MOVIES AT LA PLAZA—Anselm: An artist difficult to categorize

Film Review by Sergio Martinez

Anselm-Le bruit du temps (Anselm-The Sound of Time), Wim Wenders' recent film released in Montreal, is a documentary about Anselm Kiefer, a German artist who is somewhat difficult to categorize. At the beginning of the film, we see him engaged in burning the surface of panels to present an image that defies definition. Is it a commentary on the destruction that dominated the post-war German landscape, the period in which the filmmaker and the artist who is the subject of the documentary grew up? It can be said that these postwar images greatly shape Anselm's work. We see that both his paintings and his female sculptures seem to be deliberately missing parts, such as the half-ruined buildings in the devastated post-war German cities.

The opening scene 

If cataloguing Anselm Kiefer's art is difficult, Wender admits that so is a film about the artist. "Have we really made a documentary?" he asks. He then alludes to other projects such as Pina or Buenavista Social Club, films in which the same question could also be asked. Later in his presentation of the film, Wender tries to elucidate this doubt, after affirming that it is indeed a documentary because of the elements and the form that the film has, he adds: "Yes, that is what is done in a documentary. But we also invent scenes from Anselm's childhood and immerse ourselves in his story. In doing so, we blur the boundaries between past and present. We took this freedom because, in the face of art, you have to assert your own freedom, otherwise, you don't participate in the transcendence before us."

In his workshop

For those who have not had much background on Anselm Kiefer's work, Wender's documentary will introduce them to his world in multiple ways and messages. In this sense, the German filmmaker performs a rescue task, as he did before with the old Cuban performers of Buenavista Social Club, bringing his art to a more massive audience.

As for the references to Anselm's childhood and the images of war-torn Germany, they provide a very effective element to place the viewer in the context of the artist's work.  At one point Kiefer says, "Childhood is an empty space, like the beginning of the world."  In these forays into the past, Wender's intention seems to be to engage in a shared investigation between the artist and the viewers who are discovering his work.

Strange sculptures

This is a documentary film that, pleasantly, provides a quite deep vision of Anselm Kiefer's art. Recommended especially for those interested in modern art.

Running time: 93 min.

CINE EN LA PLAZA—ANSELM: UN ARTISTA DIFÍCIL DE CATALOGAR

Comentario de Sergio Martínez

Anselm—Le bruit du temps (Anselm—El sonido del tiempo) el reciente film de Wim Wenders estrenado en Montreal, es un documental sobre Anselm Kiefer, un artista alemán que resulta un tanto difícil de catalogar. Al comienzo de la película lo vemos empeñado en quemar la superficie de unos paneles con el fin de que luego presenten una imagen que desafíe la definición. ¿Es un comentario sobre la destrucción que dominaba el paisaje alemán de la postguerra, el período en que ambos, el realizador y el artista objeto del documental crecieron? Se puede decir que la obra de Anselm está grandemente marcada por esas imágenes de postguerra. Vemos que tanto a sus pinturas como en sus esculturas femeninas parece que deliberadamente le faltaran partes, como los edificios semiderruidos en las devastadas ciudades alemanas de postguerra.

Una de las escenas del inicio
de la película

Si catalogar el arte de Anselm Kiefer es difícil, Wender admite que también lo es el film sobre el artista. “Hemos hecho verdaderamente un documental?” se pregunta. Alude en seguida a otros proyectos como Pina o Buenavista Social Club, películas en las cuales también cabía hacerse la misma pregunta. Más adelante en su presentación del film, Wender trata de dilucidar esa duda, después de afirmar que en efecto se trata de un documental por los elementos y la forma que el film tiene, agrega: “Sí, eso es lo que lo que se hace en un documental. Pero también inventamos escenas de la infancia de Anselm y nos sumergimos en su historia. Al hacerlo, borramos los límites entre el pasado y el presente. Nos tomamos esta libertad porque, ante el arte, tienes que afirmar tu propia libertad, de lo contrario no participas en la trascendencia que tenemos ante nosotros”.

Anselm Kiefer en su taller 

Para quienes no hubieran tenido mayores antecedentes sobre la obra de Anselm Kiefer, el documental de Wender, los introducirá en su mundo de múltiples formas y mensajes. En este sentido, el realizador alemán hace una tarea de rescate, como antes hizo con los viejos intérpretes cubanos de Buenavista Social Club, llevar su arte a un público más masivo.

En cuanto a las referencias a la infancia de Anselm y las imágenes de la Alemania devastada después de la guerra, ellas proveen un elemento muy efectivo para situar al espectador en el contexto del trabajo del artista.  En un momento Kiefer dice: “La infancia es un espacio vacío, como el comienzo del mundo”.  En estas incursiones en el pasado, la intención de Wender pareciera ser la de emprender una investigación compartida entre el artista y los espectadores que van descubriendo su obra.

Esculturas un tanto desconcertantes

Se trata de un film documental que, en una forma amena, entrega una visión bastante profunda del arte de Anselm Kiefer. Recomendable especialmente para quienes se interesen en el arte moderno.

Duración: 93 min.

FESTIVAL DE DOCUMENTALES ¿REDEFINIENDO EL GÉNERO?

Comentario de Sergio Martínez

La 26ª edición del Festival Internacional de Documentales de Montreal (Rencontres internationales du documentaire de Montréal) llegó a su fin este pasado domingo 26 de noviembre con la entrega de premios y los habituales balances sobre la muestra. Tratándose de un evento de carácter competitivo, también hubo la entrega de galardones.

