27.10.12

STRANGER THAN FICTION

THE IMPOSTER. Estados Unidos,2012. Un documental de Bart Layton

Hay una expresión inglesa denominada stranger than fiction que hace alusión a aquellas situaciones en donde la realidad resulta más extraña que cualquier ficción elaborada en base a situaciones improbables o rebuscadas. Eso puede ser aplicado al presente documental porque si se hubiera tratado de una historia de ficción el film habría sido fuertemente cuestionado por su absoluta falta de credibilidad. Aquí asistimos a un documental cuyo interés descansa precisamente por su premisa completamente irrealista y por la manera en que el realizador Bart Layton se las ingenió para utilizar el material que tenía en sus manos para elaborar un film de máximo suspenso que sin duda alguna Hitchcock se habría deleitado viéndolo.

Todo comienza a mediados de 1994 cuando Nicholas Barclay, un chico de 13 años de edad del estado de Texas súbitamente desaparece sin dejar rastro alguno. De inmediato, la acción se traslada tres años y medio después a Linares, una aldea del sur de España, donde las autoridades locales notifican que el adolescente ha sido ubicado. No cometo indiscreción alguna al señalar algo que se refleja en el título del film y que de ningún modo Layton trata de disimular u ocultar. Así, el espectador inmediatamente se da cuenta que se enfrenta con un extraordinario impostor que justifica su desaparición diciendo que había sido secuestrado y que sus captores lo han sometido a una continuada tortura física y emocional.

El documental que está estructurado dramatizando situaciones con actores verdaderos, va informando al espectador que el impostor que finge ser Nicholas es Frédéric Bourdin, un muchacho francés de origen argelino con un pasado delictivo que ha vivido toda su vida fabulando y adoptando diversas personificaciones; en ese mundo de fantasía él mismo llega a ser un damnificado más.

Volviendo al punto de partida es necesario dejar establecido algunas características del embaucador. Es 7 años mayor que Nicholas, tiene piel oscura en tanto que Nicholas es rubio, posee ojos negros en tanto que los del adolescente desaparecido son celestes, además hay que considerar que las cejas del farsante son notoriamente más espesas y que posee una dicción que de ningún modo responde al inglés natural hablado por el ciudadano del medio oeste americano.

Adam O'Brian personificando a Frédéric Bourdin
Cuando una de las hermanas de Nicholas llega a España para recoger al muchacho y retornarlo al seno del hogar familiar, el espectador se queda atónito al comprobar que ella no guarda sospecha alguna y da por hecho que Frédéric es realmente Nicholas. Por si eso no fuese suficiente, cuando ambos llegan a San Antonio, los familiares lo acogen sin cuestionar ninguno de los rasgos físicos o emocionales completamente diferentes a las del desaparecido. ¿Cómo es posible que ni siquiera la madre dude sobre la identidad de su hijo a pesar de que por instinto maternal resultaría imposible de ser engañada? La única explicación, medianamente racional, es que a pesar de las objetivas y marcadas diferencias existentes entre Nicholas y su doble, la familia al haber estado tan desesperada por la ausencia del menor se aferra a la idea de que Nicholas logró salvar su vida dejando atrás las miserias infligidas por sus raptores.

La segunda parte del film hace que el público se convierta en un investigador más, tratando de imaginar cómo la impostura podrá ser descubierta y cuáles serán los efectos de la misma. En tal sentido, Layton proporciona algunas vueltas de giro -en parte alimentadas por un investigador privado que se apasiona con el caso- donde el documental adquiere el tono de un excelente thriller.

Lo cierto es que Nicholas Barclay jamás reapareció y nada se sabe de su paradero aunque judicialmente el caso esté cerrado. Eso no implica que cada espectador pueda sustentar su propia teoría sobre lo ocurrido y especialmente sobre si realmente la familia de Barclay era tan ingenua como se supuso para creer en la impostura de Frédérick o si hubo algunos intereses para hacer creer que Nicholas reapareció.

