18.4.10

EL NUEVO ESPECTACULO DEL CIRQUE DU SOLEIL


TOTEM


Después de haber colaborado en la producción KA del Cirque du Soleil en Las Vegas, el multifacético director y dramaturgo Robert Lepage vuelve a trabajar con la famosa agrupación asumiendo la dirección escénica de Totem que será presentado en el Vieux-Port de Montreal a partir del 22 de abril hasta el 27 de junio.

El espectáculo propuesto por Lepage, que cuenta con la colaboración de Neilson Vignola, director de creación del mismo, está inspirado en el tema de la evolución del hombre, aunque desde la óptica propia de este autor basado en los mitos fundadores de la humanidad. La coreografía está a cargo de Jeffrey Hall, la escenografía pertenece a Carl Fillion, el diseñador de imágenes es Pedro Pires , los vestuarios pertenecen a Kym Barret, la iluminación es de Étienne Boucher, en tanto que Jacques Boucher se ocupa del equipo sonoro del espectáculo.


Totem reúne a un equipo de 52 artistas pertenecientes a 19 países, bajo la supervisión de Gilles Ste-Croix y Guy Laliberté. Para información adicional el sitio de internet es http://www.cirquedusoleil.com/



RENEE FLEMING EN ARMIDA

ARMIDA

Renée Fleming es la protagonista de Armida de Gioacchino Rossini, la última de las óperas a difundirse en la actual temporada en alta definición y vía satélite desde el Metropolitan Opera de Nueva York. Esta ópera de Rossini que data de 1817 no es frecuentemente difundida y por lo tanto constituye un verdadero evento para los amantes del género lírico apreciar la nueva producción de la directora Mary Zimmerman.

La excelente soprano es acompañada por seis tenores encabezados por Lawrence Brownlee (Rinaldo); los otros nombres son John Osborn (Goffredo), Yeghishe Manucharyan (Eustazio), José Manuel Zapata (Gernando), Kobie van Rensburg y Barry Banks.

La ópera cuenta con un ballet de 15 minutos de duración en su segundo acto que está coregrafiado por la coreógrafa argentina Graciela Daniele en su debut para el Metropolitan. La dirección musical está a cargo de Riccardo Frizza en tanto que Richard Hudson es responsable de los decorados y vestuario.

Este espectáculo lírico es transmitido el 1 de mayo a las 13 horas (hora del este) en las provincias de Ontario y de Quebec. Toda información adicional, así como las salas participantes en Canadá que pertenecen a la cadena exhibidora Cineplex Divertissement, se puede obtener a través del sitio de internet
www.cineplex.com/evenements

CENDRILLON


Por la primera vez en Montreal desde 1912, la Opera de Montreal presentará la creación lírica Cendrillon (1908) del compositor francés Jules Massenet, en base al inmortal cuento de hadas.

El rol protagónico será cantado por la soprano Julie Boulianne quien interpretará a Cenicienta y será acompañada por Fréderic Antoun, Noëlla Huet, Gaetan Laperrière y Marianne Lambert. La dirección escénica está a cargo de Renaut Doucet, la iluminación es responsabilidad de Guy Simard en tanto que André Barbe tiene a su cargo los decorados y vestuario. El director musical de la Orquesta Metropolitana es Jean-Yves Ossonce.

La ópera será cantada en su idioma original francés, con subtítulos en francés e inglés los días 22, 26, 29, 31 de mayo y el 3 de junio a las 20 horas. El sitio de nternet es
www.operademontreal.com




FESTIVAL BEETHOVEN

El Festival Beethoven de la Orquesta Sinfónica de Montreal

Desde el 4 de Mayo hasta el 13 de Mayo la OSM bajo la dirección del maestro Kent Nagano ofrecerá un Festival Beethoven donde además de ejecutarse las 9 sinfonías del inmortal compositor, el público también tendrá ocasión de escuchar el Triple Concierto de Beethoven, así como la música del ballet Las Criaturas de Prometeo.

El Festival se desarrollará de acuerdo al siguiente calendario: el martes 4 (20h), la OSM brindará las Sinfonías No. 2, No. 5 y No. 8. El miércoles 5 (20h) será el turno de la Sinfonía Nro. 4 y el Triple Concierto para Violín, Piano y Violonchelo con los solistas James Ehnes (violín), Antonio Meneses (violonchelo) y Menahem Pressler (piano). El domingo 9 (14h30), el público apreciará las Sinfonías No. 6 “Pastoral” y No. 7; el martes 11 el festival continúa con la Sinfonía No.3Heroica” y Las Criaturas de Prometeo acompañado de un texto original escrito por Yann Martel con la narración del actor Michel Dumont. El ciclo concluye el miércoles 12 (20h) y jueves 13 (20h) con la ejecución de las Sinfonías No 1 y No. 9 contando con la participación de la soprano Jennifer Wilson, la mezzo-soprano Susan Platts, el tenor Michael König, el barítono Michael Volle y el coro de la OSM bajo la dirección de Michael Zaugg. Todos los conciertos serán precedidos por una discusión donde participarán el productor de la CBC Kelly Rice y el musicólogo Guy Marchand.


La OSM concluye la temporada actual con un programa dirigido por Kent Nagano que incluye los siete lieder de Alan Berg y la Sinfonía No. 9 de Mahler. Participará como invitada la soprano Susan Graham.

Todos los conciertos de la OSM tienen lugar en la sala Wilfrid Pelletier y para información adicional se puede obtener en el sitio
www.osm.ca y telefónicamente (514) 8452-9951.

Ladies Morning Musical Club

LMMC presenta en el último concierto de la temporada al Trio Jean Paul integrado por Eckart Heiligers (piano), Ulf Schnedier (violín) y Martin Löhr (violonchelo). El conjunto ofrecerá el Trío para Piano en Do mayor de Haydn, el Trío para Piano No. 3 en Do menor de Brahms y el Trío para Piano No. 2 en Do menor, Op. 66 deMendelssohn. El concierto tiene lugar en el auditorio Pollack de la Unviersidad McGill el domingo 2 de mayo (15h30).

Para cualquier otra información, el sitio es
www.lmmc.ca y/o llamando al /5414) 932-6796

McGill Chamber Orchestra


El prodigioso pianista canadiense Jan Lisiecki es el invitado de la Orquesta de Cámara McGill quien el lunes 3 de Mayo (19h30) acompañará al conjunto en la ejecución de los dos Conciertos para Piano de Chopin conmemorando el bicentenario de su nacimiento que tuvo lugar el 1 de marzo pasado. El maestro Boris Brott, director artístico de la agrupación, dirigirá a la Orquesta en este último programa de la temporada oficial. El concierto tendrá lugar en el Teatro Maisonneuve.

