DOS DIAS POCO ATRACTIVOS

Julie Delpy y Chris Rock

2 DAYS IN NEW YORK. Francia-Alemania-Bélgica, 2012. Un film escrito y dirigido por Julie Delpy. Elenco: Julie Delpy, Chris Rock, Albert Delpy, Alexia Landeau

Julie Delpy decidió realizar una secuela a 2 Days in París donde debutó como directora hace 5 años. De inferior calidad a aquélla 2 Días en Nueva York decepciona por su desabrida trama plagada con chistes de dudoso gusto y animada por personajes donde es mejor perderlos que encontrarlos.

En este capítulo la fotógrafa francesa Marion (Delpy) está divorciada viviendo en Manhattan con Mingus (Chris Rock), un periodista radial también divorciado, con quien comparte un departamento en compañía de sus respectivos hijos de anteriores relaciones. Con motivo de la inauguración de su exposición de fotografía, llega de visita procedente de París la excéntrica familia de Marión perturbando el clima de tranquilidad existente. Desde la primera escena en el aeropuerto Kennedy ya se percibe que el film adquiere un tono de farsa cuando Jeannot (Albert Delpy), el padre de Marion, intentaba contrabandear una considerable cantidad de chorizos y quesos en su maleta además de ocultar algunos llevados en su cuerpo; además de su padre se encuentra su hermana Rose (Alexia Landeau) quien tiene proclividad a pasearse desnuda por el departamento y su desagradable amigo Manu (Alex Nahon).

Desde el vamos, el hogar se convierte en un caos con las andanzas del padre que no habla una sola palabra de inglés, la inmadura Rose que se la pasa peleando constantemente con Marion y el insoportable Manu a quien no le falta escrúpulos para lograr que un traficante de drogas le provea marihuana al departamento donde está alojado. En la mayoría de los casos la risa es provocada apelando a desagradables expresiones racistas de Manu con referencia a Mingus que es negro, mostrando a Manu cortándose las uñas de los pies sobre la mesa familiar; o bien cuando los visitantes sonríen al pronunciar el nombre de “Mingus” porque rima con “cunnilingus” (sexo oral); no es necesario agregar más ejemplos o situaciones que resultan mejor olvidar que relatar.

Extraña mucho que Delpy sea la coguionista (junto con Landeau) de esta pobre farsa, teniendo en cuenta que ella había participado exitosamente en los excelentes diálogos improvisados de Before Sunrise.(1995) y Before Sunset (2004). Aquí, dejó de lado toda sutileza para concebir un relato que no tiene mayor razón de ser, a pesar de haber querido exponer sin lograrlo un contrapunto cultural entre las costumbres francesas y la modalidad americana, algo ya visto en múltiples oportunidades con mejor fortuna.

Jorge Gutman

UN FILM EXCEPCIONAL

A SEPARATION. Irán, 2011. Un film escrito y dirigido por Asghar Farhadi. Elenco: Peyman Moadi, Leila Hatami, Sareh Bayat, Sarina Farhadi, Ali-Asghar Shahbazi. Distribuidora: Sony Pictures Home Entertainment

Este film es una obra maestra del cine. Además de exponer problemas éticos y morales de difícil resolución obliga a reflexionar de qué modo pequeños detalles no bien encaminados pueden generar complicaciones superiores sin que sea posible culpar a nadie porque cualquiera sea la posición asumida hay razones que justifican el comportamiento adoptado por los personajes de esta historia.

Utilizando el enfoque de una novela detectivesca, el guión del realizador Asghar Farhadi mantiene en vilo al público constantemente. Pero lejos de saber “quién lo hizo” o “quién es el asesino”, Farhadi se aparta de Hitchcock o de Agatha Christie al ofrecer una intriga que se aleja de criminales o malhechores para en cambio basarse en la conducta humana. Desde esa óptica el cineasta plantea en su relato preguntas que no encuentran respuestas concretas o específicas; eso es debido a las contradicciones y actitudes a veces desconcertantes que son la esencia de la condición humana.

La acción que se desarrolla en Teherán presenta en sus primeras imágenes a un matrimonio de clase media que se encuentra ubicado frente a un juez a quien se le oye pero no se le ve. Simin (Leila Hatami) plantea al magistrado su deseo de obtener el divorcio de su marido Nader (Peyman Moadi) a pesar de que reconoce que es un hombre decente y honesto. La discordia es debida al hecho de que la pareja ha obtenido una visa para salir del país y mientras que ella está ansiosa de hacerlo cuanto antes, él se niega porque no puede dejar desamparado a su anciano padre (Ali-Asghar Shahbazi) que vive con ellos y está afectado por el mal de Alzheimer. Aunque Nader está dispuesto a conceder la petición de su esposa, sin embargo rehúsa a que ella parta con la hija de 11 años (Sarina Farhadi) de ambos; de allí que el juez no pueda otorgar el divorcio en ese momento recomendando al matrimonio para que se ponga de acuerdo a fin de adoptar posteriormente una decisión final. Frente al problema no resuelto, Simin resuelve dejar el domicilio conyugal, forzando a Nader a tener que contratar a una persona para que se ocupe de cuidar a su padre mientras él está ausente trabajando.

De la premisa inicial descripta el relato adopta un matiz más complejo con el personaje de Razieh (Sareh Bayat), la empleada domestica que diariamente vendrá a ayudar al padre de Nader. Ella es una mujer perteneciente a una clase social muy inferior a la de su patrón y que acepta ese empleo sin que lo sepa su marido (Shahab Hosseini), –de naturaleza emocional y un tanto violento- porque está desocupado; además, a diferencia de la actitud liberal y secular de Nader y Simin, Razieh es una devota musulmana, hecho que la pone en dificultades cuando el anciano ensucia sus pantalones y no se decide a cambiarlo sin consultar a la autoridad religiosa.

A medida que avanza el metraje, el libreto introduce una concatenación rápida de acontecimientos que van adquiriendo un cariz dramático cada vez más intenso y apasionante. Así, el director ofrece amplio margen para que el espectador medite sobre lo que va observando aunque es difícil de juzgar con completa objetividad porque cada persona encontrará razones suficientes para comprender y justificar las virtudes y falencias de los personajes involucrados.

A través de la expectativa creciente que se va creando para saber cómo concluirá el relato, el público se encuentra complacido al comprobar cómo no hay nada que quede suelto y de qué modo Termeh, la tranquila niña que va adquiriendo una fortaleza y madurez notable a medida que el film se desarrolla, como testigo silencioso de lo que está aconteciendo deberá adoptar la difícil decisión de elegir con cuál de sus padres habrá de vivir.

He aquí el ejemplo de un film absorbente y denso pero de ninguna manera difícil de seguir. Con una puesta escénica inobjetable, Farhadi ha adoptado una narrativa sencilla que permite transmitir lo que se propone, permitiendo a que el público pueda empatizar de inmediato con sus personajes que son interpretados por un elenco de magníficos actores. Cabe agregar que al margen de la historia central, el film se valoriza por haber abordado con meridiana claridad las diferencias sociales y religiosas imperantes en un país donde los valores culturales tradicionales conviven con los modernos. No menos destacable es que si bien lo expuesto transcurre en Irán, lo que se ilustra alcanza validez universal.

Habiendo obtenido el premio máximo en el Festival de Berlín del año pasado, la Academia Hollywood lo ha distinguido con el Oscar al mejor film extranjero de 2011.

