UN BUEN ANALISIS DE LA FRAGILIDAD HUMANA

RUST AND BONE (De rouille et d’os). Francia, 2012. Un film de Jacques Audiard

Después de la magnífica película Un Profeta (2009) donde el realizador Jacques Audiard abordó un drama carcelario, ahora considera en Rust and Bone una compleja historia romántica.

Marion Cotillard, la sensible actriz que ganó un Oscar interpretando a Edith Piaf en La Vie en Rose (2007) vuelve a ofrecer otra notable interpretación animando a Stépahnie, una joven domadora de orcas en un delfinario de la riviera francesa. Su despreocupada vida no desprovista de placer sexual, cobra un giro inesperado cuando un desgraciado accidente en su lugar de trabajo motiva que se le deban amputar sus dos piernas.

Por su lado, el eficiente actor belga Matthias Schoenaerts es Ali, un padre monoparental que deja su lugar nativo de Bélgica junto con su pequeño hijo Sam (Armand Verdure) para comenzar una nueva existencia en Francia donde vive su hermana (Corinne Masiero) con su esposo. Sin dinero alguno, logra salir del apuro trabajando como guardia de seguridad de un club nocturno, participando con su cuerpo musculoso en combates de lucha y valiéndose de pequeños hurtos para sobrevivir.

Antes de que aconteciera el dramático hecho que cambió su existencia, Stéphanie llega a conocer a Ali. A pesar de que sus personalidades son completamente opuestas, - la sensualidad y femineidad de ella contrasta con las características del hombre primitivo, bruto y marginal que denota Alí- al poco tiempo se produce entre ambos una atracción estrictamente carnal y visceral, en la que los sentimientos quedan completamente de lado. Con todo hay algo en común que los vincula: la discapacidad física de ella con la vulnerabilidad emocional de Ali llevando una vida errante sin rumbo fijo.

Aunque esta historia escrita por el realizador y Thomas Bidegain tiene una estructura melodramática, el director evita sentimentalismo alguno, aunque eso no impide que los sentimientos subyacentes afloren tardíamente en forma natural y efectiva. Audiard es uno de esos inteligentes directores que ponen atención a mínimos detalles, tratando de que a través de gestos, miradas y movimientos de sus personajes se conozcan las motivaciones que conducen a ocultar celosamente sus emociones.

Matthias Schoenaerts y Marion Cotillard

El film se valoriza con la excelente labor de Cotillard y Shoenaerts quienes además de exhibir una gran química transmiten con gran intensidad la vibrante situación de dos seres que necesitando ayuda y apoyo emocional, buscan con tenacidad la redención que los aliente a seguir viviendo esperanzados. Si bien puede resultar previsible el derrotero de los mismos traspasando la barrera de la intimidad física para concluir en legítimo amor, esa evolución se produce en forma natural y convincente.

Visualmente elegante, la música de Alexandre Desplat con buena combinación de baladas y canciones de rock se adapta acertadamente a la historia narrada.

Aunque este atípico drama romántico no alcanza a tener la dimensión universal de Un Profeta, el relato satisface como un buen análisis de la fragilidad humana conformando un film de calidad superior.

La transferencia del film a Blu-ray es muy buena en términos de imágenes produciendo una elegante presentación; elogios similares merece la nitidez de los diálogos así como la transparencia de la banda sonora creando una atmósfera agradable de oír.

Entre sus extras, el video incluye las entrevistas del periodista francés Arnaud Calistri con el director Audiard y el guionista Bidegain aportando valiosos comentarios sobre el film. Pero quizá el material adicional de mayor interés es Making Rust and Bone: A Film by Antonin Peretjatko, un documental de casi una hora de duración donde además de brindar aspectos sobre el proceso de filmación brinda detalles sobre la forma en que mediante el uso de la tecnología CGI se logró que las piernas de Marion Cotillard pudieran ser borradas de la imagen en la etapa de posproducción, así cómo los efectos especiales lograron que la protagonista pudiera caminar con las prótesis realizadas.

El Blu-ray se presenta en su versión original francesa con subtítulos optativos en francés e inglés. Los extras están subtitulados en inglés.  Jorge Gutman

DE HOPKINS A HITCHCOCK

HITCHCOCK. Estados Unidos, 2012. Dirección: Sacha Gervasi. Distribución: 20th Century Fox (2013)

Alfred Hitchcock ha sido uno de los más grandes realizadores del siglo XX y a pesar de haber muerto hace casi 33 años, sus filmes perduran como clásicos de la cinematografía universal. Este film que lleva su nombre no es una biografía de este gran maestro del cine sino la recreación de un capítulo de su vida que tuvo especial trascendencia tanto a nivel profesional como personal.

Basado en el libro del escritor Stephen Ribello Alfred Hitchcock And The Making of “Psicho” la película es un recuento de la parafernalia vinculada con el rodaje de Psicosis, donde ningún espectador que lo haya visto podrá olvidar la escena de la ducha, una de las más antológicas de la historia del cine.

Después del estreno de su último film North by Northwest (1959), instigado por algunos críticos que pensaron que quizá podría haber llegado el momento de retirarse, Hitchcock (Anthony Hopkins) se siente obsesionado por filmar la novela Psycho de Robert Bloch, basado en un verdadero asesino de Wisconsin que sirvió de inspiración para la concepción del personaje Norman Bates. Sin embargo, la dificultad de poner en marcha el proyecto se debió al rechazo de los estudios Paramount Pictures para financiarlo. Empecinado en filmarlo, Hitchcock logra superar el obstáculo obteniendo los fondos necesarios a través de un préstamo sobre la hipoteca de su casa que también pertenece a su esposa Alma Reville (Helen Mirren).

Anthony Hopkins animando a Alfred Hitchcock

Simultáneamente con el proceso del casting del film protagonizado por Janet Leigh (Scarlet Johansson) y Anthony Perkins (James D’Arcy), el comienzo del rodaje y lo acontecido a lo largo de su desarrollo, el relato centra su atención en Alma. Ella fue la devota cónyuge quien durante los 30 años de matrimonio -hasta ese entonces- había constituido la fuerza magnética pero oculta que gravitó positivamente en la carrera del realizador. Además de excelente compañera, fue la íntima confidente que leía sus guiones y sugería cambios si fueran necesarios, quien participó anónimamente en las tareas de montaje y estando siempre alerta en todo lo que concernía a la labor fílmica de su marido, quien a su vez prestaba gran atención a sus observaciones.

En lo que concierne a un nivel más íntimo, el relato inserta la relación existente en la pareja destacando jocosamente la obsesión del director por las actrices rubias que no hace mucha gracia a Alma; ella, por su parte -en una situación ficticia introducida por el guión de John J. McLaughlin- comienza a trabajar con su amigo, el escritor Whitfield Cook (Danny Huston), manteniendo un flirteo estrictamente platónico que hace celar a su marido. Aunque estas escaramuzas conyugales podrían distraer levemente del objetivo central del film lo cierto es que ponen de relieve el apoyo moral que Alma brindó a Alfred y que éste sabía muy bien la importancia del valioso aporte profesional y afectivo que ella le brindó.

Volviendo al film, en la dramática escena de la ducha donde Hitchcock prefería prescindir de cualquier fondo musical, es Alma quien lo convence de introducir el tema especialmente concebido por el compositor Bernard Herrmann que en combinación con la imagen proyectada logra que el público cobre una real sensación de horror.

Hitchcock ofrece muchos momentos de humor. Como buen ejemplo bastaría citar la secuencia en que tiene lugar la primera proyección pública del film con el director apostado en el vestíbulo del cine donde se lo exhibe; ahí salta contentísimo como un niño chico al oír y ver la reacción de la audiencia frente al miedo y espanto causado cuando Norman Bates acuchilla salvajemente a la infortunada visitante de su hostería.

La nota emotiva del film está también presente cuando por primera vez en forma expresa Hitchcock reconoce públicamente la contribución fundamental que tuvo su esposa en su vida profesional como realizador.

