Cine Septiembre 2007

CINE EN LA PLAZA
Comentarios de Jorge Gutman

RESURRECTING THE CHAMP. Estados Unidos, 2007. Un film de Rod Lurie
CONTRE TOUTE ESPERANCE. Canadá, 2007. Un film de Bernard Emond
SUNFLOWER. China, 2005. Un film de Zhang Yang
TWO DAYS IN PARIS. Francia-Alemania, 2007. Un film de Julie Delphy
MON MEILLEUR AMI (My Best Friend). Francia, 2006. Un film de Patrice Leconte
EL CANTANTE. Estados Unidos, 2006. Un film de León Ichaso
THE DISAPPEARED. Estados Unidos-Argentina, 2007. Un film de Peter Sanders
TALK TO ME. Estados Unidos, 2007. Un film de Kasi Lemmons
NO RESERVATIONS. Estados Unidos, 2007. Un film de Scott Hicks
PAPRIKA. Director: Yasutaka Tsutsui (Japón, 2007)


DVDs.

THE LIVES OF OTHERS (Home Entertainment)
THE LOOKOUT (Alliance Atlantis)
FRACTURE. (Alliance Atlantis)
TRANSYLVANIA (Mongrel, Metropol)


RESURRECTING THE CHAMP. Estados Unidos, 2007. Un film de Rod Lurie
Dos personajes disímiles en edad y personalidad cruzan sus destinos en Resurrecting the Champ. Uno de ellos es Champ (Samuel L. Jackson), apodo de un individuo de edad madura que en su juventud tuvo gran éxito como boxeador bajo el nombre de Bob Satterfield y que en la actualidad es uno más de los que integran la triste lista de los “sin techo” de la ciudad de Denver. El otro personaje es Erik (Josh Hartnett), un joven profesional que se desempeña como periodista deportivo para el Denver Times. Este reportero experimenta la sensación de estar perdiendo terreno en su trabajo, al recibir las continuadas críticas de su jefe (Alan Alda) por sus columnas poco distintivas y de escasa originalidad; su vida privada también se encuentra complicada al estar separado de su esposa (Kathryn Morris) y no tener la posibilidad de de visitar con más frecuencia a su hijo (Dakota Goyo) de 6 años al que quiere con devoción.
Al observar un día, los golpes que Champ recibe de unos jóvenes despiadados que se burlan de él, Erik sale en su defensa y así comienza una relación que resultará positiva para ambos en razón de la mutua necesidad de ayuda. Con el propósito de reanimar su alicaída carrera periodística, el muchacho decide escribir una nota para el diario en base al pasado de Champ; para poder concretarla, recolecta información sobre las horas de gloria del ex boxeador; esa información es completada con otros elementos que obtiene de fuentes de archivo. Por su parte, Champ se ve complacido por la posibilidad de revivir sus horas triunfales, permitiéndole recuperar su autoestima, gozar del afecto de Erik y de la alimentación y dinero que le provee.
Una vez que el artículo de Erik llega a feliz término, su publicación en la revista del domingo del periódico le hace ganar el respeto de sus colegas y superiores por el contenido y calidad de lo escrito, así como la consideración de su alejada esposa e hijo.
En esta humana historia que surge del guión preparado por Michael Bortman y Allison Burnett, basado en un caso verídico publicado por Los Angeles Times en 1997, queda claro que a veces hay factores impredecibles que pueden echar por tierra las mejores intenciones. Eso tiene lugar cuando el relato cobra un giro completamente inesperado al plantearse la duda de que el hombre entrevistado y personaje exclusivo del artículo de Erik sea realmente Bob Satterfield. A partir de aquí, el film se interna en una zona grisácea, espinosa y altamente controvertida. ¿Hasta dónde Erik es completamente responsable de la veracidad de su nota cuando de buena fe ha recurrido a casi todas las fuentes posibles de investigación? Esta pregunta no es fácil de responder, pero sin duda ofrece gran interés para futuros debates; en todo caso, uno de los momentos más logrados del film es cuando Erik debe enfrentar a su hijo para darle explicaciones sobre las consecuencias del artículo que publicó tratando de que no quede perjudicada la buena relación con él mantenida.
El film es apreciable por la naturaleza de su tema, por la eficiente dirección de Rod Lurie recreando fielmente la sala de redacción de un periódico y por la meritoria interpretación de Jackson como el hombre que en el ocaso de su existencia es capaz de recobrar su fe en la vida. Su actuación no desmerece la de Hartnett quien -sin llegar a la altura de su colega- se defiende muy bien al transmitir la imagen de decoro y honestidad de un joven íntegro enfrentando circunstancias poco favorables; sus escenas compartidas con Goyo destilan afecto y ternura.
En líneas generales, este drama sentimental sin llegar a un nivel excepcional está bien hecho y satisface por su autenticidad y nobleza.
Jorge Gutman (J.G.)
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CONTRE TOUTE ESPERANCE. Canadá, 2007. Un film de Bernard Emond
El realizador de Quebec Bernard Emond ofrece aquí la segunda parte de una trilogía que comenzara en 2005 con La Neuvaine. El tema es el de la esperanza y su relato presenta todas las condiciones adversas para el logro de esa gran virtud. La vida de Rejeanne y Gilles, un matrimonio muy unido, comienza a desbaratarse cuando él es cae víctima de un derrame cerebral y ella ve reducido el 50% de su ingreso salarial; frente a estas circunstancias, el panorama no puede ser más descorazonador ya que al problema de incapacidad física se une el de naturaleza económica por el que Rejeanne debe vender la casa en que viven. Con un estilo austero e impidiendo que las emociones lleguen a exteriorizarse, Emond logra un trabajo digno y un film profundamente humano, que sólo podría ser reprochado por la carencia total de alguna nota de humor o de una sonrisa tibia como para que el clima de angustia y opresión de su relato se torne más tolerable. Muy buenas interpretaciones de Guylaine Tremblay y Guy Jodoin. J.G.