El DVD contiene como material suplementario comentarios del director, así como una entrevista efectuada por Andrea Grossman (Una velada con Asghar Farhadi) sobre la génesis del film y los diferentes aspectos relacionados con las características de los personajes involucrados en el mismo.

La presentación es en versión original farsi o bien doblado al francés, con subtítulos optativos en francés e inglés. Jorge Gutman

LOS DOS PRIMEROS CONCIERTOS DE LMMC

La organización musical Ladies Morning Musical Club (LMMC) comienza su temporada 2012-2013 el 9 de septiembre (15h30) con la presentación del pianista brasileño Arnaldo Cohen. Cohen goza de una envidiable reputación entre los más importantes renombrados concertistas internacionales. A temprana edad comenzó sus estudios de violín y piano en la universidad de Río de Janeiro e inició su carrera profesional como violinista en la Ópera de la ciudad carioca. Posteriormente decidió dedicar más tiempo al piano continuando sus estudios con Jacques Klein, Bruno Seidlhofer y Dieter Weber. En 1972, obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional de piano Ferruccio Busoni, debutando al poco tiempo con la orquesta Concertgebouw de Amsterdam. Desde hace cinco años es miembro integrante del célebre Trío Amadeus y colabora con numerosos cuartetos de cuerda, entre ellos los cuartetos Orlando, Lindsay y Vanbrugh.

Con un repertorio de 50 conciertos para piano, este prestigioso solista ha sido invitado por las más celebradas orquestas internacionales de Europa y Estados Unidos. En recitales, Cohen ha actuado en Nueva York, San Francisco, Filadelfia, Toronto así como en Sudamérica y Asia. Ha sido profesor de piano en la Royal Academy de Londres y actualmente enseña en la Jacobs School of Music de Indiana.

El programa que ofrecerá para LMMC incluye la Partita N°1 en Si bemol mayor de J.S. Bach, Variaciones sobre un tema de Haendel de Brahms y los Scherzi N°1, N°2, N°3 y N°4 de Chopin.



Para el segundo concierto de esta temporada que se realizará el 30 de septiembre (15h30) LMMC invitó al Emerson String Quartet, celebrado conjunto instrumental que actuará por décimo quinta vez para esta agrupación.

El cuarteto integrado por Eugene Drucker (violín), Philip Setzer (violín), Lawrence Dutton (viola) y David Finckel (violoncelo) se ha distinguido por el gran éxito que ha tenido desde su fundación en 1976 hasta la fecha debido al talento artístico y la maestría técnica de sus miembros. 


Emerson String Quartet



Para la presente ocasión, el programa que ofrecerá el conjunto está integrado por el Cuarteto de Cuerdas en Re mayor, k. 499 “Hoffmeister” (1786) de Mozart, Cuatro Cuartetos de Ades (2010) y el Cuarteto de Cuerdas en Fa mayor, Opus 59 N°1 “Rasumovsky” (1806) de Beethoven.

Ambos conciertos tienen lugar en la sala Pollack de la Universidad McGill. El sitio web es: http://www.lmmc.ca/

NUEVA TEMPORADA PARA LA OSM Y LA OM

ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL

La OSM comienza su nueva temporada el 5 de septiembre con la ejecución de la majestuosa Segunda Sinfonía (“Resurrección”) de Mahler dirigida por el maestro Kent Nagano.

Esta obra de 2 horas de duración insumió a su autor 7 años de trabajo y requiere de un gran despliegue orquestal. Participarán como solistas la soprano Christina Landshamer y la mezzo soprano Christina Landshamer con el coro de la OSM bajo la dirección de Andrew Megill. El programa se repetirá el jueves 6 y el sábado 8.

Jacques Lacombe será el director del segundo programa de la OSM los días 13 y 14 de septiembre ejecutando la Sinfonía N° 2 de Bernstein, la síntesis sinfónica de Pelléas et Mélisande y el poema sinfónico La Mer de Debussy en ocasión de celebrarse el sesquicentenario de su nacimiento.

El último concierto del mes tiene lugar el 27 de septiembre con la participación del director James Conlon y el solista Gil Shaham ejecutando el Concierto para Violín de Britten; además se escuchará Le Tombeau de Couperin y la Rapsodia Española de Ravel.

Todos los conciertos comienzan a las 20h00 y se desarrollan en la Maison Symphonique. Para información adicional se puede consultar el sitio web http://www.osm.ca/

ORQUESTA METROPOLITANA

La OM comienza su temporada el 23 de septiembre (15h00) con un concierto dirigido por su director artístico Yannick Nézet-Séguin quien ha escogido la Sinfonía N°9 ("Del Nuevo Mundo") de Dvorak como obra central del programa. La novena sinfonía fue compuesta durante la visita que el gran compositor checo efectuara a Nueva York en 1893, donde estuvo fuertemente influido por la música de los nativos americanos para su concepción.

Además de la obra de Dvorak, el programa incluye la Sinfonía N°3 de Rachmaninov y una obra de Champagne.

El concierto tendrá lugar en la Maison Symphonique. Información suplementaria puede obtenerse en http://www.orchestremetropolitain.com/

LA TRAVIATA

OPERA DE MONTREAL

La Opera de Montreal inicia su temporada 2012-2013 con La Traviata, sin duda la ópera más popular de Verdi cuya primera representación tuvo lugar en el escenario de La Fenice de Venecia en marzo de 1853.

Con un libreto escrito por Francesco Maria Piave basado en La Dama de las Camelias de Alejandro Dumas, su tema es bien conocido. La bien conocida cortesana Violetta es amada por Alfredo, el joven hombre de buena familia pero a instancias de su padre Germont, ella realizará el gran sacrificio de renunciar a su amor para salvar el honor de la familia; finamente Violetta será consumida por la desesperación y el mal que la aqueja.

Este drama intemporal es una de las óperas más cantadas en el mundo por su tema y sobre todo por la riqueza musical de sus árias que han alcanzado inmensa popularidad. En esta producción el rol de Violetta estará a cargo de la excelente soprano griega Myrto Papatanasiu. El papel de Alfredo está a cargo del tenor italiano Roberto De Biasio en tanto que Germont será cantado por el barítono Luca Grassi, oriundo de Saint-Martin. El resto del elenco es íntegramente canadiense y está integrado por la mezzo-soprano Aidan Ferguson, el barítono Jean-Michel Richer, la soprano Karine Boucher, el barítono Patrick Mallette y el bajo barítono Alexandre Sylvestre.

El maestro italiano Antonino Fogliani dirigirá la Orquesta Metropolitana. La puesta en escena está a cargo de Michael Cavanagh, Tom Mays es responsable de la escenografía, Gail Bakkom del vestuario y la iluminación está a cargo de Anne Catherine Simard-Deraspe

La ópera será cantada en su versión original italiana con subtítulos en francés e inglés, los días 15, 18, 20 y 22 de septiembre (19h30) en la sala Wilfrid Pelletier de la Place des Arts. El sitio de internet de la ODM es http://www.operademontreal.com/

UN BUEN DIBUJO ANIMADO

PARANORMAN. Estados Unidos, 2012. Un film de animación de Sam Fell y Chris Butler

Después del éxito logrado con Coraline (2009) la empresa productora Laika entrega otro buen relato de animación que se ubica en el género del thriller entremezclado con un poco de horror.