La interpretación de Hopkins –excelentemente maquillado para la ocasión y brindando un buen parecido físico a la corpulenta presencia física del realizador- capta maravillosamente la personalidad del personaje que anima, en tanto que Mirren aporta calidez y afecto como Alma. Johansson está acertada como Janet Leigh en tanto que D’Arcy aporta la personalidad un tanto ambigua de Perkins que se asocia al rol que interpreta en Psicosis.

Ahora los coleccionistas y fanáticos de Hitchcock tienen oportunidad de apreciar en su hogar el video de esta buena película que viene presentado en un combo conteniendo dos discos en los formatos DVD y Blu-Ray más una copia digital.

Además del film en sí mismo, lo más importante de esta edición radica en los valiosos suplementos contenidos. De gran interés es la presentación de una escena eliminada del film donde Hitchcock se refiere a su madre frente a un psiquiatra que lo está analizando; otros agregados muestran el “detrás de la escena” acontecida durante el proceso de rodaje donde los intérpretes del film, el realizador y el equipo técnico relatan cómo se trató de reproducir el espíritu de lo que realmente aconteció cuando tuvo lugar el rodaje de Psicosis. Para quien no esté al corriente de los secretos de un buen maquillaje, ésta es la oportunidad para seguir atentamente los detalles de uno de los cortos (Becoming the Master: From Hopkins to Hitchcock) sobre esta ardua y dificultosa tarea a fin de lograr que Anthony Hopkins transformara su rostro para adquirir la expresión facial del recordado mago del suspenso. Especialmente significativo es un corto (Hitch and Alma) referido a la especial y entrañable relación sentimental del realizador con su esposa Alma y de qué modo el vínculo conyugal permitió que existiera entre ambos una creativa colaboración profesional. Muy gracioso resulta una escena especialmente filmada para esta edición (Hitchcock Cell Phone PSA) en donde el mago del suspenso solicita a los espectadores de la generación actual que durante la presentación del film se abstengan de escribir textos en sus teléfonos celulares. Finalmente hay un comentario audio con el director Gervasi y el autor Stephen Rebello.

La banda audio es en inglés, español y/o francés con subtítulos optativos en inglés y/o español, salvo los suplementos que no están subtitulados (presentados en inglés solamente).   Jorge Gutman

EL FILM OSCARIZADO EN VIDEO

ARGO. Estados Unidos, 2012. Dirección: Ben Affleck. Distribución: Warner Bros Home Entertainment (2013)

A pesar de que aún el film sigue en la cartelera, ya apareció el video de Argo, que a esta hora todo el mundo sabe que hace pocas semanas ha obtenido el premio más prestigioso de la industria del cine; así, con el Oscar a la mejor producción del año, esta película ha hecho historia porque hace dos meses atrás nadie habría imaginado este desenlace; eso se debió a que su director Ben Affleck no había sido nominado en su categoría y por lo general el premio al film y al mejor director siempre van de la mano. Pero en todo caso teniendo en cuenta que previamente al Oscar ya había recibido los honores de la prensa extranjera de Hollywood (Golden Globes), la de las asociaciones de productores, directores, actores y guionistas, además de haber recibido las distinciones internacionales de Bafta de Gran Bretaña y César de Francia, Argo era número fijo para el Oscar y así resultó.

Como es bien sabido, la película se basa en la crisis de los rehenes americanos que se originó con el asalto armado que estudiantes activistas efectuaron en la embajada de Estados Unidos en Irán el 4 de noviembre de 1979 El film es un muy buen thriller político, expresado con inteligencia, sutileza y excelente humor, permitiendo que la genuina emoción del relato se traduzca en dos horas de eficaz entretenimiento.

Para quien no lo haya visto en sala o desee volver a verlo en su hogar, la edición lanzada al mercado la semana pasada viene en combo con dos discos, uno para el formato Blu-Ray y el otro para el DVD, y con copia digital ultravioleta; igualmente, está disponible separadamente.

Ben Affleck, director y actor protagónico de ARGO

Entre algunos de los materiales adicionales que acompañan a la película, en el formato DVD se incluye un corto de 16 minutos con declaraciones del agente especial de la CIA Tony Méndez que fue el autor del audaz plan que permitió la repatriación de los 6 empleados de la embajada de los Estados Unidos refugiados en la residencia del embajador canadiense en Teherán, del presidente Jimmy Carter y de algunos de los protagonistas reales que al haber estado embarcados en esta odisea narran las dramáticas experiencias que tuvieron que afrontar. En el formato Blu-ray se agregan otros cortos interesantes donde en uno de los mismos Affleck explica el modo en que fue recreada la crisis de los rehenes para ofrecer completa autenticidad al relato; en otro corto el realizador y Méndez exponen detalles sobre cómo se concibió la falsa película de ciencia ficción; no menos interesante es el extenso documento contenido con comentarios adicionales de Affleck y del escritor Chris Terrio quien obtuvo el Oscar por el mejor guión adaptado.

La transposición al video es prácticamente irreprochable con respecto a sonido e imágenes y resulta clara la reproducción de diálogos en las escenas caóticas y/o de considerable multitud.

La banda audio es en inglés y doblada al francés (Blu-Ray) como también al español (DVD); ambos formatos tienen subtítulos opcionales en español, francés e inglés.  Jorge Gutman

LOS INFIELES

LES INFIDELES. Francia, 2012. Dirección: Emmanuelle Bercot, Fred Cavayé, Alexandre Courtès, Michel Hazanavicius, Eric Lartigau, Jean Dujardin y Gilles Lelouche. Distribución: Entertainment One (2013)

Michel Hazanavicius y Jean Dujardin, ganadores del Oscar al mejor director y actor respectivamente por la película The Artist, constituyen el factor de atracción para ver este film, pero lo cierto es que los mismos no pueden rescatarlo de su mediocridad general.

Estructurado en nueve episodios sin unidad alguna y dirigido por siete directores –incluyendo a Hazanavicus y Dujardin- con la participación de cinco guionistas poco inspirados (Jean Dujardin, Stéphane Joly, Nicolas Bedos, Philippe Cavenrivière, Gilles Lellouche), este pretendido análisis de la infidelidad masculina no es más que un mero pretexto para exponer con poca sutileza y dudoso buen gusto un cuadro general de situaciones caracterizadas por su irrelevancia, misoginia y contenido machista.

Gilles Lellouche y Jean Dujardin

Efectuar una narración de cada capítulo resulta innecesario salvo mencionar que todos tienen como común denominador a personajes masculinos casados y que cansados de la vida matrimonial se encuentran ávidos de sexo extraconyugal para matizar su rutinaria existencia; para ello recurren a cualquier pretexto con tal de lograr su objetivo. Si tuviera que decidirme por algún segmento medianamente risueño elegiría el denominado Los infieles anónimos que ilustra una reunión de hombres adúlteros adictos al sexo participando sin mayor entusiasmo en una terapia de grupo coordinada por una sexóloga que no se deja imponer.

Este proyecto reúne en su elenco a Dujardin y Lelouche quienes aparecen en casi todos los episodios; aunque se trata de dos buenos comediantes del cine francés, en este caso no tienen mucho que ofrecer; algo parecido ocurre con Guillaume Canet y Sandrine Kiberlain, quienes aquí se muestran en roles muy pequeños y nada remarcables; quizás una de las actuaciones con aparente profundidad psicológica sea la de Alexandra Lamy donde su personaje llega a mencionar que la obsesión de la burguesía por la fidelidad es algo ya pasado de moda. ¿Será ése el mensaje que el film desea dejar?

A diferencia de los filmes en sketches del cine italiano de la década del 70 que se destacaban por su comicidad, ironía y sarcasmo, el film que nos ocupa carece de ese espíritu y por supuesto es fácilmente olvidable.

El DVD es presentado en francés con subtítulos optativos en inglés y no contiene material adicional.  Jorge Gutman

UN NOMBRE DISCUTIBLE

LE PRÉNOM. Francia, 2012. Dirección: Alexandre de La Patellière y Matthieu Delaporte. Distribución: Entertainment One (2013)

En base a la exitosa obra teatral del mismo nombre de Matthieu Delaporte, este film por él realizado junto a Alexandre de La Patellière trata de lograr la risa de la audiencia a través de un hecho anodino y pintoresco como lo es la elección del nombre de un futuro bebé.

