Acerca de LA PLAZA

La Plaza es una publicación electrónica producida por el Taller Latinoamericano de Comunicaciones.

Sitio elaborado por el siguiente equipo periodístico

Jorge Gutman
Sergio Martínez
Paul Obando
Rommel Cajavilca

Diseño de la presente edición
Eduardo Pollak

Coordinación editorial
Sergio Martinez

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Taller Latinoamericano de Comunicaciones
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Montreal (Quebec) Canadá
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El Taller Latinoamericano de Coumunicaciones

Este es un organismo sin fines lucrativos incorporado en Canadá, bajo la legislación de la provincia de Quebec. A través de su existencia el Taller Latinoamericano de Comunicaciones ha sido capaz de financiar sus actividades mediante la contribución de sus miembros, la asistencia de la comunidad latinoamericana, y la ayuda financiera del gobierno federal de Canadá y, ocasionalmente, la del gobierno provincial de Quebec.
En este momento, el Taller maneja un presupuesto relativamente modesto, pero no tiene deudas, y ha demostrado su capacidad de obtener recursos para emprender variadas actividades.
El Taller considera que la diversidad lingüística del Internet es muy importante y es por eso que piensa que una presencia latinoamericana enraízada en esta provincia, con sus propias particularidades y ofreciendo su propia perspectiva cultural de la sociedad de la América del Norte, puede resultar en un sitio en el Internet bastante interesante.
El carácter altamente diversificado del Quebec moderno es de algún modo la plataforma ideal para el lanzamiento de un proyecto de las características ya mencionadas.
Para el Taller, su presencia en el Internet representa una expansión natural de la presencia que ya tiene en otros medios: radio, edición de libros y boletines, y la dirección natural que sus actividades creativas y comunicacionales deben tomar.
El nombre escogido para el sitio, "La Plaza", sugiere un lugar de encuentro, precisamente lo que la "plaza del pueblo" tradicionalmente ha sido en América Latina, especialmente en las ciudades de provincia, donde la gente se reúne para conversar o para ver a sus vecinos. Esta "plaza electrónica" será también un lugar de encuentro para gente de diversos orígenes y culturas. Un lugar para intercambios literarios, así como para obtener información de lo que ocurre en América Latina, Canadá u otras partes del mundo. En el aspecto técnico, estamos planeando la incorporación de una sección de audio, en el futuro cercano, y otra de video.

MAD MONEY

Estados Unidos, 2008. Un film de Callie Khouri

La historia propuesta por Mad Money, donde tres mujeres se confabulan para robar al Federal Reserve Bank de los Estados Unidos, podría haber sido una buena comedia; sin embargo no lo es porque carece de la gracia e ingenio necesario para llegar a satisfacer.
Diane Keaton es Bridget Cardigan, un ama de casa de un confortable hogar de clase media alta que se descorazona porque su marido (Ted Danson) aún no ha encontrado un nuevo empleo, después de un año sin trabajar por haber sido despedido como ejecutivo de una importante empresa en vías de reestructuración. Como la unidad familiar se ha endeudado en forma considerable y la casa donde viven corre el riesgo de caer en manos de los acreedores, Bridget trata de sanear la economía del hogar buscando un trabajo fuera de su casa. Lo único que logra es un puesto como empleada de limpieza en la sucursal de Kansas City del Federal Reserve Bank; allí, se queda sorprendida al ir observando la forma en que diariamente se van triturando los viejos billetes del banco que son sacados de circulación para ser reemplazados con nueva emisión. Como la ocasión hace al ladrón, y convencida de que su sueldo no alcanzará a pagar las deudas, ella convence a dos compañeras del lugar involucradas en el proceso de “destrucción del dinero” para apropiarse de una parte de los billetes en desuso antes de ser triturados.
No es necesario entrar en detalles sobre el ardid que utilizan estas tres deshonestas empleadas para que el plan les resulte exitoso así como los robos que seguirán después de haber saboreado la plata dulce de la primera experiencia. Lo cierto es que en su desarrollo las incoherencias abundan, la credibilidad es resentida porque el mecanismo de control del Banco Central de los Estados Unidos es nada menos que perfecto, y lo más cuestionable es que el film solo se limita a ofrecer un entretenimiento muy tenue.
A todo eso, ¿qué es lo que Diane Keaton, Queen Latifah y Katie Holmes están haciendo aquí? Animando al trío de delincuentes no es mucho lo que aportan. Cuesta creer que una actriz como Keaton, siga participando en proyectos que están muy por debajo de su capacidad y desperdiciando sus condiciones artísticas. Latifah, animando a una madre soltera que trabaja duramente y con dos pequeños hijos para criar y educar, brinda cierta energía y soltura a un personaje que le queda chico. Por su parte Holmes, como la joven “hippie” del grupo, se limita a sonreír afectadamente y a efectuar mohines sin llegar a convencer como actriz. El elenco masculino que secunda al equipo femenino aparece desdibujado, sobre todo Danson en un rol totalmente acartonado.
Si el guión es insulso, su estructura narrativa tampoco ayuda mucho ya que Khouri comienza por el final, presentando en la primera escena detalles que restarán suspenso al relato.
La película no es decididamente mala ya que al menos conserva algunas situaciones sonrientes que la salvan de un colapso total; sin embargo, es lo suficientemente mediocre como para prescindir de ella. JG

IMITATION

Canadá 2006. Un film de Federico Hidalgo

Si bien “Amor Silencioso”, el primer film del director Federico Hidalgo, constituyó un trabajo que -sin ser excepcional- mereció el apoyo crítico, su reciente film Imitation llega a desilusionar. La película parece más un trabajo experimental de un estudiante de cine que el de un director más maduro como lo es Hidalgo. La historia, escrita por el realizador en colaboración con Paulina Robles, es difícilmente creíble y, para peor, sus diálogos son flojos.
El relato gira en torno de Teresa (Vanessa Bauche), una joven mexicana que llega a Montreal para localizar a un hombre (Conrad Pla) que dice ser su hermano; posteriormente, uno se impondrá que en realidad se trata de su marido que la abandonó para viajar a Canadá. En Montreal, Teresa conoce a Fenton (Jesse Aaron Dwyre), un muchacho decididamente ingenuo que gusta de ella y está dispuesto a ayudarla. Para tal propósito ambos van recorriendo los lugares en que inmigrantes latinos suelen abundar y de este modo salen al encuentro con una galería de personajes, donde la excentricidad de algunos de ellos permite que el relato ofrezca alguna nota de leve humor.
En la búsqueda del hombre en cuestión está implícita la idea de impregnar a la historia con cierta intriga; lamentablemente, el misterio es poco auténtico y el desenlace –ciertamente absurdo- no alcanza a satisfacer las mínimas expectativas del espectador.
El libro cinematográfico responde más a un borrador que a un trabajo definitivo y eso es lo que redunda negativamente en la suerte del film. Los actores deambulan sin rumbo fijo demostrando poca solidez interpretativa, debido al endeble relato y agravado por una insuficiente caracterización de los personajes, sobre todo el de Bauche que aparece absolutamente desenfocado con sus reacciones inesperadas e intempestivas.
Según parece, el propósito del realizador ha sido hacer un film que refleje la amistad; algo de eso hay en el relato aunque dentro del contexto general no se llega a destacar.

En sus aspectos positivos, el director de fotografía Jean Pierre St-Louis capta algunas imágenes que transmiten el pulso vibrante de una ciudad multilingüe como Montreal y la música de Robert Marcel Lepage resulta agradable.
Hidalgo trata de crear en sus filmes un puente cultural entre Canadá y América Latina. Por cierto, que resulta auspicioso su noble y loable actitud, pero este film -más allá de sus buenas intenciones- no llega a satisfacer. Finalmente, lo que realmente intriga es el nombre de la película: ¿imitación de qué? vaya uno a saberlo.

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JG

PERSEPOLIS

Francia, 2007. Un film de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.

La cineasta Marjane Satrapi oriunda de Irán vuelca a la pantalla su autobiografía basada en sus novelas gráficas que en Francia, su actual país de residencia, han tenido amplia repercusión popular. El resultado es un film de animación para adultos que adoptando la forma de una fábula lírica y poética, refleja la evolución de Satrapi desde su infancia hasta la hora actual.
El relato comienza en 1978 durante los últimos meses del régimen de Mohammad Reza Pahlevi, cuando Marjane era una niña de 8 años. Cuando el Sha es derrocado, su partida es recibida con agrado por sus padres al creer que un sistema de gobierno democrático se instauraría en el país; lamentablemente, esa esperanza se esfuma rápidamente con la implantación de la república islámica manejada por el fundamentalismo religioso opresor, y la guerra contra Irak causando privaciones, bombardeos penosos y la desaparición de seres queridos. En la medida que la represión cotidiana va aumentando y las condiciones de vida se vuelven más dificultosas, sus padres la envían a estudiar a Austria con el fin de protegerla y brindarle un futuro más seguro y promisorio. En Viena, y ya con 14 años de edad, Marjane comienza una nueva etapa de su vida con la adolescencia y sus crisis naturales, la sensación de gozar de una libertad despreocupada, las experiencias del amor juvenil, pero también la pena del exilio y la soledad. Posteriormente sobreviene su retorno a Teherán donde asume una posición rebelde al comprobar el modo en que las mujeres iraníes están obligadas a vestir en público; el paso siguiente es su decisión de dejar definitivamente Irán y su posterior maduración como persona adulta viviendo en París.
La animación de Marc Jousset y Christian Desmares no produce los resultados que se contemplan en los filmes americanos del género utilizando las últimas innovaciones tecnológicas; sin embargo, siguiendo los métodos tradicionales de la animación, el film no desmerece en absoluto y su filmación en blanco y negro permite que el relato adquiera un mayor nivel de expresividad y realismo.
El film dirigido por Satrapi en colaboración con el realizador Vincent Paronnaud, logra destilar un franco humor, a pesar de su naturaleza dramática; eso es debido a la presencia de espontáneas situaciones, muchas veces absurdamente graciosas e irónicas.
La emoción también se hace presente, sobre todo en la figura de la abuela con sus sabios consejos y que para Marjane constituye su principal bastión de apoyo.

