UN BALLET RUSO VISITA MONTREAL

BALLET NACIONAL DE UCRANIA

Invitado por Les Grand Ballets Canadiens de Montreal llega a Montreal el Ballet Nacional de Ucrania.

En la gran tradición del ballet ruso, el Ballet Nacional de Ucrania es uno de los más importantes del mundo y constituye un verdadero elemento de referencia en el mundo de la danza. Nació a principios del siglo pasado y extraordinarios bailarines como Nezhinskaya, Kochetkovsky, Osovskaya, Vaclav Nezhinksy y Serge Lifar fueron algunos de sus miembros integrantes. Ya para la década del 50 logró consolidar su fama con las giras internacionales de gran suceso artístico logrado en Bulgaria, Yugoslavia, Hungría y Francia. Su elenco participó en 1964 en el Festival de la Danza Internacional de París recibiendo el máximo premio –Étoile d’Or- por parte de la Academia de Danza de Francia y los solistas Iraida Lukashova y Valeriy Persegov recibieron los premios Anna Pavlova y Vaclav Nezhinskiy, respectivamente.

El Ballet Nacional de Ucrania ha logrado un merecido prestigio internacional en virtud de la calidad de sus trabajos inspirados en las tradicionales danzas del país. Denis Matvienko, un ex primer bailarín del Ballet Mariinsky, recientemente ha sido nombrado director de la compañía.

En esta visita a Montreal, la compañía representará El Lago de los Cisnes de Peter Tchaikovsky. Además de un mítico ballet constituye la quintaesencia del ballet clásico. Con la coreografía de Lev Ivanov y Marius Petipa, pero adaptado para esta compañía por su ex director artístico Alexander Gorskij, el público juzgará una optimista versión debido a que la historia concluye con un final feliz en lugar del tradicional fin trágico de la protagonista.

Acompañado por la Orquesta des Grands Ballets y bajo la dirección musical del maestro Oleksiy Baklan, un conjunto de más de 50 excepcionales artistas tendrán a su cargo la representación de este popular ballet.

Las representaciones tienen lugar a partir del jueves 8 hasta el 11 de Marzo a las 20h00 y también a las 14h00 el sábado 10 y domingo 11 en la sala Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts (http://www.grandsballets.com/)

ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL

OSM

En la serie de su programación regular la OSM ofrece cuatro programas durante el mes de marzo. El primero de los mismos tiene lugar con el concierto matinal del viernes 2 (10h30) donde se escuchará la Sinfonía N°2 de Borodin, Les Bandar-Log de Koechlin y una obra de Evangelista para oboe y orquesta con la participación del oboísta Theodore Baskin. Este concierto es dirigido por el maestro Stéphane Laforest.

El domingo 11 (14h30) Jean-Marie Zeitouni dirige a la orquesta en un programa integrado por la Danza Suite para Orquesta de Bartok, el Concierto para la Mano Izquierda de Ravel con el solista Benedetto Lupo, Livre pour Lourdes de Boulez y Petroushka de Ravel en la versión de 1911.

El director artístico de la OSM Kent Nagano retorna el miércoles 21 y jueves 22 (20h00) en el tercer programa del mes dirigiendo el hermoso poema sinfónico Don Quijote de Richard Strauss con la participación especial del violista Neal Gripp y el violoncelista Brian Manker; el programa se completa con el Concierto para Piano N°2 de Brahms con Boris Berezovsky como solista.

En el último programa del mes que tendrá lugar el martes 27, jueves 29 y sábado 31 (20h00), el maestro Kent Nagano ofrecerá un repertorio integrado por la obertura de la ópera romántica de Wagner El Holandés Errante, el Concierto para Violín N°2 de Prokofiev con la participación como solista del eminente violinista ruso Vadim Repin. Completa el programa la célebre Sinfonía Fantástica de Berlioz.

Todos los conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts.

TANGO PASIÓN EN FESTIVAL DE LAS LUCES DE MONTREAL

Celebrado grupo de tango re-creó para el público montrealés un cuadro de la época dorada del tango de los años 40 y en su segunda parte entregó una vivaz muestra de tango contemporáneo. Diversos factores hicieron que esta última fuera la mejor lograda de la noche.

Crónica de Sergio Martínez

Tango Pasión, un elenco de 12 bailarines, siete músicos y una vocalista, bajo la dirección musical de Gabriel Merlino, se presenta entre el 23 y el 25 de febrero en la sala Maisonneuve de la Place des Arts, en el marco del Festival Montréal en Lumière (Festival de las Luces de Montreal).

Tuvimos ocasión de ver su presentación inaugural el 23 de febrero y nuestra primera reacción es ciertamente favorable. Se trata de un elenco técnicamente muy afiatado, que en sus aproximadamente dos horas de presentación entrega una muy buena impresión de su concepción de la música porteña.

La primera parte, que se lanzó con su versión de “Mi Buenos Aires querido”, se centró en la creación tanguística de los años de oro de la música ciudadana: los años 40. El impecable desempeño de los bailarines reflejó de manera muy clara el ambiente del tango interpretado y bailado en clubes y salones de esos años. La cantante (Venini Sol Tagini) poseedora de una potente voz, nos entregó en esta primera sección una bien lograda versión de “Malena”.

Aun cuando el septeto musical demostró una gran calidad interpretativa, sin embargo esta primera parte, con temas como “Sin palabras” o “Milonga del 900”, se dejó notar que esos temas y el ambiente mismo de los tangos de los años 40 eran hechos para la sonoridad envolvente de la orquesta típica, esas grandes orquestas con una veintena de intérpretes sacudiendo a la audiencia con su abundante presencia musical. Eso simplemente el grupo musical de Tango Pasión no lo podía re-crear.

La segunda parte sin embargo, dedicada al tango contemporáneo—principalmente Astor Piazzolla por cierto—estuvo mucho más al alcance sonoro del septeto, el cual por lo demás brilló en la ejecución de aquellas partes donde Piazzolla apuntaba a una fusión tango-jazzzística.

De manera muy creativa, los bailarines dieron rienda suelta a su propia expresividad en esta segunda parte del concierto. Por su parte la vocalista de nuevo nos impresionó con una excelente versión de la emblemática “Balada para un loco”.

Se ha tratado sin duda de un buen espectáculo, con un tratamiento muy creativo y original en las versiones de danza. Ciertamente un espectáculo que vale la pena verse.

Tango Pasión continúa hasta el sábado 25 en el Teatro Maisonneuve de la Place des Arts. Para mayor información ir al sitio web del Festival de las Luces: http://www.montrealenlumiere.com/

FILMES SOBRE ARTE: UN SECRETO A DESCUBRIR

Crónica de Sergio Martínez

Curioso es el caso de este evento que en francés se denomina Festival International du Film sur l’Art (Festival Internacional de Filmes sobre Arte), y que para añadir a sus rasgos insólitos, sus organizadores han abreviado como FIFA (que no se entere el organismo internacional que rige el fútbol, atentos como son a encontrar maneras de hacer dinero, le pueden caer muy duro a esta inesperada FIFA montrealesa). Más allá de estos rasgos curiosos, el Festival de Filmes sobre Arte de Montreal, a pesar de entrar ahora en su 30ª edición, aun permanece como un evento largamente ignorado entre el público de habla hispana y—me atrevería a decir—por gran parte del público en general.