Vincent (Patrick Bruel), un exitoso hombre de negocios, es invitado junto con su esposa Anna (Judith El Zein) a cenar a la casa de su hermana Elizabeth (Valérie Benguigui) y de su cuñado Pierre (Charles Berlling); un tercer invitado es Claude (Guillaume de Tonquedec), un músico amigo de infancia de la familia. El motivo de la reunión es celebrar la futura paternidad de Vincent. Lo que promete ser una amable reunión de amigos desemboca en algo muy diferente cuando al preguntarle el nombre que tendrá la criatura por nacer, Vincent responde que se llamará Adolphe y que fonéticamente se pronuncia Adolf. Los anfitriones, no pueden disimular el espanto que les produce el hecho de que el futuro sobrino portará el mismo nombre que Adolfo Hitler.

Charles Berling y Patrick Bruel

El nombre en cuestión genera una discusión caótica en donde las emociones no pueden ser controladas y los trapitos sucios comienzan a surgir por arte de magia; frustraciones, resentimientos no confesados hasta ese momento y revelaciones inesperadas con verdades no fáciles de admitir convierten a los comensales en protagonistas de una guerra sin cuartel. Si bien la pieza teatral es en esencia una hilarante comedia ácida, la versión cinematográfica no alcanza el mismo impacto porque su poca inspirada adaptación la convierte en teatro filmado sin alcanzar un fluido ritmo; con todo su eficiente reparto y algunos buenos diálogos permiten que el film se aprecie como un tibio entretenimiento.

Carente de material adicional, el DVD se presenta en la versión original francesa o bien doblada al inglés. Subtítulos opcionales en inglés.  Jorge Gutman

UN ATRIBULADO ADOLESCENTE

THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER. Estados Unidos, 2012. Dirección y guión: Stepehn Chbosky. Distribución: Entertainment One (2013)

El director Stephen Chbosky es también el guionista de The Perks of Being a Walflower en base al libro de su autoría de igual nombre. A pesar de incursionar en el difícil período de la adolescencia, un tema muchas veces expuesto en el cine, el resultado obtenido es ampliamente satisfactorio puesto que en pocas oportunidades se lo ha tratado con el nivel de profundidad y de afección como aquí está expuesto.

Transcurriendo en Pittsburgh en 1990, Charlie (Logan Lerman) es el adolescente narrador que cuenta su experiencia durante su primer año de enseñanza media. De naturaleza introvertida y tímida, el muchacho se siente un poco apartado del medio estudiantil y además experimenta una gran tristeza por la muerte de su único buen amigo que se suicidó recientemente. Esa sensación taciturna y de soledad tampoco es transmitida a sus buenos padres y hermanos porque cree que no lo podrían llegar a entender. Con todo, sus primeros pasos como nuevo estudiante resulta estimulante frente al contacto que mantiene con Bill (Paul Rudd), su profesor de inglés, quien descubre en él su interés por la literatura y su talento en ese campo; no menos importante constituye la amistad entablada con dos estudiantes de cursos superiores, Sam (Emma Watson) y Patrick (Ezra Miller) quienes son dos hermanastros que a medida que transcurre el año escolar ayudarán a Charlie para rescatarlo de los sentimientos de inseguridad y de la depresión que lo acosan.

Chbosky refleja con notable autenticidad la crisis existencial de un adolescente demostrando como factores acontecidos en los años de infancia pueden repercutir hondamente en el devenir de una persona, como acontece con el lado oscuro de Charlie a través de sus recuerdos sobre la relación mantenida con una tía trágicamente desaparecida cuando él cumplió 7 años.

Tanto el ambiente familiar como el estudiantil están expresados verazmente, sin apelar a situaciones innocuas ni groseras, como generalmente se ve en gran parte de las películas americanas de este género.

Emma Watson y Logan Lerman

El elenco es muy bueno; Lerman es el intérprete ideal expresando el estado emocional de Charlie así como la ternura que irradia de su persona; no menos acertado es la composición que realiza Miller animando al encantador y excéntrico Patrick en tanto que Watson, dando vida al interés romántico de Charlie, demuestra que después de las aventuras de Harry Potter tiene un futuro promisorio en el cine a juzgar por la buena composición que logra de su personaje.

En resumen: Un muy buen drama sobre el proceso de madurez de un atribulado adolescente.

Como suplementos el DVD incluye comentarios en audio del director/escritor Stephen Chbosky y de los miembros de su elenco, así como algunas escenas eliminadas para su presentación teatral. La banda audio es en inglés y doblada al francés con subtítulos optativos en inglés.   Jorge Gutman 

ADIOS A LA REINA

LES ADIEUX A LA REINE. Francia, 2012. Dirección: Benoît Jacquot. Distribución: Entertainment One (2013)

Ubicándose desde el 14 hasta el 17 de julio de 1789, este drama de época francés de Benoît Jacquot narrra las peripecias vividas por la reina Maríe Antoinette a través de la visión de una de sus más devotas cortesanas.



Virginie Ledoyen y Diane Kruger

Con una excelente reconstrucción de época, el guión de Gilles Taurant basado en la novela de Chantal Thomas ubica al relato en el Palacio de Versalles donde la reina (Diane Kruger) está alojada en el Petit Trianon. Entre todo el personal dedicado a satisfacer hasta sus más mínimos deseos, se halla Sidonie (Léa Seydoux), una joven serena e introvertida que además de actuar como la lectora oficial de Su Majestad, siente una profunda infatuación por ella. Cuando en la mañana del 15 de julio llegan las noticias de París sobre la histórica toma de la Bastilla, comienza el revoloteo palaciego tanto por parte de la nobleza allí radicada que comienza a emprender la retirada, como por parte de la servidumbre que se encuentra alerta de lo que realmente está pasando. Dentro de esa atmósfera especial de incertidumbre sobre cómo los acontecimientos habrían de evolucionar, la trama incluye una relación lesbiana entre la reina y la duquesa Gabrielle de Polignac (Virginie Ledoyen) que es contemplada de muy cerca por Sidonie quien de alguna manera se siente afectada al comprobar que ella significa muy poco en la atención que le dispensa Maríe Antoinette.

Formalmente, la película luce impecable, pero aunque bien filmado el relato carece de verdadera fuerza. A pesar de los dramáticos acontecimientos políticos que se viven y que históricamente son bien conocidos, lo que el film agrega, enfocado desde la perspectiva de la servidumbre del palacio, es anecdótico sin que sin que la orientación sexual de la reina adquiera interés dramático. Además, tampoco hay personajes particularmente atrayentes con los que el público logre identificarse.

El DVD presenta como material adicional una entrevista que Kent Jones, director del festival de cine de Nueva York, efectúa al realizador Benoît sobre el film, así como otras entrevistas realizadas al director y a los actores (Léa Seydoux, Virginie Ledoyen, Xavier Beauvois y Noémie Lvovsky) en el set de filmación.

Audio: Francés. Subtítulos optativos en francés e inglés.  Jorge Gutman

LA RUEDA DE LA VIDA

SAMSARA. Estados Unidos, 2011. Dirección: Ron Fricke. Distribución: Entertainment one (2013)

Samsara es, aparentemente, una palabra sánscrita que significa la rueda de la vida y fue utilizada por el realizador Ron Fricke y el productor Mark Magidson para titular a este film que precisamente alude al ciclo de la vida (nacimiento, muerte y reencarnación) –tal como es concebida por varias religiones asiáticas- y su vinculación con la naturaleza.

A través de este proyecto ambicioso que abarcó casi 5 años, Fricke trasladó sus cámaras a remotas áreas del mundo de 25 países diferentes visitando en gran parte lugares sagrados, ciertas regiones afectadas ecológicamente por sus condiciones desastrosas, grandes complejos industriales así como algunas bellezas naturales de nuestro planeta.

Visualmente, el film maravilla pero también puede frustrar al espectador. En la medida que el realizador prefirió que su documental no fuese dialogado, tratando de que la música utilizada pudiera reemplazar a las palabras, el espectador tiene la oportunidad de contemplar estupendas imágenes pero sin saber donde fueron filmadas.