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SUNFLOWER. China, 2005. Un film de Zhang Yang
Esta producción china que se estrena con dos años de retraso ilustra la cultura de un milenario país que vivió una gran transformación económica y social en el transcurso de los últimos 40 años. A diferencia de otros realizadores asiáticos que suelen utilizar un ritmo lánguido en sus relatos, Zhang Yang emplea fluidez para ilustrar una emotiva historia en gran parte autobiográfica. Dentro del contexto político y social que China atravesó en los últimos años de su revolución cultural y, posteriormente, con su pujante proceso de industrialización y urbanización, el director narra la experiencia personal vivida con sus propios padres a través de una historia de ficción cálida y humana; el eje de la misma es la relación de un hijo con su padre a lo largo de tres décadas.
El relato comienza con el nacimiento de Xiangyang en 1967, hijo de padres aferrados a una cultura tradicionalmente rural. Inmediatamente hay un salto en el tiempo para ubicarse en 1976, año en que muere Mao y cuando el terror ejercido por la “Banda de los Cuatro” llega a su fin. Ese es el momento en que el padre de Xiangyang, que fuera en el pasado un artista pintor, retorna al hogar con sus manos dañadas después de haber pasado 9 años internado en un campo de trabajo para ser “reeducado”, durante el proceso de la revolución cultural. Al cálido reencuentro con su esposa se opone el del niño que lo ve como un extraño que viene a alterar el orden que hasta ese entonces existía en su hogar. La resistencia del niño a aceptar los cambios impuestos por su padre para mejorar su conducta, así como la reluctancia a aceptar sus imposiciones para iniciarse como dibujante para que en el futuro adopte la pintura como profesión, va creando un evidente resentimiento de Xiangyang hacia su progenitor que tendrá sus consecuencias en los años que seguirán.
A través del paso del tiempo, el relato va ilustrando la marcada transformación de los valores que experimenta la nación al pasar de una sociedad tradicional hacia otra de naturaleza moderna con muchos de los rasgos propios del mundo occidental. Dicha metamorfosis no es muy sencilla ya que es inevitable el vacío generacional entre los jóvenes de la nueva época, encarnado por Xiangyang, y el de sus antecesores que creen ser dueños en disponer y decidir por sus hijos. Es eso lo que se constata en la relación de amor-odio que Xiangyang siente hacia su padre, por la presión que éste ejerce en él como hombre adulto y casado, al punto de presionar a la joven pareja de tener hijos para convertirlo en abuelo.
En un melodrama familiar que nunca llega a desbordar, el realizador ilustra sencilla pero efectivamente los valores de la familia y la dificultad en lograr el delicado equilibrio para llegar a ser un buen padre; todo ello, a través de una buena pintura de la realidad social de una China que ya no está más aislada del resto del mundo. J.G.