Knit's Island (La isla de Knit)

En la categoría de largometraje internacional, el Gran Premio fue para el film Knit’s Island (La isla de Knit), dirigido por Guilhem Causse, Ekiem Barbier y Quentin L’helgoualc’h (Francia). El Premio del Jurado fue adjudicado a Crowrã dirigido por João Salaviza and Renée Nader Messora (coproducción Brasil- Portugal). Una Mención Especial fue acordada para This Woman de Alan Zhang (China, Malasia).

En los largometrajes nacionales, la película ganadora fue While the Green Grass Grows de Peter Mettler (coproducción Canadá-Suiza). El Premio especial del Jurado fue para Má Sài Gòn (Mother Saigon) de Khoa Lê (provincia de Quebec, Canadá).

El premio de Nuevas Visiones fue para el film Meezan de Shahab Miha
ndoust (coproducción Canadá-Irán).

While the Green Grass Grows
(Mientras crece el verde pasto)

En la categoría de corto o medio metrajes internacionales la ganadora fue Ever Since, I Have Been Flying de Aylin Gökmen (Suiza) y se dio una mención especial a Aqueronte del director Manuel Muñoz Rivas (España).  Jill, Uncredited de Anthony Ing (Canadá-Reino Unido) fue el film ganador en la categoría nacional. Un premio especial fue concedido a Holiday Native Land by Nicolas Renaud and Brian Virostek (provincia de Quebec, Canadá).

La Guardia Blanca de Julien Elie (provincia de Quebec, Canadá) ganó el premio Magnus-Isacsson, este film también ganó el premio del jurado estudiantil. Éviction de Mathilde Capone (provincia de Quebec, Canadá) se adjudicó el premio del público.

El Premio del Recambio discernido por Radio Canadá fue para Where Motion Has Not Yet Ceased (Canadá- República Checa).

REDEFINIENDO EL GÉNERO

Éviction

Algunas de las películas que tuve ocasión de ver hacen reflexionar sobre si en la producción de ciertos documentales en verdad se está estrechando el límite con la ficción. En algunos casos eso puede ocurrir de un modo positivo, como búsqueda dramática, para acentuar ciertos aspectos del propósito de ‘documentar’, tal fue el caso del film canadiense Mademoiselle Kenopsia dirigido por Denis Coté, el cual en cierto modo es una película onírica, en el sentido de documentar no una particular realidad, sino más bien la imaginación y sueños de la protagonista.

En otro caso, el del film español A House for Wandering Souls, centrado en el reencuentro del cineasta con su abuela y el entorno de las tradiciones de su pueblo también se mueve más allá de lo estrictamente documental y entra de algún modo en el mundo subjetivo de sus protagonistas.

Sin embargo, no todas estas búsquedas que estiran el significado del documental son exitosas. Uno de los requisitos para que un suceso sea un tema de legítimo interés, es que sea relevante más allá de sus protagonistas; si no se tratará simplemente de una película de familia, sin mayor valor ni estético ni temático. Este fue, lamentablemente, el caso del film Aqueronte del director Manuel Muñoz Rivas, quien con su testimonio del cruce en un ferry intentaba retratar algo de los pasajeros, que no queda bien definido.

Sin embargo, el peor ejemplo de ese afán de rediseñar el cine documental, pero haciéndo
lo en cambio irrelevante en su temática, fue el mediometraje Cold and Dark (Frío y oscuro) coproducción eslovaca-canadiense dirigida por Peter Hoštak. Ambientado en el campo eslovaco, intenta mostrar las vicisitudes de recolectores de leña, pero en su afán de darle un cierto tono de cine de ficción, incluye largas escenas de los hombres bebiendo y una escena particularmente innecesaria, la del noble caballo Kubo, defecando. Si se lo quería homenajear por su dedicado trabajo acarreando los maderos, esa escena lo malogra todo.

Probablemente este estirar la definición del documental hasta incluir elementos de cine de ficción se seguirá dando, lo importante es que no se deje de lado la misión esencial del género, que es la de intentar retratar hechos de la vida real sin aditamentos.

CINEMANIA: ALGO DE LO MEJOR

Comentario de Sergio Martínez

Entre el 1º y el 12 de noviembre se desarrolló la 29ª edición de Cinemania, el festival de cine francófono de Montreal, que este año tuvo como país invitado a Suiza. Aunque casi la totalidad de las películas presentadas este año tenían subtítulos en inglés en cumplimiento con la propuesta de su fundadora, Maidy Teitelbaum, de acercar a las “dos soledades” lingüísticas de la provincia, el catálogo del festival sólo contenía descripciones de los filmes en francés. Esperamos que en ediciones futuras se repongan las descripciones bilingües ya que ello facilita el acceso del público a la información sobre el festival.

LOS PREMIADOS

Los principales galardones de este festival fueron para los siguientes filmes:

Le Procès Goldman (El proceso Goldman) de Cédric Kahn (Francia) que obtuvo el premio al mejor film; Quitter la nuit (Dejar la noche) de Delphine Girard (coproducción Bélgica-Canadá-Francia) que ganó el premio del jurado. El premio de actuación fue para Jeanne Balibar por su rol en Laissez-moi (Déjame) de Maxime Rappaz (Suiza-Francia-Bélgica); en tanto que el premio al mejor guión fue para Sofia Alaoui por Animalia (Francia-Marruecos).

El premio transversal para películas de la francofonía y de Quebec fue para la realizadora Paloma Sermon-Daï (Il pleut dans la maison). En la categoría de filmes de Quebec, los premios fueron para la cinta Le successeur de Xavier Legrand; y mejor guión para Delphine Girard por Quitter la nuit.

