EL PESADO LEGADO NAZI

LORE. Australia-Gran Bretaña-Alemania, 2012. Un film de Cate Shortland.

Una absorbente película ambientada en los últimos días del nazismo es lo que se aprecia en Lore. Después de haber logrado un exitoso debut con Somersault (2004), la realizadora Cate Shortland ofrece un drama de supervivencia mostrando cómo la transmisión de monstruosas ideas de padres a hijos pueden generar traumáticos sinsabores.

El guión escrito por la directora y Robin Mukherjee en base a la novela The Dark Room (2001) de Rachel Seiffert, se ubica en abril de 1945 durante los últimos días del régimen nazi cuando las fuerzas aliadas ya controlan el poder. Dentro de ese contexto observamos cómo Lore (Saskia Rosendahl) de 14 años de edad, sus cuatro hermanos menores, de los cuales uno de ellos es una criatura de escasos meses, así como su madre (Ursina Lardi) celebran el regreso del padre (Hans-Jochen Wagner) –un alto oficial de la SS- del frente de guerra alemán. Después de eliminar cualquier evidencia de documentación o fotografías comprometedoras que delaten la participación que les cupo en la causa nazi, el padre es arrestado y enviado a prisión en tanto que la traumatizada madre decide partir para entregarse a los aliados y de esta manera salvaguardar a sus hijos; antes de hacerlo, urge a Lore para que se encargue de cuidar a sus hermanitos y que se dirijan a la casa de la abuela que vive en Hamburgo, tratando de evitar cualquier contacto con los “enemigos” aliados. Prácticamente abandonados y sin dinero ni documentación alguna, comienza para estos hermanos un largo camino de 900 kilómetros que los separa desde Baviera, donde viven, hasta el lugar de destino.

Saskia Rosendahl



De este modo, el relato adopta el carácter de road movie a través de la Selva Negra alemana donde se va contemplando una Alemania que yace en ruinas en tanto que Lore y los pequeños buscan la forma de sobrevivir frente a los problemas de alimentación y la necesidad de encontrar refugio. Prontamente los chicos enfrentan el primer escollo al encontrarse con tropas americanas que le demandan identificación sin tenerla; la oportuna intervención de Thomas (Kai Malina), un joven provisto de documentación judía, los salva de ser detenidos al hacerles aparecer como sus hermanos.

La relación ambivalente que va surgiendo entre Thomas y Lore es uno de los aspectos más interesantes del relato. A pesar de la atracción que la adolescente despierta en el muchacho, él no puede ignorar la circunstancia de que Lore está imbuida de la insidiosa ideología nazi que ha sido inculcada por sus padres y que en principio ella podría odiarlo por ser judío.

A través de la muy expresiva actuación de Rosendahl, el film realiza una buena exploración del universo adolescente permitiendo que la joven actriz exprese convincentemente el proceso de madurez y la pérdida de inocencia de Lore tratando de sobrellevar el pesado legado nazi recibido de sus padres para finalmente tener que admitir una verdad que le fue ocultada durante muchos años. De algún modo, la suerte de esta adolescente es la de muchos alemanes que vivieron enceguecidos por la influencia de un régimen insano y criminal que condujo al país a un desastroso desenlace.  Jorge Gutman

BIENVENIDA LA EMOCION

La Orquesta Metropolitana (OM) da a conocer la programación de 2013-2014

Bajo el lema de Accueillir l’émotion la OM y su director artístico y musical Yannick Nézet-Seguin develaron la programación de la temporada 2013-2014 que comienza el 18 de Octubre próximo. El ciclo comprende nueve programas más un concierto especial y seis de los mismos serán dirigidos por Nézet-Seguin.

Pasando revista a la programación se destacan compositores de Rusia y Francia de principios del siglo pasado como es el caso de La Consagración de la Primavera de Stravinsky; un concierto que reúne el Kindertotenlieder de Mahler con obras Wagner; el Concierto para Orquesta de Bartók que por primera vez será ejecutado por la orquesta; un programa de tinte latino donde están presentes los compositores Ginastera y Milhaud; un homenaje al compositor Richard Strauss en ocasión del sesquicentenario de su nacimiento; un colorido concierto que incluye las Danzas Sinfónicas de Rachmaninov y dos extractos de Romeo y Julieta de Berlioz; el gran oratorio La Pasión según San Mateo de Bach con la participación del Coro de la OM y seis de los más importantes cantantes líricos de Canadá; un concierto dedicado a la música vienesa, presentando entre otras piezas el Concierto para Oboe de Mozart. Para concluir la temporada que tendrá lugar los días 12 y 13 de junio de 2014 el maestro Nézet-Seguin eligió un programa integrado por la Sinfonía N° 3 de Bruckner y el Concierto para Piano N° 1 de Brahms con la participación de la excelente pianista francesa Hélène Grimaud.



El director Christian Vásquez



Como directores invitados participarán Julian Kuerti que dirigirá a la OM a título de director invitado principal; el joven maestro Christian Vásquez que al igual que su prodigioso colega Gustavo Dudamel proviene del programa venezolano de educación musical “El Sistema”; y el maestro Tateo Nakajima que además de notable director es también el responsable de haber dotado la maravillosa acústica a la Maison Symponique.

El violinista Martin Beaver

En la lista de cantantes invitados se encuentran las expresivas voces de la soprano Hélène Guilmette, la mezzo soprano Julie Boulianne, la contralto Marie-Nicole Lemieux, los tenores Lawrence Wiliford e Isaiah Bell, el bajo barítono Philippe Sly y el barítono Alexander Dobson. También participarán como instrumentistas el violinista Martin Beaver, los pianistas Maxime Bernard, Beatrice Rana, además de Hélène Grimaud, la oboísta Lise Beauchamp y el cornista Louis-Philippe Marsolais.

Salvo el concierto especial “hors série” que se realizará en el Teatro Outremont, todos los restantes se efectuarán en la Maison Symphonique. Para conocer toda la programación 2013-2014: www.orchestremetropolitain.com   Jorge Gutman

LLAMADOS DE EMERGENCIA

THE CALL. Estados Unidos, 2013. Un film de Brad Anderson

Ubicándose en un nivel de moderado suspenso, The Call no ofrece innovación mayor dentro del género pero habría podido resultar un film respetable siempre y cuando hubiera sido coherente en términos de lógica y sentido común.

En su comienzo, el relato enfoca la labor desplegada por quienes trabajan en call centers (centros de llamada) de emergencia recibiendo llamados de distinta naturaleza; es allí donde está empleada Jordan, (Halle Berry), una eficiente operadora telefónica del departamento policial de Los Ángeles recibiendo las comunicaciones que le llegan a través del 911. Una de ellas corresponde a la voz de una joven adolescente quien le dice estar muy angustiada porque un merodeador está por entrar en su casa donde se encuentra sola; cuando Jordan trata de calmarla, poco puede hacer por ayudarla porque el intruso le comunica que ya ha matado a su presa, cortando de inmediato la comunicación; el hecho deprime profundamente a la telefonista por no haber podido salvar a la víctima.

Halle Berry

El motor generador de la acción se produce seis meses después cuando se la ve a Jordan, ya más recobrada de la traumática experiencia pasada, entrenando a nuevos empleados y aleccionándolos que deberán aprender a controlar sus emociones para cumplir mejor sus funciones. Es en esos momentos que recibe el desesperante llamado de Casey (Abigail Breslin), una joven que valiéndose de un teléfono celular le comunica que ha sido drogada y secuestrada al salir de un centro comercial y colocada en el interior de la maleta del coche del secuestrador (Michael Eklund) que en esos momentos circula por una autopista de la gran ciudad.