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TWO DAYS IN PARIS. Francia-Alemania, 2007. Un film de Julie Delphy
A pesar de haber trabajado en numerosas películas francófonas, Julie Delphy logra popularidad en Canadá y Estados Unidos con dos filmes de Richard Linklater, Before Sunrise de 1995 y su continuación Before Sunset de 2004; precisamente en éste último fue nominada para el Oscar como mejor co-guionista y en 2 Días en París repite esa experiencia como autora del guión. Por si eso no fuera suficiente, éste es su primer título como realizadora, además de actuar, ocuparse de su edición y de la banda sonora. Contrariando el dicho de “quien mucho abarca poco aprieta”, Delphy sale airosa de su quíntuplo desempeño.
A primera vista el film es una nueva comedia romántica pero Delphy lo distingue de las convenciones del género. A diferencia de las dos comedias románticas de Linklater donde se produce en primer lugar el conocimiento de los personajes para que el romance llegue después, en este caso sus dos caracteres principales, la francesa Marión (Delphy) y el americano Jack (Adam Goldberg) que viven en Nueva York, al comenzar el relato mantienen una relación sentimental por espacio de dos años. Después de unas vacaciones en Venecia resuelven visitar a los padres de ella en París por un período de 48 horas, tratando de estimular el vínculo que los une en la ciudad más romántica del mundo. Describiendo a Marion como espontánea y desinhibida y a Jack como francamente neurótico, el guión destaca lo que experimenta un americano extraño al medio que lo rodea y que no habla francés, así como lo que piensa una típica francesa que habiéndose embebido de la forma de vida americana trata de que su pareja se amolde a las circunstancias del lugar.
Si el lector supone que está frente a otra típica muestra de dos culturas que se entrecruzan dejando asomar las diferencias de comportamiento que los separan, podrá en principio estar en lo cierto. Pero el convincente guión logra que las situaciones graciosas que se presentan a lo largo de la hora y media de metraje sean resultado de la diferente personalidad de sus personajes centrales, en especial la del hipocondríaco y fácilmente irascible Jack quien no está dispuesto a efectuar concesión alguna a su “american way of life”. A pesar de la existencia de ciertos estereotipos, los mismos no resulten forzados o poco naturales ya que surgen de hechos objetivos imposibles de negar; a la postre, uno puede concluir que los rasgos de xenofobia, el modo altanero de ser, o el nacionalismo exacerbado de cierta gente de Francia no es patrimonio exclusivo de una cultura que sea tan diferente de la observada por parte de variados grupos humanos viviendo del otro lado del Atlántico.
Si algo caracteriza a este film es su humor mordaz e irreverente, donde en muchas ocasiones recurre a situaciones sexuales que podrían caer en lo vulgar o grosero; sin embargo, Delphy es lo suficientemente sutil para evitar que el lenguaje utilizado por sus personajes adquiera un carácter ordinario, aunque permitiendo la franca diversión del espectador. En especial, las secuencias en que Jack va descubriendo a los antiguos amantes de Marion, así como una fuerte discusión que ella mantiene con un taxista racista, son francamente hilarantes.
Aunque gran parte del peso de este relato descansa en las muy buenas interpretaciones de Delphy y Goldberg, el elenco está integrado por un satisfactorio equipo de actores, entre los cuales se distinguen los padres reales de Delphy (Albert Delphy y Marie Pillet) quienes también actúan como progenitores de Marion; en sus papeles de apoyo, ofrecen la suficiente cuota tanto de dulzura por parte de la madre, como la nota amablemente burlona por parte del padre que trata de comprobar la cultura de su probable yerno en materia de célebres nombres franceses como Moliere y Renoir.
En última instancia, más allá de la sátira cultural, el relato destaca también los elementos que ponen a prueba la relación de una pareja, qué factores robustecen la misma y cuáles otros conducen a su ruptura; todo ello dicho con sonrisa y picardía, gracias a un excelente y refrescante diálogo que evita caer en la nota patética o deprimente. J.G.
PPP