ALGO DE LO MEJOR

Escena del film Rosalie

A modo de juicio personal puedo decir que el film que me gustó más fue Rosalie de Stéphanie De Giusto (Bélgica-Francia), ambientado en una pequeña aldea rural de Bélgica donde un hombre sencillo, pero endeudado, logra casarse en lo que es más una transacción comercial que él hace con el padre de una chica –Rosalie-- a la que ni siquiera conoce. A poco andar de su matrimonio, el marido se encontrará con una sorpresa que lo pondrá en un difícil dilema.

También fue interesante el documental L’Océan vu du coeur (El océano visto desde el corazón) de Iolande Cadrin-Rossignol y Marie-Dominique Michaud (Canadá). Una cinta que explora la situación de sobreexplotación de la pesca y otros problemas que afligen a los océanos y sobre los cuales –a pesar de lo socorrido del tema medio ambiental—no tiene aun una adecuada respuesta.

El tema de la sobreexplotación de los mares
en el film L'Océan vu du coeur

MOVIES AT LA PLAZA: THE DELINQUENTS -- The Unexpected Move

Movie Review by Sergio Martinez

Under the direction of Rodrigo Moreno, this Argentinean film (in co-production with Chile and Luxembourg) presents us with the story of two bank employees, Morán (Daniel Elias) and Román (Esteban Bigliardi) whose names, as can be seen, are very similar and use the same letters, which is called an anagram. Somehow, their personalities also have some similarities, neither of them seems particularly happy in their work, although they also have their differences, Morán projects a more formal image: impeccable in his dress and appearance, he seems to live relatively comfortably in his single man's apartment. Roman, on the other hand, is married, but his appearance denotes a less happy state than that of his colleague.

Morán (Daniel Elias) projects the image
of a typical bank employee

Everything will change when Morán summons his colleague to a meeting to propose an idea that Román, at first, rejects outright: to agree to keep a bag containing a very large amount of money that, according to Morán, will allow them to live well and without working for 25 years. Morán, until then a reliable bank employee, has taken advantage of his free access to the bank's vault to extract a large amount of dollars. Moran, who has already planned everything, will turn himself in to the police, and serve a sentence of approximately three and a half years and after that, he and his partner will be able to enjoy the money. The perpetrator of the scheme makes it clear to his colleague that if the latter refuses to keep the bag, he will tell the police that Roman was also his accomplice in the robbery. With no other choice, Roman accepts the deal.

At first, Román (Esteban Bigliardi) was reluctant
to go along with Moran's scheme

Prison, however, holds some unpleasant surprises for Morán: as a result of extortion he has been subjected to by one of the thugs controlling the prison, he must contact Román to wire a certain amount to the guy who has threatened him. While everyone in the bank is now under suspicion, including Roman himself, who in turn has problems with his wife, things seem to be about to get complicated. Román has hidden the money in a secret place suggested by his accomplice, but near that place, he meets Norma (Margarita Molfino) and this will change his life, although only for a short time. When Morán is finally released, we will find a bond, due to a move that each of them made at a certain moment, that connects the two banking colleagues in an unexpected dimension and that will alter the plans that both of them might have had.

At the bank now, everyone is a suspect

It is an interesting plot, beyond the implausibility of the events, with a dynamic narrative, although some scenes could have been shorter, with a cinematography that makes good use of the outdoor scenes. We recommend this film especially to those who are looking for a story with somewhat absurd elements, but that leaves room for some reflections on the crushing routine of an alienating job, and that moves well between its comedy and drama aspects.

Running time: 190 min.

CINE EN LA PLAZA: LOS DELINCUENTES — La movida inesperada

Comentario de Sergio Martínez

Bajo la dirección de Rodrigo Moreno, este film argentino (en coproducción con Chile y Luxemburgo) nos presenta la historia de dos empleados de banco, Morán (Daniel Elias) y Román (Esteban Bigliardi) cuyos nombres, como puede verse, son muy parecidos y utilizan exactamente las mismas letras, lo que se llama un anagrama. De alguna manera, sus personalidades tienen también algunas similitudes, ninguno de los dos parece particularmente contento en su trabajo, aunque, y aquí sus diferencias, Morán proyecta una imagen más formal: impecable en su vestimenta y apariencia, parece vivir relativamente confortable en su departamento de hombre soltero. Román, por su parte, es casado, pero su apariencia denota un estado menos feliz que el de su colega.

Morán (Daniel Elias) es un empleado bancario
que sigue una vida rutinaria

Todo cambiará cuando Morán cita a su colega a un encuentro para proponerle una idea que Román, de primera, rechaza de plano: aceptar guardar un bolso que contiene una cantidad millonaria de dinero que –según le dice Morán— les permitirá vivir bien y sin trabajar por 25 años. Morán, hasta entonces confiable y cumplidor empleado del banco, ha aprovechado su libre acceso a la bóveda del banco para extraer una cuantiosa cantidad de dólares. Morán, que ya ha planeado todo, se entregará a la policía, servirá una pena de aproximadamente tres años y medio y después de eso podrá, él y su compañero, disfrutar del dinero. El autor del esquema deja en claro a su colega que de negarse éste a guardar el bolso, le dirá a la policía que Román fue también su cómplice en el robo. Sin otra opción, Román acepta el trato.