En la versión original francesa, las voces de Danielle Darrieux como la abuela, Catherine Deneuve en el rol de la madre, y Chiara Mastroianni como Marjane, adicionan valores importantes al relato.
En resumen, Persepolis es un film afectivo, humano, inteligentemente realizado y sobre todo decididamente entretenido al abordar aspectos políticos y socioculturales de la reciente historia de Irán que no se suelen ver en la televisión.
JG

27 DRESSES

Estados Unidos, 2007. Un film de Anne Fletcher

Aunque esta comedia romántica no se llega a destacar de las del promedio con su buena carga de clichés, la simpatía generada por Katherine Heigl en el rol protagónico disimula un poco la trivialidad de una historia no muy inspirada que fue concebida por Aline Brosh, la guionista del exitoso film “The Devil Wears Prada” (2006).
Heigl anima a Jane, una joven generosa y preocupada por la gente que la rodea; esa conducta se remonta a la época de su infancia, donde dedicó su cariño y atención en el cuidado de su hermana menor, al morir su madre. Entre sus entretenciones favoritas figura la de actuar como dama de honor en la boda de sus amigas y conservar en el armario de su pequeño departamento los vestidos especiales que ha ido utilizando para cada ocasión. En lo que a ella misma se refiere, siente una atracción especial por George (Edward Burns), su jefe del lugar donde trabaja, aunque éste ignora sus sentimientos. La alternativa dramática de la historia se produce con la llegada de Tess (Malin Akerman), su hermana sexy que atrae la atención de George de tal manera que al poco tiempo le propone casarse con ella. No es necesario adivinar quien será la dama de honor de la novia.
Las cosas se complican aún más cuando Kevin (James Marsden), un joven periodista que se ocupa de cubrir eventos de bodas para un diario neoyorkino, conoce a Jane y gusta de ella, aunque al principio es rechazado.
En este relato no hay nada que permita sorprender al espectador; todo lo que se ve es predecible. Siguiendo la típica fórmula de los amores no correspondidos donde “él gusta de ella, pero ella gusta de otro y ese otro ama a su vez a otra”, el público sabe muy bien lo que le aguarda en la escena siguiente y de que manera los problemas sentimentales se irán resolviendo.
A pesar de que sus personajes no resulten creíbles y que la realización de la coreógrafa Anne Fletcher no supere los estándares de rutina, lo que 27 Dresses puede ofrecer –dependiendo del grado de complacencia de cada espectador- es un soplo de aire fresco proveniente de Heig; ella domina con su presencia casi todo el film y a decir verdad demuestra tener condiciones para la comedia: así por ejemplo, sabe generar cierto humor, como el que se produce en las ocasiones en que viaja en taxi y debe cambiarse precipitadamente de atuendo y pidiéndole al taxista que no la mire mirando mientras lo está haciendo. El resto del elenco se desempeña bien en papeles que no exigen mayor esfuerzo.
Aunque este género de películas es uno de los más difíciles de lograr en términos de originalidad, cabría aguardar alguna variante que disimule la familiaridad de su tema. Lamentablemente, eso no ocurre aquí. En todo caso, dentro de las limitaciones señaladas, este entramado se deja ver y hasta es posible que cierto sector femenino se encuentre muy satisfecho con su visión. Afortunadamente, el film no posee diálogo grosero, ni cae en el nivel de la vulgaridad para provocar la risa insulsa; al menos eso cuenta a su favor.
JG

THERE WILL BE BLOOD

Estados Unidos, 2009. Un film escrito y dirigido por Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson ofrece un film ambicioso, extraño y talentoso en There will be blood, un drama épico que transcurre en el sector petrolífero y que es una honda meditación sobre la ambición desmedida, la codicia, el poder y la misantropía humana. Lejanamente basado en la novela “Oil” de Upton Sinclair, el relato enfatiza más en la descripción de su personaje central que en el desarrollo de la historia propiamente dicha; en tal sentido, el pilar de este quinto film de Paul Thomas Anderson descansa en la actuación titánica de Daniel Day-Lewis animando al sociópata personaje central, Daniel Plainview.
En un impecable comienzo de 15 minutos sin diálogo alguno, que tiene lugar en California en 1898, se contempla a a Plainview explorando un pozo minero en procura de oro, aún cuando el resultado es petróleo; después de ese prólogo, la acción se traslada a 1911, cuando Plainview que es dueño de una pequeña empresa ya ha amasado cierta fortuna gracias al oro negro y cuenta como asociado y asistente a H.W (Dillon Freasier), su inseparable hijo adoptivo (Dillon Freasier) en quien puede confiar plenamente. Inesperadamente, la suerte quiere que Plainview obtenga un excelente dato brindado por un joven muchacho sobre un área rural de California con terrenos muy ricos en petróleo; sin dudarlo, y en compañía de su hijo, llega al lugar y termina adquiriendo vastas extensiones de tierras que en poco tiempo lo habrán de convertir en un hombre millonario y dueño de un importante imperio petrolífero.
Uno de los aspectos de mayor interés del film radica en la rivalidad existente entre el petrolero, que promete a la pobre comunidad del lugar un futuro económico promisorio, y Eli Sunday (Paul Dano), un joven fundamentalista evangelista de la iglesia local quien como oportunista predicador está decidido a ganar almas para su conversión a la fe cristiana. Los encuentros entre ambos hombres, que tratan de respetarse aunque en última instancia no se toleran, tendrán repercusión ulterior ilustrando cómo el poder del dinero y el fervor religioso se van acoplando en forma peculiar.
A través de una saga de 2 horas y 40 minutos de duración, el relato muestra el enriquecimiento de Plainview y su transformación en un individuo codicioso, despiadado y despreciable. En una conversación clave que mantiene con Henry (Kevin O’Connor), un individuo que surge inesperadamente y que dice ser su hermanastro, el millonario le confiesa el odio que siente hacia la mayoría de la gente y que lo único que desea es tener aún más dinero para aislarse de la humanidad. Esa carencia de manifestación humana queda manifestada, cuando Plainview abandona a su hijo –el único con quien mantenía comunicación- por haber quedado completamente sordo a causa de un desafortunado accidente.
El trabajo del talentoso Anderson es muy meritorio en la descripción de un individuo atípico e insidioso que resulta incapaz de lograr la mínima simpatía o empatía del espectador. Pero lo que el film necesitaría, para convertirse en una obra memorable, es un mayor contenido de tragedia épica capaz de conmover a la audiencia; tal como está, este drama es fascinante en lo expuesto, pero no envolvente. La otra observación reside en su truculento epílogo que acontece en 1927 cuando Plainview no es más que un ermitaño solitario carente de afecto humano; esos veinte minutos finales, que están impregnados de violencia innecesaria y regada con sangre tal como lo promete el título del film, pudieron haberse evitado o resuelto de otro modo, ya que no condice con la sobriedad demostrada en el resto del relato.
En todo caso, este drama arroja un resultado muy favorable. Como se mencionó al principio, la labor de Day-Lewis es nada menos que hipnótica; sus expresiones, movimientos, la articulación impresa en su forma de hablar, son algunos de los matices que caracterizan una actuación maravillosa e inolvidable y que probablemente le valga otro Oscar de Hollywood. A su favor también habrá que destacar la deslumbrante fotografía de Robert Elswit que alcanza un momento culminante en la explosión de un pozo petrolífero, y los diseños de producción de Jack Fisk logrando una remarcable reproducción histórica.
JG

THE YACOUBIAN BUILDING

Egipto, 2006. Un film de Marwan Hamed

Considerada como la producción más cara de la cinematografía egipcia, el film del director Marwan Hamed se basa en la controvertida novela de Alaa Al Aswany, que en Egipto fue un best seller.
El edificio “Yacoubian” ubicado en El Cairo tiene más de 70 años de existencia y cuando fue construido constituyó un complejo residencial de departamentos de gran lujo y único en su clase. Hoy día ha perdido ese status, albergando una mezcla de gente rica y pobre, dependiendo de los pisos en que viven. A partir de allí, la novela entreteje diferentes historias utilizando a sus moradores como instrumento para describir las características de la sociedad actual en sus diferentes estratos.
Teniendo en cuenta que el cine egipcio, excepto en festivales, no tiene gran difusión en los países de occidente, es posible que el espectador corriente se sorprenda con algunos de los tópicos considerados en este relato. Con inusitada franqueza, se asiste a varias historias entrelazadas donde el fundamentalismo islámico, la corrupción de funcionarios públicos, la acción violenta de la policía, la homosexualidad -descripta sobriedad pero sin restricción alguna-, la infidelidad matrimonial, los acosos sexuales en lugares de trabajo, son algunos de los temas considerados.
A pesar de una duración de casi 3 horas, el relato no se resiente porque sus historias interesan. La narración, un tanto esquemática por abarcar demasiados aspectos, a veces carece de la sutilidad necesaria y adopta características demasiado melodramáticas; sin embargo, la buena actuación del elenco integrado por actores desconocidos en esta región del mundo, así como el ritmo fluido de su relato que impide que la atención decaiga, contribuyen a que el film se siga con interés y se puedan apreciar las características culturales de una sociedad cosmopolita diferente, sorprendente y atractiva que no son muy conocidas por el espectador canadiense.
JG

MUMMIES: SECRETS OF THE PHARAOHS

EE. UU., 2007. Un film de Keith Melton

Dentro de las antiguas civilizaciones, la de Egipto es una de las más ricas y fascinantes, debido en parte a sus célebres momias y los hallazgos de antigüedades faraónicas que han sido objeto de investigación científica por parte de egiptólogos y antropólogos. Éste es el tópico central que examina el presente documental de IMAX.
Entremezclando realidad y ficción, el documental transporta al público a tres diferentes períodos. Remontándose a la Edad Antigua, en la época en que los faraones dominaban al mundo, el film reconstruye los días en que ellos buscaban la inmortalidad después de la muerte terrenal, mediante la momificación; ésta consistía en la transformación del difunto en un depósito capacitado para recibir nuevamente al alma. Posteriormente, el relato se ubica en el siglo 19 donde fueron descubiertos 40 momias reales, incluyendo 12 reyes de Egipto en una tumba única; entre las mismas hay varios importantes faraones del cual se destaca Ramsés, el causante del éxodo de Egipto por parte del pueblo judío. La narrativa histórica se intercala con los acontecimientos actuales destacando la labor desarrollada por los egiptólogos Dr. Bob Brier y Dr. Zahi Hawass y la experta científica en ADN Angelique Corthals; a través de sus estudios, mediante la extracción del ADN de una “momia moderna”, el documental señala que la ciencia moderna está mejor capacitada para comprender la evolución de antiguas enfermedades así como su evolución a través del tiempo, para poder detectar los orígenes de ciertas enfermedades actuales.
Realizado por el director Keith Melton y con la narración del actor Christopher Lee, este documental educativo exhibe escenas de gran belleza natural las que combinadas con secuencias realizadas por las técnicas de computación digitalizadas permiten sumergir a la audiencia en diferentes momentos de la historia de Egipto. Todo ello queda realzado a través de la pantalla gigante de Imax.
JG

EL ORFANATO

España, 2007. Un film de Juan Antonio Bayona

Pocas películas españolas han sido objeto de tan amplia promoción como El Orfanato. Debido a que el productor de este film es Guillermo del Toro, responsable de la excelente fantasía “El Laberinto de un Fauno” (2006), esta ópera prima del joven director Juan Antonio Bayona está indisolublemente asociada al realizador mexicano y ha sido considerada como una gran muestra de terror. Una primera apreciación en el festival de Toronto y una posterior visión en oportunidad de su reciente estreno en Canadá, confirmó mi impresión original sobre el film: se trata de un relato bien elaborado y con una muy buena interpretación de Belén Rueda; sin embargo el argumento es demasiado familiar ya que se asiste a otra clásica historia fantasmagórica impregnada en la realidad cotidiana y vista en múltiples ocasiones.
Laura (Belén Rueda) regresa con Carlos (Fernando Cayo), su marido, y Simón (Roger Princep), su hijo de 7 años, al orfanato donde pasó su infancia con el propósito de abrir una residencia para niños discapacitados. Al poco tiempo, extraños hechos comienzan a surgir con la aparición de misteriosos ruidos nocturnos y cuando el pequeño se involucra en extraños juegos que incluyen amigos imaginarios y comienza a pintar dibujos que se relacionan con el pasado de su madre. La situación empeora cuando Simón desaparece sin dejar rastro alguno y Laura comienza a desesperarse al no querer resignarse que no verá más a su hijo; ella está firmemente convencida de que sigue con vida y se encuentra muy cerca de ella. La ayuda de una psicóloga (Mabel Ribera) y de una médium (Géraldine Chaplin) no llegan a solucionar el problema ni a calmar a la angustiada madre.
Aunque de la sinopsis precedente pareciera que se está frente a una historia de fe y dolor, en esencia lo que se constata son los elementos propios de las “casas embrujadas”, la existencia de secretos bien ocultos del pasado, la presencia de niños fantasmales amenazadores y otros ingredientes típicos del género que no llegan a sorprender o a excitar mayormente.