Ciertamente hay algunos lugares que es posible distinguir por ser bien conocidos a través del National Geographic y otras publicaciones similares. Así se pueden apreciar las maravillosas tomas aéreas de un imponente templo en Myanmar, el trabajo de pintura con arena por parte de monjes budistas que tiene lugar en un monasterio de la India, una breve secuencia enfocando a religiosos orando en el Muro de los Lamentos de Jerusalén, el Himalaya en Nepal o bien las ruinas de Petra en Jordania. Sin embargo, hay otros lugares que a pesar de su gran interés visual no resulta fácil saber dónde están situados. En tal sentido, la ausencia de narración verbal no habría quedado afectada de haber recurrido al empleo de títulos indicativos de cada uno de los sitios filmados, satisfaciendo de este modo la curiosidad de quien está contemplando el film.

Con las salvedades precedentes, el film brinda una experiencia sensorial a la vez que transmite una profunda espiritualidad tratando de demostrar el lugar prácticamente insignificante que ocupa el ser humano en su breve tránsito por la vida frente a la fuerza arrolladora y permanente de la naturaleza. La fotografía del realizador es admirable y mérito similar merece la valiosa e inventiva música de Michael Stearns, Lisa Gerrard y Marcello De Francisci que se adapta muy bien a las imágenes exhibidas.

El DVD viene en dos discos donde uno de ellos es el film en sí mismo en tanto que el otro contiene importante material adicional referido a la producción, edición, música, tecnología y comentarios de los responsables de este proyecto.  Jorge Gutman

A ROMA CON AMOR

TO ROME WITH LOVE. Italia-Estados Unidos, 2012. Dirección y guión de Woody Allen. Distribución: Sony Pictures Home Entertainment (2013)

Esta nueva comedia de Woody Allen no se encuentra entre las más destacadas de su filmografía pero de todos modos se defiende por la ingeniosidad de sus diálogos y por un relato que aunque no del todo parejo llega a entretener lo suficientemente como para no decepcionar al público adicto a sus filmes.

Sin disimular el carácter de tarjeta postal que dedica a la ciudad eterna donde no faltan  las típicas vistas de Piazza Spagna, la Fontana di Trevi, Trastevere, el Coliseo así como otras atracciones que embellecen a Roma, Allen estructuró su film en torno a 4 breves historias que allí tienen lugar. Las mismas no están vinculadas entre sí ni tampoco transcurren en igual período de tiempo, pero sirven como excusa para ilustrar algunas de las preocupaciones y obsesiones que le son caras a Allen.

De sus episodios, el más logrado por sus gags visuales y por la hilaridad que emana de algunas situaciones espontáneas es aquél en que Allen anima a Jerry, un director de ópera ya retirado que junto con su esposa psiquiatra (Judy Davis) viajan a Roma para conocer al novio italiano (Flavio Parenti) de su hija (Alison Pill). Cuando Jerry llega a encontrar al padre de su futuro yerno (Fabio Armiliato) descubre que tiene una hermosa voz de tenor que solamente se aprecia cuando canta bajo la ducha.

En otro segmento, se contempla a John (Alec Baldwin), un arquitecto que visita Roma y que después de conocer a Jack (Jesse Eisenberg), un joven estudiante de arquitectura que vive en pareja con Sally (Greta Gerwig), por imperio de las circunstancias se convierte en su imaginario amigo.

Un tercer capítulo presenta a Antonio y Milly (Alessandro Tiberi, Alessandra Mastronardi), una pareja de recién casados que llegan a Roma para visitar a los familiares del novio. Cuando ella decide ir a la peluquería y Antonio decide aguardarla en la habitación del hotel, inesperadamente éste recibe por equivocación la visita de una prostituta de lujo (Penélope Cruz) quien lo confunde con un cliente.

Roberto Benigni

La restante historia es una sátira al culto de la celebridad, donde Roberto Benigni anima a un hombre de familia que súbitamente se convierte en una popular figura de la televisión.

En forma global, los cuatro episodios se prestan para que el realizador recurra sin innovar a temas que ya consideró en otras oportunidades pero con el talento y la chispa que lo caracteriza. De este modo salen a relucir sus frustaciones con  el psicoanálisis,  el adulterio, los sentimientos de culpa, la vacuidad de la celebridad y otros temas afines, todos ellos tratados en forma liviana y sonriente. El film no está exento de algunos clichés pero los mismos están compensados por  sus brillantes diálogos, las referencias intelectuales que como de costumbre el realizador suele deslizar en sus filmes y la inclusión de algunos extractos de ópera (arias de I Pagliacci de Leoncavallo y Turandot de Puccini) confirmando la pasión que siente el director por el género lírico.

Como de costumbre, el elenco que Allen reúne en sus filmes es inobjetable, hecho que nuevamente se constata aquí donde su participación como actor permite que el  público tenga oportunidad de divertirse con su presencia.   

El video ha sido editado en los formatos Blu-ray y DVD. Audio: Inglés y Francés. Subtítulos opcionales en varios idiomas, incluyendo el francés, inglés y español.  Jorge Gutman

UN CLASICO INMORTAL

LES MISERABLES. Estados Unidos, 1998. Dirección: Bille August. Distribución: Sony Pictures Home Entertainment (2012)

Comentario de Jorge Gutman

Anticipándose al lanzamiento del drama musical que se conocerá en pocos días más, Sony Pictures lanzó al mercado el film Les Miserables realizado en 1998 por el director danés Bille August en el formato Blu-Ray. La célebre novela de Víctor Hugo fue objeto de innumerables versiones, siendo la presente una de las mejores que se hayan conocido.

Valiéndose del la adaptación realizada por Rafael Yglesias y condensando en su guión los aspectos más importantes que Hugo transmite en la novela, August claramente expone las consideraciones éticas de la novela incluyendo la implícita crítica a un sistema judicial obsoleto, la moral de una época definida por discutibles comportamientos sociales que tienden a castigar a los desposeídos, la denuncia que realiza su autor sobre la deshumanización imperante en la Francia de principios del siglo 19 así como su respuesta defendiendo la causa de aquellas personas de bajo nivel social que viven oprimidos sin que se les ofrezca oportunidad alguna para modificar su suerte.

Como es bien conocido, la esencia de la obra literaria descansa en la persecución implacable de un severo funcionario policial a un ex convicto socialmente reformado. August contó con la colaboración de dos impecables actores que logran transmitir la completa dimensión y riqueza psicológica que el gran escritor creara en las personalidades de estos dos personajes claves.

Liam Neeson ofrece su presencia física así como emocional a Jean Valjean , un hombre que habiendo perdido su humanidad durante los años de prisión y el duro tratamiento al que fue sometido, logra su redención por el ejemplo de un clérigo, convirtiéndose en un generoso benefactor de la sociedad. No menos importante es la caracterización que ofrece Geoffrey Rush en la figura del inspector Javert, un rígido servidor de la justicia que no puede llegar a admitir la posibilidad de rehabilitación de una persona y que como patético moralista que teme infringir la ley, no puede vencer sus demonios internos que le están agobiando.

Liam Neeson y Claire Danes

Los otros personajes de la novela encuentran también eficientes actores en la actual versión. Ése es el caso de Uma Thurman dando vida a la trágica Fantine, en tanto que Claire Danes brinda encanto y frescura al rol de Cosette, que habiendo quedado huérfana encontrará en Valjean la figura de un padre adoptivo que la adora y le prodiga profundo afecto y ternura al propio tiempo que trata de protegerla de los amores que siente por Marius (Hans Matheson) un joven combatiente contra el orden imperante en los convulsionados tiempos de la revolución parisina de 1832.

En esencia, August logró reflejar este profundo drama humano dotándolo de un ritmo ágil y fluido que permite concentrar su interés a lo largo de sus dos horas y 15 minutos de duración.

En su formato Blu-ray las imágenes en alta definición son decididamente más claras y de mejor resolución que las logradas a través del tradicional DVD. La única objeción a la presente edición es que prácticamente no existe material adicional salvo un pequeño corto de 3 minutos y medio –A first Look at Les Miserables- que se asemeja a un trailer, sin agregar nada significativo o de especial interés. 

