es el de West que aunque ofrece una buena composición del monarca, su actuación está muy por debajo de la memorable interpretación que Colin Firth brindó en The King’s Speech (2010).

Conclusión: Con dos historias tenuemente entrelazadas, Hyde Park on Hudson es un film entretenido bien realizado pero a la postre anecdótico y sin mucha trascendencia.   Jorge Gutman

EL OTRO HIJO

LE FILS DE L’AUTRE. Francia, 2012. Un film de Lorrraine Levy. Elenco: Emmanuelle Devos, Pascal Elbé, Jules Sitruk, Mehdi Dehbi, Areen Omari, Khalifa Natour, Mahmud Shalabi

Este film es uno más que se incluye en la lista de aquéllos que tratan de brindar un hálito de esperanza para el entendimiento, comprensión, tolerancia y mutuo respeto entre palestinos e israelíes en la conflictiva región de Medio Oriente. La realizadora francesa Lorraine Levy adoptó un criterio dramático-realista permitiendo que el espectador se involucre por completo en este relato donde el tema de la identidad y filiación es puesto a prueba para los hijos de dos familias completamente opuestas por la compleja realidad política que las separan.

En oportunidad de realizar los procedimientos burocráticos para poder efectuar el servicio militar, se llega a descubrir que  Joseph (Jules Sitruk), el aspirante israelí de 18 años de edad, tiene un grupo sanguíneo que resulta incompatible con el de sus padres. Ésa es la causa por la que se pone en marcha el engranaje del relato al llegarse a determinar que cuando él nació en 1991 en un hospital de Haifa, accidentalmente fue intercambiado con otro bebé que vio la luz ese mismo día y en el mismo lugar. De este modo y sin que nadie lo haya sospechado  Joseph, cuyos padres biológicos Leila (Areen Omari) y Said (Khadifa Natour) son palestinos viviendo en Cisjordania, ha sido criado y educado por la familia israelí integrada por Orith (Emmanuelle Devos) y su marido Alon (Pascal Elbé).

Pascal Elbé y Emmannuelle Devos



Frente a la crucial revelación sobrevienen los efectos del error cometido afectando a todas las partes implicadas,  circunstancia que se agrava teniendo en cuenta el cisma que separa a Israel de sus vecinos palestinos. Mientras que Joseph siente que es un auténtico judío pero se pregunta si sigue siéndolo para los demás, Yacine (Mehdi Dehbi), el otro muchacho que considera a Leila y Said como sus verdaderos padres, alienta la causa palestina porque durante su breve existencia estuvo naturalmente embebido en dicha cultura.

Sin entrar en detalles ulteriores, el relato que adopta el tono de una alegoría política, ilustra la forma cómo las respectivas madres llegan a congeniar y establecer un lazo de unión al tener que aceptar la identidad de sus respectivos hijos después de 18 años de vida; así, ambos jóvenes pertenecen a las dos madres, sin que exista querella ni sentimientos encontrados que puedan dañar esa relación. Aunque más complicado por las diferencias políticas que los separan, Alon –un oficial militar israelí de alto rango- y el palestino Said terminarán por acomodarse a los hechos impuestos por la realidad.

La interpretación general es muy buena, distinguiéndose la de Sitruk y Dehbi como los dos jóvenes afectados por el cambio que a medida que van conociéndose irán integrándose uno con el otro como si fueran verdaderos hermanos de sangre.

Conclusión: Levy logró un relato muy emotivo, filmado sin estridencia alguna y dejando un claro mensaje de paz a través de dos familias que terminan conformando una sola, llegando a comprender que más allá de cualquier conflicto político imperante son los valores humanos que deben prevalecer.  Jorge Gutman

LA PASION POR LA DANZA

BILLY ELLIOT

Crónica de Jorge Gutman

Con la remarcable partitura de Elton John llega a Montreal la comedia musical BILLY ELLIOT. La obra está basada en el exitoso film británico de 2000 y constituye la jubilosa celebración de la firme determinación de un niño de 11 años en lograr que sus sueños se conviertan en realidad.

La historia se desarrolla en una pequeña ciudad carbonífera, deprimida económicamente, en la época en que Margaret Thatcher gobernaba a  Gran Bretaña, más específicamente durante la huelga minera de 1984.

