The Help: Un film de Tate Taylor

Comentario de Jorge Gutman

THE HELP. Estados Unidos, 2011. Un film de Tate Taylor Resulta grato constatar que en pleno verano se pueda apreciar un cine alternativo por parte de aquel público que no desee sumergirse en los tradicionales blockbusters de la estación; ése es el caso de THE HELP, una película adulta del realizador Tate Taylor que está basada en el best seller del mismo nombre de Kathryn Stockett.
Hollywood abordó en variadas oportunidades las particulares características e idiosincrasias de los estados sureños de Estados Unidos así como las complejas relaciones que existieron entre blancos y negros; baste recordar, a modo de ejemplo, el notable film de Steven Spielberg “The Color Purple” (1985) donde narra la historia de una joven chica afroamericana afrontando los problemas de pobreza y racismo a principios del siglo pasado. Con todo, el carácter familiar del tema no le quita méritos al film de Taylor que en esencia refleja una vez más el predominante racismo sureño durante la década del 60, cuando se desarrollaba una larga lucha no violenta para lograr que los ciudadanos negros no fuesen ya más discriminados y tuviesen el acceso pleno a los derechos civiles y la misma igualdad de oportunidades ante la ley.
El guión preparado por el director y la autora del libro ubica la acción durante ese período en Jackson ubicado en el estado segregacionista de Mississippi. Ahí vemos a Skeeter (Emma Stone), una joven chica blanca de la sociedad sureña quien regresa al hogar familiar después de haber completado sus estudios universitarios. Su meta es convertirse en escritora y para ese propósito desea volcar en su primer libro las características culturales de la zona en que vive así como las experiencias de las empleadas domésticas negras que han pasado la mayor parte de sus vidas trabajando para sus amos blancos ocupándose de la limpieza, cocina y actuando como niñeras de sus hijos. En gran parte, su interés en el tema se debe a la simpatía natural que Skeeter siente por esta gente dado que fue criada por una empleada (Cicely Tyson) negra que había trabajado para su familia y que la colmó de cariño, gran ternura además de haber contribuido en la formación de su carácter y personalidad.
Al principio solamente es Aibileen (Viola Davis) quien está dispuesta a participar en el proyecto de la entrevistadora; al manifestarle a Skeeter su temor de poder ser arrestada por las declaraciones que efectúe, ella la tranquiliza haciéndola saber que la fuente de información que reciba permanecerá anónima. A Aibileen posteriormente se le unirán Minni (Octavia Spencer) y otras domésticas de la misma raza quienes a través de las clandestinas entrevistas de Skeeter le harán saber las situaciones de abuso, discriminación y desdén que han sido objeto trabajando para familias blancas; eso no implica que exista la excepción a la regla como en el caso de Minni quien habiendo sufrido un pésimo trato de Hilli (Bryce Dallas Howard), una detestable e insensible racista que acostumbra tratar a su servidumbre con menosprecio, llega a conseguir un nuevo empleo trabajando para Celia (Jessica Chastain) –una tierna mujer blanca que logra vencer su escepticismo y conquistarla con un trato humano e igualitario al punto de convertirse en su amiga.
A pesar de que el film dura casi dos horas y media –que de ningún se sienten, la adaptación del libro no alcanza a reflejar por completo el carácter y personalidad de varios personajes secundarios que intervienen en la trama. Pero eso queda ampliamente compensado porque la esencia de la novela original prevalece y en gran parte eso es debido a un nivel de interpretación excepcional que Taylor logró de su reparto casi totalmente femenino.
Davis infunde respeto y admiración por su brillante caracterización de la mujer que es la relatora de la historia y que como tal transmite todo lo que ocurre en el entorno social que la rodea; aunque no exprese sonrisa en su rostro o humor especial, refleja la firmeza de su carácter sabiendo ser afable y gentil. Spencer constituye una sorprendente revelación animando a una mujer completamente resentida y agriada que no tiene vueltas para denunciar con vehemencia las condiciones humillantes de su trabajo. Stone en su primer papel dramático de seriedad exhibe sus verdaderas condiciones de actriz joven apartándose de las frívolas comedias que le tocó animar hasta el presente. En los papeles de reparto, merecen también elogio Allyson Janney, Dallas Howard y sobre todo la veterana Tyson que brinda la escena más emotiva de la historia en oportunidad de ser despedida por sus dueños después de haber trabajado toda una vida para ellos con dedicación y completa lealtad.
Para concluir cabe también distinguir al director quien transmite el clima y la ambientación de una época sin caricaturizar ni exagerar en la descripción de sus personajes, logrando que sus actitudes, movimientos y manierismos resulten completamente naturales. Efectuando una clara descripción de la cultura blanca prevaleciente, dota al relato de una emoción genuina, y a pesar de la injusticia social descripta nunca adopta una actitud de lástima o conmiseración hacia los personajes negros.
En resumen, el público asiste a un film que aunque no perfecto logra conmover y permite ilustrar a los jóvenes de la generación actual sobre una página de la historia estadounidense poco encomiable. Claramente, este film es uno de los mejores que se hayan presentado en esta temporada estival.

¡TODO UN PERSONAJE!

El motivo fue la inauguración de la exposición de sus más recientes obras, pero el asistente al evento tuvo mucho más: un verdadero espectáculo con declaraciones cargadas de ironía y sarcasmo, revelando al iconoclasta personaje que es Armand Vaillancourt. La exposición estará abierta hasta el 18 de septiembre en la Galerie Lounge TD, en la sede del Festival Internacional de Jazz de Montreal.