Es probable que la asociación del arte con las expresiones de la llamada “alta cultura” haga que a su vez este festival sea visto como un evento más bien elitista. Poca gente del público en general acude al cine para enfrascarse en la presentación de otra actividad artística. Aquí surge también otro elemento problemático, incluso para los que gustan del cine como expresión artística: el título mismo de este festival nos sugiere que el cine en este caso está limitado simplemente a ser un medio, un transmisor o un intermediario, para lo que aparece como el sujeto de fondo del evento: otras artes.

Por cierto no es que el cine, como arte totalizador, no ensaye de vez en cuando traducir a su lenguaje obras o escenas de otras artes. Carlos Saura por ejemplo, lo ha hecho magníficamente respecto del flamenco y el fado, versiones cinematográficas de óperas han tenido mucho éxito artístico, así como adaptaciones a la pantalla de obras teatrales. En parte porque en actividades artísticas como el teatro, el ballet o la ópera, hay ya presente una historia, en el caso de la música ella se puede construir (recuérdese Lili Marlen de Fassbinder por ejemplo); pero obviamente es más difícil estructurar historias a partir de temáticas como la arquitectura, la pintura o la escultura. Generalmente en el caso de estas últimas, lo que el cine puede hacer es simplemente retratarlas o reflexionarlas, y lo puede hacer muy bien en la forma del género documental por cierto. Claro está, interesante como el género documental puede ser, él rara vez llega a tener el grado de interés popular que el cine de ficción tiene. De ahí que, aunque no sea su intención, un cine sobre el arte, va a descansar generalmente en el documental (aunque aclaro que no siempre, en el FIFA de este año el film de apertura es uno de ficción) y por lo tanto va a apelar a un público más especializado, de ahí que para algunos sea catalogado como elitista.

Sea como fuere la edición del FIFA de este año ofrece algunas cosas que pueden ser de interés para el público de habla hispana. Por de pronto, hay filmes provenientes de Colombia: Beatriz González ¿Por qué llora si ya reí?, de México: La valija mexicana, y Toledo Report, de Perú: Yarapa, una escuela artística en el corazón de la selva húmeda amazónica, y de Venezuela: Reverón. También hay algunas películas sobre arte provenientes de España: Matka Edeniin, Morente. El barbero de Picasso, Odeon: el tiempo suspendido, La orquesta de las mariposas, Picasso a la obra en el objetivo de David Douglas Duncan, y Los trazos fosforescentes de los caracoles.
El film de apertura será The Mill and The Cross (El molino y la cruz) del director polaco Lech Majewski, una co-producción polaco-sueca que tiene como tema la obra maestra del pintor Pieter Bruegel “El camino del Calvario” y que se centra en el período cuando Flandes es ocupada por las tropas españolas en 1564, lo que a su vez resulta en una brutal represión desatada contra los protestantes de la región. Se trata de un film que es una vibrante meditación sobre el arte, la religión, la libertad religiosa, los derechos humanos, la narrativa y la reinterpretación.

Escena de The Mill and The Cross

A su vez el festival se cerrará con la exhibición del film canadiense Bone, Wind, Fire, dirigido por Jill Sharpe, que enfoca la vida creadora de tres de las mayores pintoras del siglo 20: Georgia O’Keeffe, Emily Carr y Frida Kahlo. La directora utiliza para su película las propias palabras de sus protagonistas, a través de cartas y diarios que escribieron lo que permite revelar sus respectivos procesos creativos en toda su sutileza y variedad.

El Festival de Filmes sobre Arte se llevará a cabo entre el 15 y el 25 de marzo de 2012 en nueve salas de Montreal: el auditorio de la Grande Bibliothèque, Centro Canadiense de Arquitectura, cine de la Office national du Film du Canada / National Film Board of Canada, Cinemathèque québécoise, Goethe Institut, Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, Museo de Bellas Artes de Montreal, Place des Arts y Universidad Concordia.

Los billetes individuales cuestan $12 pero hay también libretos de 8 cupones a $85, un pasaporte especial a $25 y también rebajas para estudiantes y adultos mayores de 65 años.

Para mayor información ir al sitio web: http://www.artfifa.com/ o llamar al (514)874-9972.

La fotos son escenas de algunos de los filmes a ser presentados en la 30a edición del Festival du Film sur l'Art de Montréal

QUEBEC, LAS AMERICAS Y ESPAÑA

MUSICA CAMERATA

En un programa dedicado a destacar el repertorio de música de cámara de Quebec y de Hispanoamérica, Musica Camerata ofrecerá un concierto con composiciones de Amy Beach, Joaquín Turina, Jacques Hétu, Alberto Ginastera y Juan Carlos Cirigliano.

Amy Beach es considerada una pionera en la composición de Estados Unidos y particularmente en la región de New England. La obra que de ella se habrá de ejecutar es Theme and Variations para Flauta y Cuarteto de Cuerdas (1916) y está compuesta por seis variaciones de un amplio y lírico tema.

De Joaquín Turina , quien junto con Manuel de Falla es considerado el más grande compositor de su generación, se habrá de escuchar el Cuarteto en La menor para Piano y Cuerdas (1932), inspirado en la música folclórica de su país natal.

Jacques Hétu es uno de los más prestigiosos compositores canadienses cuyos trabajos se suelen ejecutar tanto en su país como a nivel internacional. La obra escogida por Musica Camerata es el Adagio y Rondo para Cuarteto de Cuerdas (1960), que dentro del repertorio del compositor es considerada como una de las más populares escritas para cuarteto de cuerdas.

El compositor argentino Alberto Ginastera es uno de los más reconocidos a nivel internacional. Pocos años antes de su muerte acaecida en 1983, se volvió muy crítico de sus primeros trabajos y resolvió sacarlos de circulación. Precisamente, una de esas composiciones es Impresiones de la Puna para Flauta y Cuarteto de Cuerdas compuesta en 1942 y que integra este concierto; se trata de una obra rica basada en melodías y ritmos del noroeste argentino.

Juan Carlos Cirigliano –pianista, compositor, arreglador y profesor de música nacido en Argentina- en 1998 compuso para Musica Camerata Imágenes de Brasil para Flauta, Piano y Cuarteto de Cuerdas. El público tendrá oportunidad de volver a escuchar esta composición inspirada en canciones y danzas brasileñas.

Este concierto tiene lugar en el Centro Segal, el domingo 26 de febrero (14h30) y los integrantes de Camerata que participarán son Karen Kevra (flauta), Berta Rosenohl (piano), Luis Grinhauz y Van Armenian (violines), Lambert Chen (viola) y Mariève Bock (violoncelo)

LOS ALCANTARILLADOS DE LVOV

In Darkness. Polonia-Alemania-Canadá, 2011. Un film de Agnieszka Holland.

Agnieszka Holland retorna nuevamente al escenario de la Segunda Guerra Mundial, después de haberlo hecho exitosamente en Angry Harvest (1985) y Europa, Europa, (1990) relatando una historia verídica sobre el Holocausto. Su afinidad hacia el doloroso tema no resulta extraña si se considera que todos los miembros de la familia de su padre perecieron en el gueto de Varsovia, en tanto que su madre polaca actuó en la resistencia salvando a judíos.

A comienzos de 1944, los nazis comenzaron en Lvov, Polonia (hoy se llama Lviv y pertenece a Ucrania), la tarea de exterminación de judíos quienes vivían recluidos en un gueto de la ciudad. Eligiéndolos al azar, los desafortunados eran transportados en camiones hacia los campos de concentración. Frente a ese agorero panorama, un grupo de ellos antes de ser atrapados, tratan de escapar de una muerte segura y para ello eligen las alcantarillas como refugio.