MON MEILLEUR AMI (My Best Friend). Francia, 2006. Un film de Patrice Leconte
Conocido más como un realizador que suele abordar películas serias o al menos con cierta profundidad dramática, Patrice Leconte prefiere en esta ocasión considerar la relación entre dos hombres que aunque dispares en carácter y personalidad encuentran el modo de cimentar un lazo amistoso.
El guión de Olivier Dazat es un tanto absurdo e improbable que se dé en la realidad, pero si se lo acepta como una fábula moral resulta fácil dejarse llevar por su propuesta.
Daniel Auteuil personifica a François, un hombre maduro que se gana la vida como coleccionista y anticuario de obras de arte, dedicado totalmente a su trabajo. Su colega Catherine (Julie Gayet) lo percibe como un individuo egoísta e incapaz de cultivar la amistad. En la cena de su cumpleaños, donde otros comensales también están presentes, ella le reitera que no tiene amigos y le desafía a que en no más de 10 días logre un amigo auténtico, donde el precio de la apuesta es una valiosa jarra griega de su colección.
Aceptando el reto, François trata de revivir vanamente la amistad con antiguos conocidos hasta el día en que llega a vincularse con Bruno (Dany Boon), un taxista ingenuo pero de nobles sentimientos, quien le ofrece las claves necesarias para hacerse de buenos amigos. En el fondo, el verborrágico Bruno no puede ser más diferente que François pero ambos tienen en común el problema de la soledad y el desencanto de haber experimentado matrimonios fracasados. Como es de suponer, esa relación conduce a forjar una auténtica amistad.
Tal como está relatado el film merece algunas observaciones. Resulta curioso que un hombre de las características de François se embarque en este desafío. Transcurriendo la acción en París, es común que el estrés del trabajo producido por la gran competencia y el logro del suceso como medio de obtener reconocimiento en una sociedad caracterizada por su materialismo, no deje bastante tiempo para desarrollar relaciones amistosas.
Otro aspecto no aclarado es lo que se entiende por amistad; sin duda, ese término es bastante ambiguo ya que ciertas relaciones interpersonales establecidas en los negocios o bien los conocimientos esporádicos de una persona conducen a que equivocadamente se llame “amigo” a alguien que dista de serlo.
Conjeturas aparte, lo que prevalece aquí es la sobriedad de una comedia que aunque no llegue a emocionar vivamente es ciertamente de naturaleza afectiva a través de la relación natural establecida entre sus dos personajes principales. En gran parte eso se debe a la versatilidad de Auteuil, capaz de transmitir a su personaje las contradicciones de una persona que se cree autosuficiente pero que por otra parte sabe que está solo, y a la participación de Boon –un actor no muy conocido- quien caracteriza eficientemente al simpático y llano individuo convertido en el tutor y mentor de François.
En resumen, un film que sin grandes sorpresas, resulta agradable por la humanidad que destila. J.G.
PP½

EL CANTANTE. Estados Unidos, 2006. Un film de León Ichaso
Este film de León Ichaso podrá despertar interés en el público que gusta de Jennifer López y en los amantes de la música salsa. El resto de los espectadores no encontrará mucho para disfrutar de otra biografía convencional sobre la vida de un artista cantante, en este caso Héctor Lavoe (Marc Anthony), sin ofrecer algún rasgo distintivo diferente de otros intérpretes de la música que llegaron a la fama y que por culpa de la droga vieron sus vidas malogradas.
A través de una estructura que adopta la forma de un documental, el relato comienza con una entrevista periodística que se le hace a Puchi (Jennifer López) la viuda de Lavoe, algunos años después de su muerte acaecida en 1993. La acción se retrotrae a 1985 en momentos en que el estado de salud de Lavoe y su relación matrimonial alcanzan su más bajo nivel mientras que su carrera se ubica en el pico máximo, poco antes de iniciar su vertiginoso descenso. Nuevamente la historia efectúa otro retroceso en el tiempo para ubicarse en 1963, cuando Héctor era un humilde cantor en su Puerto Rico natal y aspiraba triunfar en los principales escenarios de los Estados Unidos. Para tentar fortuna viaja a Nueva York y en poco tiempo su buena voz comienza a destacarse en los clubes hispanos de la ciudad; eso conduce a que los productores de discos reconozcan su talento y que llegue a formar un dúo musical junto al trombonista Willie Colón (John Ortiz), uno de los pioneros de la música latinoamericana. Al poco tiempo Héctor conoce a Pucci, y lo que sigue después es casi una versión calcada de lo visto en innumerables historias del mismo tenor que fueron llevadas al cine.