Román (Esteban Bigliardi) se verá envuelto
en el esquema ideado por su colega

La cárcel, sin embargo, aguarda ciertas desagradables sorpresas para Morán: como resultado de una extorsión a la que ha sido sometido por uno de los matones que controla la prisión, debe contactar a Román para que gire una cierta cantidad al tipo que lo tiene amenazado. Mientras en el banco ahora todos están bajo sospecha, incluyendo al propio Román, quien a su vez tiene problemas con su mujer, las cosas parecen estar a punto de complicarse. Román ha ocultado el dinero en un sitio secreto sugerido por su cómplice, pero cerca de ese lugar conoce a Norma (Margarita Molfino) y ello cambiará su vida, aunque por poco tiempo. Cuando Morán finalmente sale en libertad encontraremos un lazo, debido a una movida que cada uno de ellos hizo en un momento, que conecta a los dos colegas bancarios en una dimensión inesperada y que alterará los planes que ambos pudieran tener.

Ahora todos los empleados están
bajo sospecha

Se trata de una trama interesante, más allá de lo implausible de los sucesos, con una narrativa dinámica, aunque algunas escenas pudieron haber sido más cortas, con una fotografía que saca buen partido de las escenas en el medio rústico. Recomendamos este film especialmente a quienes busquen una historia con elementos un tanto absurdos, pero que deja espacio para ciertas reflexiones sobre la rutina aplastante de un trabajo alienante, y que transita bien entre sus aspectos de comedia y drama.

Duración: 190 min.

 

FESTIVAL DU NOUVEAU CINÉMA EN UN TIEMPO DE TRANSICIÓN

Comentario de Sergio Martínez

Luego de la desaparición del Festival de Filmes del Mundo (FFM)—un hecho en que las culpas se repartieron entre los burócratas de la SODEC y Telefilm Canada, y el propio mandamás del otrora glorioso festival, Serge Losique—los comentaristas y seguidores del cine en Montreal se preguntaban sobre cuál de los festivales existentes ocuparía el lugar que había tenido el otrora venerable festival del Teatro Imperial. El Festival du Nouveau cinéma era uno de los candidatos a suceder al fenecido FFM, también Fantasía. Otros como el FIFA o Cinemania se descartaban porque se trata de eventos con un foco bien preciso y limitado: uno al arte (y espero que en algún momento le cambien ese ridículo nombre que lo vincula al órgano que regula el fútbol a nivel mundial) y el otro al cine francófono.

Sin embargo, a este momento lo más probable es que Montreal no tendrá un sucesor del FFM, el Festival du Nouveau cinéma en esta reciente edición ha confirmado que tiene una identidad diferente, algo a lo que siempre aspiró y eso es bueno; pero ciertamente no tiene la vocación de amplitud de enfoques que tenía el FFM. Esa identidad es no tanto quizás como “nuevo cine” en algún sentido de búsqueda formal o de foco temático, sino más bien como una plataforma para un cine de corte alternativo que no siempre llega a las pantallas de exhibición comercial. También como un lugar para que jóvenes cineastas expongan nuevas tendencias o para dar tribuna a un cine de carácter experimental. Nótese, sin embargo, que cine realizado por “nuevos alquimistas” como los llama el propio Festival y cine experimental, no garantizan necesariamente un buen cine. Como siempre ha sido, sea que se hagan películas de un modo convencional o buscando nuevas avenidas narrativas o temáticas, en el análisis final lo que cuenta es si se trata de buen o mal cine, o cine merecedor de calificaciones intermedias, por cierto.

En cuanto al lugar de este Festival en el ámbito de los festivales de Montreal, tal vez lo que corresponda es simplemente situarlo como un evento—por cierto, con una respetable trayectoria—que busca mostrar las nuevas tendencias del cine tanto nacional como mundial, un trabajo que hace razonablemente bien, agregaríamos. Por otro lado, y para ser franco, no llega a llenar el espacio dejado por la desaparición del FFM. Pero, por último, a lo mejor en Montreal estamos bien así. Ni Fantasía, ni menos FIFA, cumplen tampoco los requisitos para ser ‘el festival de cine’ de la ciudad, al modo como lo fue el FFM o como es el TIFF (Toronto International Film Festival) en la principal metrópolis del país. Entonces la pregunta a hacerse ¿es que necesitamos en Montreal un tal evento? A lo mejor no.

Estos festivales que cubren ciertos nichos y por tanto apelan a audiencias específicas cumplen un interesante rol también. Fantasía con su foco en el cine de terror, fantástico, de ciencia-ficción, con especial énfasis en la producción asiática y con una notable cobertura del cine de animación, especialmente japonesa, es tal cual es, un evento de gran impacto. El Festival du Nouveau cinéma, con las características que ya reseñamos también hace su aporte a la escena fílmica local. Y así también lo hacen FIFA con sus películas sobre arte, Cinemania con el cine francófono, el siempre interesante Festival del Documental (RIDM, por su acrónimo francés), y por cierto los variados festivales que dan a conocer las producciones de distintas regiones del mundo: el Festival de Cine Latinoamericano, obra del incansable Roland Smith, y los festivales de cine italiano, árabe, israelí, africano, haitiano, brasileño, québécois, de las primeras naciones canadienses, y otros.

En este sentido entonces, asistimos a una transición en que los que se posicionen como eventos icónicos del cine en Montreal, serán estos eventos, empezando por el propio Festival du Nouveau cinéma; más focalizados, pero por ello mismo, más eficaces en captar audiencias particulares, en un momento en que, como todos sabemos, asistencia a las salas de cine tiende a decrecer. Aunque—para bien de este Festival—al final del evento los organizadores indicaron que la asistencia a sus exhibiciones tuvo un incremento de un 26% respecto del promedio de los diez años anteriores, sin  duda un buen signo.