Efectuado en 3D y en “stop-motion”, técnica de animación que consiste en lograr el movimiento de objetos estáticos a través de una serie de imágenes sucesivas, cabe apreciar el meticuloso trabajo realizado por el equipo de producción al servicio de un film ingenioso que seguramente atraerá a chicos –aunque no demasiado pequeños- como así también a sus padres.

El film codirigido por Sam Fell y Chris Butler con guión de este último aborda un terreno parecido al que el realizador Tim Burton ha incursionado en algunos de sus trabajos. La historia se desarrolla en un tranquilo pueblo del noreste americano donde vive Norman (voz de Kodi Smit-Mc Phee), quien es un chico de 11 años incomprendido por su familia integrada por sus padres (voces de Jeff Garlin y Leslie Mann) y de su superficial hermana (voz de Anna Kendrick), además de ser objeto de burlas e intimidación por parte de Alvin (voz de Christopher Mintz-Please), un compañero de escuela a la que asiste. Parte de la causa de su problema es que él insiste en tener la capacidad de poder ver y hablar con las personas muertas. Su carácter solitario encuentra sosiego viendo películas de zombis (muertos vivientes) y gozando de la compañía fantasmal de su querida abuela (voz de Elaine Stritch).

El conflicto dramático de la historia se produce cuando Norman se entera por su excéntrico tío Prenderghast (John Goodman), con similares poderes extrasensoriales, que una maldición pesa desde hace tres siglos sobre el pueblo donde sus antepasados muertos emergerán de sus tumbas para sembrar el caos. Cuando efectivamente un septeto de zombis salen de las mismas, Norman, acompañado por un pequeño equipo de colaboradores, procede a enfrentarlos expulsándolos del lugar y convirtiéndose en el héroe del pueblo.

Aunque la trama argumental es pequeña, el film satisface por sus momentos de humor, la bien lograda acción que se desprende de sus instancias de horror así como por la acabada elaboración de sus personajes, con especial referencia al mejor amigo de Norman, un simpático gordito bien caracterizado con la voz de Tucker Albrizzi.

Conclusión: Visualmente inobjetable, este film se ubica en algunos escalones más elevados al promedio de su género y constituye un buen entretenimiento. Jorge Gutman

UN ASESINO A SUELDO

KILLER JOE. Estados Unidos, 2011. Un film de William Friedkin. Elenco: Matthew McConaughey, Emile Hirsch, Juno Temple, Thomas Haden Church

Aunque William Friedkin es un veterano realizador americano bien conocido por The French Connection (1971) -que obtuvo 5 Oscars incluyendo al mejor film y mejor director- su filmografía ha sido desigual y en los últimos años ha perdido la vitalidad de otros tiempos. Eso es apreciable en Killer Joe, un film que si bien está correctamente realizado y tiene ciertos momentos logrados, el realizador no escatimó en acudir a escenas revulsivas y violentas para satisfacer las ansiedades de un público que se satisface con los baños de sangre dentro de un clima sórdido y asfixiante. Ciertamente, la visión de esta película constituye una experiencia poco estimulante.

En menos de escasos minutos, el espectador se enfrenta con una familia que además de disfuncional se encuentra en total bancarrota moral. Chris (Emile Hirsch) es un inepto traficante de drogas cuya vida corre peligro por encontrarse fuertemente endeudado y sin disponer del dinero para salvar su situación. Para resolver el problema decide matar a su madre con quien no se lleva bien, a fin de cobrar el seguro de vida de 50 mil dólares que posee y utilizar parte de esa suma para cancelar sus deudas.
Para ello comunica la decisión a su padre Ansel (Thomas Haden Church); éste que está separado de su mujer, encuentra que es una idea muy razonable y de la misma opinión es su actual compañera Sharla (Gina Gershon) y Dottie (Juno Temple), la hermana menor de Chris. Para implementar el crimen, Chris propone que la ejecución esté a cargo de Joe (Matthew McConaughey), un detective policial que a la vez oficia como un experto asesino a sueldo. Como la fracturada familia no dispone del dinero efectivo que el criminal requiere anticipadamente, éste retiene a Dottie como garantía por sus servicios profesionales.

Resulta curioso que Friedkin haya logrado un interesante film de horror con The Exorcist (1973) y que aquí desperdicie un material que se prestaba para la comedia negra con visos de suspenso para en cambio ofrecer un relato radical y transgresivo de poco valor. En las últimas escenas, el clima degradante alcanza su climax donde Joe somete a Sharla a un acto tan humillante como deplorable, sin que agregue o refuerce la naturaleza de lo que se está presenciando.

A su favor cabe señalar la muy buena interpretación del elenco, destacándose sobre todo McConaughey y Temple. El popular actor caracteriza muy bien la ambigua personalidad de un individuo afable cuya voz serena de a ratos contrasta con la sádica violencia que expone en otros momentos; por su parte Temple da el tono preciso con la ingenuidad aparente que reviste su personaje; ambos intérpretes proporcionan la que es posiblemente la mejor escena del film cuando Joe seduce a la adolescente como preludio a su iniciación sexual.

Conclusión: Un film del género negro que apela a una gratuita violencia y a situaciones de lamentable gusto. Jorge Gutman

LA EXTRAÑA VIDA DE TIMOTHY GREEN

THE ODD LIFE OF TIMOTHY GREEN. Estados Unidos, 2012. Un film escrito y dirigido por Peter Hedges. Elenco: Jennifer Garner, Joel Edgerton, Cameron Adams

Dentro del género de realismo mágico, el director y guionista Peter Hedges plantea en las primeras imágenes de este film un caso interesante que permite la rápida identificación con sus personajes.

Jennifer Garner y Joel Edgerton animan a Cindy y Jim Green respectivamente, un matrimonio que ha realizado todos los esfuerzos posibles para concebir un hijo sin haberlo logrado. El día en que reciben el diagnóstico médico confirmando que Cindy no podrá quedar jamás embarazada, los cónyuges deciden fantasear sobre el hijo que hubieran deseado tener, escribiendo sus atributos en un papel que después de haber sido colocado en una caja de madera la entierran en el jardín de la casa donde viven; de este modo, las esperanzas que habían depositado de tener un hijo han quedado sepultadas. Sin embargo, los hechos demostrarán lo contrario cuando a la mañana siguiente, en ese mismo lugar, brota misteriosamente un encantador niño de 10 años con hojas adheridas a sus piernas y que dice llamarse Timothy Green (Cameron Adams). Así este chico, que reúne todas las características que Cindy y Jim habían imaginado en un hijo, es inmediatamente adoptado por ellos y todo parecería predecir que el gran sueño de ser padres finalmente se ha concretado.

Para proseguir con lo que el relato propone es necesario dejar toda resistencia a la credibilidad; pero tratándose de una fantasía ese detalle es fácilmente superable, sobre todo por el tono afectivo que va adquiriendo el desarrollo de la trama. Sin entrar en detalles, lo que sigue es el proceso de adaptación de los padres al niño, de éste hacia sus padres adoptivos así como al medio social donde le toca vivir.

Aunque sin gran profundidad, Hedges logró una buena comedia dramática donde refleja las emociones de una vida en familia, la difícil responsabilidad de la paternidad de padres inexpertos, los inconvenientes que Timothy debe superar con sus compañeros de escuela por ser diferente, la relación amistosa que entabla con una tímida niña (Odeya Rush) compartiendo sus horas libres, así como los sentimientos de amor y pérdida que trae aparejado el desenlace del relato. Toda la historia se desarrolla dentro del marco de una situación económica crítica cuando la fábrica de lápices donde trabaja Jim, que a su vez es la más importante de la pequeña ciudad, amenaza cerrar sus operaciones.