Conclusión: Un excelente documental sobre un caso real donde la verdad de los hechos nunca quedó esclarecida.   Jorge Gutman

UNA FABULA ENCANTADORA

CINDERELLA. Estados Unidos, 1950. Dirección: Wilfred Jacckson, Hamilton Luske, Clyde Geronimi. Distribución: Disney (2012)

Aunque el célebre cuento concebido por el escritor francés Charles Perrault, haya sido objeto de numerosas versiones, orales y escritas, Cinderella -el film de animación de los estudios Disney de 1950, es posiblemente el más memorable.

A 62 años de su estreno, nuevas generaciones pueden apreciar esta fábula encantadora ya sea a través de reposiciones que tuvieron lugar en variadas ocasiones o bien mediante su edición en video En esta oportunidad, hace pocos días fue lanzado al mercado la colección Diamant que además de incluir el disco con formato DVD, también incluye un disco adicional donde por primera vez aparece en formato Blu-Ray.

No es necesario brindar una sinopsis sobre el contenido de Cenicienta. Quien más, quien menos, todos están al tanto de las peripecias sufridas por una angelical jovencita quien tras la muerte de su padre queda a merced de su cruel madrastra y sus dos hermanastras que la odian y la explotan como si fuese una esclava; todo cambiará el día en que con la valiosa ayuda de un hada madrina, la jovencita tendrá ocasión de acudir al baile del palacio real y deslumbrar con su presencia al Príncipe Encantador quien cree ver en ella a la esposa ideal para compartir su vida; tras algunos obstáculos con la llegada de la medianoche, todo quedará superado para el feliz desenlace, tal como se estila en los clásicos cuentos de hadas.

Volviendo a apreciar el film, se puede afirmar que el mismo conserva intacta su frescura original, aunque eso no implique que resulte totalmente perfecto; así, losdirectores bien pudieron haber eliminado unos quince minutos de metraje con las peleas entre los simpáticos ratoncitos Gus y Jacques, amigos de Cenicienta, y el malvado gato Lucifer, que en realidad poco tienen que ver con la parte esencial del cuento. Pero se trata simplemente de una observación que de ningún modo desmerece al film, que sigue manteniendo un encanto especial para que los niños de esta generación acompañados de sus familiares puedan disfrutar de su visión, del mismo modo como nuestros padres y abuelos lo gozaron en ocasión de su estreno.

Aunque sin registrar números musicales magistrales (como en el caso de Blancanieves), de todos modos el tema Bibbidi-Bobbidi-Boo queda bien grabado en el oído del espectador. En cuanto a la animación, es sin duda excelente, sobre todo si se tiene en cuenta que a mediados del siglo pasado se carecía de los dispositivos tecnológicos que hoy se obtienen con imágenes logradas por computación.

El traspaso de esta joyita al video es irreprochable tanto en lo que hace a textura, los vívidos colores realzados por la alta definición y la calidad del sonido.

El material extra incluido no ofrece nada relevante; lo más destacable se encuentra en un agrdable corto animado (5 minutos) Tangled Ever After, y en Behind the Magic: A New Disney Princess Fantasyland  (8 mintuos) que es un adelanto de lo que será a partir de la primavera de 2014 el inmenso espacio dedicado a la nueva Fantasilandia, para la reproducción escénica de algunas de las películas más famosas de los estudios Disney.

La banda de sonido de ambos formatos es en inglés, francés y español, en tanto que existe la opción de subtítulos en los mismos idiomas, con excepción de los suplementos que pueden estar subtitulados en francés o inglés.  Jorge Gutman

UN BUEN DOCUMENTAL

ROCKY MOUNTAIN EXPRESS. Canada, 2012. Un documental de Stephen Low

Este documental de Stephen Low rodado en el sistema IMAX 70 mm constituye un fascinante viaje a través de las Montañas Rocallosas, rememorando la historia de la épica construcción de la primera línea férrea transcontinental en Canadá. Esta gigantesca obra realizada por la compañía ferroviaria Canadian Pacific entre 1875 y 1885 tuvo como propósito cumplir con la condición impuesta por la provincia de British Columbia cuando se incorporó a la confederación en 1871.

El film reúne los elementos necesarios para gratificar al espectador. A pesar de su duración de tan solo 45 minutos es lo suficientemente didáctico en su reseña sobre el monumental trabajo de ingeniería que dicha operación constituyó y que tuvo al gran ingeniero americano William Cornelius Van Horne como una de las figuras claves al frente del proyecto. La tarea no fue nada sencilla debido a los innumerables desafíos del terreno montañoso donde el tren debía pasar; toda esa ardua misión implicó también la pérdida de vidas antes de que la obra quedara concluída.