UNA FABULA ENCANTADORA

CINDERELLA. Estados Unidos, 1950. Dirección: Wilfred Jacckson, Hamilton Luske, Clyde Geronimi. Distribución: Disney (2012)

Aunque el célebre cuento concebido por el escritor francés Charles Perrault, haya sido objeto de numerosas versiones, orales y escritas, Cinderella -el film de animación de los estudios Disney de 1950, es posiblemente el más memorable.

A 62 años de su estreno, nuevas generaciones pueden apreciar esta fábula encantadora ya sea a través de reposiciones que tuvieron lugar en variadas ocasiones o bien mediante su edición en video En esta oportunidad, hace pocos días fue lanzado al mercado la colección Diamant que además de incluir el disco con formato DVD, también incluye un disco adicional donde por primera vez aparece en formato Blu-Ray.

No es necesario brindar una sinopsis sobre el contenido de Cenicienta. Quien más, quien menos, todos están al tanto de las peripecias sufridas por una angelical jovencita quien tras la muerte de su padre queda a merced de su cruel madrastra y sus dos hermanastras que la odian y la explotan como si fuese una esclava; todo cambiará el día en que con la valiosa ayuda de un hada madrina, la jovencita tendrá ocasión de acudir al baile del palacio real y deslumbrar con su presencia al Príncipe Encantador quien cree ver en ella a la esposa ideal para compartir su vida; tras algunos obstáculos con la llegada de la medianoche, todo quedará superado para el feliz desenlace, tal como se estila en los clásicos cuentos de hadas.

Volviendo a apreciar el film, se puede afirmar que el mismo conserva intacta su frescura original, aunque eso no implique que resulte totalmente perfecto; así, losdirectores bien pudieron haber eliminado unos quince minutos de metraje con las peleas entre los simpáticos ratoncitos Gus y Jacques, amigos de Cenicienta, y el malvado gato Lucifer, que en realidad poco tienen que ver con la parte esencial del cuento. Pero se trata simplemente de una observación que de ningún modo desmerece al film, que sigue manteniendo un encanto especial para que los niños de esta generación acompañados de sus familiares puedan disfrutar de su visión, del mismo modo como nuestros padres y abuelos lo gozaron en ocasión de su estreno.

Aunque sin registrar números musicales magistrales (como en el caso de Blancanieves), de todos modos el tema Bibbidi-Bobbidi-Boo queda bien grabado en el oído del espectador. En cuanto a la animación, es sin duda excelente, sobre todo si se tiene en cuenta que a mediados del siglo pasado se carecía de los dispositivos tecnológicos que hoy se obtienen con imágenes logradas por computación.

El traspaso de esta joyita al video es irreprochable tanto en lo que hace a textura, los vívidos colores realzados por la alta definición y la calidad del sonido.

El material extra incluido no ofrece nada relevante; lo más destacable se encuentra en un agrdable corto animado (5 minutos) Tangled Ever After, y en Behind the Magic: A New Disney Princess Fantasyland  (8 mintuos) que es un adelanto de lo que será a partir de la primavera de 2014 el inmenso espacio dedicado a la nueva Fantasilandia, para la reproducción escénica de algunas de las películas más famosas de los estudios Disney.

La banda de sonido de ambos formatos es en inglés, francés y español, en tanto que existe la opción de subtítulos en los mismos idiomas, con excepción de los suplementos que pueden estar subtitulados en francés o inglés.  Jorge Gutman

LA FE, LA RELIGION Y LA MISION PAPAL

HABEMUS PAPAM. Italia-Francia, 2011. Dirección:  Nanni Moretti. Distribución: Entertainment One (2012) 

Una comedia humana, hilarante y muy emotiva es la que Nanni Moretti ofrece en Habemus Papam, un relato que trata de humanizar la figura del Sumo Pontífice.

Su título se refiere a las clásicas palabras pronunciadas en latino cuando se produce la elección de un nuevo papa e inmediatamente se procede a difundir la noticia. Recurriendo a material de archivo, las escenas iniciales muestran el funeral de Juan Pablo II para dar paso de inmediato al cónclave de los cardenales que tiene lugar en la Capilla Sixtina a fin de elegir a quien habrá de sucederlo.

Con algunos toques risueños bien logrados, se aprecia a ciertos cardenales deseosos de no ser elegidos. Entre los mismos se encuentra el Cardenal Melville (Michel Piccoli), un hombre cuyo rostro trasunta una profunda nobleza y gran humildad. Cuando al cabo de varias fumatas negras el cónclave llega a un consenso, el elegido es precisamente Melville. Aunque acepta inicialmente la sagrada investidura, no está preparado para salir al balcón para darse a conocer y bendecir a la multitudinaria muchedumbre congregada en la Plaza de San Pedro. De algún modo aunque teóricamente hay un nuevo Papa, hasta que el mismo no aparezca públicamente, su identidad no puede ser revelada.

A partir de ese momento se observa al electo Papa perplejo y dudoso, presa de un estado de completa angustia al creer que no podrá cargar sobre sus hombros la gran responsabilidad que le aguarda en el cumplimiento de sus obligaciones. Para destrabar la inesperada situación, el vocero del Vaticano convoca a un eminente psiquiatra (Nanni Moretti) para que ayude a solucionar la crisis tratando de determinar lo que realmente aqueja al electo Papa; a pesar de los esfuerzos realizados no se llega a resolver el problema.

Es aquí que el guión escrito por el realizador con Francesco Piccolo y Federica Pontremoli recurre a un artificio que en cierta forma trae recuerdos del film “Roman Holiday” (1953) donde una princesa (Audrey Hepburn) visitando Roma logra zafarse del entorno que la rodea para visitar por su cuenta la ciudad. Aquí, Melville, vestido de civil, logra escabullirse del Vaticano dejando atrás a sus escoltas para deambular por la ciudad eterna como cualquier otro hombre común y corriente lo haría. Es en ese entonces que el film alcanza una dimensión humana inusitada; a través de los contactos circunstanciales que Melville mantiene con los pasajeros de un bus, su encuentro con un sacerdote y con un grupo de actores representando una obra de Chejov que le hace recordar su pasión por el teatro, le permitirá ayudar a aclarar qué es lo que más desea en su vida y qué decisión deberá adoptar de acuerdo a sus principios morales.

A nivel interpretativo Piccoli está impagable como el hombre agobiado por la responsabiidad que le aguarda. En los elementos técnicos, tanto la fotografía, como el vestuario, banda de sonido y diseños de producción reproduciendo los salones del Palacio Apostólico así como los interiores de la Capilla Sixtina, jerarquizan los valores del film.

Aunque algunas escenas de tono caricaturesco puedan resultar discutibles, Moretti ha logrado un film de calidad con importantes reflexiones personales sobre la fe, la religión y sobre la misión a cumplir por parte del representante de Dios en la tierra, manteniendo un buen equilibrio entre el drama, humor y cierta irónica mordacidad.  

El DVD que acaba de editarse es presentado en su versión original italiana con subtítulos optativos en francés e inglés.  Jorge Gutman

UN FILM EXCEPCIONAL

A SEPARATION. Irán, 2011. Un film escrito y dirigido por Asghar Farhadi. Elenco: Peyman Moadi, Leila Hatami, Sareh Bayat, Sarina Farhadi, Ali-Asghar Shahbazi. Distribuidora: Sony Pictures Home Entertainment

Este film es una obra maestra del cine. Además de exponer problemas éticos y morales de difícil resolución obliga a reflexionar de qué modo pequeños detalles no bien encaminados pueden generar complicaciones superiores sin que sea posible culpar a nadie porque cualquiera sea la posición asumida hay razones que justifican el comportamiento adoptado por los personajes de esta historia.

Utilizando el enfoque de una novela detectivesca, el guión del realizador Asghar Farhadi mantiene en vilo al público constantemente. Pero lejos de saber “quién lo hizo” o “quién es el asesino”, Farhadi se aparta de Hitchcock o de Agatha Christie al ofrecer una intriga que se aleja de criminales o malhechores para en cambio basarse en la conducta humana. Desde esa óptica el cineasta plantea en su relato preguntas que no encuentran respuestas concretas o específicas; eso es debido a las contradicciones y actitudes a veces desconcertantes que son la esencia de la condición humana.