ALGO DE LO MEJOR

Los encargados de ejecutar
la sangrienta misión en Los colonos

El premio al mejor largometraje en la competencia internacional (Louve d’Or) fue adjudicado al film chileno-argentino Los colonos, dirigido por Felipe Gálvez Haberle. Habíamos tenido la oportunidad de ver esta película en el Festival de Toronto donde ya la habíamos comentado favorablemente: “Ambientada en la isla de Tierra del Fuego entre finales del siglo 19 y comienzos del 20, la cinta nos presenta una recreación del proceso por el cual ese territorio fue colonizado para introducir la crianza de ovejas. Para que ello ocurriera, sin embargo, fue necesario exterminar a la población indígena que la habitaba: los selknam y los onas”. (Los colonos) “me ha impresionado, tanto por su desarrollo dramático, la fuerza de su historia y lo impactante de sus imágenes”.

Mars Express un film francés de animación, dirigido por Jérémie Périn ganó el premio del público, ciertamente un merecido galardón para esta original historia futurista en que los humanos han sido reemplazados, en muchos ámbitos, por robots y androides.

Mars Express es una impresionante 
cinta de animación, que invita a reflexionar sobre el futuro

En el film Do Not Expect Too Much From the End of the World (No esperes demasiado del fin del mundo) dirigido por Radu Jude (coproducción de Rumania-Luxemburgo-Francia-Croacia) es donde mejor se ha reflejado ese espíritu entre rompedor, rebelde y anárquico de la tradición del Festival du Nouveau cinéma. Combinando escenas en blanco y negro y en color, así como situaciones actuales con las de la Rumania de los tiempos de Ceasescu, esta película nos hace reflexionar sobre si el cambio en una particular sociedad como la rumana, ha sido para bien o no.

La coproducción italiano-suiza-francesa La chimera (La quimera) de la directora Alice Rohrwacher, aunque excesivamente larga en algunas escenas, contenía una interesante historia con una final también muy especial. Tras la búsqueda de objetos antiguos, se desarrolla también una dedicación especial a otro tipo de encuentro.

Y TAMBIÉN ALGO DE LO MALO

Si en la anterior reseña aludía a un cierto elemento místico, pero en un marco muy de este mundo, el film Samsara (Lois Patiño, España) por otro lado nos llevó a un ambiente de misticismo en Asia y África, durante casi dos horas, y con la sensación de haber asistido a una reunión de seguidores de la New Age. Curiosamente, la sala estaba llena para esta función, prueba de que estas cosas de la reencarnación al estilo oriental todavía tienen cierto appeal. No para este crítico que no encontró mayor valor cinematográfico en esto que ni siquiera tenía una historia.

La película argentina El rostro de la medusa dirigida por Melisa Liebenthal fue también decepcionante. La historia de Marina, una joven maestra que súbita e inexplicablemente se encuentra de la noche a la mañana con que su rostro ha cambiado, tiene que enfrentarse a esta nueva situación. Sin embargo, el film no muestra como era ella antes, y tampoco hay una clara y plausible descripción de porqué esta situación genera un problema. La intrusiva e injustificable inserción de ciertas imágenes animadas, no contribuye a la narrativa tampoco.

MOVIES AT LA PLAZA: TESTAMENT—Denys Arcand, irreverent, incisive, and brilliant

Movie Review by Sergio Martinez

Denys Arcand's most recent film reaffirms him as an irreverent, incisive, and brilliant filmmaker. Testament satirically takes on the excesses of political correctness, the imposture of those young Anglophones who embrace other people's causes and of those intellectuals who pose as rebels, health freaks, bureaucrats, the mediocre Quebec political class and the old nostalgic Quebec nationalists. As if that were not enough, it also offers us a gentle vision of ageing and the importance of love, no matter what age.

Jean-Michel Bouchard (Rémy Girard) is 70 years old, living in a retirement home appropriately named Maison Parizeau-Duplessis, but still active as a civil servant at the National Archives.  At this point in his life, however, he is just waiting for the natural course of things to lead to his death, which he hopes will be quiet and probably unnoticed by anyone. He has a somewhat cynical attitude to existence, both his own and that of others.

Sophie Lorain as Suzanne, and Rémy Girard as Jean-Michel 
in Testament, the most recent film by Quebec director Denys Arcand

For her part, Suzanne (Sophie Lorain) is the director of the establishment and tries to run it as efficiently as possible and follow official directives to the letter. Basically, life at the nursing home goes on in an expected and uneventful routine.

However, the tranquillity and predictability of the residence will suffer a serious disruption when a group of activists learns that a mural adorning the main room contains images, they consider offensive to First Nations. The mural depicts the encounter between French explorer Jacques Cartier and a group of indigenous people. The leader of the young activists —all English-speaking— remarks that the Europeans are carrying guns and that one of the indigenous women has her breasts bared, which, in the young protester's opinion, "makes her a sexual object." The impact of the "offensive" mural will grow due to the media exposure it gets, forcing the intervention of the minister in charge of the case, who is questioned in the Quebec legislature. Through the bureaucrat on duty, she will force Suzanne to take a radical measure, which she will eventually come to regret.

The hitherto indifferent Jean-Michel, for his part, will gradually become involved in the case. He had previously attended a prize-giving ceremony for Quebec writers where he had been awarded one, but it was not clear to him why. The occasion in any case serves the filmmaker to ridicule much of the fashion of a literature that is supposed to be groundbreaking in form and content. In much of it, there is an attitude of posturing. A hilarious moment is offered by the poet who presents the title of her work: "The vagina on fire”.

The controversial painting

When the problem of the offensive mural is finally solved, following the directives of the Minister of Social Services herself, on whom the nursing homes depend, a new problem will arise in which Suzanne, the director of the establishment, will end up paying the price. New demonstrators, this time the nationalists in defence of Quebec's "artistic heritage", will come to the fore.