A su favor cabe señalar que el relato brinda algunos momentos de sobresaltos bien logrados, el clima de ambientación sobrenatural es satisfactorio, hay un movimiento de cámaras impecable y Rueda imprime a su rol una intensidad psicológica para que el espectador se compenetre de los sufrimientos de una madre por la ausencia del hijo a quien no cree muerto. Los elementos positivos apuntados quedan atenuados por el guión de Sergio Sánchez que no es un dechado de originalidad ni tampoco brinda la envergadura necesaria para que el relato trascienda o cobre mayor aliento.
Aunque el film no pueda compararse a las grandes expresiones del género como “The Shining”, “The Sixth Sense”, “Psicosis”, “Rosemary’s Baby”, etc., con todo se deja ver y constituye una buena carta de presentación de Bayona.
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JG

AZULOSCUROCASINEGRO - DVD

(Mongrel)

Esta película española se dio a conocer en el Festival de Toronto 2006 y a pesar de haber sido bien recibida, no llegó a estrenarse comercialmente; la aparición del DVD salva la omisión, porque esta tragicomedia de Daniel Sánchez Arévalo tiene méritos suficientes para que merezca ser vista.
Su curioso título en base a colores refleja un estado anímico que invade a su principal personaje sobre un futuro no muy claro que le toca vivir. Alternando momentos tristes con algunas situaciones de refrescante humor, Sánchez Arévalo –también autor del guión- relata las peripecias que le toca vivir a Jorge (Quim Gutiérrez), un joven circunspecto, introvertido y huérfano de madre, que se hace cargo del trabajo de su padre (Héctor Colomé) como portero de un edificio, después de que éste sufre un infarto cerebral. Tratando de sobresalir y mejorar su condición, decide estudiar una carrera pero esta situación queda en suspenso porque debe cuidar de su progenitor. En su vida personal, pasa sus tardes en la terraza de su edificio con su amigo Israel (Raúl Arévalo) en tanto que se solaza con las postales que recibe de Natalia (Eva Pallares), su enamorada de los años de infancia que ahora está fuera del país. A través de su hermano que está en la cárcel, llega a conocer a Paula (Marta Etura) con quien entablará una relación especial y le permitirá afrontar la vida de una manera diferente sin tener que vivir en función de las expectativas de otros.
En esencia, se trata de una historia sobre el difícil período de la adolescencia, con sus dudas y temores, y el proceso de transición hacia la adultez. El relato también expone con sobriedad algunos conflictos psicológicos y de orientación sexual de sus personajes, así como cuestiona algunas normas de la sociedad actual. Más allá de algunos menores desniveles, esta ópera prima de Sánchez Arévalo impresiona favorablemente por su buen guión, sus diálogos ingeniosos y por una dirección que denota un competente profesionalismo.
El DVD se puede ver en español y/o acompañados de subtítulos en francés o en inglés.
JG

YOUTH WITHOUT YOUTH

Estados Unidos, 2007. Un film de Francis Ford Coppola

Después de varios años de ausencia, Francis Ford Coppola retorna al cine con un ambicioso proyecto. Youth without Youth constituye un desafío al espectador por los aspectos metafísicos que engloba su trama y por la forma en que el relato está presentado. Ciertamente, quienes esperan encontrar algunos de los rasgos característicos de este realizador, quedarán un tanto desconcertados porque tanto el estilo como el contenido del film difieren por completo de su filmografía anterior.
El film está basado en el libro del filósofo autor rumano Mircea Eliade que trata sobre las odiseas de un hombre torturado y bloqueado por su incapacidad de concluir un trabajo importante. Ese individuo es Dominic Matei (Tim Roth), un viejo profesor lingüista que vive en Bucarest, en 1938. Toda su vida la dedicó a estudiar los orígenes del lenguaje y ahora, en el crepúsculo de su existencia, siente que aún no ha llegado a buen puerto con su investigación. La ruptura con Laura (Alexsandra María Lara) –un amor de juventud- que aún le causa dolor, la soledad a la que está confinado en el plano personal, y su tremenda frustración profesional, lo inducen a suicidarse; cuando decide hacerlo en un tormentoso día de lluvia, un rayo lo fulmina al caminar por las calles de la ciudad. En la secuencia siguiente despierta en un hospital y por un amable médico (Bruno Ganz) que lo atiende, se entera –y después lo comprueba por sí mismo- que ha retornado a un estado físico de plena juventud, lo que ahora dispondrá disponer de más tiempo para completar su estudio lingüístico.
A partir de ese momento, el espectador es desafiado a realizar un gran esfuerzo para compenetrarse con el relato. Entre otros acontecimientos, Dominic es asediado tanto por los nazis que procuran obtener de su persona experiencias científicas, así como de agentes americanos tratando de reclutarlo en sus filas. También se encuentra con su “otro yo”, que es una manifestación del lado oscuro de su persona y que metafóricamente podría ser interpretado como la manifestación faustiana del alto precio que debe pagar por haber recobrado su juventud. Repentinamente, y sin mucha ilación del relato, la acción se desplaza a 1955 donde Dominic cree haber reencontrado al gran amor de su vida reencarnado en el extraño personaje de Verónica (interpretado también Lara), una chica que habla en sánscrito únicamente.
La trama va cambiando de tono continuamente sin que exista cohesión orgánica entre sus diferentes géneros. Así, el relato adopta un carácter romántico, de a ratos se transforma en un thriller de ciencia ficción, en ciertas oportunidades adopta las características de un drama histórico, y por momentos transita por el terreno de la filosofía oriental. Para complicar un poco más la situación, el relato abunda en simbologías difíciles de descifrar y además introduce cuatro idiomas más otras lenguas perdidas donde en determinadas situaciones el diálogo se torna ininteligible.
Los espectadores que salgan entusiasmados después de haber atravesado por este provocativo y complejo laberinto filosófico, tendrán oportunidad de discutir sobre la recuperación del tiempo ido y la posibilidad de una segunda oportunidad en la vida; puede ser que además hayan disfrutado del clima surrealista de la historia y con la imaginación onírica de su personaje central. Quienes en cambio encuentren al relato rebuscado y pretencioso optarán por no molestarse en reflexiones de ningún calibre. Lo que en cambio no ofrece dudas es la calidad interpretativa del elenco; a pesar de que sus personajes parecen flotar en el limbo, las interpretaciones de Roth y de Lara son convincentes.
Jorge Gutman (J.G.)
PP½

LA EDUCACION DE LAS HADAS - DVD

(Mongrel)

Este film del director español José Luis Cuerda no fue estrenado en Canadá aunque ahora es posible llegar a conocerlo a través del DVD recientemente editado.
Entre la fábula y el drama humano, el relato de Cuerda no alcanza la fuerza dramática de la novela homónima de Didier van Cauwelaert.
A través del conocimiento entablado a bordo de un avión entre Nicolás (Ricardo Darín), un inventor de juguetes, e Ingrid (Irène Jacob), una ornitóloga viuda que viaja con su hijo Raúl (Víctor Valdivia), surge una relación afectiva que desemboca en casamiento. Viviendo en una casa campestre de Cataluña, la tranquilidad del lugar parecería acompañar la felicidad de esta pareja hasta que dos años después, en una actitud súbita e inesperada, Ingrid se distancia de Nicolás por razones que solamente llegan a develarse en las últimas secuencias del relato.
Aunque el film se deja ver, nunca encuentra el equilibrio preciso entre el conflicto central que motiva el drama y la alegoría mágica representada en los cuentos de hadas que Nicolás relata a su hijo a la hora de dormir.
La presencia de Darín, sin duda uno de los mejores actores argentinos, constituye un gran baluarte del film, especialmente en la relación cálida que su personaje mantiene con el niño. Jacob, la fina actriz que deleitara en algunas de las celebradas películas de Krzysztof Kieslowski, no transmite la fuerza que requiere su personaje y cuando hacia el final uno se entera de la causa por la que se separó de Nicolás, es difícil de creer que la razón expuesta haya justificado su actitud. En la trama hay un personaje adicional que es Sézar (Bebe), una chica argelina que trabaja en un supermercado local y que constituye para Nicolás una suerte de hada similar a las que él se refiere en sus cuentos; sin embargo, su aparición no alcanza a brindar un impacto dramático como para que el film logre un interés mayor.
El DVD se presenta en su versión original española con subtítulos opcionales en inglés o francés.
JG

NEW YORK, NEW YORK - DVD

(MGM)

Después del magnífico drama urbano “Taxi Driver” (1976) y antes de su obra maestra “Raging Bull” (1980), Martin Scorcese abordó el género musical en New York, New York (1977).
En un homenaje a esta vibrante ciudad cosmopolita, el film también es un tributo a los grandes forjadores del cine musical de Hollywood de las décadas del 40 y del 50. El resultado es un film elegante y entusiastamente interpretado por Liza Minelli y Robert De Niro, el actor fetiche del director.
No siempre el relato alcanza una perfecta cohesión pero eso no le impide al espectador disfrutar de las peripecias vividas por sus dos personajes principales. Ella, aspirante a cantante y él, saxofonista, llegan a conocerse en oportunidad de los festejos que tienen lugar en las calles de Nueva York, el día en que oficialmente concluye la Segunda Guerra, en mayo de 1945. A partir de allí y durante casi tres horas de metraje se asiste a la evolución de la relación sentimental que los une y el modo en que habrá de marcar sus vidas y sus carreras, hasta el momento en que se produce el quiebre de la pareja.
Aunque este film no está entre los mejores de Scorcese, la buena interpretación, su notable fotografía, una impecable música de jazz con algunos números musicales remarcables, y cierto clima nostálgico emanado de la historia, contribuyen a que esta película se vea con agrado.
La edición de este DVD, de muy buena calidad visual, incluye dos discos y entre sus extras figuran una presentación de Martín Scorcese y algunos corto metrajes dirigidos por Greg Carson; uno de ellos contiene comentarios y anécdotas por parte de los responsables del film, otro está centralizado en Lisa Minelli con opiniones sobre el film más algunos aspectos vinculados con su padre, el director Vincent Minelli, y su madre Judy Garland; en un tercer corto Laszlo Kovacs se refiere a ciertos problemas que debió resolver como director de fotografía. También se incluyen tomas alternativas y escenas que fueron eliminadas en oportunidad de su estreno. Se presenta en formato panorámico en inglés, doblado al francés, o bien con subtítulos opcionales en inglés, francés o español.
JG

THE GREAT DEBATERS

Estados Unidos, 2007. Un film de Denzel Washington

El presente film es una variante del tema sobre cómo un buen profesor de escuela puede llegar a ser una fuente de inspiración para sus alumnos. A pesar de su narrativa simple y un final previsible, Denzel Washington ofrece un relato digno y satisfactorio.
The Great Debaters está basado en la historia verdadera de Melvin B. Tolson (Denzel Washinton), un entusiasta profesor del Colegio Wiley de Texas integrado por alumnos negros, quien a mediados de la década del 30 seleccionó cuidadosamente a un pequeño número de estudiantes para prepararlos en el arte del debate. Los elegidos fueron James Farmer Jr (Denzel Washington), Henry Lowe (Nate Parker), Samantha Booke (Jurnee Smollett) y Hamilton Burgess (Jermaine Williams); todos ellos están muy bien caracterizados en sus respectivos personajes tanto en el intercambio que mantienen entre sí como en la comunicación con Tolson.
El relato describe algunos episodios bien encuadrados dentro del contexto en que transcurre, como la tensión racial subyacente en ese período histórico donde el linchamiento de los negros por parte de los blancos no era algo excepcional; también destaca la personalidad de Tolson como un inquebrantable militante por los derechos de los negros que estaba convencido del poder del conocimiento para que la nueva generación de afroamericanos lograse el reconocimiento y respeto de la población blanca.