Dentro de ese contexto, Billy Elliot, hijo de un humilde minero, un apasionado de la danza, aspira llegar a ser algún día un bailarín profesional de ballet. Sin que lo sepa su padre viudo que quiere que su hijo aprenda boxeo, el niño se une a una clase de ballet; cuando su progenitor se entera de ello le prohibe tomar esas clases, pero Billy persiste en hacerlo secretamente con la ayuda de una profesora de baile. A medida que el niño progresa y se pone en evidencia su notable talento de bailarín, el paso siguiente es intentar la prosecución de sus  estudios en la prestigiosa escuela del Royal Ballet de Londres, un lugar donde ningún hijo de trabajador obrero llegó anteriormente.

El desarrollo de este cálido relato ha sido adaptado como comedia musical y el resultado no pudo haber sido más auspicioso al haber logrado en su estreno mundial en Londres (2005) un rotundo éxito de crítica y público así como varios premios importantes; ese suceso se repitió cuando el espectáculo se estrenó en Broadway (2008), habiendo recibido 10 Tonys (premio a la actividad teatral) en 2009, incluyendo  la mejor obra musical del año. Además de Elton John el equipo creativo incluye al mismo que participó en el film original, o sea el realizador Stephen Daldry que tuvo a su cargo la puesta en escena, el coreógrafo Peter Darling y el escritor Lee Hall que concibió la historia original.

Este emotivo espectáculo, donde la música se conjuga con hermosas canciones y vistosas danzas, es presentado por la organización Evenko  y tendrá lugar en la sala Wilfrid Pelletier de la Place des Arts los días 8 de enero (20h00), 9 de enero (20h00), 10 de enero (20h00), 11 de enero (20h00), 12 de enero (14h00 y 20h00) y 13 de enero (14h00 y 19h30). Información adicional puede obtenerse acudiendo al sitio web www.laplacedesarts.com o   www.evenko.ca

EL FIN DEL TIEMPO

THE END OF TIME. Suiza-Canadá, 2012. Un documental escrito y dirigido por Peter Mettler

Peter Mettler, un director documentalista que además es conocido como excelente fotógrafo y por sus buenos trabajos en materia de imagen y sonido, decidió analizar un tema de gran complejidad filosófica como lo es el origen y significado del tiempo. El punto de partida es muy ambicioso pero no obstante los elogios que merece el aspecto visual de este film, el espectador corriente no incrementa su conocimiento sobre la idea que puede tener del tiempo antes de haber visto este documental.

Lo primero que se contempla a través de la proyección de un material de archivo es al astronauta estadounidense Joe Kittinger cuando en 1960 partió de la tierra en un globo estratosférico llegando a una altura superior a los 3000 metros; luego desciende a una velocidad próxima a la del sonido, sintiéndose suspendido en el tiempo hasta llegar nuevamente a la superficie terrestre. Estas imágenes sirven como prólogo al documental propiamente dicho que comienza con una visita que Mettler realiza al Consejo Europeo para la Investigación Nuclear (CERN), ubicado cerca de Ginebra, donde sus científicos tratan de comprender las dimensiones del tiempo a través del acelerador de partículas. A través de comentarios vagos e imprecisos –muchas veces sujetos a interrupciones donde no hay lugar para respuestas- su personal señala que la idea del tiempo es relativa, debe considerársela en función del espacio –lugar donde uno se encuentra- y en todo caso todo depende de la percepción que cada persona tenga de este concepto sobre si se trata de una realidad o una ilusión.

Después de Suiza, el realizador se ubica en la gran isla de Hawai para considerar al tiempo a través de la geología. Próxima parada es un abandonado barrio de Detroit, donde se contempla un enorme y decaído parque de estacionamiento cuyo espacio originalmente fue ocupado por los primeros talleres de la fábrica automotriz de Henry Ford. Queda en el aire el tratar de encontrar un nexo o la idea de tiempo entre el pasado y el presente de esta ciudad estadounidense.

La última visita es la India donde se contempla a budistas visitando el árbol de la sabiduría, lugar donde Buda fue iluminado, a fin de rendirle sus respetos; También se asiste a un ritual funerario de una familia hindú donde el cuerpo del muerto es lanzado a la hoguera.

De todo lo que se aprecia en el film, quizá lo más importante o concreto, es la pregunta que hacia el final el realizador efectúa a una anciana sobre lo que es el tiempo; ella le responde que “el tiempo es para disfrutar todo lo que es posible” para terminar agregando que “del tiempo que disponemos en nuestras vidas debemos aprovechar lo máximo que se pueda” y que “a medida que envejecemos el tiempo transcurre con mayor rapidez”; si las acotaciones de la anciana no agregan mayor novedad, a pesar de su banalidad son menos ambiguas que algunos de los comentarios ofrecidos por los científicos entrevistados en el documental.