La película comienza mostrando las actividades delictivas de Leopold Socha (Robert Wieckiewicz), quien junto con su compinche Szczepek (Krsysztof Skoniecznyh) se dedican a asaltar las casas de la región. Socha, quien es un católico polaco sin afecto alguno por los judíos, se desempeña como empleado municipal de los alcantarillados y por lo tanto es un experto conocedor de todos los vericuetos de ese mundo subterráneo. Cuando en uno de sus recorridos descubre a los judíos allí apostados, para no delatarlos les demanda a cambio la suma de 500 zlotych diarios y además les señala que el grupo no puede superar la docena de personas a fin de resguardarlos convenientemente de cualquier intromisión nazi. De este modo comienza una arriesgada aventura donde esta gente separada de sus familias vivirá por un período de 14 meses en condiciones infrahumanas tratando de sobrevivir a la triste realidad.

Valiéndose del guión de David F. Shamoon, basado en el libro In The Sewers of Lvov de Robert Marshall, Holland ilustra con sobriedad e intensidad las condiciones claustrofóbicas y de degradación de las cloacas subterráneas. Con completa autenticidad el público se envuelve en esa angustiosa atmósfera donde sus desgraciados moradores están obligados a soportar un ambiente infectado de ratas, aguas y olores putrefactos, comiendo lo que se puede, sufriendo las inclemencias del tiempo cuando una gran tormenta provoca una inundación de considerables proporciones y teniendo que cohabitar hacinados donde no siempre la convivencia humana resulta armoniosa. Dentro de ese contexto no es muy estimulante observar a Yanek (Marcin Bosak) mantener relaciones sexuales con su amiga Chaja (Julia Kijowska) durante la noche mientras que su esposa e hijita despiertas observan calladamente ese deplorable cuadro; más incómodo aún resulta una cruda escena donde una madre da a luz en ese lúgubre laberinto y termina asfixiando a su bebé recién nacido por temor a que sus llantos puedan llamar la atención de los nazis.

Uno de los aspectos más importantes del film es haber descripto muy bien la personalidad de Socha, que de oportunista explotador, gradualmente se convierte en un aliado del grupo que protege. Así, a medida que el tiempo transcurre y cuando a los judíos se les acaba el dinero para seguir financiando la estadía, el inicialmente corrupto hombre les exime del pago convenido e incluso pone en juego su propia vida cuando su superior (Michal Zurawski), un oficial nazi, comprueba lo que está haciendo. A diferencia de Oskar Schindler, Socha se transforma en un inesperado héroe que encuentra un sentido en su vida que le habrá de redimir de su pasado turbio. Esa conversión obliga nuevamente a reflexionar acerca de las dificultades que existen cuando se trata de deslindar el bien del mal. Al constatar la transformación de Socha, creciendo en humanidad y cobrando conciencia del holocausto judío, el film adquiere una dimensión especial exponiendo claramente la contradicción humana.

A nivel de interpretación, el elenco es de primer nivel con la excepcional actuación de Wieckiewicz en el personaje central. En los renglones técnicos, la dirección de fotografía por parte de Jolanta Dylewska es otro logro notable teniendo en cuenta que la oscuridad adquiere una dimensión de máximo realismo. También resulta acertado haber apelado a diferentes idiomas (polaco, alemán, ruso, idish, hebreo, entre otros) otorgando una mayor autenticidad a lo que se está relatando dentro del mosaico cultural representado por sus diferentes personajes.

Conclusión: Un film de profunda visión humanista a la vez que un sólido drama recreando otro triste episodio del Holocausto. Aunque el tema ya ha sido considerado en otros elogiosos filmes (Schindler’s List, The Pianist), el mismo sigue manteniendo validez universal porque, tal como lo ha declarado la realizadora, el peligro continúa persistiendo si se recuerdan las masacres de Ruanda, Bosnia, Srebrenica que tuvieron lugar en la década del 90, o bien lo que actualmente sucede en Siria. Jorge Gutman

SEMILLA DE MALDAD

We Need to Talk About Kevin. Gran Bretaña-Estados Unidos, 2011. Un film de Lynne Ramsay.

Basado en una novela de Lionel Shriver, la directora Lynne Ramsay expone en Tenemos que hablar de Kevin la traumática relación existente entre una madre y su hijo. Con tal propósito el relato trata de que el espectador pueda compenetrarse con Eva (Tilda Swinton), una mujer que dio a luz a Kevin, un ser quien a través de su existencia va desarrollando una personalidad psicopática peligrosa.

Narrado de manera no lineal y con permanentes saltos temporales, el espectador sigue el desarrollo de los acontecimientos a través de la óptica de Eva quien, según lo que indica el título del film, trata de discutir con su marido Franklin (John C. Reilly) la conducta de Kevin.

Desde su nacimiento y durante los primeros meses de vida, Kevin (Rocky Duer) va evidenciando un comportamiento extraño que se acentúa en su niñez (Jasper Newell) al comienzar a exhibir su habilidad manipuladora cargada de malevolencia, para terminar agudizándose como muchacho adolescente (Ezra Miller). Cuando aún es niño, el nacimiento de su hermanita Celia (Ashley Gerasimovich) no ayuda mucho a cambiar su actitud ni tampoco modifica el dificultoso clima existente en el entorno familiar; si bien Franklin trata de mantener una actitud positiva con su hijo y obtiene una buena respuesta suya, la convivencia con su madre se torna insostenible y es eso lo que termina afectando a la familia en su conjunto.

Como lo que se observa son trozos de un relato excesivamente fragmentado, es necesario realizar un significativo esfuerzo para unir todas las piezas de este rompecabezas a fin de comprender por qué Kevin desprecia con alma y vida a su progenitora, aunque nunca se llegue a saber la razón. Sin tener en cuenta la novela original -porque ningún espectador está obligado a hacerlo-, lo que uno está juzgando es lo que el film muestra y en tal sentido no hay indicio alguno que pueda justificar la actitud de Kevin hacia su madre. Más aún, el trágico desenlace de la historia que nada tiene que ver con la relación madre-hijo, sugiere que decididamente estamos en presencia de una persona mentalmente enferma. Por lo que antecede, hay motivos para que este film irrite al espectador, a saber: a) ¿Cómo es posible admitir que durante tantos años los padres de Kevin jamás se hayan preocupado de proveerle asistencia psiquiátrica cuando todo demuestra que se está frente a un ser imbuido de una semilla de maldad completamente anormal? ¿Cómo se justifica la actitud extremadamente condescendiente de Franklin con su hijo frente al trato que su esposa recibe del mismo?

Los interrogantes que anteceden quedan sin resolver y lo que en última instancia ofrece este film es un panorama sombrío y descorazonador en la descripción de un cuadro familiar poco tonificante. Si la intención de la realizadora era ilustrar un estudio clínico sobre cómo una criatura puede convertirse en monstruo, el resultado no deja satisfecho porque no se ve razón alguna que justifique el comportamiento de Kevin, salvo la existencia de un desequilibrio mental que en ningún momento es considerado en el relato.

Teniendo en cuenta que todo gira en torno a Eva, puede afirmarse que Swinton ofrece una estupenda labor como la madre impotente de cambiar los hechos y teniendo que lidiar continuamente con un ser malévolo que le es prácticamente desconocido; por su parte los tres actores que animan a Kevin en sus diferentes edades transmiten muy bien el profundo rechazo que este personaje siente por su madre. La actuación de Reilly es efectiva aunque su personaje –completamente pasivo- no esté bien desarrollado.