Dentro del grupo de estudiantes, Washington le asigna especial atención a James Farmer Jr, el prodigioso adolescente de 14 años de edad que se encuentra bajo constante presión para competir con los otros miembros de su equipo y además se siente intimidado por la presencia de un padre (Forest Whitaker) intelectual, exigente y rigurosas convicciones morales. Aunque sin profundizar demasiado, el film también hace referencia a las actividades extracurriculares de Tolson al mostrarlo como un activista político que quiere a organizar el movimiento sindical de los trabajadores de la zona, hecho que le causa más de un serio problema al enfrentarse con la personalidad racista del sheriff local (John Heard).
El momento crucial de esta historia tiene lugar cuando los debatientes de Wesley son invitados a competir en un gran debate público con los invictos campeones blancos de la Universidad de Harvard, para discutir el tema del ejercicio de la desobediencia civil; mientras que el equipo visitante defiende el derecho de ejercerlo, tomando como ejemplo el caso de Ghandi –el ideólogo de la no violencia-, sus contrincantes locales opinan lo contrario. Aunque nadie duda acerca de quién será el vencedor de la contienda, lo cierto es que esa secuencia llega a emocionar genuinamente.
La película está bien dirigida, sobre todo en las escenas de los debates, y además cuenta con una actuación que se distingue por su homogénea calidad. Pero lo más importante del film es la lección de historia sencilla e interesante que ofrece, y además la referencia a tópicos cómo, por ejemplo, la importancia de la educación con especial énfasis en la literatura, la desigualdad racial, cómo devenir un buen orador y saber defender o rebatir argumentaciones apelando a recursos legítimos. Como nota adicional, puede señalarse que a pesar de la discriminación racial reinante en la época en que transcurre la acción, ya en ese entonces existía un segmento de la población negra, educada e intelectualmente valiosa, que fue precursora en la consagración de la carta de los Derechos Cívicos que tendría lugar tres décadas después.

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J.G.
PPP

SWEENEY TODD: THE DEMON BARBER OF FLEET STREET

Estados Unidos, 2007. Un film de Tim Burton

La obra musical de Stephen Sondheim Sweeney Todd, que en momentos de su estreno de 1979 recibiera elogiosos comentarios críticos, llega al cine de la mano de Tim Burton y con Johnny Depp como el demoníaco barbero del título. Antes que nada habrá que aclarar que este film no es precisamente una comedia musical sino un drama con música atonal integrada en la narración del relato; su contenido musical hace imposible que sus canciones puedan ser tarareadas y/o recordadas.
Siguiendo los pasos del modelo original, el relato adopta un tono macabro que emula a los filmes de horror de Hollywood. La acción de esta historia de venganza feroz se desarrolla en la Londres victoriana de la segunda mitad del siglo 19. Sweeney ha sido objeto de una cruel injusticia por parte de Turpin (Alan Rickman), un juez maquiavélico; este último lo ha condenado por un crimen no cometido, enviándole a prisión para así disponer de espacio libre para seducir a su esposa. El dolor de Sweeney por haber estado confinado durante muchos años en una cárcel australiana, lejos de su hijita y de su mujer, se agrava cuando su cónyuge termina suicidándose. Cuando regresa a Londres jura vengarse del juez y para lograr su objetivo, alquila un piso a Mrs. Lovett (Helena Bonham Carter), instalando allí una peluquería. En ese lugar, este antihéroe vuelca su resentimiento social degollando a sus clientes hasta aguardar el momento oportuno de poder ejecutar a Turpin. Por su parte, Mrs. Lovett convertida en cómplice de sus actividades criminales, utiliza la carne de los cadáveres para ser cocinada y utilizada en las empanadas de carne que ofrece en su restaurante.
Burton despliega una vez más sus estilizados recursos visuales para transmitir la acción del relato mediante colores desaturados que le otorgan una atmósfera fría. El clima claustrofóbico de estilo gótico que obtiene es ampliamente satisfactorio, reafirmando su maestría en ese terreno. En cambio, lo que está ausente es la acción dramática en la exposición del relato; lo sufrido por Sweeney dista de llegar al espectador y su comportamiento como asesino serial no produce excitación alguna. Como un exponente genérico del grand guignol, el film ofrece sangre en abundancia pero al no haber emociones fuertes, el horror queda empalidecido.
El otro problema del film reside en sus caracteres que parecen abstraídos de la realidad, aunque tampoco resultan fantásticos sino más bien seres fantasmagóricos de un mundo diferente. La mirada alucinante y amenazante de Depp no llega a convencer totalmente y sus gestos faciales asumen expresiones similares a las de los otros filmes en que participó con Burton; Bonham Carter satisface un poco más como la mujer que ama ciegamente a Sweeney, mientras que en los papeles de apoyo, se destaca Sacha Baron Cohen quien da vida a un afectado barbero italiano que le hace competencia al temible asesino y termina siendo su víctima inicial.
Volviendo al aspecto musical, los momentos más logrados, relativamente hablando, quedan evidenciados cuando los actores no cantan dejando lugar exclusivo a la música instrumental para que haga lo suyo. No es que Deep y Bonham Carter sean malos cantantes sino que la disonancia musical de lo que entonan impide que sus méritos puedan ser justicieramente apreciados.
Sondheim es un compositor cuyas obras van más dirigidas al intelecto que a los sentimientos. Con todo, mis observaciones al film no están motivadas porque este “musical” se diferencie de los tradicionales, sino porque su buena calidad estilística no está asociada con un contenido desprovisto de la energía necesaria para sacudir o envolver al espectador. Dicho lo que antecede, he aquí un film apreciado por su estilo pero que en su esencia no satisface como debiera.
J.G.
PP½

JUNO

Estados Unidos, 2007. Un film de Jason Reitman

¡Qué agradable resulta apreciar una fina comedia como Juno! Aunque su tema se centra principalmente en adolescentes, en este caso su tratamiento es serio y se aparta de los estereotipos que abundan en comedias americanas del mismo género. Dejando de lado el humor grueso, o caricaturesco, el excelente guión de Diablo Cody rebosa autenticidad y abunda en diálogos ingeniosos que provocan escenas chispeantes en más de una ocasión.
A pesar de que la maternidad no deseada de chicas jóvenes solteras es un tópico que el cine ha tratado en reiteradas oportunidades, el tratamiento dispensado por el realizador Jason Reitman no lo es. Su protagonista es Juno (Ellen Page), una precoz adolescente de 16 años que ha quedado embarazada de su amigo Paulie (Michael Cera) por mero “accidente”. Si bien ella no tiene la madurez necesaria que cree tener, decide adoptar una actitud pragmática que no está reñida con aspectos éticos o morales; así, en lugar de recurrir al aborto, decide continuar su embarazo y confiar a padres adoptivos la criatura en gestación. Mediante, cuidadosa búsqueda, ella logra ubicar a la pareja idea en un matrimonio joven cuyos integrantes, Mark y Vanessa (Jason Bateman y Jennifer Garner), no han podido ser padres biológicos y por esa razón están encantados de adoptar al futuro bebé. Tras la firma de un contrato legal, se establece entre las partes un acuerdo formal para el traspaso de la criatura en el día de su nacimiento.

Aunque los acontecimientos posteriores no se desarrollan según lo planeado, lo que sobreviene suena a verdadero, sin que en momento alguno pueda ponerse en duda la credibilidad de su trama.
Reitman, impregna un ritmo fluido a su relato adoptando un tono animado y recurriendo a las cuatro estaciones del año para reflejar funcionalmente las vicisitudes atravesadas por Juno. De las muchas situaciones que surgen del relato, se destaca el apoyo que la joven recibe de su padre (J.K. Simmons) y de su madrastra (Allison Janney) frente al momento que vive, sin crearse la grieta tradicional que por lo general separa a padres que lo saben todo de sus hijos irresponsables.
La película sorprende gratamente por su sutileza. Así, por ejemplo, la relación que se va estableciendo entre Juno y el potencial padre adoptivo podría haber desembocado en un vínculo romántico; sin embargo, Reitman y Cody evitan que la película se desequilibre cayendo en lugares comunes, para en cambio ofrecer una resolución original y diferente a la aguardada.
Caracterizando al personaje central, Page logra un triunfo total. Esta adolescente Impresiona desde el principio hasta el final con la determinación, simpatía y ternura que emerge de su personaje; sin duda, constituye un elemento esencial para que la audiencia además de simpatizar, sienta por Juno un afecto profundo.
El desenlace, que más de una vez puede afectar negativamente lo que antecede en su desarrollo, no hace más que ratificar las bondades de un guión que, al no recargar ni retardar las acciones, ofrece la mejor salida posible a lo que el film ha venido contando.
He aquí el ejemplo de un relato sencillo y humano que logra emocionar con recursos legítimos.

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J.G.
PPP½

THE SAVAGES

Estados Unidos, 2007. Un film escrito y dirigido por Tamara Jenkins.

La atención y cuidado especial que debe dispensarse a la gente de edad avanzada que pierde su autonomía cuando padece de enfermedades que la vuelven indefensa, es el tema abordado por Tamara Jenkins y plasmada en The Savages donde dos hermanos de mediana edad se enfrentan con la realidad de tener que hacerse cargo del padre enfermo.
Laura Linney anima a Wendy, una aspirante escritora teatral viviendo en Manhattan, en tanto que Philip Seymour Hoffman personifica a su hermano Jon, un profesor universitario y escritor que reside en Buffalo. Ambos se reúnen con urgencia al enterarse de que su anciano padre Lenny (Philip Bosco) sufre de demencia senil y no puede seguir alojado en la casa de Arizona donde está viviendo porque nadie puede cuidarlo. Es ahí donde los hermanos deben adoptar la decisión acerca del asilo de ancianos más conveniente donde Lenny será ubicado bajo el cuidado de personal especializado para tales fines.
En el caso del presente relato, la responsabilidad filial adquiere visos más complicados debido a la naturaleza del padre que ha sido un abusivo manipulador que debilitó emocionalmente a sus hijos. Aunque el resentimiento de ellos persiste, la obligación moral hace que tengan que cumplir con la delicada misión de proveer por el bienestar paternal.

El texto de Jenkins se preocupa también de hacer referencia a la personalidad de cada uno de los hermanos mostrando cómo las actitudes que han adoptado como adultos son consecuencia del trato recibido cuando eran pequeños por parte del padre abusador y de una madre que hizo abandono del hogar. Eso se refleja en la relativa inmadurez neurosis, desencantos y frustraciones que los tornan un tanto desagradables; además, ambos reflejan una marcada inseguridad para asumir compromisos sentimentales permanentes. En el caso de Laura, su deteriorada autoestima personal la induce a vincularse con un hombre casado (Peter Friedman) donde no se vislumbra mayor futuro en esa relación; tampoco las cosas resultan más brillantes con Jon al frustrarse la relación mantenida con una novia polaca.
La naturaleza de su tema y la presencia de algunas escenas crudamente realistas pueden que resulten no muy confortables para aquellos espectadores que busquen en el cine una vía de escape a sus propios problemas. Sin embargo, la cuidada dirección de Jenkins evitando cualquier exceso melodramático, el modo satisfactorio en que delinea a sus personajes dentro de la dinámica relación familiar, el humor irreverente de algunas situaciones insólitas y/absurdas propias de la senilidad, y sobre todo la natural e impecable actuación de Linney y Seymour Hoffman intercambiando los excelentes diálogos provistos por el guión, son razones suficientes para recomendar al film.
J.G.
PPP

CHARLIE WILSON’S WAR

Estados Unidos, 2007. Un film de Mike Nichols.