En más de una oportunidad el relato bordea con la nota melodramática; sin embargo, el realizador evitó que su historia se convierta artificialmente sentimental permitiendo en cambio que las emociones florezcan en forma natural y espontánea.

Conclusión: Con una premisa improbable, he aquí una fantasía agridulce de modestas ambiciones que transmite calidez y sentimiento, en gran parte por la lograda interpretación del pequeño Adams quien proporciona ternura y humanidad en el rol que le ha tocado desempeñar. Jorge Gutman

DRAMATICA SUMISION

COMPLIANCE. Estados Unidos, 2012. Un film escrito y dirigido por Craig Zobel. Elenco: Ann Dowd, Dreama Walker, Pat Healy, Bill Camp, Philip Ettinger, James McCafrey

Este film desafía la posibilidad de lograr un juicio que sea lo más objetivo posible sobre sus verdaderos méritos. Por una parte el director Craig Zobel ha logrado un relato meticulosamente ejecutado con una interpretación que por su naturalidad llega a maravillar. Sin embargo, su tema se presta a un apasionado nivel de discusión dado que según cuál sea la visión que adopte la audiencia, podrá resultar en un film misógino que no tiene escrúpulos en explotar la condición femenina, o bien en un documento que genuinamente traduce los misteriosos mecanismos de poder que se pueden ejercer a través de los canales menos imaginados.

En un restaurante de comida al paso situado en un suburbio de Ohio, su supervisora Sandra (Ann Dowd) recibe un llamado telefónico de un inspector policial llamado Daniels (Pat Healy) haciéndole saber que Becky (Dreama Walker), una de sus jóvenes empleadas que maneja la caja registradora, le robó una suma de dinero de la cartera a una de sus clientas. Siguiendo las instrucciones recibidas telefónicamente por el funcionario, la chica es obligada a permanecer en una de las piezas del establecimiento y a partir de allí durante casi 80 minutos, donde el tiempo de la ficción coincide con el real, el espectador contempla con considerable incomodidad de qué forma Becky es sometida a una opresión psicológica y a una inconcebible vejación física.

Después de los primeros 10 minutos de esa llamada que se prolonga durante una hora, la frustración se apodera del espectador, porque queda completamente claro que el inspector policial no es tal sino más bien un psicópata sádico dispuesto a denigrar a la supuesta ladrona con la colaboración de los restantes personajes que se someten ciegamente cumpliendo sus órdenes; es necesario poseer un nivel altísimo de estupidez como para no darse cuenta de que hay un farsante detrás de esta maniobra y es en ese sentido que el film irrita la sensibilidad del público que se resiste a creer lo que está ocurriendo.

Dicho lo que precede es necesario indicar que el film se ha basado en incidentes que verdaderamente han ocurrido hace algunos años en Estados Unidos y que durante la última década se han registrado nada menos que 70 casos similares; es precisamente en éstos mismos donde el realizador se ha inspirado para elaborar su guión.

Como es imposible negar la realidad, sólo cabe señalar que a pesar del desagrado que esta historia de sumisión puede producir, Zobel trató de ofrecer el cuadro más realista posible a través de un relato que más que ficción se acerca en algunos momentos a suponer que se trata de un documental denunciando la forma en que un perverso y diabólico individuo puede llegar a ejercer un increíble poder de manipulación y sembrar un violento horror en una aterrorizada víctima sin tener que recurrir a ningún arma de fuego.

Conclusión: Un film que aunque por su tema resulta difícil de presenciar, no obstante se destaca por su excelente dirección e interpretación. Jorge Gutman

TERAPIA CONYUGAL

HOPE SPRINGS. Estados Unidos, 2012. Un film de David Frankel. Elenco: Meryl Streep, Tommy Lee Jones, Steve Carell

Con un reducido elenco liderado por Meryl Streep y Tommy Lee Jones y con la participación de Steve Carell, la cartelera ofrece un film alternativo dirigido especialmente para un público de edad media que podrá comprender y /o identificarse con las peripecias atravesadas por un matrimonio después de un prolongado período de convivencia.

Con el guión de Vanessa Taylor -no siempre del todo consistente- abordando el desvanecimiento pasional que suele producirse con el paso del tiempo en la vida de una pareja, el director David Frankel ha sabido explotar este tema apoyado por las notables caracterizaciones que brindan Streep y Lee Jones como dos esposos que requieren de urgente vitamina para revitalizar su relación.

Casados durante 31 años, Kay (Streep) y Arnold (Tommy Lee Jones) viven con todo confort en su casa de Nebraska; ambos se quieren pero los años de vida en común han convertido la relación en rutina; así, él se muestra como un desatento marido que prefiere mirar por televisión un partido de golf antes que dedicarle un mimo, toque o manifestación de cariño a Kay, mientras que el rol de ella consiste en estar al servicio de su marido. A fin de lograr que el vínculo adquiera mayor intimidad, ella decide viajar por una semana acompañada de su reluctante marido a la pequeña ciudad de Great Hope Springs en Maine a fin de consultar al Doctor Feld (Steve Carell), un renombrado autor y terapeuta especialista en materia matrimonial.

Considerable parte del film transcurre en las sesiones que tienen lugar en el consultorio del terapeuta donde a instancias del mismo la pareja trata de enfrentar el estado actual de su relación con especial énfasis en la ausente vida sexual y las lecciones que deben seguir a fin de mejorar la situación.

Pocas veces el cine ha abordado con tanta franqueza y delicadeza la sal y pimienta que dinamiza la intimidad de un matrimonio de la manera como aquí queda expuesta. Con todo hay aspectos que el guión deja de lado, como por ejemplo al no indagar de qué manera transcurrió la vida conyugal de Kay y Arnold antes de haber llegado al crítico estado actual.

La observación precedente no alcanza a empañar la apreciación que el público pueda tener de este relato donde de momentos graciosos o risueños, se pasa fluidamente a otros más dramáticos, siempre dentro del marco de situaciones que tienen sentido y coherencia. Gran parte de los méritos del film se basa como ya se mencionó previamente, en la calidad actoral. Después de su rotundo triunfo en The Iron Lady, Streep sigue demostrando que es una de las actrices más versátiles que se haya conocido, aportando en este caso la calidez y ansiedad de una mujer que sinceramente quiere a su marido y está determinada a salvar su matrimonio; por su parte Lee Jones con sus expresiones gestuales está impagable caracterizando al alejado y un tanto hosco cónyuge que va cambiando de ánimo e impresión a medida que la terapia comienza a rendir sus frutos. Finalmente, Steve Carell es toda una revelación como el afable, moderado y persistente profesional que sabe cómo conducirse y aleccionar a la atribulada pareja.