Lo que sigue es el esfuerzo desplegado de la policía tratando de rastrear el llamado y la forma en que Jordan trata de guiar telefónicamente a Casey dentro de las restricciones impuestas por las condiciones en que se encuentra. Dentro de ese marco se presencia las escenas clásicas de persecución policial por medio de coches y helicópteros, así como algunos crímenes que el psicópata va cometiendo a lo largo del camino para mantener el interés de la audiencia con aceptable interés. Sin embargo el guión de Richard D’Ovidio agrega ciertas complicaciones innecesarias a la trama y en su última parte se transforma en un relato de horror totalmente descabellado provocando la risa no buscada de la audiencia.

El film de Brad Anderson podía haber concluido en la forma clásica y predecible, sin embargo en su intento de innovar, el realizador opta por un camino diferente pero altamente frustrante al hacer que Jordan adopte actitudes completamente irrealistas que conducen a un desenlace desatinado; de este modo las buenas interpretaciones de Berry y Breslin quedan deslucidas.

Conclusión: Un film que aunque bien filmado e interpretado no llega a trascender, satisfaciendo únicamente a una audiencia no muy exigente e inclinada a los thrillers.  Jorge Gutman

EL MUNDO MAGICO DE OZ

OZ THE GREAT AND POWERFUL. Estados Unidos, 2013. Un film de Sam Raimi

James Franco y Michelle Williams

A pesar de haber transcurrido más de siete décadas desde su estreno, The Wizard of Oz (1939) es un clásico que sigue manteniendo vigencia; en base a los célebres libros de Frank Baum, el film seguía los pasos de la joven Dorothy Gale (Judy Garland) quien a causa de un tornado es llevada a un mundo mágico y al tratar de ubicar al mago que la regrese nuevamente a su hogar encuentra en su camino a encantadores personajes. A través de los años se trató de reproducir el espíritu de dicho film, incluso en una comedia musical de Broadway, pero sin lograr alcanzar el nivel de la versión original. En esta oportunidad, Sam Raimi intenta algo que no es exactamente volver al mismo relato sino incursionar en los orígenes de la leyenda de Oz que no había estado contemplado por Baum. El ambicioso proyecto de ninguna manera llega a eclipsar a la maravillosa fantasía de Victor Fleming pero cabe reconocer la energía e imaginación desplegada por Sam Raimi para reconstituir el mundo de Oz; aunque el film no llegue a revolucionar, dispone de los necesarios atributos para satisfacer a todo tipo de público.

Los guionistas Mitchell Kapner y David Lindsay-Abaire han concebido una fantasía que comienza en la ciudad de Kansas con escenas filmadas en blanco y negro; allí se ubica un circo ambulante que entre su principal atracción destaca la actuación de Oscar Diggs (James Franco), un ilusionista donjuanesco de pocos escrúpulos y por añadidura farsante. Al verse obligado a escapar del circo, el versado charlatán se aferra a un globo aerostático y, al igual que Dorothy, a causa de una tormenta termina arribando al lejano mundo encantado de Oz. Ya con imágenes en colores, el film muestra a este antihéroe gratamente sorprendido cuando equivocadamente los habitantes lo confunden como el profético mago que llegó para liberarlos del sometimiento de la maquiavélica bruja Evanora (Rachel Weisz) que reina la Ciudad de Esmeralda. De allí en más, comenzará para Oscar una singular aventura que vivirá a través del encuentro con Evanora y dos brujas más; una es Theodora (Mila Kunis) la ingenua hermana de Evanora, y la otra es la dulce y bondadosa Glinda (Michelle Williams). Además, el simpático antihéroe se codeará con coloridos personajes como la pequeña muñeca de porcelana, el mono alado, la China Girl, entre otros. Al final de esta historia, Oscar llegará a redimirse al haberse transformado de un egoísta e inescrupuloso truhán en un noble y auténtico líder amado por la gente del mágico reino al que llegó por azar.

Aunque se podría aducir que la historia narrada tiene un dejo de dejà vu, lo cierto es que el director la ha convertido en un agradable film para toda la familia que además de ampliamente entretenido, reboza en humor, no está exento de cierta emoción y sobre todo no recurre a la violencia para generar interés. El elenco es parejo y si bien no hay ninguna actuación descollante, tanto Franco como Weisz, Williams y Franco demuestran una vez más que son eficientes actores en la caracterización de sus respectivos roles.

Lo que más trasciende de este film son los valores de producción que ofrecen un espectáculo altamente grato a la vista. Raimi contó con un magnífico equipo técnico como es el caso del sólido apoyo suministrado por Robert Stromberg en los diseños de producción, un artista que logró un Oscar por Avatar y que aquí ofrece nuevas muestras de su creatividad: así, contemplar la Ciudad Esmeralda, el Bosque Oscuro, y/o el curioso Sendero Amarillo, entre otros logros, suscita verdadera admiración. Elogios similares merecen la dirección de fotografía de Peter Deming así como los notables efectos visuales de Scott Stokdyk. Finalmente, el empleo del 3D, que en este caso se ajusta funcionalmente a la ilustración del relato, refuerza los valores del film.

Conclusión: Una colorida fantasía engalanada por su belleza visual  Jorge Gutman

LEYENDAS NÓRDICAS

THE LEGEND OF SARILA (La légende de Sarila). Canadá, 2013. Un film de Nancy Florence Savard

Éste es el primer film de animación en 3D producido en Quebec y dado a conocer en dos versiones, una francesa y la otra inglesa. La originalidad del mismo radica en su contenido donde sus personajes son integrantes de la población inuit que habita las gélidas regiones nórdicas de Canadá.

Pierre Tremblay -que vivió en el Ártico y conoce los pormenores culturales de la región- es uno de los dos autores del guión junto con Roger Harvey de esta fantasía que transcurre a comienzos del siglo pasado. En el gran norte canadiense habita una población esquimal dominada por Croolik, un chamán hechicero que se supone estar dotado de suficientes poderes para entrar en contacto con los espíritus y dioses. Como el hambre está invadiendo la zona debido a que los animales salvajes que proveen alimentación a sus habitantes han desaparecido, tres adolescentes de la aldea –Markussi, Maxime y su novia Apik- se desplazan en trineo hacia la paradisíaca tierra de Sarila para solucionar el problema; el propósito es ubicar a la diosa Sedna para persuadirla que libere los animales retenidos por ella. Para los jóvenes, ese viaje ofrece enormes sobresaltos donde no faltan avalanchas, tormentas y otros fenómenos naturales peligrosos; con todo, la mayor dificultad radica en Croolik quien temeroso de perder el poder que controla invoca a maléficos espíritus creando al trío expedicionario toda suerte de obstáculos para evitar que logre su cometido. En un caso típico en que las fuerzas del bien se enfrentan con las del mal no resulta difícil predecir de quien será la victoria.

En principio, esta película no difiere de tantas otras del mismo género; sin embargo, lo que la distingue es la descripción de sus personajes que sin ser demasiado profunda ofrece rasgos de interés en materia de costumbres, mitos y creencias que forman parte del espectro cultural inuit. Desde un aspecto estrictamente técnico, el film es visualmente atractivo en tanto que la animación es aceptablemente correcta aunque dista de lograr los niveles de perfección de los estudios Disney/Pixar, sobre todo en los movimientos de los personajes.