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El gran éxito obtenido en sus conciertos y grabaciones musicales, contrasta con el drama de su vida privada donde su adicción al alcohol y el abuso de drogas -sobre todo cocaína y heroína-, lo convierten en un individuo inseguro que deteriora su familia familiar –un hijo de por medio-, y que finalmente repercutirá en su carrera artística.
A pesar del material dramático que el tema ofrece, la narrativa impide que exista conmiseración o gran identificación con los problemas del artista. Parte de ello se debe a que el guión se aventura en anécdotas secundarias sin mayor interés, desviando el punto focal del relato; eso se ve agravado por sucesivos desplazamientos entre pasado y presente que crea cierta confusión a la historia, impidiendo que fluya en forma más articulada.
Otra observación radica en que el personaje de López pareciera no envejecer con el paso de los años; además, desde un punto de vista de estricta coherencia, resulta incompatible que el relato que Pucci efectúa durante la entrevista se refiera a algunas situaciones donde ella no estuvo presente.
La parte musical tiene gran preponderancia con la inclusión de 30 números donde no faltan la rumba, el mambo, el merengue, y otros elementos que conforman la música salsa y que sin duda disfrutará la audiencia inclinada hacia este ritmo latino; con todo, y desde un ángulo estrictamente cinematográfico, no hay mucho equilibrio entre la narración del relato y la música contenida en el mismo.
Las interpretaciones de López y Anthony son buenas pero no remarcables debido a que el guión no logra una satisfactoria descripción de sus personajes que permita una verdadera conexión del público con los mismos. J.G.
PP

THE DISAPPEARED. Estados Unidos-Argentina, 2007. Un film de Peter Sanders
El trágico tema de los desaparecidos durante la dictadura militar argentina que tuvo lugar entre 1976-1983 ha sido tratado en muchas oportunidades; con todo, el joven director americano Peter Sanders aborda el tema en un documental cuya originalidad reside en que no es que presente nuevamente la dramática situación desde el ángulo de los que han tenido la desgracia de desaparecer, sino a través de uno de sus descendientes que habiendo sido criado y educado por sus padres no biológicos, permaneció ignorante acerca de su verdadera identidad. Cuando Horacio Pietragalla, hijo único de padres asesinados por el régimen militar, llega a percibir que quienes se han preocupado por él ofreciéndole amor y cariño no son sus verdaderos progenitores, comienza a realizar una labor de esclarecimiento hasta llegar a la verdad y reencontrarse con su verdadera familia.
La tarea de investigación realizada por Sanders es de gran valor porque a través de una posición imparcial presenta el punto de vista de Pietragalla quien se encuentra indignado por que se le ocultó la verdad, y de sus padres que le dieron durante más de 20 años un hogar y todo el apoyo moral que los padres dan a sus hijos y que al no haberse atrevido a confesar al muchacho su verdadero origen deben ahora sufrir su desprecio, a pesar de que siguen considerándolo como hijo propio.
En resumen, una historia triste y de gran valor humano, que a pesar de su carácter documental parece un film de ficción cuyo telón de fondo es la lamentable consecuencia de los años de plomo vividos por el pueblo argentino. J.G.
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TALK TO ME. Estados Unidos, 2007. Un film de Kasi Lemmons
Las excelentes interpretaciones de Don Cheadle y Chiwetel Ejiofor elevan la jerarquía de Talk to me, basado en un personaje real cuya actuación radiofónica tuvo gran resonancia en los Estados Unidos.
Desde mediados de 1960 hasta los primeros años de la década del 80, Petey Greene Jr constituyó una fuerza vital dentro de la comunidad negra de Washington D.C., como la voz radial expresando las injusticias sociales y prejuicios raciales que tuvieron lugar durante la era de los años 60. Carismático, hilarante, controvertido, y muy elocuente, este hombre experimentó una infancia muy humilde, y en su adolescencia se volcó a las drogas, y al alcohol, incurriendo en actos delictivos. Así, en 1960 fue condenado por robos de armas y durante sus primeros años de cárcel comenzó a modificar su conducta positivamente al haber desarrollado su habilidad de disc jockey para sus compañeros de prisión.
Su historia ha sido bien condensada en el guión de Michael Genet, enfatizando la relación que entabla, después de haber salido en libertad condicional, con Hughes (Eijofor), el formal y educado hombre serio que ocupaba el cargo de director de programa de una estación de radio de Washington D.C., la forma en que logra incorporarse a su emisora tras vencer serios obstáculos – entre ellos, la negativa del dueño de la radio (Martin Sheen) en aceptarlo-, y el clamoroso triunfo alcanzado como animador del programa que tuvo a su cargo.
Con su particular dinámica, elocuencia, desparpajo y mordacidad, contribuye a elevar considerablemente el número de auditores de su audición por logrado enaltecer el orgullo de la raza negra a través de la dinámica comunicación mantenida con su público oyente que opinaba y compartía telefónicamene los temas que Greene abordaba en su programa.
El realizador Kasi Lemmons permite una fluidez natural de la personalidad de Petey, dejando atrás su comportamiento rústico y ordinario con un lenguaje poco refinado, para ceder paso a un individuo que va ganando madurez y confianza personal convirtiéndose en el persuasivo vocero de los problemas de su gente. La meritoria labor de Cheadle permite que uno se identifique con este particular personaje y comprenda porqué su mensaje llega no solamente a su comunidad sino también a la población blanca de los estados vecinos de Virginia y Maryland, cimentando de ese modo su enorme popularidad.
El otro aspecto saliente del film es la amistad que se genera entre Petey y Dewey. Cuando éste último se convierte en su representante, aspira a que el éxito de su amigo se extienda a otros campos de la actividad artística. Sin embargo y a pesar de intentarlo, Petey no se siente confortable en sus nuevas actividades y lamenta haber tenido que dejar la radio, su gran pasión, para llegar a gozar fuera de ella de una celebridad involuntaria que no se ajusta con la natural sencillez de su persona. El guión de Michael Genet ilustra cómo los diferentes puntos de vista de estos amigos acerca del futuro de la carrera profesional de Petey producen grietas en el vínculo fraternal.
Si la actuación de Cheadle es remarcable, no menos lo es la de Ejiofor porque a pesar de que su personaje pareciera secundario al de Petey, su solidez interpretativa realza el rol desempeñado, transmitiendo momentos de gran intensidad como la noche en que sufre una gran desilusión de Petey cuando éste pronuncia una breve alocución políticamente incorrecta en ocasión de presentarse como invitado en un popular programa televisivo.
El film permite amplio espacio al humor generado por Petey y por la buena composición de Taraji P. Henson animando a la desenfadada y tempestuosa novia del animador. La emoción tampoco está ausente del relato, y uno de los momentos más logrados es cuando el disc jockey se entera durante la emisión de su programa del asesinato de Martin Luther King Jr; y allí le rinde espontáneamente un muy emotivo homenaje que llega hondamente a los radioescuchas.
Los valores técnicos del film están respaldados por una buena reproducción de época gracias a los diseños de producción de Warren Alan Young, la notable fotografía de Stéphane Fontaine, y la música del trompetista Terence Blanchard. J.G.
PPP