Decididamente, resulta dificultoso discutir un tópico tan intrincado y misterioso como el que persigue este documental. Desde un aspecto narrativo la exploración realizada por Mettler puede ser considerada como una meditación personal con algunas consideraciones espirituales y/o filosóficas que en última instancia no logran aclarar el concepto del tiempo.

El documental se valoriza por sus hipnóticos cuadros visuales así como por las cautivantes imágenes destacando la belleza de la naturaleza con sus diferentes accidentes geográficos, todo ello combinado con asombrosos sonidos. Si hubiera que destacar una sola escena, elegiría aquélla en que un grillo es transportado por un ejército de hormigas; ahora bien, ignoro en qué forma esta secuencia está asociada con la idea del tiempo.

Conclusión: Un film poético de gran riqueza sensorial, aunque el análisis del tiempo -por el cual se mide la duración o separación de los hechos-, solo trasciende esporádicamente por una difusa narrativa que no llega a cohesionar con las esplendorosas imágenes brindadas.   Jorge Gutman

ENTRETENIDO THRILLER CRIMINAL

DEADFALL. Estados Unidos, 2012. Un film de Stefan Ruzowitsky

El director vienes Stefan Ruzowitsky -cuya película The Counterfeiters (2007) obtuviera el Oscar al mejor film extranjero- realiza su primer film en Estados Unidos abordando un thriller que trata de apartarse de los cánones tradicionales en este tipo de género. El guión de Zach Dean considera tres historias separadas que confluyen a través del vínculo que se establece entre sus personajes y en donde las conflictivas relaciones familiares se van reflejando en cada una de las mismas.

El relato comienza con Addison (Eric Bana) y su hermana Liza (Olivia Wilde) que vienen escapando de la policía después de haber asaltado un casino y haberse apoderado de un suculento botín; en una desolada ruta nevada que los llevaría hasta la frontera canadiense, el coche sufre un descomunal vuelco y y cuando un policía caminero quiere prestarles ayuda Addison lo mata a sangre fría para evitar que el robo sea descubierto. En pocos minutos queda bien establecido el vínculo que une a estos dos hermanos, levemente sugiriendo la existencia de una relación incestuosa. En la segunda historia e Kay (Carlie Hunnam), un ex boxeador, sale de la cárcel por un delito cometido y al comunicarse telefónicamente con su madre (Sissy Spacek) ella lo invita para celebrar junto con su padre (Kris Kristofferson) –de quien se encuentra distanciado- el día de Acción de Gracias. La tercera trama presenta a Hanna (Kate mara) una joven oficial de policíal quien al servicio de su padre (Treat Williams), que es el sheriff local, se siente desdeñada porque él no la considera lo suficientemente apta para ocuparse en la investigación del asesinato que tuvo lugar en la ruta.

Eric Bana y Olivia Wilde

Aunque en líneas generales el guión es satisfactorio no todos los personajes se encuentran completamente desarrollados y hay ciertas situaciones no muy verosímiles: por ejemplo, resulta difícil imaginar que en tan solo 24 horas de haberse conocido, dos de sus personajes lleguen a enamorarse tan fuertemente como para que no haya fuerza del mundo que los llegue a separar. Pero las observaciones señaladas están más que compensadas por el buen suspenso de la trama y por exponer convincentemente la vulnerabilidad psicológica de sus personajes con sus sentimientos de amor y abusos de familia así como las contradictorias lealtades que los animan.

Los intérpretes son de primer nivel, destacándose entre ellos Bana como el malvado psicópata y celoso hermano, así como la joven y bella actriz Wilde quien es lo suficientemente dúctil para expresar en su personaje el perturbador amor fraternal hacia Addison; también impresiona favorablemente Hunnam en un papel sobrio pero a la vez demostrando energía cuando llega la ocasión. Entre los actores veteranos tanto Kristofferson como Spacek aportan envergadura dramática caracterizando al maduro y armonioso matrimonio que ha tenido que soportar los embates delictivos de su hijo. En los aspectos técnicos se destaca la magnífica fotografía de Shane Hurlbut que capta realísticamente el panorama de invierno de Michigan con sus gélidas tempestades de nieve, brindando así una excelente ambientación a la violenta historia descripta.