For his part, Jean-Michel, from his loneliness, can also understand the loneliness of others, including that of Suzanne, who has not seen her only daughter for years. This will lead him to change some of his convictions.

Testament aims at many targets
in an ironic way

Testament is a film that captivates the viewer from the first moment, especially those of us who like irony as the most subtle and elegant way to express our critical view of society. Remarkable performances by Girard and Sophie Lorain, complemented by an intimate cinematography that helps to enter the feelings of the characters make it a film that we highly recommend.

Running Time: 1 h 55 min.

In the Montreal region, it is shown at Quartier Latin, Forum (with English subtitles), Beaubien, StarCité, Carrefour Angrignon, Mega-Plex Marché Central, Mega-Plex Taschereau, Mega-Plex Jacques Cartier, Mega-Plex Sphèretech, Mega-Plex Lacordaire, Cineplex Odeon Brossard, Mega-Plex Pont Viau, Cineplex Odeon St-Bruno, Cineplex Laval, Carnaval, Mega-Plex Terrebonne, Cinéma Triomphe, Cinéma St-Eustache, Mega-Plex Deux Montagnes, Mega-Plex-S-Jean, Cinéma Beloil, Capitol St-Jean and Cineplex Odeon Carrefour Dorion.

CINE EN LA PLAZA: TESTAMENT—Denys Arcand, irreverente, incisivo y genial

Comentario de Sergio Martínez

El más reciente film de Denys Arcand viene a reafirmar su sello como realizador irreverente, incisivo y genial. Testament (Testamento) las emprende de manera satírica contra los excesos de la political correctness, la impostura de esos jóvenes anglófonos que abrazan causas ajenas y de intelectuales que posan de rebeldes, los fanáticos de la “vida sana”, los burócratas, la mediocre clase política quebequense y los viejos nostálgicos del nacionalismo québécois. Por si eso fuera poco, también nos ofrece una tierna visión del envejecimiento y de la importancia del amor, no importa a qué edad.

Jean-Michel Bouchard (Rémy Girard) tiene 70 años, vive en una residencia de ancianos—apropiadamente llamada Maison Parizeau-Duplessis—pero aun está activo como funcionario de los Archivos Nacionales.  A esta altura de su vida, sin embargo, él sólo espera que el transcurso natural de las cosas lo lleve a su muerte, que espera que sea tranquila y que probablemente nadie la va a notar. Él tiene una actitud un tanto cínica de la existencia, tanto la propia como la ajena.

Suzanne (Sophie Lorain) directora de la Residencia Parizeau-Duplessis
y Jean-Michel Bouchard (Rémy Girard), uno de los residentes 

Por su parte, Suzanne (Sophie Lorain) es la directora del establecimiento y trata de conducirlo de la manera más eficaz posible y siguiendo al pie de la letra las directivas oficiales. Básicamente, la vida de la residencia de ancianos transcurre dentro de una rutina esperada y sin mayores acontecimientos.

Sin embargo, la tranquilidad y predictibilidad de la residencia van a sufrir una seria perturbación cuando un grupo de activistas se entera que un mural que adorna la sala principal del local contiene imágenes que considera ofensiva para las Primeras Naciones. El mural retrata el encuentro entre el explorador francés Jacques Cartier y un grupo de indígenas. La líder de los jóvenes activistas—todos anglófonos—remarca que los europeos portan armas y que una de las mujeres indígenas lleva sus pechos desnudos, lo que, en opinión de la joven manifestante, “la hace un objeto sexual”. El impacto del “ofensivo” mural irá creciendo por la exposición mediática que alcanza, forzando la intervención de la ministra del caso, que es interpelada en la legislatura quebequense. Ella a través del burócrata de turno, forzará a Suzanne a tomar una medida radical, que eventualmente llegará a lamentar.

El hasta ahora indiferente Jean-Michel, por su parte, poco a poco se irá involucrando también en el caso. Antes había concurrido a una entrega de premios a escritores quebequenses donde había sido galardonado con uno, pero sin tener claridad por qué. La ocasión en todo caso sirve al realizador para ridiculizar mucho de la moda de una literatura que se supone es rupturista en lo formal y el contenido. En realidad, en mucho de ello hay una actitud de pose. Un momento hilarante lo ofrece la poeta que presenta el título de su obra: “La vagina incendiada”.

Un mural considerado ofensivo por
unos activistas generará toda una crisis

Cuando finalmente el problema del ofensivo mural es resuelto, siguiendo las directivas de la propia ministra de Servicios Sociales, de quien dependen las residencias de ancianos, se desatará un nuevo problema en el cual Suzanne, la directora del establecimiento, terminará pagando los platos rotos. Nuevos manifestantes saltarán a la palestra, esta vez los nacionalistas en defensa del “patrimonio artístico” del Quebec.

Por su parte, Jean-Michel, desde su soledad puede también entender la soledad de los otros, incluyendo la de Suzanne, que no ve a su única hija desde hace años. Ello lo llevará a dar un vuelco a algunas de sus convicciones.

El personaje del viejo residente
ilustra de modo claro la visión crítica 
del realizador

Testament es una película que encanta al espectador desde el primer momento, especialmente a quienes gustamos de la ironía como la manera más sutil y elegante de sembrar nuestra crítica social. Notables actuaciones por parte de Girard y Sophie Lorain, con una fotografía intimista que ayuda a entrar en los sentimientos de los personajes. Es una cinta que recomendamos con mucho gusto.

Duración: 1 h 55 min.