Otra película más sobre el conflicto bélico de Afganistán es lo que propone el director Mike Nichols con Charlie Wilson’s War; pero esta vez no se vincula con el régimen talibán sino con la invasión rusa que el país sufrió desde fines de 1979 hasta poco antes del colapso de la Unión Soviética. A pesar de su tema dramático, el director Mike Nichols y su guionista Aaron Sorkin optaron por un tratamiento liviano pero bien relatado, conformando así un film muy agradable de seguir.
La historia, que se basa en acontecimientos reales, detalla los esfuerzos desplegados en 1980 por Charlie Wilson (Tom Hanks), un congresal demócrata de Texas, que estando muy preocupado por los acontecimientos de Afganistán siente frustración de que su país no tome cartas en el asunto para liberar a Afganistán de los rusos. De allí que gracias a la influencia de una dama millonaria de la sociedad americana (Julia Roberts) que se siente atraída por sus dotes de buen orador, logra utilizar su apoyo económico y conexiones políticas para apoyar a los insurgentes afganos -mediante la entrega de armas- para que logren expulsar al enemigo invasor.
Aplicando el criterio de que lo breve es siempre más eficaz que lo demasiado abundante, Nichols logra en escasos 90 minutos una historia ágil y precisa sin tener que recurrir a anécdotas secundarias innecesarias que pudieran conspirar en su ritmo. Pero lo más interesante es haber aprovechado de la capacidad interpretativa de los tres eficientes actores que cubren los personajes más importantes..
Hanks, a pesar de no poseer los rasgos físicos de Wilson, ofrece una buena caracterización del hedonista bebedor y empedernido mujeriego, condiciones que no le impiden experimentar una auténtica preocupación por la suerte corrida por Afganistán. Roberts, como una multimillonaria sofisticada y acérrima anticoumunista corre el riesgo de que su caracterización devenga caricaturesca; sin embargo, sale airosa del paso logrando convencer en sus encuentros públicos y privados con el donjuanesco político. Con todo, el que se lleva las palmas es Seymour Hoffman; este dotado actor que sobresale en otras dos películas actualmente en cartelera (The Savages, Before the Devil knows, you’re dead), ofrece aquí una encomiable labor como Gust Avrakotos, un operador griego de la CIA; frustrado al igual que Wilson por la actitud oficial americana con relación a Afganistán, es la eminencia gris del ingenioso plan que permitirá que la estrategia de Wilson rinda buenos frutos al lograr que los rusos abandonen el territorio invadido.
El film no es demasiado profundo pero tampoco puede calificárselo de superficial. Dentro de un género que se acerca al de la farsa sin llegar a serlo, el relato además de ser informativo cumple el objetivo de entretener con holgura.
J.G.
PPP

THE KITE RUNNER

Estados Unidos, 2007. Un film de Marc Foster

Una historia de amistad, traición y redención es lo que ilustra este film que está basado en la primera novela escrita por Khaled Hosseini. El autor, que nació en Afganistán y vive actualmente en los Estados Unidos, proporciona una crónica de carácter político y una evocación –aunque no autobiográfica- sobre su infancia en aquel país. Si el mérito del libro reside en su cautivante trama, no menos importante es la fiel adaptación que el guionista David Benioff efectuó para el cine y la sencillez con que el director Foster lo recuenta permitiendo que el espectador tome contacto con la cultura de un pueblo poco conocido que además de haber atravesado por grandes turbulencias políticas, tuvo ramificaciones de gran repercusión en este lado del Atlántico.
La saga -que se extiende por más de dos décadas- comienza en Kabul en 1978, poco antes de la invasión soviética. Con particular esmero, Foster ilustra la amistad de dos chicos de 12 años de edad. Uno de ellos es Amir (Zekiria Ebrahimi) que pertenece a una privilegiada familia y cuyo padre, Baba (Homayoun Ershadi), es un tanto dominante aunque un hombre noble y filantrópo; el otro niño es Hassan (Ahmad Khan Mahmoodzada), hijo de Alik (Nabi Tanha) que trabaja por más de 40 años como sirviente en la casa de Baba. A pesar de pertenecer a religiones y estratos sociales diferentes, Hassan y su padre son considerados como miembros integrantes de la familia de Baba.
En oportunidad de efectuarse el concurso anual de barriletes, Amir participa en el concurso y para ello cuenta con la invaluable ayuda de Hassan, un experto en la habilidad de remontar volantines, que lo hace triunfar en la competencia. En lugar de celebrar el acontecimiento como era de esperar, el destino quiere que Hassan sea la víctima de una abominable vejación por parte de un grupo de muchachos provocadores. Amir, que observa lo ocurrido desde cierta distancia, no toma acción alguna para defender a su amigo sino que por el contrario, lo traiciona con un acto malicioso. De ese modo se quiebra la amistad existente y además la actitud de Amir motiva a que Alik renuncie a su empleo y que junto a su hijo dejen la residencia de Baba.
La vergonzosa conducta de Amir lo habrá de acosar por muchos años hasta el momento en que el destino le ofrece una oportunidad para llegar a redimirse de la acción cometida en el pasado.
Además de conquistar la adhesión del espectador por el interés que despierta el conflicto central, Foster aprovechó las bondades del guión para ilustrar los acontecimientos dramáticos de la invasión de Rusia a Afganistán de 1979 y la posterior llegada de los talibanes con sus actos de terror –un ejemplo es brindado cuando una mujer es ejecutada por apedreamiento por el delito de adulterio-. Sin embargo, los hechos políticos no tienen prioridad en el relato sino que resultan instrumentales para determinar la suerte corrida por Amir como adulto (Khalid Abdalla) y la de su padre quienes lograron emigrar a los Estados Unidos; allí se muestra al joven en su graduación universitaria de 1988 y posteriormente, en 2000, celebrando la aparición de su primer libro como escritor, acompañado de su querida esposa (Atossa Leoni) que es también de origen afgano.
Igualmente, el director logró reproducir costumbres y ceremoniales propios de la cultura afgana que por primera vez son expuestos en un film. Así el pedido de mano de parte del padre de Amir a su futuro consuegro, la ceremonia de esponsales y su celebración con música y bailes típicos afganos, agregan notable autenticidad a esta buena película.
Psicológicamente, también está muy bien precisada la distante relación de Amir con su padre y cómo aquél logra gradualmente obtener el respeto de su progenitor.
Finalmente, el relato tiene su toque de poesía y belleza contemplando la hermosa coreografía ofrecida por el despliegue de cometas flotando en el espacio y la puja entablada para que solo uno de los que lo remontan resulte invicto.
Resumiendo, este cuento moral atrae por la veracidad que exuda el íntimo recuento familiar permitiendo que el público se aproxime a la gente de Afganistán con afección, calidez y empatía.
La interpretación es absolutamente natural, con especial distinción para los dos chicos Ebrahimi y Khan Mahmidzada, y para Ershadi como Baba. En cuanto a los valores técnicos de producción se destaca la muy buena música de Alberto Iglesias, quien desde 1995 es el compositor inseparable de los filmes de Almodóvar.
J.G.
PPP

MICHAEL CLAYTON - DVD

(Warner Home Video)

Excelente dirección de Tony Gilroy, interpretaciones excepcionales de George Clooney en el rol central y de Tom Wilkinson como actor secundario, más un vibrante guión de Gilroy desafiando la inteligencia del espectador, convierten a Michael Clayton en uno de los grandes filmes de 2007. Ahora, el público tiene la ocasión de juzgarlo nuevamente (o por primera vez para aquéllos que no lo hayan visto) a través del DVD que desde el martes pasado circula en el mercado.
Clooney, como el abogado del titulo que debe actuar salvando los entuertos de la empresa para la cual trabaja, comienza a transitar un terreno peligroso cuando uno de los colegas de su firma sufre un colapso mental al tratar de concluir un importante trabajo legal. A partir de ahí la ambivalencia moral de Clayton comienza a definirse cuando es consciente de que deberá optar entre seguir un camino de corrupción o bien otro de redención para tranquilizar su conciencia.
El complejo guión exige que el público preste atención al monólogo de Wilkinson cuando los títulos van apareciendo en la pantalla. A partir de allí, el film requiere una total concentración para evitar desconciertos por situaciones que aparentemente pueden resultar incomprensibles; todo cierra perfectamente en esta laberíntica historia sin que queden hilos sueltos pendientes. El resultado es un film de contenido y estilo fascinante que alcanza un climax de marcado suspenso en su convincente desenlace.
Entre los extras, el DVD incluye comentarios en audio por parte de Gilroy y del editor John Gilroy, así como también la inclusión de escenas adicionales con interesantes referencias por parte de ambos. Se presenta en su versión original inglesa, doblada al español y al francés o bien con subtítulos en español, francés e inglés (incluyendo una opción especial para la audiencia discapacitada en la audición).

LES TEMOINS

Francia, 2007. Un film de André Téchine
Este film ratifica la habilidad del veterano realizador André Téchine en narrar historias bien articuladas y con notable fluidez. Aquí rinde tributo a muchos de sus amigos que perdió cuando el SIDA comenzó a irrumpir con malévola fuerza a principios de la década del 80. Ese hecho constituye el telón de fondo para su relato que se centraliza en 4 personajes cuyos destinos se entrecruzan cuando uno de ellos es afectado por ese mal.
Emmanuelle Béart encarna a Sarah, una escritora de libros infantiles que está casada con Mehdi, un policía magrebí (Sami Bouajila) seguro de sí mismo. Ambos mantienen una relación libre, sin los compromisos o las obligaciones impuestas por el vínculo matrimonial. La pareja tiene como amigo a Adrien (Michel Blanc), un médico homosexual de mediana edad que está enamorado de Manu (Johan Libéreau), un muchacho de 20 años que parece encandilar a los que lo llegan a conocer. Cuando el policía de apariencia bien viril, se siente atraído sexualmente por el joven y surge una inesperada relación entre ambos, Adrien comienza a sufrir al sentirse rechazado por Manu.
Si en teoría este “ménage a trois” podría responder más a un dramón cursi que a un serio relato, la forma con que ha sido tratado desmiente cualquier preconcepto en la materia; en la pantalla todo está presentado en forma sobria aunque elíptica, sin cargar demasiado con el dramatismo que surge del desarrollo natural de la historia narrada; por el contrario, Techine prefiere adoptar un tono ligero, lo que no quiere decir frívolo, para exponer lo que vendrá después.
El cine ya ha incursionado en el tema del SIDA, lo que no obsta que en este caso el film adquiera sus propios y distintivos matices, con algunas escenas remarcables por la intensidad reflejada en los traumatismos físicos y emocionales que dicha enfermedad llega a producir en los protagonistas del relato.

Con una muy buena descripción social y temporal, Techine proporciona un film que a pesar de ciertos menores desniveles, siempre resulta apreciable; aunque en ningún modo persiga la simpatía del público hacia sus complejos e imperfectos personajes, éstos resultan interesantes de observar en la dinámica interacción planteada en el bien urdido guión. Las interpretaciones son naturales y convincentes y Techine ha logrado una puesta en escena sencilla pero efectiva.