La acción que se desarrolla en Teherán presenta en sus primeras imágenes a un matrimonio de clase media que se encuentra ubicado frente a un juez a quien se le oye pero no se le ve. Simin (Leila Hatami) plantea al magistrado su deseo de obtener el divorcio de su marido Nader (Peyman Moadi) a pesar de que reconoce que es un hombre decente y honesto. La discordia es debida al hecho de que la pareja ha obtenido una visa para salir del país y mientras que ella está ansiosa de hacerlo cuanto antes, él se niega porque no puede dejar desamparado a su anciano padre (Ali-Asghar Shahbazi) que vive con ellos y está afectado por el mal de Alzheimer. Aunque Nader está dispuesto a conceder la petición de su esposa, sin embargo rehúsa a que ella parta con la hija de 11 años (Sarina Farhadi) de ambos; de allí que el juez no pueda otorgar el divorcio en ese momento recomendando al matrimonio para que se ponga de acuerdo a fin de adoptar posteriormente una decisión final. Frente al problema no resuelto, Simin resuelve dejar el domicilio conyugal, forzando a Nader a tener que contratar a una persona para que se ocupe de cuidar a su padre mientras él está ausente trabajando.

De la premisa inicial descripta el relato adopta un matiz más complejo con el personaje de Razieh (Sareh Bayat), la empleada domestica que diariamente vendrá a ayudar al padre de Nader. Ella es una mujer perteneciente a una clase social muy inferior a la de su patrón y que acepta ese empleo sin que lo sepa su marido (Shahab Hosseini), –de naturaleza emocional y un tanto violento- porque está desocupado; además, a diferencia de la actitud liberal y secular de Nader y Simin, Razieh es una devota musulmana, hecho que la pone en dificultades cuando el anciano ensucia sus pantalones y no se decide a cambiarlo sin consultar a la autoridad religiosa.

A medida que avanza el metraje, el libreto introduce una concatenación rápida de acontecimientos que van adquiriendo un cariz dramático cada vez más intenso y apasionante. Así, el director ofrece amplio margen para que el espectador medite sobre lo que va observando aunque es difícil de juzgar con completa objetividad porque cada persona encontrará razones suficientes para comprender y justificar las virtudes y falencias de los personajes involucrados.

A través de la expectativa creciente que se va creando para saber cómo concluirá el relato, el público se encuentra complacido al comprobar cómo no hay nada que quede suelto y de qué modo Termeh, la tranquila niña que va adquiriendo una fortaleza y madurez notable a medida que el film se desarrolla, como testigo silencioso de lo que está aconteciendo deberá adoptar la difícil decisión de elegir con cuál de sus padres habrá de vivir.

He aquí el ejemplo de un film absorbente y denso pero de ninguna manera difícil de seguir. Con una puesta escénica inobjetable, Farhadi ha adoptado una narrativa sencilla que permite transmitir lo que se propone, permitiendo a que el público pueda empatizar de inmediato con sus personajes que son interpretados por un elenco de magníficos actores. Cabe agregar que al margen de la historia central, el film se valoriza por haber abordado con meridiana claridad las diferencias sociales y religiosas imperantes en un país donde los valores culturales tradicionales conviven con los modernos. No menos destacable es que si bien lo expuesto transcurre en Irán, lo que se ilustra alcanza validez universal.

Habiendo obtenido el premio máximo en el Festival de Berlín del año pasado, la Academia Hollywood lo ha distinguido con el Oscar al mejor film extranjero de 2011.

El DVD contiene como material suplementario comentarios del director, así como una entrevista efectuada por Andrea Grossman (Una velada con Asghar Farhadi) sobre la génesis del film y los diferentes aspectos relacionados con las características de los personajes involucrados en el mismo.

La presentación es en versión original farsi o bien doblado al francés, con subtítulos optativos en francés e inglés. Jorge Gutman

LA GUERRA CONTRA LA MUERTE

LA GUÈRRE EST DECLARÉE. Francia, 2011. Dirección: Valérie Donzelli. Distribución: Entertainment One/Seville (2012)

Aunque el duelo de haber perdido un hijo o estar por perderlo frente a una implacable enfermedad ya ha sido visto en más de una oportunidad, esta película tiene la característica de ser parcialmente autobiográfica donde la realizadora Valérie Donzelli traslada al cine los dramáticos años vividos al lado de su compañero Jérémie Elkaim en la lucha entablada para combatir el cáncer cerebral que afligió al pequeño hijo durante varios años.

El relato de ficción se basa en el guión escrito por ambos y también ha sido animado por ellos aunque los nombres utilizados sean diferentes. Todo comienza cuando Romeo (Elkaim) y Julieta (Donzelli) se conocen en un club nocturno y hacen referencia a la coincidencia de llamarse como los protagonistas del drama shakesperiano. Dicho encuentro produce el inmediato flechazo del amor a primera vista y lo cierto es que la vitalidad, entusiasmo y alegría de vivir que los anima se contagia fácilmente al público que los observa y que simpatiza con ellos.

La felicidad de la pareja se refuerza con la llegada de Adam (César Desseix), un infante que al poco tiempo de nacer llama la atención por estar llorando en forma permanente sin que sus padres puedan llegar a calmarlo; sin embargo, en un comienzo nada parece predecir que esa anomalía refleje aspectos que lleguen a alarmar; no obstante, cuando el bebé comienza a vomitar sin aparente causa, es sometido a un escáner cerebral que delata la presencia de un tumor maligno.

¿Cómo se reacciona frente a un drama semejante donde está en juego la vida de un hijo? A partir del temible veredicto, comienza para la pareja la etapa más dura tratando de aunar toda la fuerza posible y desplegando la máxima energía en el difícil trance de querer combatir todos los inconvenientes que presenta el tratamiento anticanceroso; todo ello dentro de un contexto donde las manifestaciones de solidaridad, apoyo y estímulos que surgen de sus familiares y amigos adquieren un importante rol.

El mérito de la realizadora es haber abordado el relato desdramatizándolo a través de situaciones de espontáneo humor. Aunque el film no deja de ilustrar la maquinaria burocrática del sistema hospitalario francés, la narración privilegia más el esfuerzo realizado por los padres conviviendo con la enfermedad del pequeño antes que enfatizar en los procedimientos médicos.

Los momentos de máxima tensión así como de profunda emoción surgen cuando Adam debe ser sometido a la intervención quirúrgica y los padres tratan de mantener una actitud esperanzadora con relación a la supervivencia del niño. Lo importante es que todo queda expuesto con sobriedad sin que el inherente aspecto sentimental de la situación planteada llegue a desbordar.

Tanto Donzelli como Elkaim se manifiestan con completa naturalidad; aunque este hecho no llega a sorprender al reproducir la odisea por la que atravesaron, con todo resulta audaz y valeroso que ellos mismos hayan resuelto representarse a sí mismos; también resulta inobjetable la actuación del pequeño Desseix y es muy emotivo apreciar el breve rol de Gabriel Elkaim encarnando, ya crecido, al hijo verdadero de la realizadora y de Jérémie.

El tono de liviandad del film utilizado por Donzelli, la simpatía que despiertan sus reales personajes y la atractiva banda sonora lo convierten, a pesar de su tema, en un terapéutico cuento de hadas que reafirma en todo momento el amor a la vida. Jorge Gutman

LA REFACCION DE UN ZOOLOGICO

WE BOUGHT A ZOO. Estados Unidos, 2011. Dirección: Cameron Crowe. Distribución: 20th Century Fox Entertainment (2012)

El director Cameron Crowe brinda un film donde destaca los valores de la familia a través de un relato que sin ser remarcable de todos modos se destaca por su honestidad. La trama gira en torno de Benjamin (Matt Damon, en la foto) un hombre joven que después de la muerte de su señora a causa de un cáncer cerebral decide dejar su empleo en la ciudad de Los Ángeles para trasladarse a un ámbito rural con sus dos hijos, el adolescente Dylan (Colin Ford) y la pequeña Rosie de 7 años (Maggie Elizabeth Jones); allí compra una casa que incluye a la vez un pequeño zoológico en franca decadencia, cerrado al público. Los esfuerzos en tratar de recomponerlo para que las familias de la zona puedan volver a disfrutarlo, así como resolver los problemas financieros del personal no pagado liderado por Kelly (Scarlett Johansson), la guardiana del zoológico, y los problemas que surgen de tener que lidiar con aproximadamente 200 animales, es lo que conforma el núcleo central del relato.