En general, el film resulta intrigante hasta cierto punto, pero el estilo afectado de su puesta en escena con elementos cargados de simbolismos que nada tienen que ver con el relato, termina disminuyendo el interés inicial despertado.

Conclusión: Aunque muy bien actuado, este deprimente drama promete más de lo que ofrece dejando al espectador una sensación de perplejidad con su horroroso final. Jorge Gutman

UNA OPERA DE VERDI DESDE EL MET

ERNANI

Ernani es la próxima ópera a ser difundida desde el Metropolitan Opera en alta definición en diferentes salas del mundo. Esta creación lírica de Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave, basado en un drama de Víctor Hugo, fue estrenada en Venecia en 1844 y gozó de un considerable éxito popular.

Aunque el argumento no es muy plausible Verdi aprovechó su historia para concebir un drama romántico con considerables escenas corales y bellas arias melódicas. La acción transcurre en España en el siglo XVI y se centra en un cuadrángulo sentimental donde la hermosa y joven doncella Elvira es admirada y codiciada por el Rey de España Don Carlo, Ernani quien es un noble proscripto que llegará a ser el prometido de Elvira y Ruy Gómez de Silva, el viejo tío de la joven dispuesto a casarse con ella.

El elenco está integrado en los roles centrales por la excelente soprano americana Angela Meade (Elvira), el tenor siciliano Roberto De Biasio (Ernani), el bajo italiano Ferruccio Furlanetto (Silva) y el barítono ruso Dmitri Hvorostovsky (Don Carlo).

La producción es de Pier Luigi Samaritani y Marco Armiliato es el director musical. La obra es cantada en la versión original italiana con subtítulos en inglés.

Su difusión tiene lugar el 25 de febrero a las 13h00 de Nueva York y redifundida el 31 de marzo. En Canadá las salas participantes pertenecen a la cadena exhibidora Cineplex Divertissement. Para información de las salas y horarios locales el sitio de Internet es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

AMERICANOS CIENTÍFICOS

SCIENTIFIC AMERICANS. Autor: John Mighton. Dirección: Andrew Shaver. Elenco: Susan Bain, Michael Blake, Daniel Brochu, Julia Course, Graham Cuthbertson, Trent Pardy. Decorados y Vestuario: James Lavoie. Iluminación: Sarah Yaffe. Representaciones en el Centro Segal hasta el 26 de febrero.

Por Jorge Gutman

No siempre las buenas intenciones se concretan en resultados positivos. Ese es el caso de Scientific Americans, una obra del dramaturgo canadiense John Mighton donde analiza las relaciones entre la ciencia y la política, así como las complejas vinculaciones humanas que se presentan cuando los principios éticos y morales entran en juego.

Ambientada en 1987 en el estado de New Mexico, la obra presenta a Jim (Trent Pardy), un destacado físico y experto en radiaciones electromagnéticas que acaba de obtener un trabajo en New Mexico en el Departamento de Defensa de los Estados Unidos; ahí se traslada con su novia Carol (Julia Course) quien se desempeña como programadora informática en el campo de la inteligencia artificial. Aunque al principio Jim goza de cierta libertad para ejercer sus funciones, prontamente queda claro que el resultado de su trabajo de investigación puede ser utilizado para la fabricación de un poderoso arma de destrucción masiva. Esa situación desagrada a Carol quien no ve con buenos ojos la contribución que Jim efectúa con sus investigaciones y le insta a que deje su empleo, a lo que él se niega. Llega un momento en que la relación comienza a deteriorarse, cuando ella está convencida de que el trabajo de su novio cuestiona su integridad moral al poner en juego el bienestar de la humanidad.

Como puede apreciarse, la premisa es interesante y obliga al espectador a pensar sobre algunos de los temas planteados, en especial cuando los adelantos de la ciencia y la tecnología son utilizados con propósitos políticos; sin embargo, el tono de sátira que adopta la pieza y la forma de su exposición disminuyen sensiblemente su interés. Comenzando con un prólogo completamente anticlimático donde el psicólogo (Graham Cuthberson) de la oficina de Jim se presenta ante el público invitándolo a reflexionar sobre los acontecimientos que vendrán, la obra va desarrollándose a través de una sucesión de escenas cortas que careciendo de fluidez impiden al espectador involucrarse en el conflicto dramático de la pieza.

No hay gran comunicación entre los actores y el público; eso se debe a que el director Andrew Shaver ha concebido una puesta en escena fría y de naturaleza errática. Así, las relaciones establecidas entre Jim y su novia nunca suenan verdaderas, tampoco lo son los lazos que vinculan al científico con su distante madre (Susan Bain), el vínculo con su jovial y habilidoso jefe militar (Michael Blake) que supervisa sus tareas o las conversaciones mantenidas con un colega de trabajo (Daniel Brochu).

En cuanto a las actuaciones, sobresale el trabajo de Blake, en tanto que el resto del elenco se desempeña correctamente en función de lo que cada rol exige. La escenografía de James Lavoie es sencilla y funcional al crear acertadamente el ambiente militar en que se desarrolla la mayor parte de lo que se relata.

UNA GRAN INTERPRETACION DE GLENN CLOSE

Albert Nobbs. Irlanda, 2011. Un film de Rodrigo García.

Comentario de Jorge Gutman

Sobre un cuento de George Moore adaptado al cine por Gabriella Prekop, John Banville y Glenn Close, Albert Noobs es un film que se distingue más por la naturaleza de sus personajes que por el desarrollo de su trama. El director Rodrigo García que ya había dirigido a Close anteriormente (Things you Can Tell Just by Looking at Her, Nine Lives) le da a esta gran actriz una nueva oportunidad para ratificar sus extraordinarias condiciones. Después de haber interpretado el mismo personaje en Off Broadway hace tres décadas, ella ofrece una excepcional caracterización de una persona que por imperio de las circunstancias debe cambiar de género.

Ambientado en Irlanda hacia fines del siglo XIX, Albert Nobbs deja su identidad femenina para masculinizarse y obtener un empleo como mayordomo en un respetable hotel de Dublín. En una sociedad conservadora en donde la mujer está sujeta a la represión, servidumbre y sumisión, actuar como hombre le brinda a Nobbs la paz, sosiego interior y un respetable empleo que lo desempeña con responsabilidad y eficiencia. Pero observando a Albert y aunque el personaje no lo exteriorice, uno puede intuir el enorme esfuerzo de tener que disimular su condición sexual, guardando celosamente ese secreto durante más de 30 años. Lo que se desprende de esta “hombre” es una personalidad reservada, discreta, de naturaleza introvertida, incapaz de expresar sus emociones y completamente asexuada.

Su vida cobra un giro inesperado cuando Hubert Page (Janet McTeer), un pintor, llega al hotel para efectuar ciertos trabajos y la propietaria del establecimiento (Pauline Collins) determina que Albert comparta con él su habitación. Es ahí que Nobbs debe revelarle su condición femenina y para su gran sorpresa se encuentra con que el recién llegado tampoco es hombre y que incluso llegó a casarse con una mujer. La influencia indirecta de Hubert motiva a que Albert comience a cortejar a Helen (Mia Wasikowska) una joven empleada doméstica del hotel; sin embargo no hay aquí intencionalidad sexual de Nobbs sino más bien un modo de establecer un contacto afectivo.