Debido a las dos versiones existentes, las voces de los personajes difieren; así en la inglesa se destacan las de Christopher Plummer, Geneviève Bujold, Rachel Lefevre, Tyrone Benskin, Tim Rozon y Dustin Milligan, en tanto que en la versión francesa son Rémy Girard, Dorothée Berryman, Mario St-Amand, Florent Vollant, Guillaume Ferrault, Maxime Le Flaguais y Mariloup Wolfe quienes prestan sus voces.

Conclusión: En líneas generales, el film es un buen entretenimiento para chicos quienes habrán de disfrutar de la magia impregnada en las leyendas nórdicas en tanto que los adultos, sabrán acoplarse a la aventura descripta.  Jorge Gutman

CON APETITOSO SABOR

LES SAVEURS DU PALAIS. Francia, 2012. Un film de Christian Vincent

Catherine Froth y Jean D'Ormesson

Aunque las películas basadas en temas culinarios o gastronómicos no abunden, con todo hay dos filmes que tuvieron repercusión internacional por la forma en que la buena comida adquiría relieve especial dentro del relato: tanto El Festín de Babette (Dinamarca, 1987) de Gabriel Alex como Comer, Beber, Amar (Taiwan, 1994) de Ang Lee, impresionaron gratamente porque además de tentar a los espectadores con los deliciosos platos ofrecidos, se asistía a dos historias cálidas y humanas de fácil identificación. Algo semejante acontece ahora con el estreno de Los Sabores del Palacio del director francés Christian Vincent, que sin llegar al nivel de los filmes arriba mencionados, relata una historia agradable de ver. La misma está inspirada en las experiencias vividas por Danièle Delpeuch quien ha sido la cocinera del presidente François Mitterand durante casi dos años en la segunda gestión de su mandato.

Con nombres cambiados, el film comienza mostrando a Hortense Laborie (Catherine Froth) quien se desempeña como jefa de cocina en una estación científica francesa del archipiélago Crozet, al sur del Océano Indico. Rápidamente y a través de flashback, la acción retrocede algunos años donde Hortense es una modesta chef de Perigord, una zona rural de Francia, apartada del mundanal ruido de París. Grande será su sorpresa cuando el presidente de la república (Jean d’Ormesson) al haberse impuesto de sus aptitudes profesionales, la convoca para ofrecerle el cargo de cocinera de sus comidas privadas y la de sus invitados personales en el Palacio Eliseo. Cuando en su primer encuentro el presidente le hace saber su predilección por algunas comidas básicas regionales que apreció en su juventud, Hortense sabrá cómo preparar platos no sofisticados de sabor regional que además de apetitosos sean saludables para un hombre ya octogenario.

Desde el momento que llega a su lugar de trabajo rápidamente se da cuenta que deberá tener que contrarrestar el recelo y/o la envidia despertada por el personal masculino de cocina frente al hecho de que por primera vez una mujer entra a jugar un rol principal en ese particular entorno; con todo, el entusiasmo que brinda a su trabajo, su manera de actuar en forma discreta y amable, su particular sentido del humor y la gentil colaboración de un joven asistente de pastelería (Arthur DuPont) que simpatiza con Hortense le permitirán superar los obstáculos que se le opongan.

La historia propuesta por el guión del realizador junto a Etienne Comar es bien simple sin que existan verdaderos conflictos dramáticos en su desarrollo. Sin embargo, es a nivel de la interpretación donde se destacan los valores más importantes del film; así, cabe apreciar la generosa actuación de Froth exudando humanidad, simpatía y espontaneidad en el rol que desempeña, así como una buena química que se genera con la caracterización lograda por Ornesson quien a los 87 años de edad y sin ninguna experiencia anterior infunde suficiente autoridad a la vez que calidez como el señor presidente.

Finalmente cabe mencionar que parte del relato ha sido filmado en el Palacio Eliseo logrando así completa autenticidad a lo que se está narrando.

Conclusión: Un film que sin ser muy relevante es agradable de ver gracias a sus personajes bien delineados dentro del marco de un relato eficientemente narrado y muy bien actuado; a pesar de su carácter francés tiene atractivo universal.  Jorge Gutman

DE HOPKINS A HITCHCOCK

HITCHCOCK. Estados Unidos, 2012. Dirección: Sacha Gervasi. Distribución: 20th Century Fox (2013)

Alfred Hitchcock ha sido uno de los más grandes realizadores del siglo XX y a pesar de haber muerto hace casi 33 años, sus filmes perduran como clásicos de la cinematografía universal. Este film que lleva su nombre no es una biografía de este gran maestro del cine sino la recreación de un capítulo de su vida que tuvo especial trascendencia tanto a nivel profesional como personal.

Basado en el libro del escritor Stephen Ribello Alfred Hitchcock And The Making of “Psicho” la película es un recuento de la parafernalia vinculada con el rodaje de Psicosis, donde ningún espectador que lo haya visto podrá olvidar la escena de la ducha, una de las más antológicas de la historia del cine.

Después del estreno de su último film North by Northwest (1959), instigado por algunos críticos que pensaron que quizá podría haber llegado el momento de retirarse, Hitchcock (Anthony Hopkins) se siente obsesionado por filmar la novela Psycho de Robert Bloch, basado en un verdadero asesino de Wisconsin que sirvió de inspiración para la concepción del personaje Norman Bates. Sin embargo, la dificultad de poner en marcha el proyecto se debió al rechazo de los estudios Paramount Pictures para financiarlo. Empecinado en filmarlo, Hitchcock logra superar el obstáculo obteniendo los fondos necesarios a través de un préstamo sobre la hipoteca de su casa que también pertenece a su esposa Alma Reville (Helen Mirren).

Anthony Hopkins animando a Alfred Hitchcock

Simultáneamente con el proceso del casting del film protagonizado por Janet Leigh (Scarlet Johansson) y Anthony Perkins (James D’Arcy), el comienzo del rodaje y lo acontecido a lo largo de su desarrollo, el relato centra su atención en Alma. Ella fue la devota cónyuge quien durante los 30 años de matrimonio -hasta ese entonces- había constituido la fuerza magnética pero oculta que gravitó positivamente en la carrera del realizador. Además de excelente compañera, fue la íntima confidente que leía sus guiones y sugería cambios si fueran necesarios, quien participó anónimamente en las tareas de montaje y estando siempre alerta en todo lo que concernía a la labor fílmica de su marido, quien a su vez prestaba gran atención a sus observaciones.

En lo que concierne a un nivel más íntimo, el relato inserta la relación existente en la pareja destacando jocosamente la obsesión del director por las actrices rubias que no hace mucha gracia a Alma; ella, por su parte -en una situación ficticia introducida por el guión de John J. McLaughlin- comienza a trabajar con su amigo, el escritor Whitfield Cook (Danny Huston), manteniendo un flirteo estrictamente platónico que hace celar a su marido. Aunque estas escaramuzas conyugales podrían distraer levemente del objetivo central del film lo cierto es que ponen de relieve el apoyo moral que Alma brindó a Alfred y que éste sabía muy bien la importancia del valioso aporte profesional y afectivo que ella le brindó.