En la región de Montreal se exhibe en los cines Quartier Latin, Forum (con subtítulos en inglés), Beaubien, StarCité, Carrefour Angrignon, Mega-Plex Marché Central, Mega-Plex Taschereau, Mega-Plex Jacques Cartier, Mega-Plex Sphèretech, Mega-Plex Lacordaire, Cineplex Odeon Brossard, Mega-Plex Pont Viau, Cineplex Odeon St-Bruno, Cineplex Laval, Carnaval, Mega-Plex Terrebonne, Cinéma Triomphe, Cinéma St-Eustache, Mega-Plex Deux Montagnes, Mega-Plex-S-Jean, Cinéma Beloil, Capitol St-Jean y Cineplex Odeon Carrefour Dorion.

MOVIES AT LA PLAZA: THE TORONTO INTERNATIONAL FILM FESTIVAL—MORE GLOBAL THAN EVER (Part 2: Canada and the Rest of the World)

Movie Review by Sergio Martinez

TIFF is also an excellent opportunity to catch up, or rather, get a head start on upcoming releases. Here's a brief look at the Canadian, European, Asian and U.S. film previews.

CANADIAN FILMS

Canadian films, paradoxically, have always had to face distribution difficulties in their own country, especially those made in English Canada. On the other hand, films made in Quebec have had better luck in this respect, although their small market does not necessarily translate into large revenues.

I had the opportunity to see two films from this country and both left me amply satisfied with their remarkable quality.

Seven Veils

Director: Atom Egoyan

(Canada)

Set in the world of opera, this film by the renowned Canadian director weaves together the vicissitudes of a young artistic director (played by Amanda Seyfried), who must debut a daring staging of the opera Salome, while dealing with her dissolving marriage and memories of a disturbing relationship with her father.

Amanda Seyfreid as the young
opera director in Seven Veils

In the background, as she prepares for the opera's premiere, the aspirations of those who hope to go on to sing leading roles, and the abusive outbursts of one of the main stars, are on display. This is a very well-made film, with solid acting and a remarkable creation of atmosphere, all with images that capture the emotions of the characters very well.

Irena's Vow

Director: Louise Archambault

(Canada, Poland)

This is a film based on a true story: on the day the Nazis invade Poland in 1939, Irena Gut (Sophie Nélisse) must leave her position as a trainee nurse at a local hospital and is instead assigned by the occupation authorities, first, to supervise a group of Jews forced to do sewing work for the Nazis; and then, as a housekeeper in the residence of the commander of the occupying forces.

After witnessing a brutal act by one of the dreaded Nazi SS chiefs, Irena vows to herself to save as many Jews as she can. With great determination, the young Polish woman uses her own situation and the fact that she has gained some trust from the Nazis to save a dozen Jews in the most unexpected way.

The film's dramatic development is conventional, but very well executed, and effective in involving the viewer in the story.

Irena's Vow is based on a real story

THE SPANISH MOVIES

Spanish cinema has always been present in good quantity at this festival, due to time reasons, however, I was only able to see two of their productions.

A Strange Way of Life 

Director: Pedro Almodóvar

(Spain)

Ethan Hawke and Pedro Pascal in this
western directed by Pedro Almodovar

Almodóvar made this English-language film, which is only 31 minutes long, and dabbles, in a dramatic and somewhat ironic way, in the wanderings of two homosexuals in the admittedly very macho environment of the Wild West and cowboys.

Two former lovers (Ethan Hawke and Pedro Pascal) meet after 25 years, one of them (Hawke) having become the local sheriff. As there are other reasons for the unexpected visit, they will also impact the relationship. Certainly, a very special western, with Almodovar's emotional stamp.

The Rye Horn 

Director: Jaione Camborda

(Spain, Belgium, Portugal)

While not a poor-quality film, this production set in a small Galician village left me the least impressed. Its opening, especially, in which the scene of a woman giving birth goes on for over ten minutes, is overlong, not all that necessary in the context of the story and, to top it off, not very convincing.

Maria, an informal midwife 
is forced to escape after performing
an abortion

In her village, in 1971, when Spain was still living under Franco's dictatorship, Maria (Janet Novas) is an informal midwife, apart from her steady job in fishing. One day, when she decides to help a girl seeking an abortion, she must escape to Portugal. In her escape, she will have to face many difficulties, but she will always find the solidarity of other women.

The narrative is a bit slow, although the story has a certain strength.

THE OTHER EUROPEAN FILMS

The Contestant 

Director: Clair Titley

(United Kingdom)

Watching this film, that assertion that characterizes the television set as the "idiot box" could never be more accurate. This documentary, filmed in Japan, shows the true story of Tomoaki Hamatsu, a contestant on the TV show Denpa Shonen: A Life in Prizes, the brainchild of Toshio Tsuchiya, a famous producer in Japan and the "villain" of the story if that's what we can call an individual willing to subject another human being to ridicule in public for several months in order to make money.  The task is that the contestant must perform an extremely rare, humiliating and ultimately stupid test: to live only on what he earns in magazine contests (the event took place in 1998).

The sad and real story of a contestant in
a Japanese reality show

The contestant must do this completely naked as he/she is supposed to gain items to wear over time, as well as food. All this while being filmed. Since television cannot show their genitals, the technicians must cover them, for which they will eventually use the drawing of an eggplant: nasubi, in Japanese, a nickname they finally hang on the contestant himself, since that's what he was called at school for having an elongated face, something unusual in Japan.

Although in the end Nasubi, as he is now known, achieves his goal, he becomes a celebrity, but for this he has had to pay a high price in humiliating scenes and for being the object of the attraction that "reality shows" arouse, exploiting the stupidity of the people, Japan in this, not being very different from North America.