Para información adicional se puede recurrir a http://www.ocm-mco.org/ y/o comunicándose con el número telefónico (514) 487-5190

Pro Musica

El último concierto de la temporada ofrecido por Pro Musica tendrá lugar el lunes 10 de mayo (19h30) en el Teatro Maisonneuve. En dicha ocasión, actuará la renombrada pianista canadiense Janina Fialkowska ofreciendo un recital integrado por obras de Mozart, Shumann y Chopin. Información adicional puede obtenerse en
www.promusica.qc.ca






16.4.10

CINE EN LA PLAZA

Comentarios de Jorge Gutman
LA NANA. Chile, 2009. Un film de Sebastián Silva

Abordando un tema que en apariencia puede resultar banal, Sebastián Silva obtuvo en su segundo trabajo como realizador una pequeña pero notable obra artística donde el año pasado, en el Festival de Sundance, obtuvo el premio al mejor largo metraje dentro de la categoría de cine dramático internacional y su protagonista Catalina Saavedra también fue galardonada por su excelente interpretación.
Saavedra anima a Raquel, una mujer que ha pasado más de 20 años de su vida como empleada doméstica (o “nana” como se denomina en Chile) con habitación incluida en el seno de una familia de clase media. A través de ese período ha logrado que su presencia resultara insustituible dada su eficiencia y esmero para que todo resulte impecable, realizando tareas desde las primeras horas de la mañana hasta las últimas de la noche; sin embargo, la naturaleza rutinaria y desgastante de la diaria labor y su confinamiento a través de larguísimas jornadas de trabajo han contribuido para que su carácter se haya vuelto hosco y poco sociable. Con todo, es objeto del buen trato dispensado por sus patrones Mundo Valdés (Alejandro Goic) y su esposa Pilar (Claudia Celedón), como también de Lucas (Agustín Silva), el hijo adolescente; la única excepción es la hija menor Camila (Andrea García-Huidobro) con quien mantiene frecuentes choques.

El esmerado guión de Silva y Pedro Peirano dibuja cuidadosamente el temperamento obstinado y hostil de Raquel. A pesar de las muestras de simpatía y afecto recibidos por sus empleadores, esta nana entiende que ése no es su hogar; aunque no quede explicitado en los diálogos, se observa que Raquel no comparte la misma mesa familiar a pesar de tantos años de vida en común, ni tampoco los amigos de sus patrones pueden llegar a ser los suyos. Aunque el relato no entre a considerar las relaciones de clase entre empleada y patrón, esa diferencia no pasa desapercibida para Raquel; sin embargo el director no tiene la intención de efectuar una crítica social sino que simplemente se limita a ilustrar una realidad latinoamericana en donde la labor de auxiliar doméstica y el lugar ocupado dentro de la estructura familiar son resabios de la cultura heredada de la época colonial.

Cuando Mundo y Pilar comprenden que Raquel experimenta ciertos problemas de salud y que necesita ayuda en sus tareas, deciden contratar a Mercedes (Mercedes Villanueva), una nueva empleada para asistirla. Resintiendo esa decisión por temor a perder el obsesivo control sobre la familia, Raquel hace todo lo posible para que Mercedes decida irse a los pocos días y lo mismo ocurre con Sonia (notable Anita Reeves), una mujer de edad madura a quien también logra “expulsarla”, hasta que finalmente llega Lucy (radiante y fresca Mariana Loyola) quien será la que en última instancia dé a Raquel un sentido positivo y renovador a su existencia.

Todo el elenco está impecablemente respaldado por personajes muy bien definidos, pero Saavedra se adueña del film al haberse adentrado en cuerpo y alma en el rol de Raquel. Basta contemplar su rostro para conmiserarse de su soledad, vulnerabilidad y del maquiavelismo que demuestra para que nadie pueda intentar invadir su territorio o destronarla del cargo que ocupa. En tal sentido, Silva logra insuflar excelentes momentos de humor negro al describir los métodos utilizados por Raquel para enfrentar a sus potenciales competidoras.

A pesar de que el film transcurre dentro de los muros de una casa de familia, de ningún modo transmite un clima claustrofóbico. En la medida que el relato se centra en el estudio de caracteres, el escenario en que transcurre es el más apropiado para ilustrar con minuciosa precisión la vida de las empleadas domésticas, o de las “asesoras del hogar” tal como hoy día son conocidas.

En esencia, La Nana es un film que confirma a Silva como un importante realizador latinoamericano y que además permite apreciar la madurez del cine chileno en el contexto internacional.

PPP½

GAINSBOURG (Vie héroïque). Francia, 2010. Un film de Joann Sfar
En su primer film como realizador, Joann Star aborda la vida de Serge Gainsbourg (1928-1991), un famoso cantante y compositor de música pop que tuvo su apogeo en la década de los años 50 y 60. Star ha utilizado un criterio lineal y cronológico para su relato aunque la forma adoptada descanse más en destacar algunos momentos claves de su existencia sin ajustarse necesariamente a los cánones de una biografía tradicional.

Hijo de padres judíos que huyeron de Rusia después de la revolución bolchevique para radicarse en Francia, Lucien Ginsburg –tal su nombre de nacimiento- se sintió afectado durante su infancia (Kacey Mottet Klein) cuando se produjo la ocupación de los nazis en su país y tuvo que utilizar la estrella amarilla discriminatoria de su condición de judío. Sin embargo, este dramático período es tratado en forma epidérmica, con excepción de una escena fantasiosa donde una gigantesca caricatura antisemita lo va persiguiendo en la calle. Frente a su disconformidad de estudiar piano para satisfacer las exigencias de su padre (Razvan Vasilescu), comienza a seguir clases de pintura en una escuela de arte de París, hasta que años después Lucien se da cuenta de que su verdadera vocación no descansa en el arte pictórico sino en la música popular.

Sin la transición necesaria entre los años de infancia y los de su primera juventud, el relato se desplaza en el tiempo para mostrar al adulto Lucien (Eric Elmosnino) que cambiando su nombre por el de Serge Gainsbourg logra vincularse con algunas personas claves del mundo del cabaret y del music-hall parisino, como en el caso de Boris Vian (Philippe Catherine), Juliette Greco (Anna Mouglalis) y France Gall (Sara Forestier), logrando que sus primeras composiciones musicales con palabras por él escritas tuviesen repercusión popular.