Volviendo al film, en la dramática escena de la ducha donde Hitchcock prefería prescindir de cualquier fondo musical, es Alma quien lo convence de introducir el tema especialmente concebido por el compositor Bernard Herrmann que en combinación con la imagen proyectada logra que el público cobre una real sensación de horror.

Hitchcock ofrece muchos momentos de humor. Como buen ejemplo bastaría citar la secuencia en que tiene lugar la primera proyección pública del film con el director apostado en el vestíbulo del cine donde se lo exhibe; ahí salta contentísimo como un niño chico al oír y ver la reacción de la audiencia frente al miedo y espanto causado cuando Norman Bates acuchilla salvajemente a la infortunada visitante de su hostería.

La nota emotiva del film está también presente cuando por primera vez en forma expresa Hitchcock reconoce públicamente la contribución fundamental que tuvo su esposa en su vida profesional como realizador.

La interpretación de Hopkins –excelentemente maquillado para la ocasión y brindando un buen parecido físico a la corpulenta presencia física del realizador- capta maravillosamente la personalidad del personaje que anima, en tanto que Mirren aporta calidez y afecto como Alma. Johansson está acertada como Janet Leigh en tanto que D’Arcy aporta la personalidad un tanto ambigua de Perkins que se asocia al rol que interpreta en Psicosis.

Ahora los coleccionistas y fanáticos de Hitchcock tienen oportunidad de apreciar en su hogar el video de esta buena película que viene presentado en un combo conteniendo dos discos en los formatos DVD y Blu-Ray más una copia digital.

Además del film en sí mismo, lo más importante de esta edición radica en los valiosos suplementos contenidos. De gran interés es la presentación de una escena eliminada del film donde Hitchcock se refiere a su madre frente a un psiquiatra que lo está analizando; otros agregados muestran el “detrás de la escena” acontecida durante el proceso de rodaje donde los intérpretes del film, el realizador y el equipo técnico relatan cómo se trató de reproducir el espíritu de lo que realmente aconteció cuando tuvo lugar el rodaje de Psicosis. Para quien no esté al corriente de los secretos de un buen maquillaje, ésta es la oportunidad para seguir atentamente los detalles de uno de los cortos (Becoming the Master: From Hopkins to Hitchcock) sobre esta ardua y dificultosa tarea a fin de lograr que Anthony Hopkins transformara su rostro para adquirir la expresión facial del recordado mago del suspenso. Especialmente significativo es un corto (Hitch and Alma) referido a la especial y entrañable relación sentimental del realizador con su esposa Alma y de qué modo el vínculo conyugal permitió que existiera entre ambos una creativa colaboración profesional. Muy gracioso resulta una escena especialmente filmada para esta edición (Hitchcock Cell Phone PSA) en donde el mago del suspenso solicita a los espectadores de la generación actual que durante la presentación del film se abstengan de escribir textos en sus teléfonos celulares. Finalmente hay un comentario audio con el director Gervasi y el autor Stephen Rebello.

La banda audio es en inglés, español y/o francés con subtítulos optativos en inglés y/o español, salvo los suplementos que no están subtitulados (presentados en inglés solamente).   Jorge Gutman

UNA TEMPORADA ALTAMENTE PROMETEDORA

La Octogésima Temporada de la Orquesta Sinfónica de Montreal

La nueva temporada musical de la OSM que comenzará en septiembre de 2013 y se prolongará hasta principios de junio de 2014 es extraordinariamente atrayente. Habrá un total de 37 programas que incluyen más de 60 conciertos comprendidos en 12 series.

El concierto inaugural tendrá lugar el 12 de septiembre con la Condenación de Fausto de Berlioz dirigido por su director artístico, el maestro Kent Nagano. Entre algunas de las grandes obras del repertorio musical que también serán dirigidas por  Nagano  figuran la Misa en Si menor de Bach, la Tercera Sinfonía de Bruckner, Cuadros de una Exposición Rusa de Musorgsky, la Séptima Sinfonía de Mahler, las Sinfonías N° 2 y 4 de Beethoven, La Sinfonía Fantástica de Berlioz, extractos de la música de escena de Rosamunde de Schubert y la Sinfonía N° 3 de Brahms.

Importantes directores internacionales han sido invitados para dirigir la OSM y entre los mismos se encuentran Jean-Claude Clasadesus, James Conlon, Sir Andrew Davis, Edward Gardner, Jakub Hrusa, Long Yu, Kazushi Ono y Michel Plasson. No menos relevante resulta la presencia de prestigiosos solistas como lo son los pianistas Marc-André Hamelin, Jan Lisiecki, Radu Lupu, Louis Lortie, Stephen Hough y Yuja Wang, los excelentes violinistas James Ehnes, Gidon Kremer y Midori, el violista Pinchas Zukerman, y los violonchelistas Truls Mark, y Gautier Capuçon. Algunos nombres bien conocidos de la escena lírica son los de a las sopranos Karina Gauvin y Anna Caterina Antonacci, el tenor Michael Schade, el barítono bajo Philippe Sly y la mezzo soprano Ann Hallenberg.

La temporada también incluye cinco recitales a cargo de aclamados artistas como el eximio violonchelista Yo-Yo Ma, la violinista Hilary Hahn, el pianista Louis Lortie, el barítono Dmitri Hvorostovsky y la soprano Natalie Dessay.



Gustavo Dudamel

En calidad empresarial, la OSM presentará a dos orquestas internacionales: la Filarmónica de Los Ángeles con el dinámico y apasionado director Gustavo Dudamel y la Orquesta Marinsky de San Petersburgo bajo la batuta de Valery Gergiev en un concierto donde también participará el renombrado pianista Denis Matsuev. También estarán presentes dos orquestas canadienses, la Orquesta Sinfónica de Toronto bajo la dirección de Peter Oundjian y la Orquesta Sinfónica de Quebec dirigida por el maestro Fabien Gabel.

Como nota especial cabe señalar que el Gran Órgano de la Maison Symphonique será inaugurado el 28 de mayo de 2013 con la ejecución de la Sinfonía N° 3 de Saint-Saëns bajo la dirección de Kent Nagano con el organista francés Olivier Latry; este músico también participará en la ejecución de la Tocata y Fuga de Bach y en el Preludio y Fuga sobre Bach de Liszt.

Para una información completa de la programación y suscripción de abonos, visitar el sitio www.osm.ca

FIFA

FESTIVAL INTERNACIONAL DEL FILM SOBRE EL ARTE

Una nueva edición de FIFA (Festival Internacional del Film sobre el Arte) tiene lugar en la ciudad de Montreal desde 14 al 24 de marzo con la presentación de 250 películas reflejando la riqueza cultural de las diferentes ramas del arte que se manifiesta a través del cine, teatro, danza, arquitectura, literatura, animación, diseño, pintura, escultura, fotografía y artes gráficas, entre otras disciplinas.

El festival comprende 248 filmes procedentes de 28 países y también tiene previsto eventos especiales que incluyen exposiciones, actuaciones, mesas redondas, clases magistrales y otras actividades que satisfarán a los amantes del arte contemporáneo.

La muestra comenzó con la exhibición del film The Fatwa-Salman’s Story (Gran Bretaña) de Jill Nicholls donde el novelista Salman Rushdie, autor de Los Versos Satánicos, recuenta la forma en que vivió su condena a muerte dictaminada por el ayatollah Khomeiny en 1989; durante la década siguiente, el autor testimonia que se vio prácticamente desposeído de su vida, buscando diferentes refugios clandestinos, temiendo por la vida de su hijo, así como imponiéndose de las amenazas y ataques sufridos por algunos de sus editores y traductores.