NO RESERVATIONS. Estados Unidos, 2007. Un film de Scott Hicks
Este film de Scott Hicks es una adaptación de la película alemana “Mostly Martha” que respeta la versión original aunque el lugar en que ahora transcurre la acción sea Nueva York en lugar de Europa y existan otras variantes menores como consecuencia de rasgos culturales diferentes. El resultado es una película agradable que combina adecuadamente el drama sentimental con la comedia romántica.
Catherine Zeta-Jones deja de lado sus papeles glamorosos y seductores para adoptar en cambio un perfil más sobrio y humano animando a Kate, una controlada y perfeccionista chef de cocina que trabaja en un restaurante sofisticado de Manhattan, para gran satisfacción de Paula (Patricia Clarkson), la dueña del lugar, al disponer de una excelente experta en arte culinario, sobre todo cuando se trata de cocina francesa.
Cuando su querida hermana fallece en un accidente automovilístico, el mundo ordenado de Kate se descompagina por la tragedia y porque además, moralmente tiene que hacerse cargo de su sobrina Zoe (Abigail Breslin) de 9 años de edad; con un padre inexistente, la niña sufre un gran impacto emocional al haber quedado huérfana de madre, lo que se refleja en su estado anímico y en su comportamiento tenso y un tanto agresivo.
Además de la desgracia familiar, Kate experimenta una marcada contrariedad cuando Paula contrata a Nick (Aaron Eckhart) como asistente de cocina. Este animado y sencillo hombre, que es un especialista en comida italiana y también fanático de la ópera, no es mirado con buenos ojos por Kate ya que lo considera como un potencial competidor que puede llegar a desplazarla de sus funciones.
Bajo esta óptica, el relato se desarrolla a través de dos flancos diferentes. Por un lado, el drama de tía y sobrina por la muerte del ser querido, donde Kate hace lo imposible por satisfacer y agradar a Zoe en tanto que ésta rechaza sus atenciones debido al duelo que está viviendo por haber perdido a su madre. El otro hilo conductor del film se centraliza en la marcada animosidad de Kate hacia Nick, a pesar de los intentos que él hace por tratar de ganar su simpatía. Establecida las relaciones entre sus tres personajes principales, el guión encuentra la manera conveniente para que sus dos historias confluyan en forma natural y armoniosa.
La ternura que Kate brinda a la pequeña, como el gran dolor que ésta experimenta y que se manifiesta en una conducta difícil de manejar, son excelentemente transmitidas por Zeta Jones y Breslin respectivamente, donde ambas brindan una interpretación completamente realista. También resulta convincente la metamorfosis experimentada entre Kate y Nick, desde la antipatía inicial que ella siente por él, evolucionando hacia una gradual aceptación, hasta llegar a una afinidad que producirá la chispa romántica que los terminará uniendo.
En resumen, no es precisamente la originalidad del film lo que le otorga su encanto sino la forma cálida en que esta historia es narrada y su capacidad de reflejar sentimientos humanos frente a hechos inesperados que uno es incapaz de controlar ya que la vida está llena de sorpresas no aguardadas. J.G.
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PAPRIKA. Director: Yasutaka Tsutsui (Japón, 2007)
Este notable film de animación narra una historia que a su vez se desenvuelve en varios niveles, el más ingenioso de todos por cierto, el de los sueños. La Dra. Atsuko Chiba es en este caso el personaje central, de día una genial investigadora científica, que en la noche se convierte en la joven y atractiva Paprika, una suerte de súper heroína onírica, ya que su existencia tiene lugar en el mundo paralelo de los sueños.
La ciencia-ficción y la aventura se mezclan en esta historia con ribetes a veces surrealistas: desde el laboratorio donde trabaja la Dra. Chiba ha desaparecido un valioso instrumento científico, el DC Mini, que tiene la capacidad de penetrar los sueños de la gente y así su inconsciente, permitiendo eventualmente llegar a controlar la mente de las personas que son así intervenidas. Junto al aparato ha desaparecido también uno de los científicos, que así se convierte también en el principal sospechoso. Eso pone en acción al alter ego de la Dra. Chiba la que a su paso tendrá otros interesantes y a también peligrosos encuentros.
Plena de acción, donde realidad y sueños se entrelazan, esta película es una de las mejores que se han visto este año, el trabajo creativo en los dibujos es de gran calidad, con un realismo que a su vez contrasta con el carácter fantástico de la historia.