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J.G.
PPP

P.S. I LOVE YOU

Estados Unildos, 2007. Un film de Richard LaGravenese

De naturaleza romántica, esta agridulce película de Richard LaGravenese aborda el tema de la recomposición de la vida cuando uno de los miembros de una pareja muere. En algunos aspectos guarda parecido con la obra de Neil Simon Chapter 2 (posteriormente llevada al cine) donde un viudo inconsolable realiza grandes esfuerzos para consolidar un nuevo vínculo amoroso. En este caso, se trata de una joven viuda quien sobrelleva una experiencia similar pero, claro está, con algunas variantes.
Al director Richard LaGravenese le bastan cinco minutos para que en el prólogo del film –antes de la presentación de los títulos- establezca las características de Holly Kennedy (Hilary Swank) y su marido Gerry (Gerard Butler). En una agitada discusión –gritos y acusaciones de por medio- que tiene lugar entre ellos, queda expuesta una de las típicas situaciones que cualquier matrimonio generalmente atraviesa en su vida en común; cuando las emociones llegan a explotar, sobreviene inmediatamente la reconciliación con el perdón mutuo, el olvido y el placer del verdadero amor. Esa lograda secuencia da la idea de que esta relación conyugal está afirmada por un amor genuino.
Después del prólogo, la primera escena que se contempla es el funeral de Gerry, muerto por un súbito tumor cerebral a la temprana edad de 35 años; a pesar de contar con el cariño y afecto dispensados por su madre (Kathy Bates) y sus mejores amigas Sharon (Gina Gershon) y Denise (Lisa Kudrow) tratando de atenuarle el dolor, Holly se encuentra completamente desmoronada.
La escritora irlandesa Cecelia Ahern, autora del libro en el que este film está basado, recurre a un artificio para que el apoyo espiritual más importante recibido por la joven viuda provenga de su difunto marido. Sucede que Gerry, antes de morir, estuvo suficientemente lúcido como para dejar a su esposa una serie de cartas cuyo contenido servirá para guiarla en sus primeros meses de viudez. El día en que ella cumple 30 años llega el primer mensaje bajo la forma de una torta acompañada de un cinta grabada por Gerry donde él le pide que salga a festejar el acontecimiento con sus amigas; sucesivamente, y en las semanas siguientes, otras misivas de tenor parecido contribuyen a que Holly, siempre a solicitud de Gerry, emprenda una serie de aventuras diferentes con el propósito de volver a experimentar esperanza en la vida e incluso soñar nuevamente con el amor.
Por cierto, solo con buena voluntad esta historia resiste el nivel de credibilidad tolerada, pero en todo caso permite la proposición de diferentes anécdotas –unas hilarantes, algunas emotivas y otras insípidas- para que la audiencia se imponga de episodios que Holly vivió con su marido en el pasado así como la posibilidad de entrever un futuro más optimista.
Sin duda, el relato es predecible en su mayor parte y además está a punto de deslizarse en un terreno excesivamente sentimental; sin embargo, esta historia de dolor, recuperación y esperanza, se deja ver con agrado porque todos los personajes son atractivos, aportan simpatía personal, y además resalta la importancia del amor y la amistad como elementos esenciales para afrontar la vida después de una experiencia traumática.
Swank, que ya colaboró con el realizador en su film precedente Freedom Writers, convence como la dinámica e impulsiva joven que gracias a su difunto marido va encontrando el camino para retomar confianza y control de sí misma; Butler, también satisface como el impetuoso y apasionado marido irlandés, y en papeles de apoyo se destaca Bates como la experimentada madre que también contribuye a la recuperación emocional de su hija.
J.G.
PP½

GONE, BABY GONE - DVD

(Alliance Films)

Este film que está basado en la novela del mismo título, “Gone, Baby Gone” del escritor Dennis Lehane, impresiona por su contenido y por la forma en que es relatado. El guión preparado por Affleck conjuntamente con Aaron Stockard, capta con fidelidad la esencia del misterio que contiene el libro original. El tema es de candente actualidad si se recuerda que un acontecimiento parecido a lo que aquí se relata tuvo lugar en Mayo de 2007, cuando una niña inglesa encontrándose de vacaciones con sus familiares en Portugal fue raptada del hotel donde se alojaba, sin haberse esclarecido el asunto hasta hoy día.
La acción que transcurre en Dorchester, uno de los barrios más humildes de Boston, presenta a un investigador privado local quien con su socia –que también es su novia- son contratados por los tíos de una niña de 4 años que ha desaparecido, para que diluciden el caso. Como la madre de la criatura es una mujer soltera drogadicta y totalmente desaprensiva en la atención dispensada a la niña, los detectives comienzan su trabajo tratando de detectar los lazos de la madre con las personas vinculadas a ella. A medida que la investigación de la pareja avanza, paralelamente a la desplegada por un jefe de policía dedicado a secuestros y un subordinado asignado para dilucidar el caso, la película se torna más compleja al penetrar en el submundo del hampa que se dedica al tráfico de drogas. La construcción del relato es impecable, sobre todo si se tiene en cuenta su complicada trama donde ningún detalle queda librado al azar; además, el film cuenta con una atmósfera de suspenso bien lograda ya que varios de sus personajes, todos ellos muy bien delineados, guardan importantes secretos donde a la postre van revelando una personalidad diferente, sorprendiendo al espectador.
Se trata de un film con personajes difíciles pero muy bien delineados, lo que permite al público sumergirse de lleno en el planteo propuesto. El desenlace es alarmante porque además de exponer las flaquezas humanas, el relato contrapone preceptos ético-morales de la historia con los dispositivos legales. El tema se presta al debate y ciertamente, por lo aquí expuesto, despierta dudas acerca del modo en que las autoridades oficiales abordan los secuestros de menores producidos en las grandes urbes.
Ben Affleck se nutrió de un muy buen elenco integrado por su hermano Casey Affleck en el papel protagónico y de Michelle Monaghan; además participan nombres de gran solvencia como Morgan Freeman y Ed Harris. Con todo, la actuación más remarcable es la de Amy Ryan quien, como la madre drogadicta, ha sido nominada al Oscar para la mejor actriz de reparto.
El DVD se ve enriquecido por algunos extras especiales. Además de un provocativo final extendido, se encuentran escenas suprimidas con comentarios opcionales del realizador y del co-guionista, la experiencia de los hermanos Affleck de rodar el film en un medio que les es muy conocido por cuanto nacieron y se criaron en Boston, así como el modo en que se captó la forma de vida en el vecindario donde transcurren los hechos y la interacción entre sus habitantes, tratando de dotar al relato de máxima autenticidad. Presentado en inglés o doblado al francés, con subtítulos opcionales en francés e inglés.

DEFINITELY, MAYBE.

Estados Unidos, 2008. Un film de Adam Brooks.

El realizador Adam Brooks ofrece una comedia romántica no convencional que, afortunadamente, supera al promedio del género. Al apartarse de fórmulas trilladas y sin originalidad alguna, DEFINITELY, MAY BE se convierte en un relato fresco, gentil y cálido.
Maya (la simpatiquísima Abigail Breslin de “Little Miss Sunshine”) es una niña de 10 años, bastante precoz por su edad, y que –aunque no quede explícitamente expuesto en el relato- está afectada por el proceso de divorcio que viven sus padres. Para conocer mejor los vericuetos del amor, al estar sola con William (Ryan Reynolds), su padre, le pide que le cuente cómo conoció a su madre y algunos detalles adicionales sobre su vida sentimental antes de casarse. Sorprendido por la pregunta, el papá le cuenta una historia sobre tres mujeres que tuvieron influencia en su vida utilizando nombres diferentes y sin decirle cuál de ellas es su madre.
Como cabe esperar, esa historia está lejos de ser el típico cuento de niños que los padres relatan a sus hijos a la hora de dormir; por esa misma razón, el derrotero romántico de William adopta un carácter más bien platónico como para ajustarse a lo que una niña de esa edad está en condiciones de saber. Para ello, el director Adam Brooks que es también autor del guión, prescinde de cualquier contenido erótico y sexual, sin resentir la credibilidad del relato.
Este cuento especial comienza en 1992 cuando el joven William viviendo en Madison, Wisconsin, deja momentáneamente a Emily (Elizabeth Banks), su noviecita de escuela secundaria, para viajar a Nueva York por un par de meses y colaborar en el equipo de la campaña presidencial de Bill Clinton. Allí conoce a April (IsIa Fisher), la apolítica joven de libre espíritu que llegará a ser su confidente y con quien forjará una sólida amistad, y también llegará a relacionarse con Summer (Rachel Weisz), una sofisticada aspirante a periodista de quien él se siente atraído y que resulta ser una antigua amiga de Emily.
Sin duda, cada una de las tres chicas es diferente en personalidad y carácter, pero no es necesario precisar de qué manera gravitarán en la vida de William ni tampoco revelar si al final del relato Maya descubre ó no cuál de ellas es su madre. Lo interesante del film es que dentro de las características de un relato realista, su tono se acerca más al de una agradable fábula gracias a un guión que acude a un lenguaje sencillo y coherente para que un menor pueda comprender de qué modo factores coyunturales influyen para determinar cómo una persona elige a su pareja para compartir una vida y fundar un hogar.
Evitando recursos remanidos, esta historia romántica cuenta con personajes creíbles, divierte y además expresa ternura en la relación paternal y filial establecida entre William y Maya; es posible que hacia el final el film adopte un giro demasiado dulce, pero ese sentimentalismo puede ser disculpado en función de la sobriedad guardada en la exposición global de la historia. En suma, el público se enfrenta a un film que, sin ser demasiado especial, resulta agradable de ver y satisfacer a gente de cualquier edad. J.G.
PPP

L’AGE DES TENEBRES

Canadá, 2007. Un film de Denys Arcand

La última película de Denys Arcand viene precedida por comentarios críticos adversos obtenidos en Francia cuando fue estrenada hace tres meses, con el agregado de haber fracasado también en boletería. Ahora es el turno del público canadiense para juzgarla por sí mismo; para comenzar es necesario aclarar que de ningún modo L’age des Tenebres puede ser considerado un film malo, aunque eso tampoco significa decir que esté logrado. Se trata de un esfuerzo meritorio por lo que propone, aunque el proyecto resulte fallido por incursionar exageradamente en el terreno fantástico como instrumento de lo que se está contando.
El guión, que también le pertenece a Arcand, presenta a Jean Marc Leblanc (Marc Labrèche), un individuo de mediana edad que está desilusionado de su carrera profesional como burócrata en la administración pública de Québec; no sólo debe tolerar a su desagradable jefa (Caroline Néron) sino que además está obligado a escuchar las tristes historias de la gente que viene a presentarle sus problemas, sin que esté en condiciones de poder ayudarla. En su vida personal, tiene una esposa (Sylvie Leonard) que es una ambiciosa agente inmobiliaria inmersa en su trabajo al punto de olvidar que está casada; también es padre de dos hijas adolescentes que no le prodigan mayor afecto. El panorama descripto no puede ser más descorazonador y para escapar de esa tétrica atmósfera, recurre a su febril imaginación donde se ve convertido en un individuo importante y completamente opuesto al que realmente es.
La inserción de la fantasía en la realidad cotidiana ha sido tratada por el cine en muchas instancias, sobre todo en algunas de las obras de Federico Fellini donde lograba un adecuado ensamble de la ficción con la realidad. Lamentablemente, eso no se evidencia aquí.
Más allá de que el espectador pueda o no estar de acuerdo con la visión pesimista de Arcand sobre la situación reinante en Quebec, donde una sociedad dura e impiadosa va desintegrando al individuo, lo cierto es que no es ahí donde el film resulta objetable sino en la forma en que este problema es transmitido.
Lo que desnivela al relato es la desequilibrada relación existente entre las secuencias ensoñadoras y los acontecimientos reales. Las escenas de Jean Marc como un autor ganador del prestigioso premio Goncourt, político reelecto, importante celebridad en el mundo del cine, un Don Juan admirado por las mujeres, no están desprovistas de originalidad y a veces de buen humor pero se hacen demasiado largas –en especial la de la época medieval- y terminan poniendo a prueba la paciencia del público; si a ello se agregan secuencias oníricas poco relevantes, el resultado distrae al espectador de la crítica social a la que Arcand está apuntando.
La actuación de Labrèche es impecable y adquiere patetismo como el antihéroe del relato; tanto cuando su personaje visita a la madre enferma (Françoise Graton) como cuando hacia el final reacciona señalando lo activo, ambicioso e idealista que fue en sus años jóvenes para llegar a ser el perdedor de hoy día, el film alcanza un vuelo de excelencia que uno habría deseado que estuviese presente en el resto del relato. Los otros actores del reparto no cuentan con personajes suficientemente desarrollados como para trascender y crear la emoción que requiere esta tragicomedia de un hombre exhausto y agobiado por el medio que le rodea.
Con todo, y aún cuando se trate de una obra menor en la filmografía de Arcand, resulta loable el voluntarismo de este importante cineasta canadiense en presentar documentos que cuestionen el mundo en que vivimos.
J.G.
PP½

THE ASSASSINATION OF JESSE JAMES BY THE COWARD ROBERT FORD

(Warner Home Video)