Conclusión: Un buen film que con mucho tacto y sobriedad se adentra en las relaciones íntimas de un matrimonio de la tercera edad. Jorge Gutman

CINE EN LA PLAZA: THE CAMPAIGN—POLÍTICA “A LA AMERICANA”

Los intereses económicos en juego, la corrupción rampante en los altos círculos políticos y los “trapos sucios” que se sacan a lucir en una campaña electoral son los temas serios que se abordan con humor y sarcasmo en la comedia The Campaign (La campaña)


Comentario de Sergio Martínez

Cuando uno de los hermanos Motch que intenta cerrar un lucrativo negocio con una empresa china le asegura a uno de sus ejecutivos que las perspectivas de aprobación serán muy buenas una vez que se produzca la elección al congreso ya que el actual congresista que va a la reelección apoya el proyecto, el empresario chino le dice: “Pero las elecciones en su país son imprevisibles”, a lo que el hombre de negocios norteamericano le replica: “No. Con dinero las elecciones son previsibles”. Este diálogo de alguna manera resume la esencia de la historia de este film en que Cam Bradley (Will Ferrell) va a una nueva elección, sin oponente, lo que asegura su victoria en un distrito de Carolina del Norte. Pero Bradley, que entre sus debilidades cuenta su insaciable deseo por aventuras sexuales con variadas mujeres comete un error al hacer un llamado equivocado que a su vez desencadenará nuevos eventos negativos para su campaña, el principal, el que sus poderosos soportes financieros, los hermanos Motch (John Lithgow y Dan Aykroyd) le quitarán su apoyo y en cambio buscarán una alternativa. El candidato que encuentran es Marty Huggins (Zach Galifianakis) un simple hombre de familia, ingenuo y no muy brillante y que está a cargo de la oficina de Turismo de la pequeña ciudad de Hammond. Hasta el padre de Marty, Raymond Huggins (Brian Cox) un ex operador político, se muestra sorprendido que su hijo pueda ser visto como material político ya que él nunca le tuvo ninguna fe.

Cam Bradley (Will Ferrell) junto a su esposa
Rose (Katherine LaNasa), congresista que
espera volver al Capitolio

A partir de aquí la comedia toma un cierto tono convencional, con Marty primero siendo una suerte de personaje fuera de lugar en la arena política, pero pronto—en parte porque los Motch le asignan un siniestro jefe de campaña, Tim Wattley (Dylan McDermott), que irá transformándolo de ingenuo hombre de familia en un político ducho—el que era percibido como perdedor obvio se va agrandando mientras al mismo tiempo sucesivos errores de Bradley van hundiendo su campaña, entre los más cómicos, dos sendos incidentes, uno con un bebé y otro con un perro, que lo hacen perder más y más puntos al extremo que llegado el final de la campaña parece que su postulación está terminada.

Marty Huggins, un hombre de familia que
es escogido para desafiar a Bradley

Marty a su vez, que le ha tomado el gusto a la contienda electoral, parece estar cerca del triunfo aunque en el camino su propia vida familiar va a sufrir. La película muestra muy bien los excesos a que puede llegar la publicidad negativa y el rol de la televisión en los aspectos más sucios de la campaña. Incluso el jefe de campaña de Bradley, Mitch (Jason Sudeikis) al ver los extremos a los que su jefe está dispuesto a llegar con tal de ganar, decide abandonarlo. Rose (Catherine LaNasa) esposa de Bradley, también lo deja, pero por otras razones.

Como señalamos, el film toca de manera cómica un tema serio como es el juego de la política en Estados Unidos, manteniendo el interés del espectador. Interesante de anotar también que al revés de lo que hace la inmensa mayoría de las comedias norteamericanas, su humor no se basa solamente en sus intercambios verbales sino que de alguna manera recogiendo elementos de la comedia clásica del cine mudo, recurre a escenas de acciones físicas, probablemente las más hilarantes las ya mencionadas con un bebé (los candidatos se supone que besan bebés en sus campañas) y luego con un perro, cuyos detalles no adelantaremos.

The Campaign aunque con una narrativa convencional, es una mirada un tanto cínica, sarcástica y por la mayor parte muy entretenida sobre el quehacer político en Estados Unidos.

UNA FANTASIOSA ROMANTICA HISTORIA

RUBY SPARKS. Estados Unidos, 2012. Un film de Jonathan Dayton y Valerie Faris. Elenco: Paul Dano, Zoe Kazan, Chris Messina, Annette Bening, Antonio Banderas

Explorando el proceso de creatividad dentro del marco de una fantasiosa historia, Ruby Sparks ofrece mucho más de lo que apriorísticamente podría aguardarse. Deliciosamente romántica, sólo es necesario dejarse llevar por la imaginativa propuesta de los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris para gozar del mejor film del género sentimental de esta temporada estival.

Al igual que el escritor George Bernard Shaw, aunque con sustanciales variaciones, la coprotagonista Zoe Kazan que es autora del guión se inspiró en el mito griego de Pigmalión donde un artista se enamora del objeto de su creación, para reproducir en este caso las andanzas de un joven autor en búsqueda del personaje clave para su nueva obra.

Al comienzo del relato el público asiste a la familiar historia de un escritor que después de haber publicado hace varios años un libro de gran éxito, ahora se siente bloqueado sin poder dar rienda suelta a su imaginación; pero rápidamente la trama cobra giros insospechados. Aquí, el escritor es Dano Calvin (Paul Dano), un joven solitario de Los Ángeles luchando por lograr la repetición del suceso de su primera publicación. Ayudado por su psicoanalista (Elliott Gould) finalmente consigue elaborar las primeras páginas de su futura novela concibiendo como protagonista a una luminosa joven de ojos azules llamada Ruby Sparks (Zoe Kazan). Si al principio todo marcha bien, la gran sorpresa se produce cuando la musa inspiradora de Dano aparece de cuerpo y alma en su departamento y al principio él no atina a estar seguro si lo que ve tiene visos reales o está soñando. Llamando de inmediato a su hermano incrédulo (Chris Messina), la situación adopta ribetes más increíbles cuando llega a comprobar que Ruby realmente existe.

La historia se vuelve más apasionante cuando el escritor comprueba que Ruby va comportándose de acuerdo a lo que él va desarrollando en su novela donde podrá lograr que ella hable francés, llegue a cocinar o adopte actitudes que sólo él puede manejar. Mientras que el titiritero logra que su títere obedezca sus instrucciones no habrá nada que objetar, pero la situación cambia drásticamente a partir del momento en que Ruby comienza a adquirir independencia desafiando a la persona que la ha concebido en su imaginación.

Romántica, afectiva y plena de ternura, los realizadores han concebido una ingeniosa fábula capaz de satisfacer a todo tipo de audiencia. Dentro del carácter de comedia de fantasía uno podría reflexionar sobre la irresistible tentación que asiste al ser humano de manipular o ejercer control sobre otras personas haciéndole sentir dueño de un poder sin límites; en todo caso, y más allá de esas conjeturas, lo concreto es que se ha logrado un film íntimo, muy bien enfocado, con mucho humor y sobre todo con una excelente comunicación entre sus dos personajes principales, hecho que no resulta extraño porque Dano y Kazan forman pareja en la vida real y logran transmitir muy bien la buena química que los une. El elenco de reparto es irreprochable con la participación de Annette Bening como la madre hippie de Dano y Antonio Banderas animando a su excéntrico padrastro.

Conclusión: Una original y cálida comedia romántica que se deja ver con mucho agrado. Jorge Gutman

FESTIVAL DE FILMES DEL MUNDO: LA EDICIÓN 2012

Como es habitual habrá una amplia muestra del cine del mundo en este, el evento que tradicionalmente marca el fin del verano en Montreal, entre ellos dos filmes españoles en la competencia oficial y dos latinoamericanos en la competencia de primeras obras.