Además de brindar una buena pintura de época y de la desigualdad sexual que experimenta la mujer, García ofrece un impecable retrato de la soledad que envuelve al personaje central; con todo resulta difícil concebir que Albert pueda disimular su condición por tiempo tan prolongado sin que nadie descubra la superchería.

Más allá del guión que puede despertar cierta incredulidad, el film está pulcramente realizado y evita cualquier desborde emocional; pero, por otra parte, al ser demasiado contenido, le falta un poco de calidez que podría haber mitigado la sensación de frialdad que asoma en el relato. De todos modos, lo más importante de esta película es su prestigioso reparto donde descuellan los talentos de McTeer y Close y la relación que sus personajes establecen.

Conclusión: Un film para el lucimiento de Glenn Close quien fascina caracterizando a una persona impregnada de hondo patetismo y tristeza.

UN CONCIERTO DE LA OM PARA LA JUVENTUD

La Orchestre Métropolitain en colaboración con la Competencia de Música Canadiense (Canadian Music Competition) ofrecerá este viernes 17 de febrero (9h30) un concierto integrado por músicos jóvenes dedicado a la juventud.

Como un modo de estimular a músicos comprendidos entre los 10 y 30 años de edad, la OM tiene como propósito destacar los talentos de esta gente joven a través de la realización de conciertos como el presente. Acompañados por los músicos de la OM y dirigidos por el joven director Daniel Myssyk, este concierto reúne a Tim Brady (compositor y guitarrista), Daniel Clarke Bouchard (piano), Antoine Malette-Chénier (arpa), Étienne Girard (violín) y 27 guitarristas eléctricos de la escuela de enseñanza media Marguerite-De Lajemmerais.

El programa incluye la Suite N°1 Peer Gynt de Grieg, el Concierto N°1 para Piano de Mendelssohn, el Concierto para Arpa en Do mayor de Boieldieu y la Introducción y Rondo Caprichoso para Violín, de Saint-Saéns.

El concierto tiene lugar en la Maison Symponique de Montreal. (www.orchestremetropolitain.com)

EL SEGUNDO FILM DE ORSON WELLES

THE MAGNIFICENT AMBERSONS. Estados Unidos, 1942. Dirección: Orson Welles. Distribución: Warner Home Video (2011).


Comentario de Jorge Gutman

Una nueva edición en video, digitalmente remasterizada, acaba de aparecer de esta película dirigida por Orson Welles. Después del extraordinario suceso artístico obtenido por Citizen Kane (El Ciudadano) -que para muchos historiadores del cine es el mejor film de todos los tiempos-, ha sido enorme la expectativa para ver el segundo largometraje de este excepcional cineasta. Con todo, las vicisitudes experimentadas en su montaje final determinaron que el público no pudiera apreciar el trabajo realizado por Welles.

Como el film concluido por Welles no fue de entera satisfacción por parte de la productora, ante la ausencia de su autor, se encomendó al realizador Robert Wise para que efectuase un nuevo montaje a fin de reducir su duración original de poco más de dos horas. El resultado fue una poda de 42 minutos, con algunas escenas rehechas, sin que Welles tuviera participación alguna; por lo tanto los valores del film están estrechamente ligados a los problemas señalados.

Este drama romántico adaptado por Welles en base a la novela del mismo nombre narra los infortunios económicos experimentados por los Amberson -una familia de alta alcurnia del medio oeste americano de principios del siglo pasado-, debido a malas inversiones realizadas así como a la inhabilidad para adaptarse a los cambios tecnológicos de la época; dentro de ese contexto, se describen las manipulaciones del malcriado y caprichoso joven heredero que se interpone a que su madre viuda

pueda recomponer su vida sentimental con el hombre a quien siempre amó.

Aunque la historia de la magnificencia de los Amberson despierte interés, los obstáculos de edición mencionados contribuyeron a que el relato presente fracturas narrativas y desigualdades de estilo. A su favor cabe destacar sus buenos diálogos, el eficiente elenco integrado por Joseph Cotten, Anne Baxter, Dolores Costello, Tim Holt y Agnes Moorehead, los notables diseños de producción así como su espléndida fotografía.

Tratándose de un film de Orson Welles –a pesar que él terminó renegando del resultado final-, habría sido de gran interés que el DVD estuviese acompañado por material suplementario, pero lamentablemente no existe. La banda audio es en su idioma original inglés o en español, además de contar con subtítulos optativos en español, francés e inglés.

UN BUEN THRILLER DE GERARDO NARANJO

MISS BALA. México, 2011. Un film de Gerardo Naranjo. Elenco: Stephanie Sigman, Noe Hernández, James Russo, José Yenque, Irene Azuela

Comentario de Jorge Gutman

En Miss Bala Gerardo Naranjo aborda la violencia y corrupción imperante en ciertos sectores de la sociedad mexicana donde el crimen organizado de la droga reina por doquier.

Basado en un caso real, el guión del director y de Mauricio Katz narra las vicisitudes atravesadas por Laura (Stephanie Sigman), una bella joven mexicana de 20 y tantos años de edad viviendo en Baja California y que junto a su amiga Suzu (Lakshmi Picazo) desean participar en un concurso de belleza local. Una desafortunada circunstancia quiere que sin sospecharlo y encontrándose en un lugar inoportuno Laura se convierta en la única testigo de una masacre ocasionada por los miembros de un cartel traficante de drogas. Ingenuamente, ella comete el error de contarle el incidente a un agente policial quien a su vez la entrega a Lino (Noe Hernández), el líder de la mafia. Atraído por su presencia física y gustando de Laura, Lino decide utilizarla como cómplice de sus actividades delictivas. De este modo la joven se ve repentinamente envuelta en un mundo corrupto donde sus integrantes la obligan a transportar dinero a través de la frontera para la adquisición de armas; a cambio de su participación, la organización le permite salvaguardar a su padre y hermano de la mugre que la rodea, además de ser coronada reina del certamen debido a las notables influencias de su jefe.

Aunque el tema ya fue tratado en otras oportunidades el film se distingue por su relato bien estructurado, una eficaz dirección escénica, un ritmo narrativo fluido, una buena cuota de suspenso y la inobjetable actuación de un buen elenco donde Sigman se destaca transmitiendo muy bien la vulnerabilidad emocional que su personaje le demanda. Visualmente, el film es impecable gracias a la notable fotografía de Mátyás Erdély que capta y transmite intensamente el cuadro de una anárquica sociedad. Los factores apuntados configuran un producto de calidad artística de importante valor testimonial a la vez que un buen entretenimiento.

Conclusión: Un satisfactorio thriller sobre una triste realidad social, muy bien narrado y con importantes valores de producción.

PROXIMOS CONCIERTOS DE LA OSM

Música Italiana

La Orquesta Sinfónica de Montreal ofrecerá un programa de música italiana con dos conciertos a efectuarse el viernes 10 de febrero (10h30) y el sábado 11 de febrero (20h00), bajo la dirección del maestro invitado Carlo Rizzari.

En el programa se encuentran los poemas sinfónicos Fontane di Roma y Pini di Roma de Respighi, la obertura de la ópera I vespri siciliani de Verdi y arias de óperas de Leoncavallo, Puccini, Verdi y Cilea interpretados por el tenor Marc Hervieux (foto).