Si hasta aquí el film mantiene un interés permanente generando expectativas positivas, lo que sigue posteriormente atempera la impresión inicial debido a que lo que se presencia es una mera revista de hechos bien conocidos pero sin profundización dramática. A medida que la estrella de Gainsbourg comienza a crecer, también su espíritu donjuanesco y carácter libidinoso adquiere potencialidad con las mujeres que formarán parte de su vida amorosa; estar casado y con familia no le impide mantener una apasionada relación amorosa con Brigitte Bardot (Laetitia Casta). Posteriormente se vincula con la británica Jane Birkin (Lucy Gordon) cuya colaboración artística produjo el famoso tema “Je t’aime, moi non plus” que llegó a escandalizar y el álbum “Histoire de Melodie Nelson”; tiempo después llegan a casarse y de esa unión nace en 1971 la actriz y cantante Charlotte; cuando ella lo deja años después, Gainsbourg habrá de reemplazarla con Bambou (Mylène Jampanoï).

Entre los aspectos positivos del film cabe apreciar su buena concepción visual, el apreciable trabajo de Elmosnino así como el de un elenco que sin dominar el canto entona adecuadamente las numerosas canciones de Gainsburg. Con todo, el film dista de ofrecer una clara visión de la vida de su protagonista; adoleciendo de un nudo argumental que lo cohesione y a pesar de las buenas actuaciones, el film se hace sentir en su segunda mitad, no solamente por su duración alargada sino también porque hay una monotonía que el director no ha sido capaz de disimular; por un lado se detiene demasiado en aspectos que no ameritan y por el otro pasa revista a vuelo de pájaro a situaciones que merecerían mejor tratamiento. A pesar de que el film lleve como subtítulo “una vida heroica”, deja dudas el saber en qué radica el heroísmo del cantante y además nada se muestra aquí sobre sus debilidades que lo conducirán finamente a un proceso autodestructivo; la introducción de un alter ego o “doble” (Doug Jones) tampoco ayuda mucho en conocer su personalidad tumultuosa y es ahí que el film no alcanza la dimensión que debiera haber tenido.
PP½

DATE NIGHT. Estados Unidos, 2010. Un film de Shawn Levy
La única razón de ver Date Night es para disfrutar de dos excelentes artistas de la televisión americana como Steve Carell y Tina Fey, quienes vuelcan su entusiasmo y energía para tratar de animar a esta desigual comedia. Tras un comienzo promisorio, todo queda diluido al poco tiempo para que el film se convierta en un rutinario relato de acción salpicado con la natural gracia aportada por los mencionados actores.
La acción que transcurre en New Jersey, próximo a la ciudad de Nueva York, presenta a Phil Foster (Carell), un contador impositivo que está casado con Claire Foster (Fey) quien se desempeña como agente inmobiliaria. Ambos conforman un matrimonio bien avenido, rodeado de dos pequeños hijos a los que quieren mucho. Estas primeras escenas tienen momentos de ternura y además se benefician de la excelente química existente entre Carell y Fey.
Consciente de que la felicidad conyugal consiste en evitar la rutina matrimonial, Phil invita a su señora a una velada romántica especial para cenar en un restaurante sofisticado de Manhattan. Como el lugar es muy solicitado y no han hecho reserva previa, las posibilidades de que puedan ser ubicados son mínimas; sin embargo, aprovechando la ausencia de otras dos personas asignadas para ocupar una mesa, la pareja decide asumir sus identidades. Lejos están de imaginar que esa “inocente” travesura les resultará demasiado cara cuando la cena es interrumpida por dos individuos peligrosos que los confunden con los comensales que debieron haber ocupado la mesa, poniéndolos en colosales apuros. Allí comienza el verdadero infierno para Phil y Claire al tener que pasar una agitada noche fuera de serie eludiendo a los hampones debido al problema de las equivocadas identidades.
Si el agradable planteo de sus primeros 20 minutos creaba una expectativa favorable para lo que vendría después, lo cierto es que el resto del film desilusiona. Lo que sigue es una historia burda plagada de situaciones descabelladas e incoherentes, donde se presencian persecuciones automovilísticas incluyendo choques, explosiones, disparos de balas a granel, más el agregado de algunos momentos jocosos que son producto del excelente desempeño de sus dos protagonistas y no de la historia en sí misma. En resumen, lo que prometía ser una buena comedia romántica se convierte en un rutinario film de acción sin mayor brío.
A su favor, cabe reconocer la inmensa simpatía que irradian Carell y Fey quienes deben luchar denodadamente para tratar de salvar a un guión insulso, así como la buena participación de un elenco integrado por Mark Wahlberg Mark Ruffalo, Ray Liotta, James Franco, William Fichtner y Mila Kunis. En todo caso, los intérpretes no pueden salvar mucho la medianía de este rutinario relato.

A SHINE OF RAINBOWS. Canada-Irlanda, 2009. Un film de Vic Sarin
Un tierno y cálido drama es lo que ofrece el director Vic Sarin en este film donde un niño adoptado se esfuerza por ser aceptado y querido por su potencial progenitor. En un estilo “a la antigua”, puede que este relato no se ajuste precisamente a los cánones actuales pero afortunadamente todavía existe una audiencia considerable que es receptiva para apreciar una historia humana y bien narrada como A Shine of Rainbows.

Basado en la novela de Lillian Beckwith, el libreto de Sarin, Catherine Spear y Dennis Foon transcurre en Irlanda, donde en las primeras secuencias se ve a Tomas (John Bell), un niño de 8 años tímido y de naturaleza frágil, sufriendo los embates y acosos de sus compañeros de clase en una escuela de la ciudad. En el orfanato donde se hospeda en su condición de huérfano lleva una vida solitaria y sin mayores alicientes. Cuando Maire O’Donnell (Connie Nielsen), una sensible y dulce mujer que no puede tener hijos, lo escoge con el propósito de adoptarlo, surge en el chico el optimismo natural de aguardar un futuro más alentador. Sin embargo, al llegar a la casa ubicada en una pequeña aldea de Corrie Island, cerca de la costa irlandesa donde Maire y su marido Alec (Aidan Quinn) habitan, el hombre manifiesta un tácito desprecio hacia el recién llegado hasta incluso rehusar a firmar los papeles formales de la adopción.

Con mucha sutileza, el film muestra la inseguridad y timidez de Tomas en el nuevo medio, en parte debido a la falta de comunicación y ausencia de respuesta positiva por Alec, impidiendo facilitar el vínculo entre ambos.

Con todo, la devoción que Maire siente por el menor así como la persistente labor que realiza para que se sienta más a gusto permitirá que el chico conozca a dos criaturas de su edad con quien entablará amistad, recobrando gradualmente su autoestima; paralelamente, el destino quiere que el niño descubra una pequeña foca abandonada en la playa a quien habrá de alimentar, creándose así una cálida relación entre ambos.