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La historia se desenvuelve en un ritmo vertiginoso, pero sin dejar de insinuar notas humorísticas a veces, y líricas en otras.
Bien vale la pena verse.
Sergio Martínez (S.M.)
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DVDs

THE LIVES OF OTHERS (Home Entertainment)
Uno de los mejores filmes de la última década llega ahora para ser disfrutado en el hogar con el DVD que acaba de aparecer. A pesar de tratarse de un relato de ficción, esta ópera prima de Florian Henckel Von Donnersmarck se inspiró en episodios reales que tuvieron lugar en la desaparecida Alemania Oriental en 1984, algunos años previos a la caída del muro de Berlín. El realizador ilustra la existencia de gente corriente de Berlín Oriental sojuzgados por la “Stasi”, la policía secreta del lugar, cuyo objetivo principal era vigilar la vida de los demás. A través de un desgarrante drama humano que adopta el tono de thriller político, el film ilustra los procedimientos de esa diabólica maquinaria estatal tratando de destruir a una persona inocente.
Los valores de esta película son múltiples si se tiene en cuenta la excelente dirección y encuadre, un guión conciso y preciso donde nada le falta ni sobra, y una interpretación remarcable otorgando completa veracidad a lo que se está contemplando. Precisamente, en ese rubro sobresale la participación del actor alemán Ulrich Mühe, lamentablemente fallecido hace dos meses en el pináculo de su carrera, quien encarna al capitán Wiesler que tiene como misión espiar a una pareja de artistas, en la que la esposa se convierte en informante de su propio marido. La intensidad que Mühe brinda a su rol, indudablemente beneficiado por haber sufrido en carne propia su propia experiencia como víctima, convierte a este film en una obra maestra del cine.
Esta película que obtuvo merecidamente el Oscar a la mejor película extranjera de 2006, tiene como valiosos agregados algunas escenas eliminadas de la versión original presentada en cine, el proceso de elaboración del film, una entrevista con el director Von Donnersmarck y sus comentarios. El DVD es presentado en el idioma original alemán con subtítulos opcionales en español, francés e inglés.