Conclusión: Un film muy bien interpretado que sin llegar a memorable logra un sostenido suspenso que se mantiene a lo largo de su metraje.   Jorge Gutman

FLOJA COMEDIA ROMANTICA

PLAYING FOR KEEPS. Estados Unidos, 2012. Un film de Gabriele Muccino

El director italiano Gabriele Muccino retorna a Hollywood para incursionar en una comedia romántica que además trata de reforzar los lazos familiares entre padre e hijo. El problema con esta producción es que no ofrece variante alguna sobre lo ya visto en otras oportunidades y que además está empañada con un guión poco coherente.

Gerard Butler

Gerard Butler anima a George Dryer un jugador de fútbol que veinte años atrás tuvo su momento de gloria pero que ahora sin la fama que lo rodeó decide retornar a Virginia donde viven su ex esposa Stacie (Jessica Biel) e hijito Lewis (Noah Lomax). Apretado por situaciones financieras que hasta le impiden pagar el alquiler donde vive, siente la imperiosa necesidad de buscar trabajo y la oportunidad se le presenta cuando el equipo de fútbol en el que Lewis participa requiere un experto entrenador para que los chicos que forman parte del mismo puedan llegar a convertirse en buenos deportistas.

De este modo, su ocupación hace que George tome diario contacto con su hijo lo que le facilita cimentar un más estrecho vínculo que pueda compensar la carencia afectiva del padre ausente durante largo tiempo. Más difícil es para George reconquistar el afecto de Stacie porque aunque la relación mantenida es civilizada y cordial, ella no puede perdonarle su actitud donjuanesca que fue lo que arruinó la relación de pareja y el abandono de hogar; además, ella está viviendo con su novio (James Tupper) con quien piensa casarse en poco tiempo más.

Lo que estropea al relato es la introducción de personajes femeninos que poco tienen que ver con el tema central propuesto. Con poca imaginación, el guión hace que George tenga que soportar el asedio de 3 mujeres que son madres de los chicos que juegan al fútbol y que aparecen aquí como explotadoras sexuales. Así se aprecia a Barb (Judy Greer), una llorosa divorciada que con poca sutilidad se arroja a los brazos de George, otra acosadora es Denise (Catherine Zeta-Jones) quien como locutora de televisión tratará de utilizar sus influencias para que el entrenador pueda ser contratado por el canal como comentarista de fútbol; finalmente se encuentra Patti (Uma Thurman) quien es la frustrada mujer del adinerado auspiciador del equipo (Dennis Quaid) que trata de encontrar en George lo que su marido no le brinda. De haber sido los mencionados personajes mejor desarrollados y no unidimensionales, es probable que el resultado habría sido más convincente, pero tal como aquí están presentados adquieren una dimensión caricaturesca.

El desenlace del film no ofrece sorpresa alguna. Todo es previsible desde el comienzo y de este modo se verá que en forma milagrosa George finalmente logra el objetivo que se ha propuesto, o sea llegar a convertirse en una persona más madura, fortaleciendo el cariño y afecto de su hijo y consiguiendo que Stacie le brinde una segunda oportunidad amorosa.

No hay mucho que se pueda hablar sobre el nivel del elenco. Frente a las limitaciones del guión, los actores hacen lo que pueden; a pesar de todo, Gerard Butler logra destacarse brindando vulnerabilidad, sensibilidad y afecto en la caracterización de su personaje.

Conclusión: Un film que aunque se deje ver es en última instancia prescindible y fácilmente olvidable.   Jorge Gutman

SUNTUOSA VERSION DE UNA POPULAR NOVELA

ANNA KARENINA. Gran Bretaña, 2012. Un film de Joe Wright

La celebrada novela Anna Karenina de Leo Tolstoy escrita en 1877 cobra nueva vida en la pantalla a través de la visión del director Joe Wright quien se valió de la adaptación hecha por el renombrado dramaturgo Tom Stoppard para aportar algo diferente de lo que hasta ahora se ha visto en las numerosas versiones ofrecidas tanto por el cine como la televisión.

Keira Knightley

Para transmitir esta historia de amor el director ubica la acción en un escenario teatral para posteriormente proseguir su desarrollo fuera del mismo y en forma intermitente recordar al espectador que está asistiendo a una obra teatral. El recurso, si bien ingenioso, en ciertos momentos distrae al ver a actores en escena representando sus respectivas partes en vez de apreciar a personajes que cobran vida real. Más allá de esta innovación, la presente versión caracterizada por un lujo impresionante y por su elegancia visual, resulta emocionalmente fría y distante sin alcanzar a transmitir plenamente el drama que atraviesa su protagonista.