Sin haber reinventado el género, el director tiene la habilidad necesaria para transmitir una historia que a pesar de ciertos clisés deja una sensación de bienestar y calidez debido a la humanidad del relato y a las buenas actuaciones del elenco, en especial la de Dammon.

El DVD presenta como material adicional un corto de 23 minutos donde participan los artistas del film, entre ellos Matt Dammon, Scarlett Johansson y J. B. Smoove, así como el director Cameron Crowe y el editor Mark Livolsi. También interviene parte del equipo técnico encargado del proceso de coordinación y adiestramiento de los animales explicando detalles sobre el proceso de adiestramiento de leones, tigres, osos y otros animales del relato, sin necesidad de tener que exponer las vidas de sus integrantes.

La banda audio es en inglés, francés y español, conteniendo subtítulos optativos en inglés para los discapacitados en materia de audición y español. Jorge Gutman

UN DIOS VIOLENTO

CARNAGE. Francia-Alemania-Polonia-España, 2011. Dirección: Roman Polanski. Distribución: SONY Pictures Home Entertainment (2012)

Por Jorge Gutman

Resulta difícil sustraer la favorable impresión que me causó Le Dieu du Carnage, la pieza teatral de la dramaturga francesa Yasmina Reza, apreciada en francés y posteriormente en inglés. De allí que ahora, después de haber visto el film de Roman Polanski basado en la mencionada obra, no puedo menos que expresar mi gran satisfacción al comprobar la precisión con que el traslado al cine fue efectuado. Se trata de una pieza de cámara donde todo su desarrollo queda confinado a un solo escenario; sin embargo lejos de resultar claustrofóbica, la versión cinematográfica adquiere vuelo propio debido a la forma en que ha sido abordada. Polanski, valiéndose del guión por él escrito conjuntamente con Reza, para disimular su estructura teatral ubica las cámaras de tal modo que contribuye a que el espectador olvide por completo que está presenciando teatro filmado.

La historia de Reza es una ácida y lúcida descripción de las manifestaciones deplorables que pueden adquirir las relaciones humanas cuando la racionalidad cede paso al instinto animal.

A diferencia de la pieza teatral, el film transcurre en Nueva York en lugar de París y comienza con una secuencia que se desarrolla en un parque donde dos preadolescentes de 11 años de edad se pelean y uno de ellos golpea con un palo la cara del otro haciéndole perder dos dientes. De allí en más todo transcurre en el departamento de Penelope (Jodie Foster) y Michael Longstreet (John C. Reilly), los padres del chico golpeado, quienes reciben la visita de Nancy (Kate Winslet) y Alan Cowan (Christoph Waltz), los progenitores del niño victimario. .El encuentro tiene como propósito redactar en conjunto una carta al comité disciplinario de la escuela testimoniando lo ocurrido como así también tratar de que ambas parejas lleguen a una solución conciliatoria y pacífica.

Los dos matrimonios son clásicos representantes de la mediana burguesía. Penelope es una escritora de libros de derechos humanos, su marido un vendedor de productos hogareños, mientras que Nancy es una inversionista y Alan es abogado de una importante compañía farmacéutica. En nombre de las buenas maneras, todo comienza en forma decorosa y civilizada donde la conversación se ameniza con café y un postre servido por los dueños de casa. Cuando se cree que todo ha queda resuelto y los visitantes están por irse, surgen factores que los retienen retornando al departamento. A medida que la reunión se prolonga más allá de lo necesario comienzan a surgir comentarios incidentales de los dueños de casa hacia el hijo de los Cowan que hieren la sensibilidad de sus padres; eso comienza a desencadenar una guerra de nervios y tensiones donde los desencuentros iniciales de Penelope y Alan alcanzan niveles de discordia para luego irse extendiendo al resto del grupo.

El film que transcurre en tiempo real intercala las desavenencias de las partes involucradas entremezclados por inoportunos llamados que recibe Alan en su teléfono celular y de las comunicaciones que a su vez él efectúa, ignorando por completo la presencia de su esposa y de los dueños de casa; asimismo las conversaciones y altercados se entrecortan momentáneamente por parte del continuo llamado de la madre de Michael que en medio de la enrarecida atmósfera en que la reunión se desarrolla contribuye aún más a exacerbar los ánimos ya caldeados.

Dentro de la vorágine de situaciones que se van sucediendo en el transcurso del relato se va asistiendo a la desintegración de cuatro seres donde cada una de las parejas ataca a la otra además de las recriminaciones que se producen entre maridos y cónyuges; eso origina situaciones jocosas pero decididamente patéticas al demostrar cómo un incidente serio pero no catastrófico ponen en evidencia la fragilidad de las relaciones humanas entre personas que se muestran incapaces de resolverlo.

La autora de esta obra impone a sus protagonistas un gran desafío debido a las tensiones escénicas y los movimientos físicos a que están sujetos los protagonistas durante todo el metraje. En tal sentido la labor de los 4 intérpretes es de antología y resultaría injusto resaltar la actuación de cualquiera de los actores en detrimento de los restantes; Tanto Relly como Foster, Winslet y Waltz configuran un verdadero póquer de ases viviendo intensamente y con absoluta naturalidad sus respectivos personajes, mereciendo el respeto y decidida aprobación del público que los contempla.

A diferencia de la impresión de tristeza que deja la obra teatral, Polansky y Reza han introducido un ingenioso epílogo donde asoma una luz de esperanza. Mejor así.

El DVD ofrece como material suplementario el comentario de los 4 actores sobre las características de sus respectivos personajes y la relación de trabajo con el realizador del film (Actors’ Notes) y una entrevista realizada por Jenelle Riley a John C. Reilly y Christoph Waltz (An Evening with John C. Reilly and Christoph Waltz).

La banda audio del film es en inglés/francés con subtítulos optativos en ambos idiomas.

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LA DIFÍCIL REINTEGRACION A UNA VIDA NORMAL

Martha Marcy May Marlene. Estados Unidos, 2011. Dirección: Sean Durkin. Distribución: 20th Century Fox Entertainment (2012)

Viendo este film uno no puede olvidar la tragedia acaecida el 18 noviembre de 1978 cuando más de 900 miembros pertenecientes a una comunidad denominada Jonestown ubicada al noreste de Guyana y que conformó un culto liderado por Jim Jones, fueron obligados a suicidarse colectivamente. Aunque sin llegar a ese drástico final, algo semejante aborda el director y guionista Sean Durkin enfocando el problema de una joven que después de haber vivido una alucinante y dolorosa experiencia trata de reintegrarse a una vida normal.

Dentro de un clima de suspenso psicológico, el realizador ofrece un relato elíptico y enigmático enfocando al personaje principal de la historia. Martha (Elizabeth Olsen), rebautizada como Marcy May en una comunidad rural donde vivió durante un cierto tiempo, ha logrado fugarse de ese “paraíso artificial” tras haber experimentado una existencia opresiva, violenta y explotada por el patriarca (John Hawkes) de la misma. Intentando comenzar una nueva etapa de su vida busca refugio en la casa campestre cercana a un lago que tiene su hermana Lucy (Sarah Paulson) y que la comparte con su marido Ted (Hugh Dancy).

El film se desplaza entre pasado y presente para captar lo que le pasó a la joven y comprender mejor el tremendo trauma que la aflige. Sin embargo, nunca llega a explicar los motivos que la impulsaron a formar parte de la secta.

Debido a su extraño comportamiento, la relación de Martha con su hermana y cuñado está sembrada de tensión aunque nunca llega a conformar plenamente; con todo, el film, impecablemente dirigido por Durkin, logra su propósito de ilustrar el estado de confusión mental y emocional de una joven que habiendo sido objeto de un lavado cerebral, le resulta difícil reinsertarse a una existencia normal. Olsen se destaca como la trastornada joven en tanto que Hawkes se distingue como el carismático líder del culto que de afable en un comienzo se convierte posteriormente en un monstruoso psicópata.