Wicked Little Letters 

Dir. Thea Sharrock

(United Kingdom)

It's the 1920s and a wave of anonymous letters, containing all sorts of crude allusions, has invaded the quiet town of Littlehampton. When the police begin to investigate, the pious Edith Swan (Olivia Colman) finds a good opportunity to blame her neighbour, Rose (Jessie Buckley), who has a personality opposite to her own: a free spirit, who likes to dance and drink at the local pub. The plot involves the contrasts of the free life versus the hypocrisy prevailing among certain circles.

Small-town intrigues
in this delicious British comedy

It is a well-made comedy, with convincing performances and a message that, although not original, it is important to keep in mind at a time when repressive attitudes are being reborn in some societies.

The Critic

Director: Anand Tucker

(United Kingdom)

One of the films one heard about before the festival, the plot seems interesting, in fact it is, until a certain point. The period is 1936, Jimmy Erksine (Ian McKellen) is the theatre critic of the London Chronicle newspaper and is well known for his comments that can be devastating, he simply can't stand a bad performance. This is precisely what he writes about the actress Nina Land (Gemma Artenton), to such an extent that she, outraged, decides to confront him directly.

Ian McKellen as acerbic theatre critic
Jimmy Erksine

Until that moment the story is interesting and plausible, however, soon the critic and the actress will conspire to achieve an objective that is supposed to benefit both of them. The complication will not last long and this leads to a new and very implausible outcome. In short, what started out as a good story, closer to comedy than drama, turns into tragedy, but in a forced and not very credible way.

ASIA AND THE MIDDLE EAST

A Road to a Village 

Director: Nabin Subba

(Nepal)

A story set in a small Nepalese village that has only recently come to have a rural road and bus connection to the nearest town. The film combines the tender relationship of a father, Maila (Dayahang Rai) with his son Bindray, a curious, quick learner who has asked his father to buy him a television set, a luxury for the family's modest income. 

Shot in rural locations, this film impresses with the sincerity of its story, the transparency of the central characters, and at the same time, the rawness of human relationships in the small village setting.

A moving story of paternal love in this 
beautiful Nepalese film

Very good cinematography and solid performances make this film one of the unknown gems of the festival.

The Teacher 

Director: Farah Nabulsi 

(Palestine, United Kingdom, Qatar)

Filmed in the occupied territories of Palestine, Basem El-Saleh (Saleh Bakri) is a high school teacher who takes a special interest in two of his students, who also live nearby. One is studious, the other more defiant. A British social worker (Imogen Poots) who helps the troubled youngsters at the school will also become somehow involved in the events that will unfold after an act of violence unleashed by Jewish settlers in the area. At the same time, a former U.S. diplomat is in Israel, worried that his son –an Israeli soldier but also a U.S. citizen— has been kidnapped by a Palestinian commando.

A dedicated high school teacher 
faces a complex decision

The interweaving of the two episodes, the teacher, the social worker, and the family members seeking justice for the death of the Palestinian boy at the hands of the Israeli settler, and the parents of the kidnapped Israeli American soldier, provide a good basis for the drama that unfolds.

Undoubtedly, this is a film with strong political content, given the conditions in the Palestinian territory, but at the same time, with a healthy humanistic emphasis.

UNITED STATES

American Fiction 

Director: Cord Jefferson 

(USA)

This film was voted the People's Choice Award at the Festival and it is indeed an interesting film. This is because it points to one of the evils derived from certain political correctness, which the film portrays in an ironic, almost sarcastic way; undoubtedly something very healthy at times when –sometimes with the best of intentions— one wants to highlight and publicize the work of writers and other artists, underrepresented because they belong to a minority, in this case, because they are black.

A black writer is fighting stereotypes
 in this sarcastic comedy

The problem is that this is often done from the white gaze, from the stereotypes that whites have about blacks and, consequently, about the type of literature they are expected to produce.

A very good film with great acting and just the right amount of sarcasm to make it clear that in the end, what is really important when someone writes, is to be authentic.

Memory 

Director: Michel Franco

(USA, Mexico)

Much has been said about the subject of memory in recent times, in various contexts and circumstances. In this film the theme is related to the two central characters in a very different way, but in both cases with striking effects. Silvia (Jessica Chastain) works in a home for people with mental health problems, she lives alone with her daughter, maintaining very little contact with the rest of her family, except for a sister whom she sees occasionally.

Peter Sarsgaard and Jessica Chastain 
deliver solid performances in Memory

After a reunion of former students from her high school, Silvia meets Saul (Peter Sarsgaard) who is gradually slipping into dementia. From there the film takes us into this sharp reflection on memory, in Saul's case, how it is being lost and the effects it has on both his family relationships and his personal life. For Silvia, on the other hand, it is the lingering presence of memory, in the form of a childhood experience that haunts her and that at some point had also thrown her into the pit of alcoholism, a situation from which she has now emerged. However, there was still a piece of her memory to be completed in the form of an action: to confront the one who had been a silent accomplice in the traumatic episode that still haunts her memory.

A story of powerful content has been brought to the screen with an excellent performance by Jessica Chastain.

Reptile 

Director: Grant Singer 

(USA)

An interesting debut for this director who presents us with a story in the best tradition of cinema noir full of twists and turns and unpredictable events. Homicide detective Tom Nichols (Benicio del Toro) must investigate the murder of a young real estate broker in one of the houses she had for sale. Suspects abound, but in addition to this, there is a combination of strange dealings in the real estate business, drug trafficking and a certain amount of police corruption as well.

Benicio del Toro as Detective
Tom Nichols

A very good police story, with convincing performances and a good narrative development that keeps the audience's interest for the two-and-a-half hours of its duration.

THE NEXT FESTIVAL

The 49th edition of the Toronto International Film Festival will take place September 5-15, 2024.