Adoptando algunos elementos del realismo fantástico, Sarin introduce momentos mágicos como cuando en un viaje en bote Maire ayuda a que Tomas se concentre y logre visualizar a quien fuera su abuela, como así también le permite descubrir un radiante arco iris atravesando el cielo en un magnífico día soleado.

Este emotivo film cuenta con magníficas interpretaciones del trío central donde cada uno de sus actores imprime completa convicción a sus personajes; en especial, despierta admiración la notable caracterización del pequeño actor John Bell que vive a fondo el personaje del pequeño e indefenso huérfano que necesita desesperadamente del cariño de su padre adoptivo y a quien le enseñará a madurar cuando la tragedia golpee a la puerta. Finalmente, cabe destacar la sobria dirección escénica de Sarin y además en su actuación paralela de camerógrafo logra captar la agreste belleza de los escenarios en que transcurre la acción.
PPP

HOW TO TRAIN YOUR DRAGON. Estados Unidos, 2010. Un film escrito y dirigido por Dean DeBlois y Chris Sanders.
La animación parece estar en su apogeo a juzgar por los éxitos logrados en el género con cada film que en los últimos tiempos se va lanzando al mercado. Esta vez ha sido el caso de “Como Entrenar a su Dragón” donde grandes y chicos logran entretenerse contemplando un espectáculo que ha equilibrado en forma acertada aventuras a granel con buenos toques de comicidad y algunos aditamentos de tono romántico.
Basado en uno de los libros infantiles sobre dragones escritos por Cressida Cowel, los directores Dean DeBlois y Chris Sanders han realizado una historia épica realzada por la tecnología digital 3D. La acción se ubica en un mundo mítico donde los rudos guerreros de una tribu de vikingos liderados por su jefe Stoick (voz de Gerard Butler) se dedican a combatir a sus enemigos naturales que son los dragones; aunque Stoick desea que su hijo adolescente Hiccup (voz de Jay Baruchel) siga sus mismos pasos, éste no demuestra la agresividad necesaria para semejante misión; de allí que el joven se sienta extraño, distante y diferente dentro del entorno que lo rodea.
Todo habrá de cambiar el día en que Hiccup encuentra a un dragón herido que le impide volar. A pesar de los resquemores iniciales comienza a surgir entre ellos una cálida amistad donde el joven va adiestrando a su mascota sin que nadie se entere. De este modo habrá encontrado su vocación natural de entrenador y domesticador de dragones haciéndole ver el mundo desde otra perspectiva y ganando al propio tiempo el corazón de la adorable Astrid (voz de América Ferrera).
Sin llegar al nivel de la magia desplegada por Steven Spielberg en “E.T.”, este film atrae fuertemente con sus personajes carismáticos y por la dosis de afecto y cariño que los realizadores han volcado en los mismos apelando al estilo de una animación clásica, ampliamente satisfactoria. Eso se debe a un elaboradísimo guión que ha evitado algunos de los estereotipos que caracterizan a este tipo de filmes y al haber permitido que esta historia de aventuras fantásticas encuentre amplio espacio para la ternura y la emoción en la relación entablada entre un adolescente y un animal. Finalmente, y aunque pudo no haber sido el propósito del film, se lo puede también apreciar por su mensaje de apertura y tolerancia entre especies diferentes.
En cuanto al uso de 3D, este nuevo sistema de filmación no constituye aquí un mero artificio para realzar los importantes valores visuales que el film aporta sino que constituye un elemento perfectamente funcional a un relato que aunque sencillo posee contenido; si eso está bien relatado, como lo es aquí, tanto mejor para regocijo del espectador. En resumen, un muy buen film para toda la familia.
PPP

THE LAST SONG. Estados Unidos, 2010. Un film de Julie Anne Robinson
Nicholas Sparks es un autor muy popular en Hollywood si se considera el cuantioso número de sus obras literarias que han sido adaptadas para el cine americano; ahora se puede juzgar la versión cinematográfica de su última novela The Last Song en base a un guión que él mismo preparó en colaboración con Jeff Van Wie. A pesar de que el libro original haya sido otro de sus “best sellers”, lo que se aprecia en pantalla no resulta nada diferente de lo que ya se ha visto en múltiples oportunidades; esta comedia dramática dirigida por Julie Anne Robinson carece de elementos que la hagan diferenciarse o trascender de otras del mismo género, excepto por la curiosidad de ver a Miley Cyrus desligándose de su trabajo televisivo en “Hannah Montana” para asumir un rol dramático de mayor envergadura profesional.

La acción que transcurre en un pequeño balneario del sur de los Estados Unidos enfoca a Ronnie Miller (Cyrus), una adolescente rebelde quien junto con su pequeño hermano (Bobby Coleman) se ve obligada a pasar sus vacaciones de verano junto con su padre Steve (Greg Kinnear) a quien no ha visto desde hace tiempo por haber estado separado de su madre (Kelly Preston). Debido a que Steve dejó el hogar familiar, ese trauma no pudo ser superado por ella y es así que en ese reencuentro, la joven vuelca su frustración a través de un comportamiento de evidente desprecio hacia su padre. Esa forzada convivencia tendrá sus aristas positivas cuando Ronnie tiene la oportunidad de conocer a Will, un agradable y apuesto joven del lugar (Liam Hemsworth) con quien descubrirá la dicha del primer amor. Como resulta previsible, a lo largo del film ella habrá de crecer y madurar como persona adulta.

Después de los primeros 40 minutos en que nada importante parece acontecer, el relato comienza a adquirir un matiz más positivo a través del proceso de reconciliación de la hija con su padre y por los vaivenes que experimenta la relación sentimental de los jóvenes. En el primer caso, sin que se sepa claramente el motivo de la separación de sus padres, tanto el amor por la música que Ronnie y Steve tienen en común como también un secreto bien guardado por el padre contribuirán a reconstituir los lazos familiares; en cuanto al vínculo de Ronnie y Will, habrá conflictos suscitados por diferencias de clase social dado que el muchacho pertenece a una acaudalada familia y su madre no ve con buenos ojos la relación que mantiene con su novia; a pesar de la riqueza, los padres de Will tampoco mantienen una relación sólida lo que hace que el joven evidencie una gran pena, a pesar de no exteriorizarla.

Como quedó señalado, el film carece de elementos que lleguen a impactar; aunque bien filmado y correctamente actuado no hay gran excitación o emoción a pesar de que hacia el final, el relato utiliza resortes melodramáticos para tratar de atraer a la audiencia.