Crónica de Sergio Martínez

En conferencia de prensa este martes 7 de agosto, los organizadores del Festival de Filmes del Mundo de Montreal (FFMM), Serge Losique, su presidente, Danièle Cauchard, su directora general, y Gilles Bléuriot, director del Mercado del Festival, dieron a conocer la programación de su 35ª edición que tendrá lugar entre los días 23 de agosto y 3 de septiembre en diversas salas de esta ciudad.

El FFMM contiene seis secciones principales, dos de ellas competitivas y que por cierto atraen el mayor interés:

Competencia Oficial, con un total de 17 títulos representando a 15 países y que incluye los siguientes filmes:

Karakara, Claude Gagnon (Canadá-Japón). La historia de un profesor quebequense retirado, sesentón, que hace un viaje de búsqueda espiritual a Japón donde se ve envuelto en una relación amorosa con una mujer de ese país unos veinte años menor.

Wings (Alas). Yazhou Yang y Bo Yang (China). Luego de sucumbir al ambiente materialista del Pekín actual, Xiaobei toma un contrato para ser una madre subrogante, después de un fallido intento de suicidio conocerá a un muchacho minusválido.

Dearest (Bien amada). Yasuo Furuhata (Japón). La esposa de Eiji deja como pedido póstumo que sus cenizas sean esparcidas en la costa de su ciudad natal, pero ella también ha informado a su marido que allí habrá una misteriosa carta aguardándolo en la oficina postal.

Anfang 80 (Envejeciendo). Sabine Hiebler y Gerhard Erti (Austria). Dos personas que hoy se considerarían irrelevantes, súbitamente constatan lo que es perseguir la felicidad por una vez en la vida.

Flower Square (Plaza de las flores). Krsto Papic (Croacia). ¿Qué ocurre a la gente común y corriente en circunstancias extraordinarias? Las vicisitudes de una familia promedio cuando se ve envuelta en relaciones con los bajos fondos. Un retrato de la Croacia contemporánea más allá de los titulares de los periódicos.

Miel de naranjas. Imanol Uribe (España). Enrique y Carmen se conocen y se enamoran, pero esto ocurre en pleno tiempo del franquismo de los años 50 y Enrique pronto se da cuenta de las injusticias que ocurren y en su afán de hacer algo también asumirá riesgos para sí y para sus compañeros.

Els nens salvatges (Los salvajes). Patricia Ferreira (España). Alex, Gabi y Oky son tres adolescentes que se sienten enajenados de sus padres, de sus profesores y de ellos mismos. Su aislamiento emocional tendrá inesperadas consecuencias.

Oblawa (Cacería humana). Marcin Krzysztalowicz (Polonia). En un bosque polaco en el otoño de 1943 un pequeño grupo de partisanos espera órdenes para matar nazis y colaboradores. Se trata de partisanos dedicados a operaciones especiales, sólo que esta vez estarán necesitados ellos mismos de una operación especial.

Iskupleniye (Expiación). Alexander Proshkin (Rusia). Es año nuevo 1946, la guerra ha terminado y en el sur de la URSS la joven Sasha de 16 años, idolatra a su padre muerto, un héroe de la guerra, mientras al mismo tiempo desprecia a su madre, a quien acusa de robar propiedad del estado, un serio crimen en tiempos de Stalin.

Ende der Schonzeit (Fin de la temporada). Franziska Schlotterer (Alemania). Albert ha fallado en su intento de huir de la Alemania Nazi, encontrando refugio en casa de Fritz, un granjero local que contrariando los deseos de su mujer Emma, lo esconde en un establo en su granja de la Selva Negra, a cambio Albert le ayuda en los trabajos de la granja, pero pronto Fritz le pedirá un muy inusual favor.

Invasion (Invasión). Dito Tsintsadze (Alemania). Joseph acaba de perder a su mujer cuando unos inesperados visitantes que se presentan como parientes de su fallecida mujer hacen su aparición, terminan instalándose en su casa y empiezan a actuar con creciente agresividad.

Das Wochenende (Weekend). Nina Grosse (Alemania). Cuando Inga se entera de la puesta en libertad de Jens Kessler, un antiguo miembro de la llamada Fracción Ejército Rojo, su vida sufre un importante vuelco. Jens fue no solamente su gran amor juvenil, sino también el padre de su hijo Gregor.

The Last Sentence (La última sentencia). Jan Troell (Suecia). La compleja y dramática historia de Torgny Segerstedt, un periodista sueco que fue un duro opositor de los nazis en un momento precario para la historia sueca.

Sanghaj (Gitano de Shanghai). Marko Nabersnik (Eslovenia). La historia de los Mirgas, una familia gitana que vive del contrabando de mercaderías, pero con la desintegración de Yugoslavia, el contrabando de armas deviene un negocio más lucrativo, aunque también más peligroso.

Two Jacks. Bernard Rose (EE.UU.). La historia de un renombrado director que regresa a Los Ángeles donde conoce a Brad uno de sus admiradores quien también busca beneficiarse del encuentro.

Comme un homme (Como un hombre). Safy Nebbou (Francia). El conflictivo mundo de la escuela con la presencia de dos personajes de características muy disímiles, el tranquilo Louis y el violento Gregor. Un incidente llevará a complicadas consecuencias.

Where the Fire Burns (Donde el fuego arde). Ismail Gunes (Turquía). La joven Ayse cae enferma, es hospitalizada y es allí cuando se descubre que está embarazada. Su familia se torna contra ella y su padre quiere matarla para salvar el “honor”.

Competencia de Primeras Obras:

Dieciocho filmes compiten en esta categoría que ofrece la posibilidad a jóvenes realizadores de todo el mundo de mostrar sus trabajos. Entre los filmes seleccionados hay dos de América Latina:



Escena del film peruano Casadentro



Casadentro. Joanna Lombardi (Perú). Pilar, que a los 81 años ha devenido una criatura de rutinas y hábitos fijos, advierte que cuando su hija la llama para decirle que irá a visitarla junto con su esposo e hija, es porque un conflicto se avecina.

A la deriva. Fernando Pacheco (Argentina). Ramón, quien se halla muy endeudado acepta participar en lo que se presenta como un fácil plan para contrabandear droga. Pero ningún plan es realmente tan fácil.



Escena de A la deriva



Fuera de Concurso:

Esta es la sección que presenta una selección de las mejores películas presentadas en otros festivales o ya estrenadas en sus respectivos países. En lo que hace a presencia latinoamericana hay que destacar en esta sección el retorno de un viejo conocido, el director argentino Eliseo Subiela con su film Rehén de Ilusiones. En esta sección se exhibirá también el film del fallecido director chileno Raúl Ruiz, La noche de enfrente (co-producción Chile-Francia), y la co-producción España-Francia 7 días en La Habana de los directores Benicio del Toro, Pablo Trapero, Julio Medem, Elia Suleiman, Gaspar Noé, Juan Carlos Tabio y Laurent Cantet.