Entre las películas vinculadas con el cine se encuentra Rescatando Sombras: Cine, Arte y Memoria (España). El director y guionista Julián Franco Lorenzana combina ficción con entrevistas realizadas a cineastas, críticos y especialistas tratando de sensibilizar y concientizar sobre las importantes tareas que se vienen realizando en materia de restauración y conservación del patrimonio cinematográfico; este laborioso trabajo tiene como propósito evitar la desaparición de las imágenes que forman parte de la memoria colectiva, además de mantener en vivo el legado cultural que el cine ha ofrecido a lo largo de un siglo.

En materia de teatro es de destacar Before and After Dinner (Estados Unidos), un documental que pone de relieve la figura de André Gregory. Su abnegada esposa Cindy Kleine filma a este director teatral, actor y autor en oportunidad en que pone en escena en Londres la pieza de Wallace Shawn Grasses of a Thousand Colors. Precisamente, en esos momentos se entera a través de un documento que llega a sus manos que su padre judío estaba implicado como espía económico de Hitler; aunque ese atroz descubrimiento nunca llegó a ser confirmado, el hecho hace que Gregory cuestione algunos aspectos relativos a su actividad profesional e identidad.

Quienes disfrutan de la música brasileña podrán apreciar Brazil with Caetano Veloso (Gran Bretaña) donde el realizador Gerard Fox analiza el impacto de la música brasileña a través de los ojos del cantautor Caetano Veloso, uno de sus más ilustres representantes. Este emblemático poeta así como su amigo y colaborador de larga data, el cantante y letrista Gilberto Gil, evocan los problemas raciales que vivió Brasil y de qué modo la música contribuyó a cambiar los valores de esta sociedad. Ambos fueron figuras relevantes del movimiento Tropicalia que hacia finales de la década del 60 revolucionó la música y la cultura del país más grande de Sudamérica.

El jazz está representado en el evocativo documental Dave Brubeck: In his Own Sweet Way (Gran Bretaña) de Bruce Ricker. Tres encomiables nombres como los de John Coltrane, Dave Brubeck y Miles Davis emergieron en el panorama musical de los años 50 y dejaron su impronta en la evolución del jazz. Con la desaparición de Brubeck acontecida hace 3 meses, la presencia física del genial trío quedó extinguida; de allí que este documental adquiera un gran valor nostálgico al pasar revista a su extraordinaria carrera, desde sus primeros tiempos hasta lograr el gran éxito del Dave Brubeck Quartet. Finalmente se lo contempla en ocasión de la víspera de su nonagésimo cumpleaños, en diciembre de 2010, donde se aprestaba a efectuar una presentación en un club de jazz neoyorkino.

Para los amantes de la ópera se encuentra Wagner’s Dream (Estados Unidos) de Susan Froemke. La realizadora introduce al espectador detrás de la escena en ocasión de la presentación de la tetralogía de Richard Wagner El Anillo del Nibelungo a través de la visión del excelente director escénico canadiense Robert Lepage. En este extraordinario esfuerzo de producción que tuvo lugar el año pasado en el Metropolitan Opera de Nueva York, el director trató de lograr que el universo descripto por el compositor alemán fuese visualmente trasladado de la manera más fidedigna posible. A través de casi dos horas, el documental ilustra las peculiaridades técnicas que implicó el uso de 40 toneladas de decorado, efectos especiales, proyecciones en video y toda la parafernalia que insumió esta gigantesca producción, además de incluir algunos de los ensayos y representaciones del elenco.

Entre los filmes de danza se exhibe Bolchoï, une renaissance (Francia) donde el documentalista ruso Denis Snegirev, mediante la combinación de imágenes en tercera dimensión, animación, entrevistas y archivos, revive al mítico teatro del ballet, ópera y música de Moscú desde sus orígenes a nuestros días. Con todo, lo más importante de este documental reside en los diferentes aspectos que debieron tenerse en cuenta para la ciclópea labor de restauración y rehabilitación que fue objeto este monumento del arte durante su cierre temporario, desde 2005 hasta su reapertura en octubre de 2011.

La tragicómica personalidad de uno de los más importantes artistas del siglo pasado está reflejada en Salvador Dalí, Génie Tragi-Comique (Francia) de François Lévy-Kuentz. A través de sus múltiples facetas, el film explora los recurrentes temas de este excéntrico personaje mediático y qué es lo que hay detrás del mito de quien destinó su entera vida a diferentes ramas del quehacer artístico como la pintura, escultura, cine y teatro; al propio tiempo destaca los lugares esenciales de su creatividad (Madrid, París, Nueva York, entre otros) y expone un buen número de archivos visuales.

La Sagrada Familia



En materia de escultura el documental de Stefan Haupt Sagrada-Le mystère de la création (Suiza) ilustra la historia de este famoso edificio. Como es bien sabido, el proyecto de La Sagrada Familia de Barcelona concebido por el célebre arquitecto catalán Antoni Gaudi, comenzó a construirse en 1882 quedando la obra paralizada a medio camino hasta el momento. El film analiza los misterios que circundan a la inconclusa catedral, la historia de su evolución, la visión de Gaudi y la de los sucesores involucrados en el incompleto trabajo.

Para información adicional en materia de programación horaria y los diferentes lugares donde se proyectarán los filmes, se puede consultar acudiendo al sitio www.artfifa.com  Jorge Gutman

EL GRAN GATSBY

FILM DE APERTURA DEL FESTIVAL DE CANNES

Crónica de Jorge Gutman

Como es tradicional, la película elegida para inaugurar un festival suele tener amplia visibilidad. Este año será The Great Gatsby, el film que abrirá el Festival de Cannes el próximo 15 de mayo en el Gran Teatro Lumière de Cannes. La producción del director australiano Baz Luhrmann se proyectará en 3D y será presentado fuera de competición dentro de la selección oficial. Ese mismo día se dará a conocer en Francia, cinco días después de su estreno en los Estados Unidos.

No es la primera vez que la célebre novela de Francis Scott Fitzgerald publicada en 1925 es llevada a la pantalla; en 1974 el director Jack Clayton la abordó con un libreto preparado por Francis Ford Coppola y la interpretación central de Robert Redford y Mia Farrow. En este caso, es Luhrmann quien ha tenido a su cargo el guión escrito junto con su habitual colaborador Craig Pearce, tratando de reproducir el clima de efervescencia que existía en la costa este de Estados Unidos en la década de los 20.

Leonardo DiCaprio y Carey Mulligan

El elenco está integrado por un conjunto de figuras de primer nivel. Leonardo DiCaprio es el protagonista encarnando la romántica y trágica personalidad de Jay Gatsby, Carey Mulligan interpreta a Daisy Buchanan y Tobey Maguire es Nick Carraway, el amigo de Gatsby que se ocupa de narrar la historia; el reparto también incluye a Joel Edgerton, Amitabh Bachchan -la figura más popular del cine indio- y el rapero americano Jay-Z.

Cabe señalar que Luhrmann ya estuvo en Cannes en dos ocasiones anteriores: la primera para la presentación de Strictly Ballroom en 1992, y por segunda vez en 2001 con Moulin Rouge que inauguró la muestra de ese año. 