Ciertamente el espectador no está en presencia de un film malo, pero tampoco es algo que lo llegará a conmover ya que todo sigue un curso preestablecido sin sorpresa alguna.
PP

CHLOE. Canadá, 2009. Un film de Atom Egoyan
La primera curiosidad que aporta el último trabajo de Atom Egoyan es saber la razón por la cual decidió realizar una nueva versión de “Nathalie” (2003), el film francés de Anne Fontaine. Aunque aquel drama de infidelidad conyugal concitaba cierto interés, no hay motivos que justifiquen volverlo a considerar, sobre todo si el resultado es sustancialmente inferior al del modelo original. Aunque Egoyan es uno de los más importantes directores canadienses, lo cierto es que su visión y original creatividad demostradas en obras anteriores, aquí están ausentes.

El escenario es Toronto, en lugar de Francia, donde viven Catherine (Julianne Moore), una ginecóloga y su marido David (Liam Neeson), un profesor de música, que a primera vista parecen formar una pareja bien avenida. Para celebrar el cumpleaños de su marido, Catherine le prepara una fiesta sorpresa en compañía de amigos; sin embargo, cuando en el día indicado todos lo esperan retornar de un viaje que realizó por la jornada a Nueva York, él se comunica telefónicamente con Catherine diciéndole que no puede regresar porque perdió su vuelo y recién lo podrá hacer al día siguiente. Cuando con posterioridad Catherine descubre en el teléfono de su esposo la foto de una atractiva alumna suya, comienza a pensar que él le está engañando; para poder confirmar sus sospechas decide contratar los servicios de Chloe (Amanda Seyfried), una joven prostituta de lujo, para que trate de seducir a su marido a fin de poner a prueba su fidelidad.

La interesante premisa inicial que promete intriga y misterio, lentamente comienza a desintegrarse cuando el relato introduce ingredientes que desnaturalizan el objetivo perseguido.

En la medida que Chloe debe reportar a Catherine sobre los vaivenes del affaire mantenido con David, la descripción de explícitos detalles va creando una sensación extraña en la perturbada esposa volviéndose celosa de la relación adúltera que ella mismo contribuyó a incentivar. De allí en más, el guión de Erin Cressida Wilson se convierte en un rutinario y vulgar relato sexual que no solamente involucra a los tres personajes centrales sino que también participará Michael (Max Thieriot), el hijo adolescente de la pareja, que termina acostándose con Chloe en la cama de sus padres.

Aunque no se trate estrictamente de un thriller pornográfico, la farsa sexual contemplada no concita interés y todo parece indicar que se estuviera presenciando un film diferente al de su comienzo. En consecuencia, aunque uno quisiera considerar al relato como una historia de sospechas, mentiras y traiciones dentro del contexto de una relación de pareja, su incoherencia hace imposible efectuar un serio análisis del mismo; ese hecho se ve aún más agravado frente a
un desenlace forzado que dista de convencer. En resumen, un traspié en la filmografía de Egoyan.


EVERYONE ELSE. Alemania, 2009. Un film de Maren Ade.
Aunque muchas veces se ha considerado el tema de la desintegración en las relaciones de una pareja, pocas veces se ha alcanzado un nivel de madurez y expresividad dramática como en Everyone Else. La realizadora alemana Maren Ade ha tratado de emular a Antonioni (La Noche) y Bergman (Escenas de la Vida Conyugal) retratando a dos profesionales alemanes (Minichmayr, Lars Eidinger) de treinta y tantos años de edad que durante unas vacaciones transcurridas en la isla de Cerdeña verán aflorar sus diferencias y temores de poder llegar a vivir juntos y fundar una familia.
Lo interesante de este film es que a pesar de que en términos de acción no es mucho lo que pasa, el relato alcanza dimensión dramática al expresar claramente la situación de dos personas que creen amarse pero que no obstante les resulta difícil superar las contradicciones en que se ven envueltas; aunque sería fácil culpar a una de las partes en juego –ella es mucho más madura que él en cuanto a la forma de vislumbrar la vida y el futuro- lo cierto es que lo que aquí queda claro es que una relación no puede sustentarse en los momentos pasajeros que provee el placer sexual unido al confort de una buena posición económica, sino en la necesidad de que exista un equilibrio psicológico entre las partes integrantes para evitar que la convivencia se fosilice. Sin duda, éste es un film inteligente y sutil que deleitará a un público que busca un cine alternativo de calidad.
PPP

15.4.10

DVDs RECIENTEMENTE PUBLICADOS

LES PLAGES D’AGNES. Francia, 2008. De Agnès Varda.

Agnès Varda celebró sus 80 años de vida filmando un documental sobre su peLES PLAGES D’AGNES. Francia, 2008. De Agnès Varda.

Agnès Varda celebró sus 80 años de vida filmando un documental sobre su persona. Sin complacencia ni vanidad alguna, la película pareciera hecha como un legado para sus familiares y amigos, aunque sin duda, el público también disfruta del encanto, buen humor y la reconstrucción de una existencia intensamente rica a nivel emocional e intelectual. Las playas del título constituyen el hilo conductor del cual Varda se inspira para transmitir los hechos importantes que han jalonado su vida; éstas incluyen las de Bélgica -donde pasó su infancia en los veranos y Semana Santa-, las de Sète en Francia, y las de Venecia y Santa Mónica en Los Ángeles.

Nacida en Bélgica donde vio transcurrir su niñez, al estallar la Segunda Guerra se muda con sus padres a Francia. Allí, efectúa sus primeras incursiones como fotógrafa, para volcarse posteriormente al cine con su primer film, “La Pointe Courte” rodado en 1954, algunos años antes que el movimiento de la “nueva ola” de directores franceses hiciera su irrupción. Después de otros filmes que le han seguido en la década del 50, comienza su vinculación con directores representativos de esa nueva gama como Resnais y Godard, y en donde ella también integraría la lista de realizadores innovadores en el panorama francés con películas tan meritorias como “Cleo de 5 a 7” (1962) y “La Felicidad”(1965).

Varda rememora su encuentro con Jacques Demi, el hombre que amó, con quien tuvo dos hijos y convivió durante 33 años hasta su muerte en 1990; precisamente y poco tiempo antes de fallecer, ella le rinde tributo con la filmación de “Jacquot de Nantes” que es un emotivo relato biográfico de Demy desde sus 8 años hasta el momento en que sabe que su vocación es el cine.

Varda también pasa revista a su experiencia americana por haber vivido y rodado varios filmes en Los Ángeles, ciudad a la que considera plena de contrastes y contradicciones.
A partir de la década del 90 abandona el cine de ficción para dedicarse al género documental donde “Les Glaneurs et la glaneuse” (2002), “Cinévardaphoto” (2004) y el film que se está comentando se destacan entre los más importantes.