Crónica de Sergio Martínez
Los organizadores del Festival Internacional de Jazz de Montreal no sólo se preocupan de la música, en el segundo piso de su cuartel general, La Maison du Festival Rio Tinto Alcan, en calle Sainte Catherine en el barrio de los espectáculos, se sitúa la galería Lounge TD que presentará diversas exposiciones.

Armand Vaillancourt: ¡Todo un personaje! (foto: Víctor Díaz Lamich, Festival Internacional de Jazz de Montreal)

En la ocasión que comentamos el artista del cual se exhiben algunos de sus más recientes obras es nada menos que Armand Vaillancourt, que ha tenido vinculación con el Festival de Jazz ya que previamente había creado para una de las ediciones del Festival, su serigrafía La révolution du coeur.

Vaillancourt, de 82 años pero ciertamente muy bien conservados a juzgar por el despliegue de energía del que hizo gala el día del vernissage, es una de las figuras emblemáticas de la pintura en la provincia de Quebec. Su carrera tiene ya 50 años y en todo ese período se ha revelado como un gran innovador, tanto en su técnica como en su aporte estético. Situado en la tradición de arte abstracto que surgiera en Norteamérica en los años 40, Vaillancourt sin embargo tampoco ha eludido incursionar en otros estilos y en el empleo de materiales fuera de lo común para reforzar su intención expresiva.

Esto último ha sido particularmente claro en su instalación Earl Jones, Conseiller financier en que un inodoro sirve como motivo central y comentario sarcástico a propósito de ese individuo que estafó millones de dólares a jubilados en Montreal.

Vaillancourt también mantiene un fuerte compromiso con la causa del medio ambiente y con causas políticas progresistas, aunque también tiene una mirada casi evocadora del nacionalismo quebequense.

Alain Simard y Armand Vaillancourt durante la inauguración de la exposición On n'a pas de printemps à perdre (Foto: Víctor Díaz Lamich, Festival Internacional de Jazz de Montreal)

La exposición denominada On n’a pas de printemps à perdre! (A no perderse la primavera) estará abierta hasta el 18 de septiembre en el segundo piso de la Maison du Festival Rio Tinto Alcan, 305 Sainte Catherine oeste (metro Place des Arts) martes y miércoles de 11:30 a 18:00 hrs., jueves y viernes de 11:30 a 21:00 hrs., y sábados y domingos de 11:30 a 17:00 hrs. La entrada es libre.
Para mayor información ir al sitio http://www.galerieloungetd.montrealjazzfest.com/

En la foto, Paul Piché, Diane Dufresne y Armand Vaillancourt (foto: Víctor Díaz Lamich, Festival Internacional de Jazz de Montreal)

CINE EN LA PLAZA

Comentarios de Jorge Gutman

THE KATE LOGAN AFFAIR. Canadá, 2010. Un film escrito y dirigido por Noël Mitrani

Un interesante film de suspenso es el segundo film del director canadiense Noël Mitrani. Habiendo impresionado favorablemente con su ópera prima “Sur la trace de Igor Rizzi” (2006) que obtuvo el premio al mejor film canadiense en el TIFF de 2006, ahora ratifica su condición de buen realizador y dotado guionista en The Kate Logan Affair.

Benoit Gando, un ejecutivo francés de 41 años que visita Canadá para participar en una conferencia sobre seguros en Bruce -una localidad de Alberta a poco más de 100 kilómetros del este de Edmonton-, comienza su primer día de estadía en forma tranquila, sin imaginar lo que el destino le habrá de deparar. Cuando se dirige al lugar de la reunión y realiza una compra en un negocio al paso, al salir del mismo es detenido por Kate Logan, una joven policía que creyó ver en él a un peligroso delincuente a quien se trataba de localizar; después de haberse dado cuenta de su error, le pide disculpas dejándolo en libertad. Horas después Kate lo ubica nuevamente y lo invita a tomar una copa como una muestra de gentileza para compensar de ese modo el mal momento pasado por Benoit. Hasta ahí todo resulta natural, pero con mucha sutileza las expresiones de Kate dejan en el espectador la impresión de que la joven no se encuentra psicológicamente estable.

Un hecho conduce al otro y debido a la insistencia de Kate que Benoit le resulta difícil rechazar se produce un segundo encuentro donde ella termina seduciéndolo a pesar de saber que el hombre es casado con familia y que jamás había engañado a su mujer; de ese modo Benoit quiebra, a pesar suyo, su código moral de marido fiel. Sería poco prudente revelar más la continuación de esta historia por la intriga que se va desarrollando, excepto señalar que Benoit se ve cada vez más expuesto a una relación no buscada y cuando más trata de desembarazarse de Kate, menos lo consigue hasta culminar en una situación límite.

No es muy frecuente que un film donde prácticamente hay sólo dos personajes pueda ofrecer la intensa tensión que aquí se aprecia. En forma concisa, con un guión muy bien estructurado y un desenlace nihilista completamente opuesto a las convenciones del género, Mitrani ha logrado un muy buen film policial que cuenta con interpretaciones inobjetables por parte de Alexis Bledel y Laurent Lucas.