UN BELLO FILM DE ANIMACION

ERNEST & CÉLESTINE. Francia-Bélgica-Luxemburgo, 2012. Un film de Benjamin Renner, Stéphane Auber y Vincent Patar

Este film de animación es uno de los más logrados de los últimos tiempos. Toda vez que el cine toma prestado una obra literaria afronta el desafío de lograr que la transposición a la pantalla respete el espíritu de la obra original. En tal sentido los responsables de este film han ganado la partida. Tanto el novel director francés Benjamin Renner como sus colegas belgas Stéphane Auber y Vincent Patar -quienes son dos figuras emblemáticas de la cultura de su país- demostraron tener la necesaria habilidad para que Ernest et Célestine se convierta en una deliciosa fábula de animación,   capaz de atraer la atención de grandes y chicos.

La película está basada en los libros infantiles creados por la desaparecida escritora e ilustradora Gabrielle Vincent y que gozaron de gran popularidad por un período de dos décadas. Para lograr que este éxito se reflejara cinematográficamente se confió a Daniel Pennac la tarea de preparar un guión que conservara el mismo nivel de calidad que la de los trabajos elaborados por Vincent; en tal sentido, la escritura ha sido meticulosa y esmerada permitiendo que la sencilla trama narrada adquiriese resonancia.

La ratita  y el oso

El cuento se centra en el vínculo que se habrá de forjar entre Ernest, un gran oso rústico con afición a la música y una avispada e inteligente ratita llamada Célestine; como sería natural suponer, en principio resulta improbable que pudiera producirse comunicación alguna entre estas dos almas solitarias, pero la forma cómo ambos se conocen y las circunstancias adversas que les toca vivir en conjunto permiten que surja entre ellos una amistad tan entrañable como convincente.

Además de la ternura que emana la narración de esta fábula, es necesario resaltar la labor de los realizadores al brindar una producción de excepcional nivel realzado por la excelencia de una animación bellísima que visualmente despierta admiración a través de una técnica de lápiz y papel muy bien combinada.

Tanto Lamber Wilson como Pauline Brunner prestando sus voces a la de los dos personajes principales constituyen otro acierto que prestigia al film. Así resulta sumamente sencillo sintonizar con el marginado oso de Ernest así como con la simpática Celestine que prefiere ser artista antes que dedicarse a ser dentista para continuar con la tradición familiar.

Conclusión: Bello y encantador film que constituye a la vez un buen tributo a su inspiradora Gabrielle Vincent.  Jorge Gutman.

LOS GUARDIANES

THE GATEKEEPERS. Israel-Francia-Alemania-Bélgica. Un film de Dror Moreh

Bajo cualquier ángulo que se lo analice, este documental es audaz, sorprendente y absolutamente cautivante al referirse a un tema álgido que preocupa a Israel, a sus vecinos y al mundo entero. No resulta frecuente que personajes como los protagonistas de este relato suelan efectuar declaraciones tan honestas como crudas que llegan a asombrar porque su contenido pertenecen nada más ni nada menos que a quienes tuvieron como delicada misión la de resguardar la seguridad interna y externa de Israel; así también es loable cómo el realizador israelí Dror Moreh con la colaboración del editor Oron Adar, logró que The Gatekeepers se convierta en un documento esclarecedor, altamente relevante y fácilmente accesible al público espectador.

Lo que lo distingue de otros trabajos similares es que este film es analizado desde la perspectiva singular de seis ex directores del Shin Bet - agencia del Servicio de Seguridad de Israel- a saber: Avraham Shalom, Yaakov Peri, Carmi Gillon, Ami Ayalon, Avi Dichter y Yuval Diskin quienes ejercieron sus funciones en diferentes períodos entre 1980 y 2011.

El documental pasa revista al dramático y sangriento conflicto existente entre israelíes y palestinos comenzando con la Guerra de los Seis Días de 1967 y la consiguiente ocupación israelí de los territorios palestinos y haciendo referencia a algunos otros acontecimientos que se produjeron posteriormente; entre los mismos figuran el conocido asesinato de los terroristas que fueron capturados después del secuestro de un autobús en su ruta de Tel Aviv a Ashkelon en 1984, el surgimiento de la primera Intifada, los Acuerdos de Oslo de 1993 entre el gobierno de Israel y la OLP alentando grandes esperanzas de paz, el asesinato del Primer Ministro Yitzhak Rabin en 1995 por un fanático judío de la derecha radical israelí, las negociaciones de Ehud Barak y Yasser Arafat de Camp David en 2000 que habían sido auspiciadas por el presidente Clinton, los atentados de los mártires suicidas palestinos hasta llegar al momento actual de estancamiento entre las partes en pugna.

Los seis ex directores del Shin Bet

Sin ofrecer excusas o disculpas de ninguna clase, los entrevistados –siempre actuando bajo la autoridad del Primer Ministro- no han tenido empacho alguno en señalar que han utilizado la fuerza para exterminar a los enemigos indicados por el gobierno así como no hubo titubeos en hacer referencia a la controversial práctica de “seleccionados asesinatos” de los prisioneros capturados. Todo ello crea una cierta sensación de incomodidad para quienes los están escuchando, al tener que ponderar hasta qué punto las discutibles técnicas de interrogación, los asesinatos realizados y las prácticas de torturas para sonsacar información eran necesarios para defender la vida de los israelíes, dejando a un costado las connotaciones morales, éticas y legales de estas acciones.

Además de haber reunido importante material de archivo, lo más importante del film es que el director haya logrado entrevistar a estas figuras claves y que sin tomar posición alguna, los dejara en completa libertad de acción para que los entrevistados manifiesten sus puntos de vista en función de la experiencia reunida en el ejercicio de sus funciones. En tal sentido, impresiona la inmutabilidad de sus rostros como queriendo no reflejar emoción alguna en las manifestaciones realizadas, así como la franqueza y sinceridad de sus opiniones.

Ahora bien, si el documental arroja algún mensaje eso debe encontrarse en su parte final donde todo este confesionario conduce a un desenlace inesperado. Aunque queda claro que ninguno de los entrevistados guarda simpatía alguna con sus colegas palestinos, lo cierto es que con menores diferencias los seis exdirectores coinciden en afirmar que el dominio de los territorios ocupados y el establecimiento de nuevos asentamientos israelíes no ha proporcionado ningún beneficio a Israel; por otra parte el uso de la fuerza militar ha fracasado al no haber ofrecido resultados positivos y que tampoco creen que se logrará en el futuro. En consecuencia, la única solución que sustentan es que Israel debe reabrir las negociaciones de paz con los palestinos para lograr una convivencia pacífica donde puedan convivir dos estados: Israel y Palestina. En todo caso, el realizador de este film mantiene un marcado escepticismo porque cree que el conflicto ha llegado a un punto de no retorno.