El documental se vale de importante material de archivo de la directora, así como de escenas de algunos de sus filmes y fotografías que incluyen las tomadas en ocasión de sus reportajes en China en 1957 y sobre la revolución cubana en 1962.

Virtuosa, inteligente e infatigable, esta octogenaria cineasta depara a su público con una autobiografía donde la melancolía no llega a estar ausente; con todo, y hasta en aquellos momentos donde su memoria se asocia con hechos dramáticos, ella proporciona la ligereza necesaria para que su trabajo no fatigue o resulte monótono. Por el contrario, se trata de un notable documental que merecidamente acaba de ser distinguido en Francia, como el mejor de 2008.

La edición del DVD no contiene suplemento alguno pero de todos modos constituye un film importante para el cinéfilo y admirador de esta sensible realizadora. En versión original francesa con subtítulos en inglés.

LITTLE ASHES. De Paul Morrison
No es de desechar las buenas intenciones del director Paul Morrison en ilustrar un período de la vida de tres grandes iconos del arte hispano del siglo 20 como lo han sido el poeta y dramaturgo Federico García Lorca, el pintor Salvador Dalí y el director Luis Buñuel. Cada uno en sus respectivos campos alcanzó notoriedad internacional y es así que esta coproducción de Gran Bretaña y España de Paul Morrison trata de revivir los años de juventud y primeros logros de estos geniales artistas. Sin embargo, el foco del guión escrito por Philippa Goslett está más dirigido a presentar un drama romántico homosexual que ilustrar los logros personales de las tres personalidades mencionadas.
El film comienza en 1922 en la ciudad de Madrid donde el joven Dalí (Robert Pattinson) llega a la residencial estudiantil de la Escuela de Bellas Artes e inmediatamente se encuentra envuelto en el estilo de vida bohemio de García Lorca (Javier Beltlrán) y Buñuel (Matthew McNulty), otros dos huéspedes. Prontamente surge una atracción homoerótica entre Lorca y Dali que produce los celos de Lorca quien tratará de separar a Dali del escritor llevándolo a Francia. La acción se traslada a París en 1929 donde se aprecia la famosa escena del cortometraje “Un Perro Andaluz” de Buñuel con guión de Dali, en donde el ojo de una mujer es seccionado con una navaja. La última parte del relato imagina un reencuentro no muy feliz de Lorca y Dali en España y el arresto y posterior ejecución del primero durante los primeros días de la Guerra Civil comenzada en Julio de 1936.
Aunque nunca se ocultó la homosexualidad de Lorca, hasta ahora nada se sabe fehacientemente de las inclinaciones sexuales de Dali y hasta qué punto lo que el guión ilustra aquí puede o no ser fidedigno. Pero más allá de una relación romántica no consumada, el film de ninguna manera ahonda en sus personajes y revela muy poco para aquel público que no sepa mucho de los mismos. Aunque bien hecho, el relato de este film no está muy elaborado y tampoco tiene muy claro su verdadera intención. La película está hablada en inglés, despojando de toda la autenticidad requerida tomando en cuenta a sus protagonistas y el ambiente donde transcurre.
Como suplemento, el DVD ofrece una entrevista al director, guionista y a algunos de los actores del reparto, sin agregar nada revelador a lo que el film ofrece.

THE TWILIGHT SAGA. NEW MOON. De Chris Weitz
Este film constituye el segundo capítulo de la exitosa serie “Twilight” que comienza donde la primera parte concluye. El cambio de directores, donde Chris Weitz reemplaza a Catherine Hardwicke, no ha afectado absolutamente al resultado del film.
En esta segunda parte el amor entre la adolescente Bella (Kristen Stewart y su enamorado vampiro Edward (Robert Pattinson) cobra mayor intensidad y además se vuelve más complicado. Cuando Bella celebra su fiesta de cumpleaños, un imprevisto accidente provoca una situación inesperada que fuerza a que Edward deba abandonar la ciudad de Forks. Sola, y sin protección, será su amigo Jacob Black (Taylor Lautner), quien llegará a su rescate frente a una difícil situación; a partir de allí, la joven se ve envuelta en un triángulo amoroso a la vez que comienza a percibir los misterios sobrenaturales del mundo que la rodea.

La trama no tiene mayor importancia en esta historia pero a los jóvenes poco les interesa en la medida que el relato guarda un hálito romántico, tiene suficiente acción y efectos especiales capaces de satisfacer los apetitos de una audiencia juvenil.
En sus dos formatos, DVD y Blu-ray, esta edición cuenta con varios suplementos y entre ellos se encuentra un comentario en audio con el director y con el montajista r Peter Lambert; un documental de 6 capítulos sobre el “detrás de la escena” del film; archivos de ensayo y videoclips. La banda audio es en inglés, francés y cuenta con subtítulos opcionales en ambos idiomas. rsona. Sin complacencia ni vanidad alguna, la película pareciera hecha como un legado para sus familiares y amigos, aunque sin duda, el público también disfruta del encanto, buen humor y la reconstrucción de una existencia intensamente rica a nivel emocional e intelectual. Las playas del título constituyen el hilo conductor del cual Varda se inspira para transmitir los hechos importantes que han jalonado su vida; éstas incluyen las de Bélgica -donde pasó su infancia en los veranos y Semana Santa-, las de Sète en Francia, y las de Venecia y Santa Mónica en Los Ángeles.

Nacida en Bélgica donde vio transcurrir su niñez, al estallar la Segunda Guerra se muda con sus padres a Francia. Allí, efectúa sus primeras incursiones como fotógrafa, para volcarse posteriormente al cine con su primer film, “La Pointe Courte” rodado en 1954, algunos años antes que el movimiento de la “nueva ola” de directores franceses hiciera su irrupción. Después de otros filmes que le han seguido en la década del 50, comienza su vinculación con directores representativos de esa nueva gama como Resnais y Godard, y en donde ella también integraría la lista de realizadores innovadores en el panorama francés con películas tan meritorias como “Cleo de 5 a 7” (1962) y “La Felicidad”(1965).

Varda rememora su encuentro con Jacques Demi, el hombre que amó, con quien tuvo dos hijos y convivió durante 33 años hasta su muerte en 1990; precisamente y poco tiempo antes de fallecer, ella le rinde tributo con la filmación de “Jacquot de Nantes” que es un emotivo relato biográfico de Demy desde sus 8 años hasta el momento en que sabe que su vocación es el cine.

Varda también pasa revista a su experiencia americana por haber vivido y rodado varios filmes en Los Ángeles, ciudad a la que considera plena de contrastes y contradicciones.
A partir de la década del 90 abandona el cine de ficción para dedicarse al género documental donde “Les Glaneurs et la glaneuse” (2002), “Cinévardaphoto” (2004) y el film que se está comentando se destacan entre los más importantes.