Foco sobre el cine del mundo:

Una sección más amplia y exploratoria que brinda una visión general de la filmografía mundial, presentando obras tanto de algunos directores consagrados así como de otros menos conocidos o provenientes de países que no tienen una gran industria cinematográfica. En esta sección hay también varios filmes latinoamericanos, entre ellos:



Serge Losique, presidente del FFMM, Danièle Cauchard,
directora general, y Gilles Bléuriot , director del Mercado del Festival



Paisajes devorados, Eliseo Subiela (Argentina), ¿Alguien ha visto a Lupita? Gonzalo Justiniano (Chile-México-Argentina), Tres Marías, Francisco González (Costa Rica), Chalán, Jorge Michel Grau (México), Fecha de caducidad, Kenya Márquez (México), La segunda muerte, Santiago Fernández (Argentina), Capitães de areia (Capitanes de arena), Ceccila Amado (Brasil), Mariachi gringo, Tom Gustafson (México-EE.UU.), La cebra, Fernando León (México), Amaranto, Amin Yoma (Argentina), Paraísos artificiais (Paraísos artificiales), Marcos Prado (Brasil-Holanda), Ruta de la luna, Juan Sebastián Jacome (Panamá-Ecuador), El sueño de Lu, Carlos Sama (México) , La guerra del maiale, David Maria Putorti (Italia-Argentina), Una noche, Lucy Mulloy (Cuba-EE.UU.-Reino Unido), Lo azul del cielo, Juan Uribe (Colombia).

Documentales del mundo:

Dos filmes latinoamericanos se exhibirán en esta sección: La mujer del Eternauta, Adán Aliaga (España-Argentina) y ¿Qué sueñan las cabras?, Jorge Prior (México).

En el marco del Festival de Filmes del Mundo también se incluye la 43ª edición del Festival Canadiense de Filmes Estudiantiles, y este año una muestra de filmes hechos por el Departamento de Cine y Televisión de la Universidad de Tel Aviv, Israel.

Y UNA BUENA NOTICIA PARA LOS ESTUDIANTES DE CINE Y PERIODISMO

Este año los estudiantes de cine y periodismo de cualquier universidad. cegep o instituto de estudios superiores podrá asistir a las funciones del FFMM (excepto la apertura y cierra) de manera gratuita, para lo cual lo que deben hacer es acreditarse con el Festival en su sitio web, dando prueba de estar inscrito en tales carreras.

LOS DETALLES

El FFMM tiene lugar entre el 23 de agosto y el 3 de septiembre en las siguientes salas: Teatro Imperial (1430 de Bleury, metro Place des Arts), Teatro Maisonneuve (Place des Arts, metro Place des Arts), Cinema Quartier Latin (350 Emery, metro Berri-UQAM) Y Cine ONF/NFB (1564 St-Denis, metro Berri-UQAM).

Los billetes individuales cuestan $10, pero hay un 30% de descuento al comprar 10 cupones por $70, también hay el pase Cinephile a $250 y el Pasaporte a $100.

Para mayor información ir al sitio web del Festival: www.ffm-montreal.org  o llamar al (514)848-3883.

MEMORIAS PROGRAMADAS

TOTAL RECALL. Estados Unidos, 2012. Un film de Len Wiseman. Elenco: Colin Farrell, Kate Beckinsale, Jessica Biel

Basado en el mismo film que popularizara Arnold Schwarzenegger en 1990 y que abriría la puerta de la fama a Sharon Stone, esta nueva versión del realizador Len Wiseman, basada en la novela de Philip K. Dick con Colin Farrell como protagonista, no es más que un mediocre relato de ciencia ficción fácilmente olvidable.

La acción se ubica hacia fines del presente siglo, donde un futuro poco estimulante aguarda a las próximas generaciones. El mundo está devastado por las guerras químicas y sólo queda a salvo una mínima población en la Federación Unida de Bretaña (Gran Bretaña) donde habitan los privilegiados y la Colonia ubicada en Australia donde reside la clase proletaria. Para dirigirse a sus lugares de trabajo, los trabajadores se deslizan a través de vehículos que los transportan en escasos minutos desde la Colonia a la Federación traspasando el Centro de la Tierra.

Uno de ellos es Douglas Quaid (Farrell), un hombre casado que ama a su señora Lory (Kate Beckinsale) pero que acosado de pesadillas en donde se le aparece una misteriosa mujer (Jessica Biel) queda muy afectado por las mismas. Para evadirse de la rutina que lo rodea decide recurrir a la compañía Recall para que a través de una máquina de memorias programadas le sea implantado sueños que lo hagan evadir de la realidad. Pero cuando ya está dispuesto a entrar a este juego es arrinconado por la policía que cree ver en él a un terrorista. Ahí comienza para Douglas toda una odisea sin saber si lo que está viviendo responde a la realidad o es producto de su imaginación.

No es necesario agregar más información porque su historia, completamente esquemática y sin ninguna dramática emoción, poco importa. Todo esto al servicio de una mediocre aventura con mucha acción, acción y más acción, añadiendo una importante dosis de violencia, explosiones, cacerías humanas, saltos gigantescos donde los individuos desafían la ley de gravedad, además de constantes luchas de diferente naturaleza con ráfagas de armas automáticas en medio de escenarios lo suficientemente impactantes como para ocultar las debilidades del guión. En la medida que los personajes de este relato están escasamente delineados y cuentan con poca consistencia, es difícil juzgar la interpretación de los actores que los animan.

Visualmente irreprochable y con imaginativos recursos técnicos, el resultado es un producto completamente hueco e inerte; de todos modos, el film seguramente atraerá el interés de la población joven que no haya visto la versión original y/o bien de una audiencia ávida de acción sin cuestionar el contenido de lo que está viendo. Jorge Gutman

RELATOS DE RELACIONES HUMANAS FRACTURADAS

360. Gran Bretaña-Austria-Francia-Brasil, 2011. Un film de Fernando Meirelles. Elenco: Anthony Hopkins, Jude Law, Rachel Weisz, Ben Foster, Moritz Bleibtreu

El director Fernando Meirelles y el escritor Peter Morgan se unen para brindar una nueva versión de La Ronda, la clásica obra del austríaco escritor Arthur Schnitzler escrita hace más de un siglo y que en varias ocasiones ha sido llevada al cine, aunque en este caso con una estructura diferente.

Schindler concibió su creación en base a varias piezas dramáticas de un solo acto, cada uno de ellos protagonizada por una pareja de amantes en donde uno de sus integrantes forma parte del siguiente episodio y así sucesivamente hasta que el último segmento integra a una pareja integrada formada por uno de los dos personajes del capítulo inicial, cerrándose de este modo la “ronda del amor” en perfecto círculo. Meirelles y Morgan optaron en cambio presentar a sus personajes a través de historias paralelas o simultáneas que no siempre se conectan entre sí.

Integrado por un calificado elenco con algunos actores de reconocido prestigio y otros poco conocidos, 360 es un film que aunque técnicamente inobjetable aparece deslucido en cuanto a su contenido. Sus variadas historias que transcurren en diversos lugares del mundo y con personajes de diferente extracción social no llegan a trascender por su naturaleza demasiado esquemática.

La trama comienza en Viena con una mujer de Eslovaquia (Lucia Siposova) tratando de desarrollar una carrera como prostituta de lujo y cuyo primer cliente es un hombre de negocios británico (Jude Law). Mientras tanto, en Inglaterra su esposa (Rachel Weisz) está bien ocupada engañándolo con un fotógrafo brasileño (Juliano Cazarre) quien a su vez tiene una novia compatriota (María Flor) que cansada de sus infidelidades lo deja para retornar a su hogar en Río de Janeiro.