Conclusión: Este es un sólido y provocativo documento que trata de presentar en forma equilibrada una visión de lo que acontece en este infernal conflicto, a través del íntimo confesionario de individuos que estuvieron directamente involucrados en la  feroz lucha entre israelíes y palestinos y que ahora comprenden que el uso de la fuerza brutal o de la inacción a nada bueno conducirá para el porvenir de Israel y sus vecinos palestinos.  Jorge Gutman

EL FILM OSCARIZADO EN VIDEO

ARGO. Estados Unidos, 2012. Dirección: Ben Affleck. Distribución: Warner Bros Home Entertainment (2013)

A pesar de que aún el film sigue en la cartelera, ya apareció el video de Argo, que a esta hora todo el mundo sabe que hace pocas semanas ha obtenido el premio más prestigioso de la industria del cine; así, con el Oscar a la mejor producción del año, esta película ha hecho historia porque hace dos meses atrás nadie habría imaginado este desenlace; eso se debió a que su director Ben Affleck no había sido nominado en su categoría y por lo general el premio al film y al mejor director siempre van de la mano. Pero en todo caso teniendo en cuenta que previamente al Oscar ya había recibido los honores de la prensa extranjera de Hollywood (Golden Globes), la de las asociaciones de productores, directores, actores y guionistas, además de haber recibido las distinciones internacionales de Bafta de Gran Bretaña y César de Francia, Argo era número fijo para el Oscar y así resultó.

Como es bien sabido, la película se basa en la crisis de los rehenes americanos que se originó con el asalto armado que estudiantes activistas efectuaron en la embajada de Estados Unidos en Irán el 4 de noviembre de 1979 El film es un muy buen thriller político, expresado con inteligencia, sutileza y excelente humor, permitiendo que la genuina emoción del relato se traduzca en dos horas de eficaz entretenimiento.

Para quien no lo haya visto en sala o desee volver a verlo en su hogar, la edición lanzada al mercado la semana pasada viene en combo con dos discos, uno para el formato Blu-Ray y el otro para el DVD, y con copia digital ultravioleta; igualmente, está disponible separadamente.

Ben Affleck, director y actor protagónico de ARGO

Entre algunos de los materiales adicionales que acompañan a la película, en el formato DVD se incluye un corto de 16 minutos con declaraciones del agente especial de la CIA Tony Méndez que fue el autor del audaz plan que permitió la repatriación de los 6 empleados de la embajada de los Estados Unidos refugiados en la residencia del embajador canadiense en Teherán, del presidente Jimmy Carter y de algunos de los protagonistas reales que al haber estado embarcados en esta odisea narran las dramáticas experiencias que tuvieron que afrontar. En el formato Blu-ray se agregan otros cortos interesantes donde en uno de los mismos Affleck explica el modo en que fue recreada la crisis de los rehenes para ofrecer completa autenticidad al relato; en otro corto el realizador y Méndez exponen detalles sobre cómo se concibió la falsa película de ciencia ficción; no menos interesante es el extenso documento contenido con comentarios adicionales de Affleck y del escritor Chris Terrio quien obtuvo el Oscar por el mejor guión adaptado.

La transposición al video es prácticamente irreprochable con respecto a sonido e imágenes y resulta clara la reproducción de diálogos en las escenas caóticas y/o de considerable multitud.

La banda audio es en inglés y doblada al francés (Blu-Ray) como también al español (DVD); ambos formatos tienen subtítulos opcionales en español, francés e inglés.  Jorge Gutman

CON VOZ FEMENINA

JOCASTE REINE. Autor: Nancy Huston - Dirección: Louise Pintal - Elenco: Hugues Frenette, Claire Gignac, Maryse Lapierre, Marianne Marceau, Louise Marleau, Monque Mercuree, Jean-Sébastien Ouellette, Hubert Proulx, Éric Robidoux - Decorados: Jean Hazel – Vestuario: Sébastien Dionne - Iluminación: Denis Guérette – Dirección Musical Original: Claire Gignac – Coreografía: Estelle Clareton - Duración: 1h45 (sin entreacto). Representaciones: Hasta el 30 de Marzo de 2013 en el Théâtre du Nouveau Monde (www.tnm.qc.ca)

Con Jocaste Reine la escritora francocanadiense Nancy Huston aborda el delicado tema del incesto basándose en Edipo Rey de Sófocles, en un enfoque que tiene en cuenta la óptica de la reina Yocasta como esposa y madre de Edipo. Evidentemente el desafío que tuvo que enfrentar la autora era inmenso: no sólo se trataba de presentar una visión femenina de la mítica tragedia griega escrita hace dos milenos y medio, sino lograr que la reescrita historia mantuviese interés. Felizmente, la partida ha sido ganada porque Huston logró un relato cautivante y de plena vigencia.

Una de las notas distintivas de la obra es que el coro de la versión original de Sófocles es aquí reemplazado por el personaje del Corifeo (Hugues Frenette) quien vestido con atuendo moderno va comentando y captando lo que acontece en escena adoptando de este modo el juicio que le merece al espectador. Aunque en esta deconstrucción realizada por Huston el centro de gravitación es Yocasta (Louise Marleau), también cuenta aquí la visión de sus dos hijas mujeres Antígona (Marianne Marceau) e Ismene (Maryse Lapierre), en tanto que sus hijos varones, Étéocle (Hubert Proulx) y Polynice (Éric Robidoux), a través de una danza guerrera constituyen un elemento de transición entre las diferentes escenas de la pieza.

La obra comienza con un interludio amoroso de Yocasta y Edipo (Jean-Sébastien Ouellette), considerablemente más joven que ella, quienes conforman un matrimonio dichoso durante 20 años. La felicidad comienza a alterarse cuando una peste azota el reinado de Tebas y,  según el anuncio del oráculo de Delfos, para que se extinga la plaga es necesario localizar al asesino de Laïos, el precedente rey y primer marido de Yocasta. A medida que Edipo comienza su investigación detectivesca para resolver el grave problema va descubriendo que su esposa es verdaderamente su madre; completamente escandalizado, rehúsa proseguir la relación incestuosa a pesar de los desesperados esfuerzos de Yocasta que desea retenerlo y salvar su matrimonio. De allí en más todo comienza a desmoronarse hasta desembocar en un trágico desenlace.

La actuación magistral que realiza Louise Marleau valoriza enormemente a esta brillante producción; la sensualidad, pasión, angustia y amor avasallante de Yocasta están allí presentes en la magistral caracterización que brinda esta gran artista de la escena quebequense. Pero a su lado no desmerece la intensidad de Jean-Sébastien Ouellette como el consternado y desesperado Edipo, Hugues Frenette ofreciendo la nota de humor de esta pieza, y muy en especial Monique Mercure como la sirvienta de la reina.

Louise Marleau y Jean-Sébastien Ouellette (Foto de Yves Renaud)

La sobria puesta en escena de Lorraine Pintal manteniendo una fluida complicidad artística con Huston permite que el público se adentre en esta relectura edípica que devela complejos aspectos de la psiquis femenina con esmerada rigurosidad. Otros elementos destacables son el aporte del vestuario de Sébastien Dionne y la presencia musical de Claire Gignac como instrumentista y cantante. Todo en conjunto hace que Yocaste Reine proporcione una velada teatral de gran calidad.   Jorge Gutman

HOMENAJE A MAHALIA JACKSON

THE MAHALIA JACKSON MUSICAL. Autor: Roger Peace - Dirección: Roger Peace - Elenco: Ranee Lee, Adrienne Mei Irving, Tristan D. Lalla - Decorados: Jean-Claude Olivier - Iluminación: Peter Spike Lyne – Dirección Musical/Piano: Taurey Butler – Dirección del Coro: Marcia Bailey –  Duración: 2h00 (con entreacto). Representaciones: Hasta el 24 de Marzo de 2013 en el Segal Centre

El Centro Segal para las Artes tributa un bello homenaje a Mahalia Jackson (1911-1972) considerada la mejor intérprete de música gospel de todos los tiempos, a la vez que una notable activista en la defensa de los derechos civiles de los Estados Unidos; al propio tiempo, la pieza brinda la oportunidad para que la generación actual pueda conocer algunos aspectos de su vida y de qué manera contribuyó a difundir y divulgar la música ritual afroamericana.