Como material suplementario el DVD incorpora el corto de 14 minutos Mary Last Seen realizado por Durkin en 2009, donde describe el viaje de una joven que es llevada a una granja rural de similar naturaleza a la de Martha en el presente film.

La banda audio es en inglés, español o francés, con subtítulos optativos en español e inglés. Jorge Gutman

UN AUDAZ ASALTO

L’assaut. Francia, 2010. Dirección: Julien Leclercq. Distribución: Seville Films (2012)

Un dramático episodio que bien puede ser considerado como prólogo a la tragedia de septiembre de 2001, es lo que narra este film basado en hechos verídicos. El 24 de diciembre de 1994 un comando integrado por miembros del Grupo Islámico Armado liderado por Yahia (Aymen Saidi) se apodera en Argel de un avión de la línea aérea Air France que se aprestaba a partir a París, tomando como rehenes a la tripulación y sus 227 pasajeros a bordo. Aunque lo que los terroristas exigían para revertir la situación era la liberación de dos camaradas de armas, la intención verdadera era estrellar el avión en la Torre Eiffel.

La terrible odisea que se prolongó por espacio de 40 horas con la ejecución de tres rehenes, culmina el 26 de diciembre en el aeropuerto Marignane de Marsella, cuando agotadas las negociaciones con los secuestradores, se produce el asalto a la aeronave por parte del Grupo de Intervención de la Gendarmería Nacional de Francia, poniendo de esa manera un punto final al grave conflicto.

Paralelamente al tema central, el film desarrolla dos historias conexas bien intercaladas. Una de las mismas está referida a Thierry (Vincent Elbaz), uno de los miembros de las fuerzas francesas que participa en el asalto final, presentándolo en la intimidad familiar con su señora (Marie Guillard) e hijita, en tanto que la otra se refiere a una funcionaria del Ministerio de Interior de Francia (Melanie Bernier) quien debe mostrar su eficacia frente a la operación de rescate que se está preparando.

Filmado con cámara al hombro y con visceral energía, el realizador logra un film de suficiente tensión y suspenso, sobre todo en los últimos 20 minutos donde el asalto se realiza delante de millones de televidentes quienes están a la expectativa de lo que habrá de acontecer.

Dada su duración relativamente breve de 90 minutos, el relato no permite una exhaustiva profundización de todos sus personajes; sin embargo, eso no impide que proporcione la cuota dramática y emocional necesaria como para mantener una constante atención y producir un film satisfactorio.

El DVD es presentado en su versión original francesa con subtítulos opcionales en francés o inglés. Jorge Gutman

DOS RECORDADOS TITULOS DE WOODY ALLEN

Annie Hall (1977). Manhattan (1979). Dirección: Woody Allen. Distribución: 20th Century Fox Home Entertainment (2012)

Por primera vez se han editado en formato Blu-ray, dos filmes emblemáticos de Woody Allen. El primero de ellos es Annie Hall, uno de los títulos más logrados en la carrera del veterano realizador. Esta película constituyó el comienzo de una nueva etapa para Allen porque a partir de la misma, deja de lado sus relatos esencialmente cómicos y menos estructurados para abordar temas de mayor gravitación.

El guión de Allen y Marshall Brickman describe el vínculo sentimental que une a Alvy Singer (Allen) un cómico y neurótico neoyorkino, con Annie Hall (Diane Keaton), una joven aspirante a cantante, donde ambos tienen en común una suerte de inseguridad personal y el temor a un compromiso emocional que pueda trastocar sus vidas. A través de esos dos personajes el film analiza las características de las relaciones personales de jóvenes superando los 30 años de edad que no están muy seguros de que el matrimonio constituya la solución para lograr la felicidad. Con un incisivo humor y brillantes diálogos, el film deja una sensación melancólica y agridulce al demostrar las dificultades que se presentan para lograr una estable y duradera relación de pareja. Annie Hall logró un gran éxito de crítica y del público quien se hizo eco de los sentimientos que animan a sus personajes. Obtuvo 4 Oscars de la Academia de Hollywood, incluyendo el de la mejor película, dirección, guión y actriz principal.

De algún modo Manhattan vuelve sigue los pasos del film precedente. En este caso, Allen rinde tributo a Nueva York y especialmente a Manhattan, el lugar donde transcurrió la mayor parte de su vida. Nuevamente el realizador y Marshall Brickman son los guionistas y en este caso enfocan a Isaac Davis (Allen) un escritor de televisión de más de 40 años de edad que después de haber sido abandonado por su esposa (Meryl Streep) que se unió a una lesbiana, ahora está conviviendo con una adolescente de 17 años (Mariel Hemingway). Cuando su mejor amigo Yale (Michael Murphy) decide romper una relación adúltera mantenida con Mary (Diane Keaton), una atractiva mujer, Isaac decide ocupar su lugar.

Nuevamente Allen considera aquí los vaivenes sentimentales de personajes que aunque intelectualmente cultos no están lo suficientemente maduros emocionalmente para mantener una relación de pareja estable y duradera. Si bien el tema no alcanza a sorprender porque es una variante de lo que se apreció en “Annie Hall”, el texto en cambio está enriquecido por su sarcasmo, ironía, ingeniosidad y sus excepcionales diálogos que incluyen jugosas referencias culturales, especialmente en materia de cine. El director de fotografía Gordon Willis ha captado maravillosamente en blanco y negro la belleza de Manhattan y la Rapsodia en Blue de George Gershwin constituye la mejor partitura que pudo haber elegido Allen como homenaje a su amada ciudad.

Técnicamente, la transferencia de ambos filmes al formato Blu-ray es muy buena en términos de claridad y nitidez. La banda audio de las dos películas es en inglés, francés, y español con subtítulos optativos en los mismos idiomas. Jorge Gutman

EL SEGUNDO FILM DE ORSON WELLES

THE MAGNIFICENT AMBERSONS. Estados Unidos, 1942. Dirección: Orson Welles. Distribución: Warner Home Video (2011).


Comentario de Jorge Gutman

Una nueva edición en video, digitalmente remasterizada, acaba de aparecer de esta película dirigida por Orson Welles. Después del extraordinario suceso artístico obtenido por Citizen Kane (El Ciudadano) -que para muchos historiadores del cine es el mejor film de todos los tiempos-, ha sido enorme la expectativa para ver el segundo largometraje de este excepcional cineasta. Con todo, las vicisitudes experimentadas en su montaje final determinaron que el público no pudiera apreciar el trabajo realizado por Welles.

Como el film concluido por Welles no fue de entera satisfacción por parte de la productora, ante la ausencia de su autor, se encomendó al realizador Robert Wise para que efectuase un nuevo montaje a fin de reducir su duración original de poco más de dos horas. El resultado fue una poda de 42 minutos, con algunas escenas rehechas, sin que Welles tuviera participación alguna; por lo tanto los valores del film están estrechamente ligados a los problemas señalados.

Este drama romántico adaptado por Welles en base a la novela del mismo nombre narra los infortunios económicos experimentados por los Amberson -una familia de alta alcurnia del medio oeste americano de principios del siglo pasado-, debido a malas inversiones realizadas así como a la inhabilidad para adaptarse a los cambios tecnológicos de la época; dentro de ese contexto, se describen las manipulaciones del malcriado y caprichoso joven heredero que se interpone a que su madre viuda

pueda recomponer su vida sentimental con el hombre a quien siempre amó.

Aunque la historia de la magnificencia de los Amberson despierte interés, los obstáculos de edición mencionados contribuyeron a que el relato presente fracturas narrativas y desigualdades de estilo. A su favor cabe destacar sus buenos diálogos, el eficiente elenco integrado por Joseph Cotten, Anne Baxter, Dolores Costello, Tim Holt y Agnes Moorehead, los notables diseños de producción así como su espléndida fotografía.

Tratándose de un film de Orson Welles –a pesar que él terminó renegando del resultado final-, habría sido de gran interés que el DVD estuviese acompañado por material suplementario, pero lamentablemente no existe. La banda audio es en su idioma original inglés o en español, además de contar con subtítulos optativos en español, francés e inglés.