El documental se vale de importante material de archivo de la directora, así como de escenas de algunos de sus filmes y fotografías que incluyen las tomadas en ocasión de sus reportajes en China en 1957 y sobre la revolución cubana en 1962.

Virtuosa, inteligente e infatigable, esta octogenaria cineasta depara a su público con una autobiografía donde la melancolía no llega a estar ausente; con todo, y hasta en aquellos momentos donde su memoria se asocia con hechos dramáticos, ella proporciona la ligereza necesaria para que su trabajo no fatigue o resulte monótono. Por el contrario, se trata de un notable documental que merecidamente acaba de ser distinguido en Francia, como el mejor de 2008.

La edición del DVD no contiene suplemento alguno pero de todos modos constituye un film importante para el cinéfilo y admirador de esta sensible realizadora. En versión original francesa con subtítulos en inglés.

2.4.10

Retransmisión de las Operas del MET

Nueva Difusión de las óperas más populares

Durante el mes de abril y de mayo cuatro de las óperas más populares de la actual temporada de la serie del Metropolitan Opera en directo y en alta definición volverán a ser difundidas en los cines participantes de la cadena Cineplex Divertissement a través del país.

Las óperas seleccionadas son las siguientes :

TOSCA de Puccini (5 de abril). Cuenta con la participación de Marcelo Álvarez y Juha Uusitalo. La dirección musical está a cargo de Joseph Colaneri.

AIDA de Verdi (12 de abril). Violeta Urmana desempeña el papel protagónico y está acompañada por Johan Botha y Dolora Zajick. Daniele Gatti tiene a su cargo la dirección orquestal.

TURANDOT de Puccini (3 de mayo). Con Maria Guleghina y Marcello Giordani en los roles principales. La orquesta es dirigida por Andris Nelson.

CARMEN de Bizet (10 de mayo). El maestro Yannick Nézet-Séguin dirige esta ópera. Es una nueva producción del MET que cuenta con la participación de Elina Garanca y Roberto Alagna en los roles principales bajo la dirección escénica de Richard Eyre.

Las retransmisiones tendrán lugar en la provincia de Quebec a las 18h30 en los siguentes cines:

Cineplex Odeon Beauport (entradas numeradas). 825 rue Clemenceau, Beauport.

Cineplex Odeon Brossard (entradas numeradas). 9350 boul. Leduc, Brossard.

Colisée Kirkland (entradas numeradas). 3200 rue Jean-Yves, Kirkland.

Colossus Laval (entradas numeradas). 2800 rue du Cosmodôme, Laval.

Quartier Latin (entradas numeradas). 350 rue Emery, Montreal.

Las entradas se pueden adquirir anticipadamente a través del sitio www.cineplex.com/evenements y/o en las boleterías de los cines mencionados.

UN NUEVO FESTIVAL DE CINE LATINO EN MONTREAL

La creciente atención que el cine de América Latina despierta en Canadá ha contribuido a que además de las películas presentadas en los más importantes festivales internacionales del país (Toronto, Montreal y Vancouver) se agreguen otros eventos os exclusivamente dedicados a los filmes de la región. Aunque en Montreal ya existe desde hace más de una década FESTIVALISSIMO dedicado al cine de España y América Latina, ahora se agrega el FESTIVAL DE CINE LATINOAMERICANO DE MONTREAL (FCLM) que sin duda contribuirá a ampliar la difusión de esta cinematografía. En su primera edición el FLCM proyectará 21 filmes de reciente producción y algunos clásicos del cine argentino.
La muestra comienza hoy 2 de abril con EL SECRETO DE SUS OJOS de Juan José Campanella, que como ya es bien sabido ha recibido el Oscar al mejor film extranjero; aunque el film de Argentina ya fue presentado el año pasado en el TIFF, ésta es la primera ocasión de exhibición en Montreal, precediendo a su estreno comercial que tendrá lugar en dos semanas más.
Entre algunos otros títulos integrantes de la selección oficial figura LA NANA (Chile) del director Sebastián Silva, que el año pasado obtuvo un Premio Especial del Jurado y de la Mejor Actriz en el Festival de Sundance. ILUSIONES ÓPTICAS (Chile), es una comedia negra del novel realizador Cristián Jiménez relatando diversas historias contenidas que reflejan la idiosincrasia cultural chilena. LA MUJER SIN CABEZA (Lucrecia Martel), de la renombrada realizadora argentina Lucrecia Martel, es otro de los títulos que se verá; el film ha sido muy elogiado en ocasión de su estreno en Estados Unidos y muchos críticos han considerado al relato como una alegoría política sobre los desaparecidos durante los años de la trágica dictadura militar de Argentina. CONTRACORRIENTE (Perú) de Javier Fuentes-León, ganador del Premio del Público en el Festival de Cine de Sundance de 2010, considera la relación homosexual de un hombre casado cuya esposa aguarda el nacimiento de su primer hijo; el triángulo amoroso planteado es tratado con máxima sutileza y a pesar de su naturaleza temática el film está dirigido a todo tipo de público. GIGANTE (Uruguay) de Adrián Biniez, ha sido el ganador del Oso de Plata y Mejor Primer Film en el Festival de Cine de Berlín de 2009; se trata de una sensible comedia dramática enfocando la vida de un introvertido cuidador nocturno de un supermercado que llega a enamorarse de una de las empleadas del lugar donde trabaja. CINCO DIAS SIN NORA (México), es una meritoria primera película de la directora Mariana Chenillo; el film que ha sido galardonado con la máxima distinción en el Festival de Mar del Plata de 2009, considera el tema de la muerte pero en tono de humor negro con un resultado ampliamente satisfactorio. LOS VIAJES DEL VIENTO (Colombia) de Ciro Guerra es una película minimalista que adopta la estructura de una “road movie” a través de un viaje realizado por un anciano acordeonista y un aprendiz deseoso de conocer los gajes del oficio; el trayecto realizado a través de la costa caribeña de Colombia destaca el esplendor de la naturaleza y sus majestuosos escenarios. Otra película de interés es ERASE UMA VEZ (Brasil) donde el realizador Breno Silveira utiliza la inmortal historia de Romeo y Julieta en los escenarios de la deslumbrante ciudad de Río de Janeiro para destacar, mediante una historia de amor juvenil, las diferencias económicas y sociales de Brasil.
Celebrando el centésimo aniversario de la cinematografía de Argentina, el FCLM presentará tres filmes representativos del cine argentino de ayer y de hoy; éstos son DIOS SE LO PAGUE (1948) dirigido por Luis César Amadori, LA TREGUA (1974) de Sergio Renán, basado en la novela del gran escritor uruguayo Mario Benedetti, e HISTORIAS EXTRAORDINARIAS (2008) de Mariano Linas.