THE WHISTLEBLOWER. Canada-Alemania, 2010 Un film de Larvsa Kondracki
Un dramático film basado en hechos reales que ilustran una triste realidad contemporánea es lo que ofrece la realizadora canadiense Larvsa Kondracki en su primer largometraje The Whistlebower. A pesar de todos los esfuerzos que se vienen realizando por eliminar la violencia concerniente a la trata de personas para la explotación sexual, no hay un avance logrado en materia de legislación por parte de los gobiernos, sobre todo en algunos países europeos donde este fenómeno adquiere intensidad inusitada. Este es el tema del film cuyo título se refiere a la persona que denuncia la existencia de prácticas delictivas que tiene lugar en el seno de una organización y que lo hace con el propósito de evitar que eso siga ocurriendo.

Rachel Weisz ofrece una muy buena interpretación de Kathryn Bolkovac, una policía detective del estado de Nebraska que por razones monetarias, en 1999 acepta un trabajo muy bien remunerado integrando el equipo de Operaciones de Mantenimiento de la Paz (Peace Keeping) de las Naciones Unidas en Bosnia. Al llegar a Sarajevo, entra a trabajar en una sección de la organización donde conjuntamente con los policías locales deberá investigar todo lo concerniente al tráfico sexual de mujeres.

Al comenzar su tarea se vincula con dos muchachas de Ucrania que fueron engañadas para viajar a Bosnia y posteriormente secuestradas para convertirse en meras esclavas sexuales. Cuando Raya (Roxana Condurache), una de ellas, accede a testimoniar y denuncia a quienes las explotan, incluyendo a funcionarios de Naciones Unidas que actuaron como cómplices, nuevamente llega a ser secuestrada pagando con su vida por las acusaciones efectuadas. Eso genera una reacción de indignación por parte de Kathryn al darse cuenta que las personas con las que colabora para combatir dichos delitos son despiadados victimarios usufructuando de los mismos. Aunque ella cuenta con el apoyo de Madeleine Ross (la gran actriz británica Vanessa Redgrave), una noble diplomática que le brinda su amistad y confianza, de todos modos encuentra que su trabajo es obstaculizado por quienes la están rodeando. Sabiendo que se encuentra en lo que prácticamente se podría calificar como un nido de víboras, con un coraje y valor a toda prueba Kathryn decide revelar públicamente la corrupción existente en el lugar donde trabaja, donde el encubrimiento de los nefastos hechos compromete a las Naciones Unidas como así también al Departamento de Estado de su país.
Ciertamente, ésta no es la primera vez que el cine refleja ciertas falencias del organismo mundial en algunas misiones internacionales, pero eso no disminuye el impacto que causa esta triste historia. Pese a su contenido deprimente, la directora ha realizado un film provocativo, de gran solidez dramática y no exento de momentos de tensión y suspenso. Como los hechos narrados acontecieron realmente, resulta aleccionador encontrar a una mujer como Kathryn Bolkovac que se ha expuesto a actuar acorde con sus principios de máxima integridad frente a la experiencia que le tocó atravesar.
El eficiente elenco internacional se completa con la participación de la actriz italiana Monica Bellucci, el actor estadounidense David Strathairn, la rusa Anna Anissimova y el danés Nikolaj Lie Kaas.

THE DEVIL’S DOUBLE. Bélgica, 2011. Un film de Lee Tamahori
Lee Tamahori aborda en THE DEVIL’S DOUBLE algunos años de la vida de Latif Yahia, el hijo de un enriquecido hombre de negocios de Irak quien debió actuar como doble de Uday Hussein, el primogénito del dictador iraquí. Ellos se habían conocido en sus años de estudiantes y aprovechando el asombroso parecido físico existente entre ambos, en los últimos años de la década del 80, el mentalmente inestable y diabólico Uday invita a Latif para que asuma su personalidad en diferentes actividades públicas; aunque éste rechaza el ofrecimiento, finalmente debe aceptarlo bajo riesgo de que la vida de su familia y la suya corran serio peligro.
El film no escatima crudeza para ilustrar el sadismo e irresponsabilidad de Uday, así como la brutalidad y criminalidad ejercida por este psicópata a quien poco le importaba la vida de los demás con tal de satisfacer sus caprichos y lograr sus macabros propósitos. El guión de Michael Thomas -basado en el libro del mismo nombre escrito por Yahia- expone la vida disipada de Uday, su adicción a las drogas, organizando fiestas bacanales, aplacando su sediento deseo sexual con mujeres que debían obedecer a sus deseos donde después de violarlas llegaba a desprenderse de ellas como mera basura, así como su pasión por los coches deportivos. Dentro de este contexto, Latif es consciente de que debe moverse con máximo cuidado dado que cualquier paso en falso podría implicar una inesperada y/o siniestra reacción de su jefe; como silencioso testigo de los excesos de Uday y asumiendo una personalidad que no era la suya, en muchas ocasiones salió ileso de varios atentados destinados a aquél. Cuando se produce la invasión de Kuwait en 1990 con los resultados bien conocidos, Latif comprende que su única salida es huir del diablo a fin de salvar su vida, sobre todo cuando Uday descubre que su amante (Ludivine Sagnier) está envuelta románticamente con él.
Aunque la atmósfera de máxima opulencia, desbordado hedonismo y corrupción está muy bien lograda, los actos de explícita violencia y tortura se tornan repetitivos llegando a fatigar. Lo más destacable del film es la actuación de Dominic Cooper en los dos personajes opuestos que debe representar; tanto en la personificación del resignado y sumiso Latif como personificando al despótico y cruel Uday, el actor ofrece todos los necesarios matices que requiere el difícil doble rol. Eso queda aún más resaltado en aquellas escenas en que los dos personajes se encuentran solos donde, gracias a logrados efectos especiales, se tiene la sensación de estar contemplando en la pantalla a dos personas diferentes pero que responden a una sola.
Aunque careciendo de profundidad psicológica, Tamahori ofrece un aceptable relato de entretenimiento realzado por el gran trabajo de Cooper.