Estilo y contenido se fusionan armoniosamente en este drama psicológico de Andrew Dominik, cuyo título revela su historia. Lamentablemente, en el momento de su estreno (Septiembre de 2007) tuvo poco éxito de público; es por eso que en este caso destaco más que otras veces la aparición de su DVD por cuanto éste es un film de gran contenido psicológico, y que entre sus otras virtudes cuenta con una excepcional fotografía captando la belleza de los escenarios en que fue filmado.
El relato se centra en los últimos meses de vida de Jesse James, el famoso delincuente americano cuyo mito está asociado por la forma en que pudo escapar de la justicia durante sus atracos cometidos con su hermano asaltando bancos y trenes en el lejano oeste americano entre 1867 y 1981. El cine americano lo consideró en más de una decena de veces a través de distintos westerns; aquí, contrariamente a lo que cabría de esperar, este género pasa a segundo plano para privilegiar en cambio el drama humano que se establece entre sus dos personajes centrales, Jesse James y Robert Ford, así como abordar los temas de la celebridad y el culto de la personalidad.
Ford, era un joven de 19 años cuando con perseverancia logró ser aceptado como un miembro más en la banda de los hermanos James. La descripción de Jesse y Robert es excepcional. Así se contempla a un Jesse de 35 años, autoritario, cambiante, impredecible, temperamental y capaz de atemorizar no sólo a terceros sino también a los suyos. Por su parte, se contrapone la personalidad sumisa de Ford, que siente una magnética infatuación por su jefe, y que no solo busca parecerse a él, sino que inconscientemente quisiera transformarse en su persona. Pero a medida que lo va conociendo, le embarga el temor de que en algún momento Jesse quiera desprenderse de él eliminándolo del escenario. El resultado es lo que preanuncia el título del film; lo que nadie había logrado hasta ese entonces, Ford lo logró asesinando impunemente a su jefe por la espalda. Curiosamente, el film no concluye allí sino que continúa con un extenso epílogo de 25 minutos cuyo rico y significativo contenido prefiero no revelarlo.
La historia es admirable en la forma cómo queda examinado el comportamiento humano a través de la adoración, el ego, la mezquindad y el resentimiento de Ford hacia James. El film cuenta con una interpretación ejemplar de Brad Pitt en el mejor papel de su carrera como Jesse, así como de Casey Affleck, (hermano del conocido Ben Affleck) que logra una caracterización extraordinaria animando al cobarde Robert.
El DVD no cuenta con ningún extra y es presentado en su versión original inglesa, también doblado al francés y español, así como con subtítulos en español, francés o inglés (incluyendo una versión especial para quienes tienen problemas auditivos).

THE GOLDEN COMPASS

Estados Unidos-Gran Bretaña, 2007. Un film de Chris Weitz.

El primer tomo de la trilogía de Phililp Pullman His Dark Materials encuentra su expresión cinematográfica en The Golden Compass que acaba de estrenarse mundialmente. En la extraña y compleja narrativa concebida por su autor, la audiencia es transportada a un mundo imaginario donde el poder es regido por el “magisterio”, una organización de connotación orwelliana cuyo objetivo es el control de la humanidad. Como en muchos otros relatos mágicos, la esencia de esta historia es de naturaleza moral donde el bien se enfrenta con el mal.
El personaje central de la historia es Lyra Belacqua (Dakota Blue Richards), una niña huérfana de 12 años criada en el campus de la escuela de Jordan en la ciudad de Oxford, que cuenta con la protección y afecto del director del establecimiento (Jack Shepherd). Su vida transcurre en forma apacible y sin mayor responsabilidad teniendo a Roger (Ben Walker) como su gran camarada. Al igual que los restantes personajes humanos del relato, Lyra es acompañada por un “daimonion” que constituye una expresión corpórea del alma humana que se manifiesta bajo la forma de un animal.
Cuando los rumores acechan de que hay niños que comienzan a ser secuestrados por unos misteriosos secuestradores (los gobblers) y llevados al Círculo Polar Ártico para ser sometidos a abominables experimentos científicos, el temor comienza a cundir. Para Lyra habrá llegado el momento de actuar el día en que Rogers súbitamente desaparece y se cree que es uno más en la lista de los desafortunados secuestrados. Llevando consigo un aletiómetro, una brújula dorada que recibe del director de la escuela y que tiene la característica de decir la verdad a quien la utiliza, la jovencita emprenderá una épica aventura que la conducirá al gélido norte del planeta. Al así hacerlo, ella comienza a adquirir conciencia de que debe salvar el mundo en que vive y a otros universos paralelos de las fuerzas malévolas que los acechan.
Dentro de ese contexto, la audiencia se siente intrigada y en algunos casos fascinada por una extraña historia de dimensiones fantásticas donde personajes humanos se codean con animales parlantes que juegan un rol importante en el desarrollo de su trama. En su viaje, Lyra contará con un aliado incondicional que resulta ser un gigantesco oso polar llamado Iorek (la voz de Ian McKellen) que promete estar a su servicio hasta que ella logre combatir a las fuerzas del mal; no menos importante es la ayuda que le prestarán una banda de gipcios –gitanos o vagabundos errantes-, la tierna Serafina Pekkala (Eva Green) que es una reina voladora de un clan de brujas y Lee Scoresby (Sam Elliott), un tejano aeronauta.
Ciertamente, la fantasía de Pullman atraerá la especial atención del público que ha disfrutado con Lord of the Rings, las historias de Harry Potter, y con la tétrica fábula de El Laberinto de un Fauno. Sin embargo, el presente film dista de poseer la profundidad filosófica de la obra de Tolkien, el nivel de emoción de la literatura de J.K. Rowling, o bien el hálito mágico del ingenioso relato de Alfonso Cuarón.
Entre sus méritos, cabe destacar a su competente elenco encabezado por Dakota Blue Richards; en su promisorio debut, ella más que convence como una niña voluntariosa y resuelta en su lucha contra el implacable “Magisterio”; otros nombres apreciables son, entre otros, los de Derek Jacobi, Ben Walker, Tom Courtenay, Christopher Lee y las voces de Ian McKellen, Katy Bates y Kristin Scott Thomas. Curiosamente, las figuras más populares del reparto como Nicole Kidman y Daniel Craig, no agregan mucho a nivel interpretativo: Kidman aporta su oficio de actriz pero nada más, animando a la atractiva y malévola jefa del tribunal de disciplina del Magisterio; por su parte la muy breve incursión de Craig, como el enigmático explorador tío de Lyra que parte al Gran Norte en búsqueda de una misteriosa partícula, tampoco le permite mayor lucimiento.
Los efectos visuales logrados con la ayuda de imágenes digitalmente computadorizadas son de primer nivel y algunas escenas de acción, como la lucha de los osos polares, están muy bien logradas.
Aunque el film capta la atención de la audiencia, no obstante transmite una sensación de frialdad; a pesar de que transcurre en un mundo mágico, carece de la magia necesaria para que uno quede embelesado. Estas limitaciones se deben a que la realización de Chris Weitz es decorosa pero no muy inspirada en imaginación, y porque su narración resulta a veces confusa y no fácil de ser seguida para quien no haya leído la novela.
Hasta el presente no se sabe si los otros dos volúmenes de la trilogía The Subtle Knife (La Daga) y The Amber Spyglass (El catalejo lacado) también serán llevados al cine. Según parece, la decisión dependerá de la repercusión comercial de esta primera parte.
J.G.
PP

TOOTSIE: 25th Anniversary Edition - DVD

(Sony Home Entertainment)

Fue una de las grandes comedias de 1982 y a veinticinco años de su estreno Tootsie sigue resultando un film atractivo. Su mérito es debido a una conjunción de valores, entre ellos el del realizador Sydney Pollack –que ya había realizado una veintena de películas para el cine y la televisión pero por primera vez en el campo de la comedia, el de Dustin Hoffman quien en una de sus mejores interpretaciones de su carrera descolló con su memorable personificación femenina, y a un buen reparto que incluyó los nombres de Jessica Lange, Teri Garr, Charles Durning, Geena Davis y Bill Murray, entre otros.
El libreto cinematográfico de Larry Gelbart y Murray Schisgal narra los problemas de Michael Dorsey, un talentoso actor que por su carácter obstinado no goza del aprecio de los productores. Al haber perdido sus esperanzas de trabajar en Nueva York, las circunstancias hacen que tenga que adoptar la identidad de una actriz de mediana edad, obteniendo un rol en un teleteatro diario; él está muy lejos de imaginar el modo en que Dorothy Michaels, su alter ego, logrará convertirse súbitamente en una figura popularísima de la televisión. A medida que pasan los días las complicaciones comienzan a surgir, en especial cuando se enamora de una de las jóvenes actrices del elenco sin poder exteriorizar su masculinidad. La caracterización de Hoffman es excelente porque uno comienza a olvidarse de que es un hombre para creer que realmente está contemplando a una mujer.
En líneas generales, el film es un ejemplo de la comedia fina en su máximo esplendor y en tal sentido Pollack se ubica en el mismo nivel que lo hizo Billy Wilder con “Some Like it Hot”. Además, haya sido o no intencional, Pollack homenajea aquí, la determinación del género femenino en los lugares de trabajo.
La presente edición que conmemora el vigésimo quinto aniversario del film, constituye una versión remasterizada de alta definición. Los excelentes agregados incluyen detalles sobre la concepción y elaboración del film, entrevistas con el director, principales actores, los autores del guión (todo ello en el documental “A better man: the making of Tootsie”), como también nueve escenas que habían sido eliminadas. Mención especial es el material de dos minutos proveniente del Archivo de la Academia de Cine que muestra a Dustin Hoffman quien como Dorothy Michaels se somete a una prueba para participar como enfermera en la telenovela; esa escena original es realmente hilarante.

AN AFFAIR TO REMEMBER - DVD

50th Anniversary Edition (Fox Home Entertainment)

Este film constituye un ejemplo de lo que debe ser una buena comedia romántica y resultaría de interés que la generación actual lo juzgase para que comparativamente se forme una idea de las mediocridades –salvo raras excepciones- que el cine de Hollywood nos ofrece hoy día en la materia. En la segunda versión fílmica de 1957 y con el mismo director Leo McCarey, “Algo para Recordar” (su título en español) sigue conservando toda los atributos que tuvo en su estreno y es por eso que sea considerado un clásico del género
Su sencilla historia nos presenta a un simpático seductor que está comprometido con una millonaria, y una joven que también está próxima a casarse con un hombre de dinero; ambos se conocen en un crucero transatlántico y se enamoran durante la travesía. Para poner a prueba sus sentimientos, al finalizar el viaje ambos convienen en encontrarse 6 meses después en la terraza del Empire State Building de Nueva York; lástima que el destino determine algo diferente a lo planeado al obligar a que uno de falte a la cita.
El film cuenta con la valiosa participación de Cary Grant, posiblemente el mejor actor de comedia romántica del cine americano; con su sonrisa irónica y con un marcado control de sí mismo que evita cualquier tipo de sobreactuación, Grant despliega una gracia y carisma inigualable. A su lado, la fina actriz recientemente desaparecida Deborah Kerr complementa la actuación de Grant, brindando sobriedad, elegancia, fineza y una profunda espiritualidad a su personaje. En su remake Leo McCarey logró imprimir al relato un toque de distinción y algunos momentos genuinamente emotivos como en la escena en que el barco hace escala en Madeira y la pareja desembarca para visitar a la anciana abuela (Cathleen Nesbitt) del personaje animado por Grant.
Esta nueva edición del DVD, celebrando el quincuagésimo aniversario del estreno del filme, se ve beneficiada por algunos extras que incluyen a Grant, Kerr, recordados por sus esposos sobrevivientes, la semblanza de algunos autores y profesores de cine sobre el director McCarey que fuera galardonado tres veces con el Oscar, el recuerdo del productor del film Jerry Wald a través de su viuda, hijos, hermano y amigos, un documental sobre la forma en que la película fue elaborada en sus aspectos visuales y técnicos, comentarios de la cantante Marni Nixon y el historiador Joseph McBride, además de imágenes de archivos en oportunidad del estreno del film.
El DVD fue editado con subtítulos en español, en pantalla panorámica y la calidad de su presentación es irreprochable.