La adaptación de Stoppard es fiel al contenido de la novela original. El año es 1874 y estamos en la ciudad de San Petersburgo de la Rusia imperial. Ahí vive la joven y bella Anna Karenina (Keira Knightley) gozando de un excelente nivel económico y social al estar casada con Karenin (Jude Law), un funcionario de gobierno de importante jerarquía. El matrimonio que tiene un pequeño hijo funciona más por inercia que por la existencia de un verdadero amor. El día en que Anna viaja a Moscú a pedido de su donjuanesco hermano Oblonsky (Matthew Macfadyen) a fin de que le ayude a evitar de que su matrimonio con Dolly (Kelly Macdonald) zozobre, cuando el tren llega a la estación de destino conoce a Vronsky (Aaron Taylor-Johnson) un oficial de caballería e hijo de una distinguida condesa (Olivia Williams). El flechazo amoroso entre ellos es fulminante y al poco tiempo Anna se convierte en su amante, transgrediendo de ese modo las convenciones de la sociedad en que ella se desenvuelve.

Si hay un rasgo importante que justifica el paso impropio cometido por Anna es que Tolstoy concibió a su heroína como un ser vulnerable consumido por una inconmensurable pasión; es en ese aspecto que radica el vínculo o empatía que el lector o bien en este caso el espectador debería sentir por la protagonista; sin embargo, en este film, esa pasión está ausente. Hay dos razones importantes por la que la fuerza emocional de esta tragedia romántica queda diluida: en primer lugar, Anna es aquí descripta no como la mujer vulnerable a quien el destino le deparó un amor irresistible que la conduce a la infidelidad matrimonial, sino más bien la presenta como una persona mimada, caprichosa, neurótica que difícilmente logra ganar la simpatía del público; otro factor importante es la falta de química existente entre los amantes, donde uno no alcanza completamente a consustanciarse con la gran atracción que Vronsky despierta en Anna y su consecuente affair que destruye su vida conyugal y la aparta del hijo que tanto quiere.

El mayor mérito del film descansa en el suntuoso toque de distinción que el director brinda a esta historia. Visualmente, lo que se observa es irreprochable y uno se siente tentado de participar de la magnificencia de los bailes de salón magníficamente coreografiados y bellamente fotografiados; así también la pintura de época y las costumbres de la alta sociedad están bien reflejadas.

A nivel de interpretación Law es el que más se destaca como el herido cónyuge que por razones de dignidad de ninguna manera puede consentir que el adulterio de su esposa persista. Knightley colabora por tercera vez (Atonement, Pride and Prejudice) con el realizador con lo que se supone la existencia de una verdadera sintonía entre ambos; sin embargo, su actuación aunque correcta no logra expresar totalmente los sentimientos entremezclados de pasión, culpa y desesperación que Greta Garbo (en 1927 y 1935) y/ Vivien Leigh (en 1948) tan bien brindaron en sus respectivas caracterizaciones de la romántica heroína. Finalmente, la participación de Aaron Taylor-Johnson como Vronsky está completamente fuera de tipo al ofrecer una interpretación unidimensional y anodina.

Conclusión: Joe Wright ofrece una producción ambiciosa cuya frialdad impide transmitir el impacto emocional de la novela original; con todo llega a atraer por su elegancia y exuberante riqueza visual.    Jorge Gutman

UNA TRADICION FESTIVA

EL CONCIERTO DE AÑO NUEVO

Como ocurre todos los años y emulando a la capital austríaca numerosas ciudades de América del Norte celebran musicalmente la llegada de un nuevo año con el tradicional concierto denominado Homenaje a Viena, porque precisamente recrea el célebre concierto que con la llegada de un nuevo año tiene lugar en la capital de Austria.

Esencialmente se trata de un viaje musical lleno de gracia y esplendor integrado con los ilustres valses de Strauss, polcas y extractos de operetas (El Murciélago, La Viuda Alegre, etc.).

El direcctor Hans Richter

La soprano Lyne Fortin



Para este año, el evento que tendrá lugar en Montreal combina los mejores talentos de la Orquesta Strauss de Montreal integrada por 75 músicos bajo la dirección del maestro vienés Hans Richter. Igualmente participarán la soprano canadiense Lyne Fortin, el tenor austríaco Thomas Sigwald y bailarines del Ballet Kiev-Aniko de Ucrania.

El concierto tiene lugar el 1 de enero de 2013 a las 14h30 en la sala Wilfrid-Pelletier de la Place des arts. Información adicional puede obtenerse telefónicamente (514-842 2112 / 1800 842 2112) o bien a través de la red www.laplacedesarts.com o bien www.salutetovienna.com