EL BULLI: COOKING IN PROGRESS. Alemania, 2011. Un film de Gereon Wetzel
Este documental sobre el arte culinario enfoca a un restaurante catalán que ha sido considerado por muchos como el más importante del mundo. Más allá de si lo es o deja de serlo, esta institución gastronómica denominada “El Bulli” ha visto en la persona de su chef Ferran Adrià, al gran innovador y padre de la gastronomía molecular.

Ahora bien, el film de Gereon Wetzel podría aparecer un poco desactualizado si se tiene en cuenta que el restaurante cerró definitivamente sus puertas hace pocos días y que según Adrià reabrirá en 2014 como una fundación privada sin fines de lucro para convertirse en un “revolucionario centro de creatividad culinaria”. Pero volviendo al documental se puede apreciar que el restaurante, ubicado en las afueras de Barcelona, solía acomodar a 50 comensales por cena y que permanecía abierto durante 6 meses por año –de julio a diciembre-, a pesar de que recibía más de dos millones de pedidos de reservas por temporada.

Rodado durante un período de 15 meses, el film enfoca un año en la vida de El Bulli intentando demostrar en qué consiste el proceso de creatividad para los diferentes platos que son preparados por Adrià y su equipo, entre ellos Eugenio de Diego y Oriol Castro, además de mostrar los preparativos del menú de 35 platos que se habrá de servir en la temporada siguiente en este restaurante vanguardista.

En la palabra escrita, el film parece más interesante de lo que realmente es. El espectador se mantiene completamente distanciado de los cocineros y aunque se los ve explorando las diferentes alternativas en lo que concierne a la combinación y proceso químico de los ingredientes utilizados para lograr la mejor textura y el óptimo gusto para las comidas que habrá de saborear el paladar del comensal, no hay ninguna entrevista a los miembros del equipo ni voz en off que proporcione alguna referencia sobre los antecedentes del restaurante y los de sus integrantes. Resultado de todo ello es que más allá del renombre que esta institución gastronómica haya tenido durante sus años de explotación, el documental podrá interesar a quienes tengan un conocimiento previo en materia de arte culinario y estén atraídos por la preparación de platos exóticos; en cambio, el resto de los mortales que busquen datos concretos o específicos sobre la “grande cuisine” verán sus expectativas insatisfechas contemplando un film de apática narrativa y carente de emoción que solamente despierta relativo interés en la escena final con la presentación de una serie de selectas comidas “vanguardistas”.

ANOTHER EARTH. Estados Unidos, 2011. Un film de Mike Cahill
Resulta curioso comprobar cómo a pocos meses del estreno de The High Cost of Living se presenta ahora Another Earth donde el conflicto central es exactamente el mismo. Si en aquella película se asiste al drama generado por un automovilista imprudente que atropella a una futura madre haciéndola perder al hijo que gestaba en sus entrañas, en el presente film una joven manejando irresponsablemente su coche produce la colisión con otro vehículo estacionado donde además de dejar en estado de coma a su conductor, provoca la muerte de su señora en estado de gravidez y la de su pequeña hijita. La única diferencia es que el guión del realizador Mike Cahill escrito conjuntamente con Brit Marling alude a ciertos elementos cósmicos pero que en realidad no altera el nudo esencial de la trama.

Rhoda (Brit Marling) es una chica de 17 años, próxima a ingresar a la universidad para realizar estudios de astronomía; al retornar de una fiesta, después de haberse excedido en copas, produce en la ruta el accidente comentado aunque ella sale ilesa del mismo. Ese hecho cambia por completo su suerte dado que debe pasar los siguientes 4 años en prisión y renunciar a sus estudios. Al salir de la cárcel, Rhoda no es la misma dado que no puede eliminar de su memoria la tragedia que produjo; ese devastador recuerdo la ha transformado en una chica apática, deprimente y con tendencias suicidas. La única forma que cree que puede atenuar su profundo sentimiento de culpa es disculpándose ante John Burroughs (William Mapother), el acongojado viudo y padre sobreviviente, quien antes de la desgracia había sido un compositor y profesor de música de la universidad de Yale y hoy día es un hombre recluido que disimula su dolor aferrándose a la bebida. Cuando llega a ubicarlo, no se atreve a confesarle su identidad y en cambio se ofrece a prestarle servicios domésticos en su hogar una vez por semana; lo que sigue es predecible porque en la relación sentimental que finalmente termina estableciéndose entre ambos y lo que acontece cuando ella finalmente revela su verdadera identidad no difiere en absoluto del film anteriormente mencionado.

Aunque la película está bien narrada, Cahill adopta un tratamiento extremadamente lúgubre para una historia de dolor, culpa, arrepentimiento y catarsis, sin ofrecer la mínima cuota de humor necesario que permita relajar su tensión dramática; tampoco hay un contenido emocional que permita una mejor identificación con los dos personajes centrales, a pesar de una muy buena interpretación de Marling y Mapother.