THE LOOKOUT (Alliance Atlantis)
El renombrado libretista Scott Frank (Get Shorty, Minority Report), debuta como realizador en este film cuyo DVD ya está disponible. Tratándose de una ópera prima sorprende agradablemente de que a pesar de haber abordado un tema ya explorado en otras ocasiones, Frank le haya dado un tratamiento que se aparta de los cánones tradicionales dentro de su género. La historia gira en torno de un joven (Joseph Gordon-Levitt) que a causa de un violento accidente de automóvil logra salvar su vida aunque con moderados daños cerebrales que le han creado lagunas de memoria que lo desorientan. A partir de esta premisa, el relato va adoptando numerosas vueltas de giro capaz de desarmar al espectador por las situaciones inesperadas que va creando, siendo la mayor parte de ellas bastante convincentes. Con buena dosis de suspenso, acción, y de humor negro, el film encuentra un sólido apoyo en la interpretación de Gordon-Levitt en el rol central, y en buenas caracterizaciones de Jeff Daniels, Matthew Good, Greg Dunham en papeles de apoyo. Solamente los últimos 15 minutos no llegan a convencer totalmente, aunque tampoco desmerecen lo visto anteriormente. Sin duda, se trata de un buen e inteligente entretenimiento.
Entre los agregados de la presente edición figuran secuencias relativas a la elaboración del film, el modo en que Gordon-Levitt trató de captar su personaje para poder transmitirlo en la forma más realista posible e interesantes comentarios realizados por el escritor-director Frank y el director de fotografía Alar Kivilo.
Excepto los agregados que se presentan exclusivamente en inglés o con subtítulos en inglés, el film puede seguirse en su idioma original inglés como así también con subtítulos en español, francés e inglés.

FRACTURE. (Alliance Atlantis)
Para quienes no han visto el film, ahora se presenta la oportunidad de juzgarlo en el DVD recientemente editado.en su versión original inglesa y con subtítulos opcionales en francés e inglés. Como señalé en oportunidad de su estreno, Fracture es un muy buen drama de suspenso que aparte de contar con una impecable realización de Gregory Hobbit, es capaz de mantener un clima de tensión por espacio de dos horas gracias a una historia inventiva elaborada por Daniel Pyne. Con todo, el film queda grabado en la memoria del espectador por dos actuaciones deslumbrantes como la de Anthony Hopkins y Ryan Goslying en los roles protagónicos. A esta altura, el veterano Hopkins ya no sorprende a nadie porque a lo largo de su carrera ha sido capaz de transmitir las más variadas y difíciles caracterizaciones con asombrosa naturalidad; en esta oportunidad, introduciéndose en la piel de un hombre que decide vengar en forma calculada y sanguinaria la infidelidad de su mujer, este actor sigue maravillando. Compartiendo los honores está Goslyng quien es sin duda uno de los mejores actores de la joven generación de los Estados Unidos; aquí ofrece una actuación meritoria de un Oscar, animando a un abogado arrogante y muy sobrado de sí mismo que nunca conoció el fracaso pero que ahora se siente descolocado profesionalmente al no poder probar la culpabilidad del intento de asesinato efectuado por el personaje de Hopkins.
Al margen del film, cabe destacar los elementos adicionales al mismo. En este caso los extras contienen algunas escenas de amor que no fueron incluidas cuando el film se presentó en los cines. Pero más importante aún es el agregado de dos finales alternativos que permiten que cada espectador escoja el que más le convenga en función de lo que vio previamente.
Como en todo buen relato de suspenso, el desenlace es un elemento clave para no defraudar las expectativas que el público deposita a lo largo de la proyección. De allí que los finales mencionados permiten que cada uno pueda optar por el que le resulte más lógico y articulado de modo que todo resulte coherente y bien hilado. Sin duda, en esta oportunidad nadie quedará defraudado.

TRANSYLVANIA (Mongrel, Metropol)
El último film del realizador Tony Gatlif (Gadjo Dilo, Exils) no tuvo salida comercial en Canadá y es así que la aparición del DVD permite conocerlo. Su anécdota gira en torno a Zingarina, una mujer que junto con su amiga viaja a Rumania tratando de ubicar a la persona que ama, un pianista con quien intimó en Francia y que como resultado quedó embarazada. Después de que logra ubicarlo y es rechazada por él, llega a trabar relación con otro individuo con quien realizará un viaje a través del país. Es ahí donde el relato adquiere el carácter de la típica “película de camino” con variadas experiencias que se vienen dando a lo largo de la ruta hasta llegar a sus últimos rieles donde la trama pierde fuerza. En todo caso, la historia es secundaria ya que el interés mayor de Gatlif es enfatizar el colorido y atracción de la explosiva música gitana y sus contagiosas danzas, así como también remarcar la belleza de los pasajes panorámicos del conjunto montañoso de los Cárpatos, donde transcurre la acción..
Asia Argento ofrece expresividad y sensual sugestión en el rol protagónico; en roles de apoyo se destacan Amira Casar y Birol Ünel.
El DVD se presenta en su versión original con diálogos en francés, rumano e inglés, y contiene subtítulos opcionales en inglés y francés.