A través de un sencillo pero bien elaborado guión del director Roger Peace y con la valiosa colaboración de la veterana y bien conocida vocalista canadiense Ranee Lee, el público asiste a un espectáculo musical sencillo, a la vez que cálido y emotivo de Mahalia. Nacida en uno de los distritos más pobres de Nueva Orleans, desde pequeña fue inculcada en el camino de la fe religiosa, hecho que tuvo gran importancia en su inclinación para el canto de la música sacra. Cuando por razones económicas su familia emigró al ghetto negro de Chicago su encuentro con algunas figuras claves del mundo del jazz contribuirán al inicio de una extraordinaria carrera profesional.

Lo que hace interesante a esta obra es la forma en que los monólogos y/o diálogos se ajustan y entremezclan con los números musicales animados por las hermosas canciones que constituyen un buen testimonio de los spirituals que hicieron famosa a Mahalia y que en esta oportunidad están tan bien transmitidos por Lee. Su expresiva voz ilustra las diferencias gamas tonales que Mahalia solía adoptar captando el entusiasmo no solamente de los afroamericanos sino del público en general. Entre algunas de las 18 canciones se destacan The Christian Testimony, If I Could Hear My Mother Pray Again, Summertime, When The Saints Go Marching In y God Put The Rainbow In The Sky.



Ranee Lee animando a Mahalia Jackson (Foto de George Allister)



De hecho, Lee es la figura central de este musical quien capta en toda su dimensión el espíritu y la esencia de lo que fue la celebrada cantante además de infundirle una singular calidez; sin embargo su interpretación no desmerece las buenas actuaciones de Adrienne Mei Irvin y Tristan D. Lalia dando vida a varios integrantes de la familia y de los amigos de Mahalia, asi como el magnífico grupo coral perteneciente al Imani Gospel Singers que acompaña a Lee en sus canciones.



Finalmente cabrá mencionar el emotivo homenaje que la pieza brinda al gran apóstol de la paz Martin Luther King cuando en los Estados Unidos se estaba librando la gran batalla para poner punto final a la segregación racial. En tal sentido su famoso discurso de 1963 “I have a dream” (Yo tengo un sueño) llega a sensibilizar hondamente a la platea.

En resumen, un espectáculo decididamente recomendable que gratifica plenamente al espectador.  Jorge Gutman



NUEVA TEMPORADA DE LMMC Y LES VIOLONS DU ROY

La agrupación musical Ladies Morning Musical Club  (LMMC) y la Orquesta de Cámara Les Violons du Roy dieron a conocer su programación para la próxima temporada musical 2013-2014.

LMMC comenzará su serie de diez conciertos el 8 de septiembre con la presentación del conjunto de cuerdas Pacífica Quartet.

Otros recitales de la temporada incluyen la presentación del celebrado pianista estadounidense Garrick Ohlsson, el Trío Jean Paul, la pianista canadiense Angela Hewitt, el violonchelista alemán Daniel Müller-Schott, el Cuarteto Ebène y el American String Quartet. Por primera vez actuarán para la agrupación, el tenor alemán Christoph Genz, el Doris String Quartet de Inglaterra y la violinista rusa Alina Pogostkina. Todos los conciertos de LMMC tienen lugar los domingos a las 15h30 en la sala Pollack de McGill (www.lmmc.ca)

Por su parte Les Violons du Roy  contempla la realización de 15 conciertos con 10 diferentes programas donde 5 de los mismos serán dirigidos por Bernard Labadie, su director musical. La temporada se inicia el 12 de octubre con la presentación de la mezzo-soprano Stephanie Blythe, una de las más renombradas cantantes de la escena lírica mundial. A esta presentación le seguirá la actuación de La Chapelle de Québec cantando el célebre Te Deum de Haydn, así como la majestuosa Theresienmesse del mismo compositor; el coro también cantará el oratorio Salomon de Haendel con la participación de prestigiosos cantantes como la contralto Marie-Nicole Lemieux, la soprano Karina Gauvin y el tenor James Gilchrist, entre otros.

Otros programas serán dirigidos por Mathieu Lussier, Richard Lester, Maurice Steger y Anthony Marwood. Un programa hors-serie contará con la participación de la excelente soprano francesa Natalie Dessay y del gran compositor y legendario pianista Michel Legrand quien tendrá a su cargo la dirección musical.

Los conciertos tendrán lugar en la Maison Symphonique y en la sala Bourgie (www.violonsduroy.com)

MOSAICO DE LUCES

DANZ Y TOOT

La compañía Les Grands Ballets Canadiens de Montréal, presenta un programa doble con dos obras que permiten testimoniar la imaginación y creatividad de dos prestigiosos coreógrafos así como destacar la notable disciplina técnica y la fuerza interpretativa de los bailarines de esta compañía. El artista israelí Ohad Naharin inicia la velada con la creación Danz en tanto que en la segunda parte se presentará TooT, de la coreógrafa holandesa Didy Veldman.

Ohad Nazarín es el coreógrafo director de la Batsheva Dance Company desde 1990: esta compañía israelí es la más importante de Israel y gran parte de su prestigio actual se debe a su contribución; hoy día, Nazarín es considerado como una de las figuras más importantes de la creación contemporánea occidental.

DANZ (Foto de Jesús Vallinas)

Danz es un collage de secuencias escogidas de cinco trabajos coreográficos creados entre 1999 y 2007, permitiendo ofrecer así una retrospectiva del trabajo de Nazarin con escenas extraídas de sus obras Moshe (1999), Naharin’s Virus (2001), Three (2005), Telophaza (2005) y Max (2007). Danz es bailado con un mosaico colorido de músicas tan diversificadas como las de Beethoven, Brian Eno así como melodías compiladas del Hard Rock Café Surf.

Didy Veldman se ha formado en danza clásica en Holanda y en los comienzos de su exitosa carrera actuó como bailarina en el seno del Ballet Scapino de Amsterdam, Ballet del Gran Teatro de Ginebra y de la Compañía de Danza Rambert de Londres. A partir de 2000 decide consagrarse en forma completa como coreógrafa independiente y hasta el presente ha tenido a su cargo la coreografía de más treinta obras para prestigiosas compañías internacionales.

TOOT (Foto de Serguei Endinian)

En TooT, la obra creada por Veldman para Les Grands Ballets en 2005, la escenografía móvil de Miriam Buether evoca una pista circense cuyos personajes ven el conformismo y su espíritu gregario alterados por el deseo de libertad que alientan y cuyos rostros ilustran el carácter triste y absurdo de la homogeneidad de sus identidades. Esta pieza teatral cuenta con una trama musical compartida entre la bella Suite N° 2 para orquesta de jazz de Shostakovich ilustrando el mundo exterior, y la melancólica composición original de Alexander Balanescu traduciendo los climas de la vida interior.

Danz y TooT serán representados los días 14, 15, 16, 21, 22 y 23 de marzo (20h) en el Teatro Maisonneuve de la Place des Arts. Información adicional se puede obtener www.grandsballets.com