Como se mencionó al iniciar esta crónica, el film hace algunas alusiones astronómicas cuando a su comienzo se comenta que ha sido descubierto un décimo planeta que es virtualmente un duplicado del nuestro (“Earth 2”) y que es detectado en el firmamento en todo momento. Aunque de ningún modo se esté frente a un relato de ciencia ficción, el guión utiliza este discutible artificio en forma incidental sin que se esté bien seguro acerca de qué es lo que realmente el realizador se propuso con esa inclusión; quizás, ese universo paralelo pueda ser considerado como una metáfora de las aspiraciones que Rhoda podría allí encontrar y que le fuera denegada en el planeta que está viviendo. Finalmente, la escena imprevista con la que concluye el film queda abierta a toda suerte de especulaciones, pero en nada cambia la impresión que uno se ha formado hasta ese instante.
Queda como resultado un modesto film que se deja ver con interés aunque sin llegar a entusiasmar demasiado.

CRAZY, STUPID, LOVE. Estados Unidos, 2011. Un film de Glenn Ficarra y John Requa.
Este film que lleva de título “Loco, estúpido, amor” se ajusta a su contenido. En la medida que sus responsables quisieron elaborar una comedia romántica adulta finalizan con un producto completamente convencional que responde a un guión disparatado y muchas veces estúpido para ilustrar las complicaciones amorosas de sus personajes.
El guión de Dan Fogelman presenta una primera escena sorprendente. Sentados en una mesa de restaurante, el matrimonio de Cal (Steve Carrel) y Emily (Julianne Moore) están analizando el menú. El va a pedir un plato determinado, ella en cambie en lugar de comida solicita a su marido que le conceda el divorcio. Esos son los dos primeros minutos del film, donde en ningún momento se llega a saber con precisión porque Emily después de 25 años de estar casada y con dos hijos, decide divorciarse eligiendo una salida a un restaurante para manifestarle su deseo y confesarle que lo estuvo engañando con un compañero de trabajo (Kevin Bacon). De allí en más el film parece apuntar a diferentes direcciones. Por ejemplo, el desolado Cal trata de calmar sus penas en un bar donde acude a diario y no tiene empacho de repetir a viva voz que su esposa le pidió el divorcio y que se acostó con otro hombre; ahí está Jacob (Ryan Gosling), un donjuanesco cliente del lugar, que por simpatía o compasión hacia Cal se convierte en su consejero a través de recomendaciones de cómo debe abordar la vida, cómo debe cambiar su vestuario y la técnica infalible para conquistar a las mujeres.
De aquí en más el relato pierde fuerza y consistencia con situaciones inverosímiles y demasiadas coincidencias difíciles de admitir. Así, Cal siguiendo las instrucciones de su maestro, conquista a una maestra (Marisa Tomei) con quien pasa una noche de sexo y que por pura “casualidad” resulta ser la profesora de su hijo menor; quiere el destino que ella resulte ser nada menos que la profesora de Robbie (Jonah Bobo), su hijo de 13 años. Por su parte, el precoz adolescente está enamorado de su baby sitter de 17 años (Annaleigh Tipton) que a su vez se siente atraída hacia Cal. Siguiendo con las coincidencias nos encontramos con que Jacob conquista a Hannah (Emma Stone), la hija de Cal; esta situación provoca la furia de su padre cuando se entera que está saliendo con el gran seductor.
Sin lograr su cometido de comedia dramática y menos aún de farsa o vodevil, lo que resulta objetable del film es que partiendo de un análisis pretendidamente serio sobre los conflictos que pueden producirse en una relación conyugal, deje de lado esa idea para llegar a crear situaciones absurdas con la intención de hacer reír pero sin lograr su propósito. Por ejemplo, casi al final hay una escena ridícula enfocando a Robbie quien es elegido para pronunciar un discurso en un acto escolar de fin de año. ¿Es posible concebir que este adolescente utilice el micrófono para declarar su amor a la guardiana de quien está enamorado?; para peor, su padre se aproxime a él interrumpiéndolo para hacer saber a todos los presentes que cuando él era muy joven se había enamorado de la mujer con la que compartió toda su vida. Naturalmente su separada esposa escucha eso, se conmueve y vuelve al lado de su ex marido.
En suma, Crazy, Stupid, Love podrá satisfacer a un público dispuesto a pasar por alto las tonteras que el mediocre guión les ofrece y sin reflexionar sobre lo que está viendo. Los actores se desempeñan correctamente, aunque tanto Carrel, como Gosling, Bacon, Moore y Tomei merecen mejor suerte para lucir sus condiciones artísticas.