Un recital de Menahem Pressler

El pianista Menahem Pressler (foto), miembro fundador del célebre Trio Beaux-arts, llega a Montreal para ofrecer un concierto de música de cámara junto al violinista Alexander R Kerr, el violista Nobuko Imai, y el violoncelista Eric Kim

El programa está integrado por el Cuarteto para Cuerdas N°1, K. 478 de Mozart, Estampas para Piano de Debussy y el Cuarteto para Piano y Cuerdas N°2 de Dvorak. El concierto se efectuará el 16 de febrero (20h00).





Réquiem de Mozart

Una de las obras más emblemáticas de Wolfgang Amadeus Mozart es el Requiem en Re menor, K. 626. Basada en los textos latinos para el acto litúrgico católico, es la decimonovena y última misa escrita por Mozart en 1791, año de su deceso.

Esta obra de gran espiritualidad y testamento musical del genial músico será ejecutada en 4 oportunidades a saber: el 22 (20h00), 23 (20h00) y 25 de febrero (14h00 y 20h00). La OSM será dirigida por el maestro Kent Nagano (foto) y participan como solistas la soprano Kimy Mclaren, la mezzo soprano Anita Krause, el tenor Colin Ainsworth y el barítono Tyler Duncan quienes serán acompañados por el coro de la OSM. El programa se completa con la Sinfonía N°25 K.183 del genial compositor y Le Soleil des eaux, para soprano, coro mixto y orquesta de Boulez

Todos los conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts (http://www.osm.ca/)

LA NOCHE EN BLANCO 2012: LA FIESTA DE LOS TRASNOCHADORES

La 9ª edición de la Nuit blanche à Montréal a efectuarse el sábado 25 de febrero, se emplazará en tres áreas de la ciudad, comprenderá 12 distintos temas con unas 150 actividades gratuitas y facilitará las cosas para quienes quieran desplazarse de un sitio a otro: 4 líneas del metro funcionarán toda la noche y además habrá servicios especiales de buses gratuitos.

Crónica de Sergio Martínez

El Festival Montréal en lumière / Montreal High Lights Festival (Festival de las Luces de Montreal) de cuya programación artística y gastronómica ya informamos en una nota anterior (ver sección Festivales) culmina el sábado 25 de febrero con la 9ª edición de la Nuit blanche (Noche en Blanco), una serie de eventos que tienen lugar desde el anochecer hasta el amanecer del día siguiente siguiendo lo que fuera una iniciativa parisina lanzada en 2002, pero que este año ya se ha extendido a muchas otras ciudades, por cierto incluyendo a Montreal, pero también presente en Bruselas, Riga, Málaga, Miami y más recientemente en Toronto, Leeds, Boloña, Nueva York, Kioto, Washington, Liverpool, Buenos Aires y Halifax.

Entre los espectáculos gratuitos que habrá esa noche puede mencionarse al grupo Bran Van 3000 que estará presentándose en el escenario RBC del Festival Montréal en lumière a las 20 hrs. En el Metrópolis (59 calle Sainte Catherine) habrá un concierto maratónico con una serie de bandas de rock a partir de ls 21 hrs. y hasta las 5 de la mañana. Para los amantes del tanto, un espectáculo llamado Air de tango se desarrollará en el 4324 boul. Saint Laurent entre las 21 hrs y las 3 de la mañana.

Para los que busquen cine, encontrarán algo diferente en la muestra La Elástica, una selección de cortometrajes presentados por L’Alternativa, un festival de cine independiente que tiene lugar en Barcelona. Este evento será desde las 20 a las 3 hrs. en el 4602 boul. Saint Laurent. Para una experiencia inusual de cine y comida, ciné-dinner ofrecerá una selección de filmes locales y de Francia en el Nouveau Palais, 281 Bernard oeste (metro Outremont). El cine fantástico presentado justamente por los organizadores del festival Fantasia, estará presente en el Teatro Maisonneuve desde medianoche hasta las 4 de la mañana. También habrá cine al aire libre en la Place Pasteur, frente al local central de la UQAM en la calle Saint Denis, presentando filmes quebequenses; y para los que no quieran pasar mucho tiempo en el frío, la confortable sala de la Cinémathèque Québécoise (335 boul. De Maisonneuve este, metro Berri-UQAM) ofrecerá las películas belgas C'est arrivé près de chez-vous (Ocurrió cerca de su casa) y Panique au village (Pánico en la aldea) a las 23, 0:30 y 2 hrs. Por su parte la ONF/NFB (1564 Saint Denis, metro Berri-UQAM) presentará una ecléctica mezcla de cine con música electroacústica y cine de animación.

Escena del film belga de animación Panique au village

La Noche en blanco permitirá además disfrutar de exposiciones artísticas, veladas de poesía y cuentos, despliegues de iluminación y proyecciones en edificios, humor, teatro y deporte. La mayoría de estas actividades son gratuitas.

Para una más detallada información sobre los espectáculos y escenarios de la Nuit blanche dirigirse al sitio web http://www.montrealenlumiere.com/ o llamar a los teléfonos 514-288-9955 ó sin cobro desde fuera de Montreal al 1-85LUMIERES.

UNA AUSENCIA EMOCIONAL

IN ABSENTIA. Autor : Morrys Panych. Dirección : Roy Surette. Elenco : Jillian Fargey, Susan Glover, Jade Hassouné, Paul Hopkins y Carlo Mestroni. Decorados y Vestuario : John C. Dinning. Iluminación : Luc Prairie

Por Jorge Gutman

La compañía del Teatro Centaur ha estrenado en primicia mundial In Absentia, la nueva obra de Morrys Panych. Este autor canadiense, que además es un reconocido actor y director teatral, ha logrado con sus trabajos anteriores un singular suceso de crítica y público; en esta oportunidad ratifica sus condiciones de experto dramaturgo al abordar el tema de la ausencia como metáfora de la muerte. Su planteo es establecer qué es lo que queda para quienes sobreviven a los seres que amaron y que aunque ya no estén físicamente presentes siguen manteniendo una influencia permanente en sus vidas.

A través de una estructura fragmentaria, el relato enfocado por Panych es audaz en su concepción y tratamiento, adoptando la forma de un misterio no resuelto. Gran parte del mismo está basado en reflexiones y pensamientos interiores que motivan a que los diálogos cedan espacio a los monólogos del personaje protagónico.

Es invierno y en su chalet de montaña rodeado de nieve Colette (Jillian Fargey), una mujer ya acercándose a los 40 años y casada con Tom (Paul Hopkins), vive la incertidumbre de no tener noticias de su marido; él es un ingeniero químico que partió en un viaje de negocios a Colombia y que después de un año de ausencia aún no ha regresado al hogar; todo hace suponer que ha sido secuestrado y su mujer sigue aguardando ansiosamente su retorno. Cuando la obra comienza, ella se encuentra en presencia de un enigmático personaje de escasos 20 años de edad que dice llamarse Jasper (Jade Hassouné) y a quien le ofrece un temporario albergue dada las condiciones inclementes del tiempo. Sin embargo, esa visita se va extendiendo y un raro lazo de conexión emocional y mística une a la anfitriona con su huésped; de alguna manera Colette lo identifica con su marido que a pesar de estar ausente adquiere una presencia fantasmagórica vigilando sus actos y observando lo que está sucediendo.

Para matizar el relato, el autor introduce dos personajes más. Uno de los mismos es Evelyn (Susan Glover), la hermana mayor de Colette, que ve con desconfianza la presencia del extraño huésped; el otro es Bill (Carlo Mestroni), un vecino que se siente atraído por Colette aunque ella no demuestre interés por él. A través de ambos personajes, el autor introduce algunas notas de humor que permiten atenuar el clima dramático de la historia.