En el primer tramo del vuelo hacia a Brasil, ella traba conversación con un compañero de asiento (Anthony Hopkins), un ex alcohólico quien viaja hacia Fénix para tratar de localizar el cuerpo de su hija desaparecida hace tiempo. Cuando los pasajeros quedan varados en el aeropuerto de Denver por una tormenta de nieve, la chica trata de seducir a un molestador sexual (Ben Foster) que se encuentra en libertad condicional y trata de resistir sus avances.

Simultáneamente a los hechos descriptos, en París encontramos a un dentista musulmán (Jamel Debbouze) quien fuertemente atraído por su bonita higienista dental (Dinara Drukarova) que está casada, la despide para evitar tentaciones que atentan contra los principios de su religión. Mientras tanto, ella se está divorciando de su marido ruso (Vladimir Vdovichenkov) quien por su parte encontrará un nuevo camino sentimental con la hermana de la prostituta eslovaca (Gabriela Marcinkova) de la escena inicial.

A pesar de que el film entretiene moderadamente, no hay nada profundo ni moral que pueda extraerse del mismo; en algún momento un personaje cita la frase que señala que si hay un tenedor en el camino hay que tomarlo (“If there’s a fork in the road, take it.”) como queriendo significar que no hay que dejar perder las oportunidades que la vida ofrece; sin embargo, las decisiones que adoptan los personajes son más bien el resultado de los caprichos del azar y/o destino. En todo caso, las variadas anécdotas que integran el relato carecen de envergadura dramática e incluso algunas de las mismas quedan sin resolución; si acaso se tratara de una comedia fantasiosa o romántica se podría ser más indulgente para juzgarlo, pero tratándose de un film de contenido realista, se hace más difícil pasar por alto las debilidades del guión de Morgan.

Los actores se desempeñan bien, pero en la mayoría de las situaciones lo que dicen o sienten no tiene visos de autenticidad. Como ejemplo, bastaría analizar una secuencia donde el personaje de Hopkins relata a una audiencia de alcohólicos anónimos su experiencia vivida en el viaje de regreso con la joven brasileña. ¿A qué viene todo eso? A pesar de que nadie duda de las dotes interpretativas de este actor, el monólogo que recita a modo de epifanía resulta insustancial e irrelevante.

Conclusión: Una película sin mucha pasión que trata de probar aunque sin lograrlo cómo las decisiones personales mueven al mundo. Jorge Gutman

UN ARTISTA Y ACTIVISTA SOCIAL

AI WEIWEI: NEVER SORRY. Estados Unidos, 2012. Un film de Alison Klayman

¿Quién es Ai Weiwei? Aunque se trate de uno de los más importantes artistas chinos destacado en los diseños arquitectónicos y en la fotografía, es posible que su nombre no sea muy conocido en Occidente. Con todo, cabe aclarar que él ha sido el asesor artístico del Estadio Nacional de Beijing, denominado Nido de Pájaro, donde tuvieron lugar los Juegos Olímpicos de la capital china de 2008. Pero además de artista multidisciplinario, Weiwei es también un mordaz comentarista crítico sobre la situación antidemocrática de China así como un activista social. Entre algunas de sus denuncias figura sus críticas sobre la pobre calidad de la construcción de escuelas que fueron destruidas en el terremoto de Sichuan en 2008 y que causó la muerte de miles de estudiantes.

Este es el personaje que la directora Alison Klayman aborda en Ai Weiwei: Nunca Arrepentido donde en un período de dos años (2008 a 2010) ubicó su cámara para enfocar la lucha de este hombre dinámico y carismático por lograr una mayor apertura democrática de su país.

El documental enfoca tanto el aporte cultural de Weiwei a través de sus trabajos artísticos como sus esfuerzos en denunciar las irregularidades sociales imperantes en China valiéndose de las redes sociales (Twitter) como medio de comunicación con el público.

En la parte artística se destaca su exitoso trabajo “Semillas de Girasol 2010” que fue instalado en la Tate Gallery de Londres y que consiste en 100 millones de semillas de porcelana en forma de cerámica realizadas por importantes artesanos. En su carácter de activista queda reflejado los golpes recibidos por un oficial de policía en Chengdu por el que debió ser objeto de una operación de cerebro, la demolición de su estudio en Shangai por parte de las autoridades chinas, su arresto domiciliario en noviembre de 2010 cuando se aprestaba denunciar ese hecho, su “desaparición” en abril de 2011 en el aeropuerto de Beijing cuando estaba partiendo para Hong Kong y su posterior liberación después de 81 días de cautiverio.

De una realización técnica impecable y de fácil acceso a todo tipo de público, el documental permite reflexionar sobre el difícil equilibrio existente entre arte y política y cuán volátil es la posición de un artista cuando se atreve a denunciar los males de la sociedad en que vive.

Este valioso documental logró el Premio Especial del Jurado en el Festival de Sundance de este año. Jorge Gutman

LA MARATON MUSICAL DE LA OSM

El 11 de agosto los melómanos gozarán de una jornada especial brindada por la Orquesta Sinfónica de Montreal. Aproximadamente 150 artistas habrán de participar entre las 11 de la mañana hasta las 10 de la noche, en 20 conciertos de 45 minutos.

Para brindar una idea de lo que se ofrecerá, he aquí algunos de los programas ofrecidos durante ese día. A las 11h00, Kent Nagano, el director musical de la OSM, dirigirá a su orquesta en la ejecución de la Sinfonía N° 1 de Prokofiev y el Concierto para Violín de Mendelssohn con la participación del solista Christian Tetzlaff. A las 12h00 la pianista Marika Bournaki ofrecerá un recital con composiciones de Mendelssohn, Chopin y Schumann. A las 14h30 el Nuevo Cuarteto de Orford integrado por Jonathan Crow (violín), Andrew Wan (violín), Eric Nowlin (viola) y Brian Manker (violoncelo) brindará dos cuartetos de Bartok y Debussy.

El excepcional pianista canadiense Marc-André Hamelin participará en dos programas: a las 16h00 ofrecerá un recital con obras de C.RE. Bach, Ravel y las Variaciones sobre un tema de Paganini que le pertenece, en tanto que a las 20h30 ejecutará la Sonata en Si menor de Liszt y la Fantasía y Fuga en Sol menor de J.S. Bach.

A las 18h00 el maestro Jean-François Rivest dirigirá a la Orquesta de la Academia Orford en un programa que incluye Las 4 Estaciones de Vivaldi con el violinista Andrew Wan como solista y la Sinfonía N°35 de Mozart.

El último programa se efectuará a las 21h15 donde la OSM dirigida por Kent Nagano ejecutará la obertura de Guillermo Tell de Rossini y el Triple Concierto de Beethoven con la participación de los solistas Christian Tetzlaff, Tanja Tetzlaff (violoncelo) y Lars Vogt (piano).

En adición a lo mencionado, los artistas, incluyendo al maestro Nagano, visitarán el Studio de ARTV desde las 11h00 hasta las 15h00 para ser entrevistados por Françoise Davoine de Espace Musique y ofrecer música delante de la audiencia asistente (máximo de 100 personas). Además, también estarán presentes en el Salon Urbain para encontrar al público que concurrrirá al evento, hablar sobre música clásica y firmar autógrafos, entre otros aspectos.

Los conciertos tendrán lugar en la Maison Symphonique de Montréal, la Cinquième Salle y el Studio-Théâtre. Para cualquier información adicional, el sitio de Internet a visitar es

 http://laplacedesarts.com/pda-famille/1848/osm-la-viree-classique.fr.html