TOUS LES SOLEILS. Francia, 2011. Un film de PHILIPPE CLAUDEL
Demostrando que no se necesitan de grandes presupuestos para realizar una buena comedia, en Tous les soleils, el realizador Philippe Claudel brinda un relato sencillo y liviano que entretiene con emoción y grato humor.
El protagonista es Alessandro (Stefano Accorsi), un italiano de unos 40 años quien se desempeña como profesor de música barroca en Estrasburgo. Vive acompañado de su hija Irina (Lisa Cipriani) de 15 años, en plena crisis de adolescencia y de su excéntrico hermano Crampone (Neri Marcoré), un anarquista que no cesa de solicitar el estatus de refugiado político desde que Berlusconi subió al poder. Queriendo ser un padre modelo Alessandro no ha reconstruido su vida amorosa a pesar de haber perdido a su señora en un accidente fatal cuando su hija apenas tenía 5 meses de edad; desde ese entonces su mayor preocupación ha sido criarla y educarla apropiadamente actuando como madre sustituta. Cuando la adolescente Irina descubre las primeras emociones del amor, el padre, creyendo que la protege, se opone sin darse cuenta que la chica necesita también tener su propio espacio. Pero estamos ante una comedia y no un drama y aunque afloren tensiones siempre está la nota sonriente, optimista, humorística que con gusto y delicadeza el director sabe muy como combinar y manejar adecuadamente.

Gran parte del humor está provisto por el personaje de Crampone quien sin aportar ingreso alguno a la economía familiar rehúsa vender los cuadros que pinta a los “capitalistas” lugareños. En cuanto al contorno romántico, la nota sentimental se produce cuando Sandro, asistiendo al funeral de una anciana a quien solía leerle libros en una actividad voluntaria, conoce a su hija Florencia (Clotilde Coureau) que estaba apartada de ella.

Mucha de la simpatía que despierta el film descansa en su espíritu italiano y dada las excelentes interpretaciones de Accorsi y Marcoré, el público saborea una buena comedia a la italiana dentro del marco de un escenario francés.

En esencia, en una historia con sabor multicultural Claudel explora satisfactoriamente la dinámica de la relación familiar, la vida en toda su dimensión hasta su última etapa, el arte a través de la música tradicional de Italia (con la magia de la tarantela incluida), incluyendo un sonriente condimento político con la figura de Berlusconi entre medio; todo eso en el contexto de un film humano, emotivo y placentero. Para los nostálgicos está también la presencia de la excelente Anouk Aimé en un pequeño pero cálido rol.

FESTIVAL DE FILMES DEL MUNDO DIO A CONOCER SU PROGRAMACIÓN

• 35ª edición tendrá nueva fecha respecto de años anteriores


• Un film brasileño (aunque con tema japonés) y uno español entre los veinte de la competencia oficial


• Film canadiense Couteau rouge de André Forcier, será exhibido en la función de apertura


• Filmes de Argentina, Chile, México, Venezuela y España en la competencia de primeras obras


• Film argentino y otro de España en sección de grandes filmes fuera de concurso


• Sección foco sobre el cine del mundo presentará películas de Argentina, Cuba, Perú, Puerto Rico, Venezuela y España


• Entre los cuarenta filmes documentales habrá producciones de Argentina, México, El Salvador, Uruguay, Venezuela y España


• Gran dama del cine francés Catherine Deneuve recibirá un homenaje especial

Crónica de Sergio Martínez

El mayor evento con el que se cierra la temporada de festivales veraniegos en Montreal, el Festival de Filmes del Mundo (FFM), anunció este 2 de agosto su programación la que contiene un total de 383 películas provenientes de 70 países. Un hecho novedoso en esta, su 35ª edición, es el cambio de su fecha habitual (última semana de agosto para finalizar el primer día lunes de septiembre, feriado Fiesta del Trabajo) para esta vez adelantarse y comenzar el jueves 18 de agosto para finalizar el domingo 28 del mismo mes. Consultado sobre el cambio en la conferencia de prensa, el presidente del FFM Serge Losique, recordó que en sus primeras ediciones el festival se había celebrado en esa fecha. Losique no anticipó si ese nuevo lugar en el calendario será adoptado de modo definitivo para las futuras ediciones o no.

VEINTE FILMES EN LA COMPETENCIA OFICIAL
Siendo el único festival de carácter competitivo en Norteamérica oficialmente reconocido por la federación internacional de festivales, la sección de competencia cobra especial importancia en el FFM. Este año 20 largometrajes y 11 cortos compiten por el Gran Premio de las Américas y el Premio del Jurado.

El film brasileño Corazones sucios (Dirty Hearts) dirigido por Vicente Amorim es el único latinoamericano en la competencia. El tema del film es sin embargo netamente japonés, ya que la trama se desenvuelve en el seno de la numerosa comunidad japonesa en Brasil durante los años de fines de la Segunda Guerra Mundial y las fuertes tensiones que se producen entre los inmigrantes japoneses que no pueden aceptar que Japón ha perdido la guerra y aquellos que si se han hecho a esa realidad y que son acusados por el resto de “derrotistas”.

Imagen del film español Cinco metros cuadrados, en competencia en el FFM

España se halla presente en la competencia con Cinco metros cuadrados, un film de Max Lemcke que muestra como la joven pareja de Alex y Virginia, luego de haber hecho un pago para la construcción de su apartamento en un condominio ven pasar los meses sin que su vivienda soñada se haga realidad. Envueltos en una pesadilla de burocracia entre trámites legales y demoras de parte de la empresa constructora, y frustrado por la lenta marcha de la justicia, Alex decide tomar una medida más dura y riesgosa que desatará un nuevo drama.