Panych ha logrado crear una obra en donde el sentimiento de dolor se aúna al contenido poético que emerge del texto; todo ello dentro de un aura de misterio muy bien logrado en la figura de Jasper donde nunca se llega a saber con precisión si se está en presencia de un farsante, un fabulador de historias o alguien que realmente dice lo que piensa.

Las interpretaciones son irreprochables, especialmente la de Fargey transmitiendo las múltiples facetas de una mujer de extrema fragilidad frente a la situación que le toca vivir, así como la de Hassouné que perfectamente proporciona la ambigüedad que su personaje requiere, actuando como un catalizador de la angustia que experimenta Colette.

Aunque por lo general Panych dirige sus propias obras, en esta oportunidad permitió que Roy Surette lo reemplazara. A decir verdad y dada la relación profesional existente entre ellos por más de 30 años, no cabe duda que Surette está perfectamente compenetrado de lo que el autor quiso expresar. Su puesta en escena es magnífica al lograr un perfecto equilibrio de interacción entre sus personajes, sobre todo por enfocar con claridad el pensamiento introspectivo del personaje central a través de sus monólogos así como las diferentes apariciones que realiza el marido ausente. Finalmente y dada la naturaleza del relato es loable el trabajo de iluminació de Luc Prairie.

Dicho lo que antecede, In Absentia es una obra madura que gratifica a su audiencia. Sigue en cartel hasta el 4 de marzo en el teatro Centaur.

RECITAL DEL VIOLISTA ANTOINE TAMESTIT

Para el primer concierto de este año Ladies Morning Musical Club (LMMC) ha invitado al violista francés Antoine Tamestit quien hace su debut para esta agrupación. El joven músico alcanza notoriedad internacional en 2000 al obtener el primer premio en el concurso musical Maurice Vieux y posteriormente en el concurso William Primrose en 2001. De allí en más seguirá logrando otras importantes distinciones a nivel mundial. Su repertorio se extiende desde la música barroca hasta la contemporánea.

Acompañado de una viola Stradivarius de 1672, prestado por la fundación Habisreutinger, Tamestit ofrecerá un recital integrado por la Sonata en Mi bemol mayor, Op. 120 N°2 de Brahms, Märchenbilder, Op. 113 de Schumann y la Sonata Op. 147 de Shostakovich. Tamestit será acompañado por el pianista alemán Markus Hadulla.

El concierto se efectuará en la salla Pollack el domingo 12 de febrero (15h30). Para información adicional, el sitio de internet es http://www.lmmc.ca/

LISE DE LA SALLE Y EL CUARTETO HAGEN

La organización musical Pro Musica ofrece dos conciertos durante el mes de febrero. El primero de los mismos cuenta con la participación de la joven pianista francesa Lise de la Salle quien visitó Montreal en 2007 causando una impresión muy favorable. Durante estos últimos años, con una carrera prodigiosa, de la Salle de 22 años consolidó su personalidad artística en las más grandes salas de Europa, Estados Unidos y Asia.

En esta oportunidad ofrecerá un recital integrado por Miroirs y Sonatine de Ravel, 4 Preludios de Debussy y los Estudios Sinfónicos, Op. 13 de Schumann.

El recital tiene lugar el lunes 6 de febrero (20h00) en la Maison Symphonique de la Place des Arts.

El segundo concierto ofrecido por Pro Musica tiene lugar el 27 de febrero (20h00) con la presentación del Cuarteto de Cuerdas Hagen. Este conjunto fundado en 1981, logró importantes éxitos internacionales en diferentes concursos para cuarteto de cuerdas. A lo largo de estos 31 años, el grupo tuvo oportunidad de colaborar con músicos de renombre mundial como es el caso de Maurizio Pollini, Krystian Zimerman, Nikolaus Harnoncourt y Heinrich Schiff, entre otros.

Los integrantes de este conjunto además de su presentación en conciertos han registrado alrededor de 50 discos con el famoso sello “Deutsche Grammophon” y también se han desempeñado como profesores en el Mozarteum de Salzburgo, en la Academia de Basilea y en otras prestigiosas instituciones internacionales ofreciendo clases magistrales.

El Cuarteto Hagen ejecutará el Cuarteto en Fa menor, op. 95 de Beethoven, el Cuarteto Op. 33 N°2 de Haydn, y el Cuarteto en Re mayor K. 575 de Mozart.

Este concierto también se efectuará en la Maison Symphonique. Información adicional se puede obtener visitando http://www.promusica.qc.ca/

UN RELATO DE SUPERVIVENCIA MUY BIEN HECHO

THE GREY. Estados Unidos, 2012. Un film de Joe Carnahan. Elenco: Liam Neeson, Frank Grillo, Dermot Mulroney, Dallas Roberts, Joe Anderson, Nonso Anozie, James Badge Dale.

Comentario de Jorge Gutman

Al ver The Grey inmediatamente surge el recuerdo de un trágico accidente que tuvo lugar en octubre de 1971; en esa ocasión, un avión de la Fuerza Aérea de Uruguay conduciendo a 40 pasajeros –integrados mayoritariamente por estudiantes uruguayos de un equipo de rugby- y 5 tripulantes se había estrellado en la Cordillera de los Andes a 3500 metros de altura. Los 27 sobrevivientes tuvieron que enfrentarse a las duras inclemencias del tiempo imperante en las montañas congeladas hasta que 72 días después el mundo tuvo noticias de ellos. La película de Joe Carnahan enfoca una historia similar pero en un relato de ficción.

Basado en Ghost Walker, un cuento de Ian Mackenzie quien es también autor del guión escrito junto con el director, se centra en un grupo de trabajadores de una compañía refinadora de petróleo ubicada en una alejada zona de Alaska donde Ottway (Liam Neeson), uno de los empleados, se ocupa de proteger a los restantes de cualquier peligro que pudieran ofrecer los animales salvajes del área. Cuando estos trabajadores están regresando a sus hogares en un vuelo aéreo, una fuerte tormenta hace que el avión se estrelle en las laderas montañosas donde todos perecen, con excepción de 8 personas incluyendo a Ottway que milagrosamente se salvan. Aunque el cine haya ofrecido en numerosas oportunidades accidentes aéreos, en este caso es encomiable y terrorífico contemplar el realismo de lo que se vive en el interior del aparato poco antes de la tragedia.

A primera vista, uno aguarda un relato de aventuras sobre cómo sobrevivir. Algo de eso hay pero descripto de un modo totalmente fidedigno en un film que dista parecerse a los típicos relatos de acción. La excelente actuación de Neeson permite que su personaje se transforme de la manera más natural posible en líder del pequeño grupo a través de una combinación perfecta de cierta autoridad mezclada de persuasión y madurez. Desde el primer instante en que asiste a un moribundo en sus últimos minutos de vida hasta lo que seguirá después, Ottway sabe cómo desenvolverse en el contexto de la realidad que lo circunda donde a la inhóspita soledad de la región se agrega la amenaza de temibles lobos depredadores.