GUESS WHO’S COMING TO DINNER - DVD

(SONY Home Entertainment)

En una edición especial conmemorando el cuadragésimo aniversario de su estreno, “Adivina quién viene a cenar” sigue siendo una obra artística de gran entretenimiento.
El realizador Stanley Kramer tuvo la audacia de considerar en los años 60 - un período crucial en la historia de los derechos cívicos de los Estados Unidos-, el tema de las relaciones de una pareja interracial. La historia de una joven proveniente de una respetable familia blanca que presenta a sus padres a su novio negro y les pide su bendición, constituyó una brisa de aire fresco para la mentalidad de la sociedad americana de la época. La visión actual de este film permite pensar que a pesar de que el problema del racismo –cualquiera sea su naturaleza- sigue latente en todo el mundo, mucho se ha avanzado al respecto con solo pensar de que un hombre de raza negra puede llegar a ser electo este año para la presidencia del país más poderoso del mundo.
La excelente presentación del DVD con su alta definición permite que el espectador vuelva a juzgar las interpretaciones magistrales de Spencer Tracy, Katharine Hepburn y Sidney Poitier.
El profesionalismo de Tracy cobra máxima altura si se juzga que filmó lo que sería su trabajo póstumo en condiciones graves de salud; eso no le impidió ofrecer una lección de actuación cinematográfica animando al editor de un diario liberal que se encuentra arrinconado al tener que definirse en aceptar o no a su futuro yerno negro. El largo discurso final que pronuncia es de máxima emoción, donde además de reflejar el amor que su personaje siente por la familia, es una declaración de amor que hace a su mujer en la ficción (Hepburn) así como a quien fue en la vida real fue su pasión máxima. El gran actor murió el 10 de junio de 1967, 15 días después de haber concluido el rodaje.
No hay palabras para elogiar a Hepburn, nuevamente ganadora del Oscar por este film, como la abnegada esposa de Tracy en una interpretación tierna y sólida. Poitier, el primer actor negro de consagración mundial, conmueve con su nobleza, hidalguía e integridad como el educado médico negro que amando a la chica blanca señala en uno de los diálogos que él se ve un ser humano antes de pensar en el color de su piel.
Habiendo realizado un film social que a su vez también es una hermosa comedia romántica de relevancia universal, Kramer homenajea al humanismo, la tolerancia, la indiscriminación racial, y a todos los mejores elementos que distinguen a la naturaleza humana.
La presente edición especial de dos discos abunda en valiosos comentarios que incluyen los de Karen Kramer –viuda del director-,,Steven Spielberg, Tom Brokaw y Quincy Jones. Además hay tres corto metrajes sobre el contenido del film acerca de cómo transcurrió el rodaje, anécdotas de los miembros del equipo artístico y del realizador (“un hombre en búsqueda de la verdad”), una galería de fotos, etc. Presentado en versión original y también doblado al español y francés, también cuenta con subtítulos en español, francés o inglés.

ATONEMENT

Gran Bretaña-Estados Unidos, 2007. Un film de Joe Wright

Uno de los méritos de Atonement reside en la excelente adaptación efectuada por Christopher Hampton de la novela del mismo nombre de Ian McEwan y publicada en 2001; a pesar de adoptar su misma estructura, Hampton obtuvo un guión que probablemente no excede a la quinta parte de las palabras del libro, pero respetando la esencia humana de su cautivante historia. Con tal preciado material, el director Joe Wright ha logrado un film esmerado y puntilloso que sin duda cosechará elogios como lo obtuvo hace dos años con Pride and Prejudice.
De difícil categorización, en un principio el film asume las características de una historia romántica de época, pero a medida que avanza el metraje el énfasis de su tema es el de la expiación, tal como su título lo anticipa.
La acción se ubica en 1935, en una suntuosa mansión de la campiña inglesa. Allí viven Briony Tallis (Saoirse Ronan), una niña casi adolescente que posee gran imaginación con dotes de escritora, su hermana mayor Cecilia (Keira Knightlley) y sus familiares. Gozando del confort que una buena posición económica puede ofrecer, Cecilia gusta de Robbie Turner (James McAvoy), un joven de humilde clase social que es el hijo del ama de llaves del lugar y que también le corresponde en sus sentimientos. Briony se siente molesta y celosa de su hermana porque también se siente atraída por el muchacho; cuando la relación de la pareja se va intensificando, el despecho de Briony la impulsa a aprovechar una oportunidad inesperada acusando a Robbie de un grave delito que no cometió y rompiendo de ese modo el vínculo amoroso que lo unía a Cecilia. La ignominiosa calumnia gravitará para siempre en la vida de estos tres personajes. La acción se desplaza posteriormente a 1940 cuando la Segunda Guerra está en pleno apogeo y en esta segunda parte del relato, la excelente adaptación transmite con intensidad las consecuencias vividas por sus caracteres hasta llegar a un desenlace que tiene lugar mucho tiempo después; es ahí donde el espectador llega a imponerse de algunos detalles importantes que cubren los huecos del pasado.
En un hondo relato donde su intriga aumenta a medida que se va desarrollando, el director se preocupa de expresar meticulosamente el gran sentimiento de culpa que embarga la conciencia del personaje principal por los efectos de su cruel mentira; su remordimiento es colosal y la revelación final llega al público de una manera genuinamente conmovedora.
Una buena historia no puede satisfacer por completo si no reúne a intérpretes competentes. En tal sentido, Wright ha obtenido maravillas de su elenco. Knightley, como la heroína que ve quebrantado su amor, convence en la evolución de una joven esnob hacia una mujer marcada por un trágico destino; McAvoy -que ya impresionó en The Last King of Scotland- reafirma sus condiciones de buen actor como un individuo de alma desconsolada sufriendo de una amarga injusticia que ensombrecerá su existencia. La interpretación del personaje de Briony merece especial atención por ser el más complejo y estar caracterizado por tres actrices diferentes. Saoirse Roman es todo un hallazgo como la causante del drama; Romola Garai es persuasiva como la Briony adulta de 18 años que trata de purgar su culpa; finalmente, Vanessa Redgrave en tan sólo cinco minutos de memorable actuación anima a la anciana Briony; la composición de Redgrave es nada menos que admirable y con su marchito rostro cerrando el film ofrece una nota de alta emotividad.
Al igual que en la novela, el film permite diferentes lecturas con material suficiente para el comentario ulterior. Por ejemplo, ¿puede o no ser totalmente responsable de sus actos una adolescente de 13 años que recién termina de dejar su niñez? ¿es posible que la literatura pueda constituir un medio para la expiación de culpas? Allá, el espectador para responder a estas preguntas.
No resultaría extraño que cuando en los próximos días aparezcan las nominaciones para los Oscares, este film esté incluido en la lista. Ciertamente, lo tendría bien merecido.
J.G.
PPPP

MIDNIGHT EXPRESS -DVD

(Sony Home Entertainment)

En oportunidad de cumplirse 30 años de su estreno, Sony Pictures ha lanzado una edición conmemorativa del film de Alan Parker. Teniendo como antecedente lo acontecido con Billy Hayes, un joven americano que trató de contrabandear drogas ilícitas saliendo del aeropuerto de Ankara en Turquía, el film recuenta el descenso a los infiernos sufridos por su protagonista desde que es arrestado hasta el momento en que logra fugarse de su prisión, casi 5 años después. Habiendo recuperado su libertad, Hayes con la colaboración de William Hoffer escribe un libro relatando su odisea y gracias al excelente guión que Oliver Stone elaboró en base al mismo, Parker logró un film muy duro que llega a ser altamente perturbador por la naturaleza del tema.
El relato mantiene un delicado equilibrio al no confundir el delito cometido por Hayes, al tratar de dejar Turquía llevando consigo dos kilos de hachís, con el tratamiento que es sometido por sus carceleros durante su prisión. Al evitar condescendencia alguna, el guión trata y logra hacer sentir al espectador lo que significa el infierno de las cárceles turcas, con una crítica implícita al sistema penal del país al permitir que el prisionero experimente un tratamiento salvajemente inhumano.
Más allá de cualquier consideración política, el relato atrapó en su momento y sigue manteniendo contemporaneidad ya que ningún otro film había logrado hasta ese entonces transmitir con tanta intensidad la horrenda visión de la vida carcelaria con un lenguaje duro, rabioso, y fundamentalmente vital.
Stone logró con su guión un gran reconocimiento crítico que le permitió abordar en el proyectos futuros en calidad de director, en tanto que este filmó constituyó para Parker un gran espaldarazo para su carrera. A nivel interpretativo, Brad Davis, quien murió de SIDA en 1991, ofrece todo el dolor, energía y la miserable vida que experimentó Hayes durante su encierro.
Como agregados, el DVD contiene reportajes sobre el rodaje, entrevistas con Parker, los productores del film (David Puttnam, Alan Marshall y Peter Gruber), Oliver Stone, John Hurt (uno de los actores de reparto) y un pequeño folleto escrito por el director acerca del proceso de filmación. La presentación es en su versión inglesa original, o bien doblado al francés y con subtítulos optativos en español, francés e inglés.

CRONICA DE UNA FUGA

Argentina, 2006. Un film de Israel Adrián Caetano

Basado en hechos que realmente tuvieron lugar y que fueron testimoniados en el libro de Claudio Tamburini Pase Libre – La Fuga Mansión Seré, Crónica de una Fuga recuenta la triste odisea vivida por su autor durante los años de plomo de la sangrienta dictadura argentina que comenzó en 1976 y finalizó en 1983.
El film es otra página más de la represión ejercida por los criminales del régimen militar donde tanto jóvenes inocentes como activistas políticos fueron privados de su libertad para ser ejecutados posteriormente sin juicio previo. En 1977, dos agentes paramilitares del régimen militar arrestan a Tamburini (Rodrigo de la Serna), un arquero de un equipo de fútbol de segunda división, y lo trasladan a un centro clandestino de detención en una casona aristocrática ubicada en los suburbios de la ciudad de Buenos Aires. A pesar de ser falsamente acusado de terrorista y de la falta de evidencia concreta de que pudiera haber estado involucrado en actividades subversivas, el joven es sujeto a humillaciones y brutales torturas por parte de sus carceleros. Allí traba relación con otros tres prisioneros (Nazareno Casero, Martin Urruty, Lautaro Delgado) donde después de cuatro meses de cautiverio logran fugarse del establecimiento.
Caetano ha logrado un film que además de ilustrar la desgraciada existencia de los prisioneros, se destaca por ofrecer en su última parte un clima de marcado suspenso. Tanto la planeación de la fuga, como su implementación y el futuro que sigue, está impreso dentro de las características de un thriller muy bien realizado, que por momentos parece acercarse más a la ficción que a la cruel realidad.
El cine argentino ya ha ofrecido varios documentos sobre el tema, entre otros, Garage Olimpo y La Noche de los Lápices, que posiblemente hayan sido más sólidos; con todo, Caetano narra esta horrible historia con una adecuada combinación de cine social y entretenimiento popular; entre las varias escenas muy bien logradas figura la de la huída de los prisioneros sin ropa alguna, en una noche de gran tormenta.
La interpretación es muy buena. De la Serna ratifica sus condiciones de actor después de la grata impresión causada en Diarios de Motocicleta, en tanto que Pablo Echarri compone con amplia convicción a un despiadado torturador; el resto del elenco contribuye a brindar credibilidad a este relato.

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J.G.
PPP