Dos filmes canadienses compiten también en esta sección: Coteau rouge de André Forcier, el cual será exhibido en la función inaugural y que presenta una galería de personajes fuera de lo común: un individuo que se encarga de hacer desaparecer cuerpos para el crimen organizado, un empresario inmobiliario de prácticas dudosas, un ex boxeador y una abuela que se ha ofrecido para criar a su nuevo nieto. La run del realizador Demian Fuica, muestra la historia de Guillaume, un hombre joven que no está ni en la droga ni tiene antecedentes criminales, en suma “un hombre limpio” cuyo mundo se ve súbitamente alterado cuando se entera que su padre, un jugador compulsivo, está endeudado en 50 mil dólares con un prestamista usurero ligado al crimen organizado.

La lista se completa con Playoff (Israel/Francia) del director israelí Eran Riklis, ganador del Gran Premio en 2004 por su film The Syrian Bride (La novia siria). The Day of Wrath (Rusia) del director y actor ruso Andrei Smirnov, que se centra en el período entre 1909 y 1921: finales del zarismo, Primer Guerra Mundial, Revolución Rusa y consolidación del poder bolchevique; todo ello en el trasfondo de la vida y amores de una mujer que refleja así el turbulento destino de su país. Del director belga Geoffrey Enthoven viene Hasta la vista (Come as You Are), con una liviana mirada al amor, la amistad y el deseo, tres jóvenes que aman el vino y las mujeres pero que aun están vírgenes y que se embarcan en un viaje por España en búsqueda de su primera experiencia sexual. Nada los detendrá, ni siquiera sus discapacidades: uno es ciego, otro está en silla de ruedas y el tercero está paralítico.

Por su parte, L’art de l’amour (Francia) es dirigido por Emmanuel Mouret y presenta a tres personajes tras la conquista del amor y el deseo en completa libertad, pero que constantemente enfrentarán las consecuencias morales de su conducta. Life Back Then (Japón) dirigida por Takahisa Zeze es la historia de un hombre y una mujer, ambos jóvenes, con heridas psicológicas que se remontan a su adolescencia y que ahora trabajan en la limpieza y despacho de propiedad dejada por gente que muere. Otro film japonés es Chronicle of My Mother de Masato Harada, que muestra a una mujer ya vieja y en los umbrales del alzheimer bregando por transmitir sus sentimientos a su hijo, los que antes nunca pudo expresar.

David (Estados Unidos) del joven director Joel Fendelman toca el sensitivo tema de las relaciones interétnicas en la historia de Daud, un niño musulmán en Brooklyn, que se hace amigo de un grupo de niños judíos que creen que él también lo es y lo toman como uno de ellos. Todo irá bien hasta que David, como el niño musulmán es llamado por sus amigos judíos, se ve envuelto en una complicada situación. De Alemania vienen tres filmes a la competencia: Lessons of a Dream de Sebastián Grobler, cuya historia se centra en Honrad Koch un joven profesor quien en 1874 viene de retornar de estudiar en la Universidad de Oxford y que es contratado para enseñar inglés en una estricta escuela para niños. Sus métodos y su deseo de introducir a los muchachos en el deporte del fútbol sin embargo le crearán un conflicto con las autoridades del establecimiento apegadas a las tradiciones de disciplina prusiana. Le feu /The Fire de la directora Brigitte Maria Bertele enfoca las dificultades que encuentra una mujer que ha sido asaltada después de haber salido a bailar una noche. A Family of Three de Pia Strictmann muestra el contraste entre las apariencias de la familia Dewenter y la realidad.

Dos filmes italianos habrá en competencia: Che bel giorno (What a Beautiful Day) de Gennaro Nunziante que aborda el tema de la corrupción, la influencia de la Iglesia y la división norte-sur en Italia. Por su parte Tatanka de Giuseppe Gagliardi retrata a un joven del sur del país en su esfuerzo por escapar la degradación y el crimen, mediante su dedicación al boxeo.

Here Without Me (Irán) dirigido por Bahram Tavakoli es una adaptación de la famosa obra de Tennessee Williams El zoo de cristal. En esta adaptación una madre soltera brega por encontrar compañero para su extremadamente tímida y coja hija, mientras su hijo sueña de cine y escapar la trampa de las obligaciones familiares. The Law of Attraction (China) dirigido por Zhao Tianyu presenta el retrato de la vida contado a través de cuatro historias: Detector, Termómetro, Señal de tráfico y Paracaídas.

Danièle Cauchard directora general del FFM da a conocer la lista de filmes en la competencia oficial

LA COMPETENCIA DE PRIMERAS OBRAS
En esta sección habrá 26 filmes representando a 21 países. Entre ellos se presentarán los siguientes filmes latinoamericanos:
Tiempos menos modernos (Argentina/Chile) de Simón Franco
El dedo (Argentina/México) de Sergio Teubal
“Es una sátira más que una crítica. Una alocada trama entre la comedia negra, la sátira política y la línea del absurdo, en tono de comedia, el film sigue los destinos de un pueblito que por primera vez votará un intendente y en el que uno de los candidatos aparece muerto. “Nadie es un santo en la película, todo el pueblo es cómplice de esa elección”, dice el cineasta en entrevista con el periódico El Intransigente de Argentina.
Burros (México) de Odín Salazar Flores
Entre nosotros (México) de Patricia Martínez de Velasco
Cenizas eternas (Venezuela/Francia) de Margarita Cadenas

De España se presentará Brutalbox de Oscar Rojo.