El FCLM continúa hasta el 15 en el Cinéma du Parc de Montreal. Para información adicional y la programación horaria, el sitio de internet a consultar es http://www.fclm.ca/

1.4.10

Actividad Teatral de Abril

Centaur Theatre

Durante el transcurso del mes de abril y hasta el 2 de mayo inclusive, el Teatro Centaur presenta The Madonna Painter or The Birth of a Painting, pieza escrita por Michel Marc Bouchard, con la dirección escénica de Roy Surette.

El tema gira en torno de un joven sacerdote quien es enviado a una pequeña aldea de Lac-Saint-Jean. Decidido a inspirar la fe a sus habitantes, él encomienda a un pintor italiano que se encuentra de paso para elaborar un fresco destacando a la Santa Virgen. Con el apoyo financiero de un médico filántropo, debe reclutar a una modelo de entre las mujeres del pueblo, todas ellas profundamente sumergidas en sus propias mitologías pseudo medievales con sus roles de mártires o de santas. Una vez que esa modelo es elegida, los acontecimientos se tornan imprevisiblemente sombríos.

El elenco está integrado por Stefanie Buxton, Graham Cuthbertson, Lucinda Davis, Alessandro Juliani, Jean Leclerc, Meg Roe y Amelia Sargisson. Pierre-Etienne Locas tiene a su cargo los decorados y vestuario, Martin Sirois es responsable de la iluminación en tanto que Alessandro Juliani y Meg Roe se ocupan de la banda sonora y música original.

Segal Centre

Desde el 18 de este mes hasta el 9 de mayo, el Centro Segal presentará Harvey de la escritora Mary Chase, ganadora del Premio Pulitzer.

Estrenada en Broadway en 1944, esta pieza siguió manteniendo a través de los años su gran popularidad e incluso fue llevada al cine con la participación de James Stewart encabezando el reparto. La historia se centra en Elwood P. Dowd, un afable individuo, y su mejor amigo que es un invisible conejo gigante llamado Harvey. Cuando Elwood comienza a presentar a Harvey en reuniones sociales, su hermana Veta no pudiendo tolerar más su excéntrico comportamiento decide internarlo en un psiquiátrico. Esta es la excusa para que la autora plantee la vieja pregunta sobre si Elwood es verdaderamente insano y peligroso o en cambio son los médicos practicantes que debieran ser tratados de anomalía mental.

La puesta en escena es de Diana Leblanc en tanto que su elenco está integrado por R.H. Thomson, Nora McLellan, David Francis, Jane Gilchrist, Carmen Grant, Adina Katz, Walter Massey, Alex McCooeye y Moira Wylie, entre otros. Los decorados están a cargo de John Dinning y la iluminación corresponde a Sarah Yaffe.

Información adicional se puede obtener en www.segalcentre.org

National Theatre de Londres

El National Theatre de Londres podrá ser apreciado en Montreal gracias a la difusión en alta definición que tendrá lugar en varias salas de la cadena Cineplex Divertissement transmitiendo el jueves 22 de abril la pieza The Habit of Art.

El autor de la misma es Alan Bennett, quien ya tuviera un resonante suceso hace varios años con la obra “The History Boys”. Con la dirección escénica del renombrado hombre de teatro Nicholas Hytner, el autor enfoca los últimos años del poeta anglo-americano W. H. Auden –considerado por muchos como uno de los más grandes autores del siglo 20- ubicándolo en un reencuentro ficticio con el compositor Benjamin Britten. La pieza constituye una reflexión sobre la vejez, la creatividad, la inspiración y la persistencia cuando la pasión ya no existe más.
El reparto está integrado por prestigiosos nombres de la escena británica como es el caso de Adrian Scarborough, Alex Jennings, Frances De La Tour y Richard Griffiths.

Para obtener información adicional, el horario y los cines participantes el sitio de internet a consultar es
www.cineplex.com/evenements









La actividad musical de Abril

Orquesta Sinfónica de Montreal (OSM)

El primer concierto del mes de la OSM tiene lugar el martes 6 de abril (20h) con la dirección del maestro Ludovic Morlot en su primera presentación con la orquesta. El programa incluye dos Nocturnos de Debussy, el Concierto para piano y orquesta en sol de Ravel con el pianista canadiense Stewart Goodyear como solista, las Danzas Sinfónicas de Rachmaninov y La Valse de Ravel.

El miércoles 7 (10.h30) la OSM recibe la visita del director checo Nathan Brock. Se ejecutará el Moldava de Smetana, la Sinfonía No. 1 de Mendelssohn, las Danzas Eslavas No.4 y No. 8 de Dvorak y el Concierto para Trompeta de Jacques Hétu que tendrá como solista al músico canadiense Guy Few.

El programa del domingo 25 (14h30) incluye Jeux de Debussy, Jeu de cartes de Stravinsky, la Sinfonía No. 35 (“Haffner”) de Mozart y el poema sinfónico La Mer de Debussy, donde la orquesta será dirigida por su director artístico Kent Nagano.

El 27 de este mes (20h) y el 28 (10h30), Kent Nagano dirige el Cuarto Concierto para Piano de André Mathieu con Alain Lefèvre como solista. El día 27, Nagano también dirige la suite sinfónica Scheherazade de Rimsky-Korsakov, en tanto que al día siguiente el programa se completa con dos obras de Mozart, la obertura de la ópera Don Giovanni y la Sinfonía “Haffner”.

Todos los conciertos se realizan en la sala Wilfrid-Pelletier y para cualquier información adicional el sitio de la OSM es
www.osm.ca

McGill Chamber Orchestra

El miércoles 7 (19h30) la Opera McGill y el director invitado Julian Wachner se unen a la Orquesta de Cámara McGill para la versión orquestal de la ópera Dido y Eneas del compositor británico Henry Purcell.

Después de esa obra, el maestro Boris Brott dirigirá a la Orquesta quien ejecutará las Variaciones sobre un Tema de Frank Bridge del mismo compositor. El concierto se realizará en el auditorio Pollack de la Universidad McGill.

Ladies Morning Musical Club
La organización musical LMMC presentará el domingo 11 de abril (15h30) al barítono alemán Stephan Genz quien acompañado del pianista Eric Schneider ofrecerá Winterreise (Viaje de Invierno), Opus 89 de Schubert. Se trata de un ciclo de lieder que Schubert compuso en el último año de su vida basándose en poemas de Wilhelm Muller.

El concierto se realizará en el auditorio Pollack de la Universidad McGill. El sitio de internet es www.lmmc.ca.