Carnahan convirtió una historia aparentemente simplista en un intenso drama en el que el individuo debe enfrentarse con las difíciles situaciones que ofrece la naturaleza, apelando a los más ingeniosos recursos para tratar de seguir viviendo. Gracias a personajes muy bien delineados, el espectador convive permanentemente con la suerte que van experimentado los personajes; así y a lo largo de dos horas, que de ningún modo se hacen sentir, se acopla al grupo siguiendo el derrotero de una ruta plagada de peligros donde los temibles lobos comienzan a cobrar vidas de algunos de los forzados expedicionarios.

Frente a la intriga de saber qué es lo que acontecerá con cada uno de los que van sobreviviendo, el relato introduce momentos de tensión cuando uno de sus integrantes (Frank Grillo) se dispone a desafiar la natural autoridad de Ottway; tampoco están ausentes los momentos íntimos cuando en los instantes de vigilia nocturna reunidos en torno al fuego, surgen conversaciones personales de los integrantes del grupo quienes frente a un incierto futuro se solazan relatando episodios en donde quedan reflejados los lazos familiares; en tal sentido, en forma intermitente y tratando de no desesperar, los recurrentes recuerdos que Ottway tiene de su esposa (Anne Openshaw) le brindan necesaria fortaleza para seguir adelante.

El film está maravillosamente filmado con la fotografía de Masanobu Takayanagi captando la belleza y majestuosidad de la agreste naturaleza que es un personaje fundamental en esta historia. Al propio tiempo cabe mencionar la presencia de los salvajes lobos gracias al efecto logrado por la eficiente combinación de títeres, imágenes logradas por computación y animales amaestrados.

Conclusión: Una historia de supervivencia en un thriller introspectivo e inteligentemente realizado.

FESTIVAL DE LAS LUCES DE MONTREAL: CUANDO EL FRÍO NO ES OBSTÁCULO

Música clásica, popular, jazz, teatro y fiesta gastronómica, y a pesar del frío, en la calle programación exterior gratuita ofrecerá algo para todos los gustos

Crónica de Sergio Martínez

Difícil resultará imaginarse para quienes no tengan la experiencia canadiense, que con temperaturas bordeando los 12 grados bajo cero a alguien se le ocurra organizar un festival que tenga lugar en la calle, con kioscos y espectáculos en escenarios al aire libre. La idea podría parecer una locura, pero es exactamente lo que la productora Spectra—el mismo equipo que en el verano nos trae el Festival Internacional de Jazz de Montreal y las Francofolies—se ha dispuesto a hacer en pleno febrero, es decir cuando el invierno canadiense está aun en pleno apogeo.

Una difícil apuesta, uno podría decir. En sus comienzos, como podemos recordar los que hemos cubierto este evento desde que se lanzó hace ya trece años, y como era por lo demás natural, los organizadores tuvieron algunas aprensiones y las actividades exteriores se limitaban a unas pocas en torno a braseros especialmente instalados donde uno podía consumir salchichas y vino caliente, eso aparte de actividades propiamente adecuadas para el clima, como el tobogán de hielo desde un comienzo muy popular entre niños y jóvenes y que originalmente se instalaba en el sector del Viejo Puerto. Este año sin embargo los organizadores se han decidido a lanzarse “con todo”: no sólo los tradicionales eventos en torno a puntos cálidos para capear el frío, sino derechamente la instalación de escenarios con espectáculos en vivo para—lo que se espera—sea un público numeroso y lo suficientemente audaz como para desafiar las bajas temperaturas.

Al revés de los otros festivales que organiza Spectra, el Festival Montreal en Lumière / Montreal Highlights Festival (Festival de las Luces de Montreal se podría traducir en español) ofrece un carácter ecléctico en que se muestran espectáculos de música popular y clásica, jazz y música de otras culturas como el tango y el flamenco; además contiene una parte de teatro, espectáculos para niños y fuera del ámbito propiamente escénico, también una siempre interesante muestra gastronómica que generalmente resalta la cocina de algún país o región, este año se ha enfocado la creación culinaria de la región francófona de Bélgica (Walonia y Bruselas). También, como es habitual, se resaltarán los vinos de una región, en este caso del estado de Washington en Estados Unidos.

EN SALA
Los espectáculos en sala constituyen la parte fuerte del festival, en este caso cabe resaltar los conciertos que marcarán el comienzo y el final del evento: el ejecutante de armónica Toots Thielemans, que ya estuvo en la edición de 1986 del Festival de Jazz estará dando marcha inaugural al evento el 16 de febrero a las 20 hrs. en el Teatro Maisonneuve. La clausura del evento tendrá lugar el domingo 26 de febrero en la Maison Symphonique de Montreal con un especial homenaje a Jacques Brel que contará con la presencia entre otros de Bïa, Bruno Pelletier, Diane Tell, Luc de Larochellière, Marc Hervieux, Marie-Élaine Thibert, Paul Piché, Pierre Flynn, Pierre Lapointe y Benoît Sarrasin al piano.

Para el público que guste de los ritmos latinos el Sexteto Tango Pasión bajo la dirección de Juan Carlos Zunini estará de retorno en Montreal con actuaciones entre el 23 al 25 de febrero a las 19:30 hrs. en el Teatro Maisonneuve.

Por su parte el grupo Tradición Flamenca presentará su espectáculo Paseando por Andalucía en una sola presentación el 16 de febrero a las 19 hrs. en Le Balcon Cabaret Music Hall (304 calle Notre Dame Este, metro Champ de Mars).

En ese mismo lugar se presentará el espectáculo Tango Nocturno el día 23 de febrero a las 19 hrs.

Por su parte los amantes del jazz encontrarán solaz en las presentaciones del dúo de Al Di Meola los días 23 y 24 de febrero a las 20 hrs. en la sala Astral (305 Sainte Catherine oeste, metro Place des Arts) y en el espectáculo Mardi gras, carnaval de la Nouvelle-Orléans con Dixieband el 24 de febrero a las 20:30 hrs. en Le Balcon Cabaret Music Hall.

EN LA CALLE
Para quienes no quieran o no puedan adquirir billetes para los espectáculos pagados, Montréal en Lumière ofrece la posibilidad de disfrutar de espectáculos gratuitos en el escenario montado en torno a la Place des Arts. Entre esos espectáculos cabe mencionar a los intérpretes de música tradicional La bottine souriante que estarán el 18 de febrero a las 20 hrs. en el escenario RBC. En el mismo lugar estará el grupo quebequense The Box el día 24 de febrero y la banda Bran Van 3000 el 25 de febrero, entre otros grupos y solistas.

El tradicional tobogán de hielo estará instalado en la explanada de la Place des Arts para delicias de chicos y jóvenes y para quienes quieran bailar, la Boîte Bell Télé Fibe estará presentando cada día a diversos DJs.

LA GASTRONOMÍA
El aspecto culinario fue desde un comienzo uno de los elementos centrales de este festival. Este año se remarca la gastronomía de la región walona de Bélgica, pero además habrá chefs invitados de la ciudad de Seattle (EE.UU.) y de la región de la Outaouais de la provincia de Quebec. Como siempre también habrá degustaciones de quesos de la provincia y de chocolates. La parte vinícola estará dedicada esta vez a los vinos del estado de Washington, no muy conocidos en Montreal, pero que probablemente valga la pena conocer esta vez.

Montreal en Lumière se desarrolla este año entre el 16 y el 26 de febrero y para tener una información más detallada de los eventos, artistas y precios de cada espectáculo se puede recoger los programas gratuitos que ya están disponibles en las tiendas de la SAQ, la Place des Arts y otros lugares, o visitar el sitio web del festival: http://www.montrealenlumiere.com/