FUERA DE CONCURSO
Esta prestigiosa sección habitualmente exhibe filmes que se han destacado en otros festivales. El FFM presenta a 16 en esta sección entre ellos:
Aballay, el hombre sin miedo (Argentina) de Fernando Spiner, que en su sitio web es caracterizado como “un western gaucho”, y
Pan negro (España) de Agustín Vallaronga, sobre la cual Carlos Boyero del diario El País escribió "El poderío visual y la expresividad de Villaronga hacen creíble, desgarrada y lírica esa brutalidad ambiental (...) Es una película dura y compleja, realista y perturbadora…"

FOCO SOBRE EL CINE DEL MUNDO
Esta es la sección más abundante del FFM con 73 largometrajes. En cuanto a la presencia latina se cuenta:
El agua al fin del mundo (Argentina) de Paula Siero
La mala verdad (Argentina/España) de Miguel Ángel Roca
Billete al paraíso (Cuba/España) de Gerardo Chijona
América (Puerto Rico) de Sonia Fritz
El rumor de las piedras (Venezuela) de Alejandro Bellame
El chico que miente (Venezuela/Perú) de Marité Ugas.

También hay unos filmes españoles:
Catalunya Ubre Alles! de Ramón Térmens
Primos de Daniel Sánchez Arévalo

Y algunas co-producciones:
Un cuento chino (Argentina/España) de Sebastián Borensztein
Trasgresión (España/Canadá/Italia) de Eric Alberich

LOS DOCUMENTALES
También una de las secciones mayores del FFM con 40 largometrajes, 13 mediometrajes y 11 cortometrajes. Entre ellos los siguientes latinoamericanos:
Un rey para la Patagonia (Argentina) de Lucas N. Turturro
Tata Cedrón (Argentina/España/Francia) de Fernando Pérez
Agnus Dei: cordero de Dios (México/Francia) de Alejandra Sánchez
Cielo abierto (México/El Salvador) de Everardo González
El matrimonio (Uruguay/Argentina) de Aldo Garay
El misterio de las lagunas (Venezuela) de Atahualpa Lichy

Y una co-producción con participación española:
Ibiza Occident (Austria/España) de Günter Schwaiger

EL FESTIVAL DE CINE ESTUDIANTIL
Paralelamente al FFM se realiza el Festival de Cine Estudiantil, esta vez en su 42ª edición, y presentando las realizaciones de jóvenes talentos de universidades y colegios a través de todo Canadá.

HOMENAJE A CATHERINE DENEUVE
La gran dama del cine francés será objeto de un homenaje por parte del FFM. “Catherine Deneuve ocupa un lugar especial en el panteón de las grandes estrellas de la pantalla. Ella ha colaborado con los más grandes directores del cine moderno y ha comnquistado al mundo con su inmenso talento. Estamos especialmente felices de rendir homenaje a Mme. Deneuve en nuestro Festival” declaró el presidente del FFM Serge Losique.

Catherine Deneuve saltó a la fama con ese hermoso film musical (todos los diálogos eran cantados) que se llamó Los paraguas de Cherburgo dirigido por Jacques Demy en 1964 en el cual ella hacía el rol de una jovencita de 17 años, Geneviève, que vivía con su madre viuda, dueña de una tienda de paraguas. La joven está enamorada del joven mecánico Guy, relación que su madre no ve muy bien. Guy debe hacer el servicio militar y marchar a la guerra en Argelia. Situación que cambia el destino de la joven también cuando conoce a un joven joyero Roland Cassard.

CLASE MAGISTRAL DE CLAUDE LELOUCH
El gran realizador francés dará una clase magistral el 26 de agosto, y el FFM aprovechará de exhibir sus dos filmes más recientes: D’un film à l’autre y Ces amours-là.

LOS FAVORITOS DE BERNARD TAVERNIER
Uno de los más importantes directores, guionistas y productores de Francia, Bernard Tavernier, es también un consumado cinéfilo y en tal calidad el FFM lo invitó a seleccionar y compartir con los espectadores de Montreal algunos de sus filmes favoritos.
La selección que hizo Tavernier se dividió en dos grupos.
Cine francés—Clásicos olvidados:
Sucre de Jacques Rouffio (1978)
Douce de Claude Autant-Lara (1943)
Le mariage de Chiffon de Claude Autant-Lara (1942)

Cine norteamericano—Cine negro inapreciado:
Pitfall de André de Coth (1948)
Cry Danger de Robert Parrish (1951)
The Prowler de Joseph Losey (!951)

Para ver la lista completa de todos los filmes ir al sitio web del Festival: http://www.ffm-montreal.org/

LAS SALAS Y LOS BILLETES
El FFM se desarrollará en las siguientes salas de Montreal:
Imperial Theatre, 1430 de Bleury (metro Place des Arts)
Teatro Maisonneuve, Place des Arts (metro Place des Arts)
Cinema Quartier Latin, 350 Emery (metro Berri-UQAM)
Cinema ONF / NFB Cinema, 1564 St. Denis (metro Berri-UQAM)

Cupones válidos para 10 funciones: $65
Pase cinéfilos: $250
Pasaporte: $100
Formularios para comprar el pase y el pasaporte están disponibles en el sitio web del FFM: http://www.ffm-montreal.org/

Para información llamar al (514)848-3883.

Serge Losique, presidente del FFM; Danièle Cauchard, directora general; Gilles Bériault, director del Mercado del FFM y Henry Walsh, director de comunicaciones del FFM al término de la conferencia de prensa en que se revelaron los títulos que se exhibirán en el FFM