A bordo de la imponente locomotora a vapor 2816 de Canadian Pacific, el público tiene oportunidad de revivir esa audez aventura siguiendo la ruta original que unió al país, de oeste a este. A través de majestuosas vistas aéreas, se puede apreciar el paso del tren a través de montañas, rios, valles y otras maravillas de la naturaleza que ofrecen los paisajes del deslumbrante oeste canadiense.

Con una fotografía aérea espectacular del tren a través del trayecto que va realizando, se van obteniendo imágenes que realmente llegan a fascinar; si a ello se le agregan algunas excelentes viejas fotos de archivo muy bien resaltadas en IMAX, el resutlado de esta experiencia es altamente grata y provechosa.

Conclusión: Una buena lección de historia canadiense en un logrado documental sobre la línea férrea que contribuyó a unir al país de un extremo al otro.  Jorge Gutman



¡OJALÁ!

INCH’ALLAH. Canadá-Francia, 2012. Un film escrito y dirigido por Anais Barbeau-Lavalette.

Pueden ser nobles las intenciones de la directora canadiense Anais Barbeau-Lavalette de enfocar el eterno conflicto palestino-israelí del Medio Oriente bajo un cariz humanitario; sin embargo Inch’Allah (palabra árabe que en español significa ojalá) es un drama bien hecho pero fallido por cuanto no logra cumplir con los objetivos propuestos. El deseo de la realizadora ha sido contar una historia de ficción tratando de demostrar el rostro humano del terrorismo pero para lograr el delicado equilibrio con la situación actual imperante en la región es necesario mostrar las dos caras de la medalla y no solamente una de ellas, según se desprende de su relato.

El guión presenta a Cloe (Evelyne Brochu), una joven obstetra de Quebec que trabaja para las Naciones Unidas en un campo de refugiados palestinos en Cisjordania. Residiendo en Jerusalén, todos los días debe desplazarse a Ramallah, esperando en largas filas el turno para franquear los puestos de control. En la clínica entabla una relación afectiva con Rand (Sabrina Ouazani), una mujer palestina en estado de gravidez cuyo marido está en una cárcel israelí aguardando una sentencia judicial; ella vive con su hermano mayor Faysal (Yousef Sweid) quien es un apasionado activista y Safi (Hammoudeh Alkarmi), otro hermano menor quien es un niño afectado por la guerra y que desearía poder atravesar las fronteras que lo separan de Israel. A todo ello, los únicos momentos de distracción para Cloe son sus salidas nocturnas con una joven militar israelí (Sivan Levy) que es vecina del edificio donde habita.

La mayor parte de esta historia ilustra las condiciones miserables de vida en los territorios ocupados enfatizando la humillación que sufre su gente por parte de soldados israelíes, pero sin considerar las circunstancias del terrorismo latente que los llevan a actuar con recelo y desconfianza.

Evelyne Brochu y Sabrina Ouazani
Claramente, la directora muestra una total simpatía hacia los palestinos. Eso está bien evidenciado en dos momentos del relato; en uno de los mismos Cloe está frustrada porque los soldados inspeccionan la clínica buscando a culpables de un atentado reciente contra colonos israelíes; la otra situación se produce en el momento más dramático del relato cuando Rand -a punto de dar a luz en una situación angustiosa debido a la falta de oxígeno del bebé-, es impedida de pasar un puesto de control para recibir asistencia urgente en un hospital israelí. Este último ejemplo quiere demostrar la falta de humanidad del soldado actuante frente a la tragedia que ese acto conlleva, creando por consiguiente un sentimiento de irritación por parte del espectador.

El film comienza con la explosión de una bomba en un café de Israel con sus trágicas consecuencias en la población civil allí presente. Frente a ello, uno se pregunta si se puede justificar la acción de los mártires suicidas frente a semejante barbarie. En la medida que la realizadora no ofrece respuesta a esa pregunta para en cambio exponer el rostro supuestamente humano de quienes cometen esos actos abominables, ella asume una actitud completamente parcializada que conlleva a que el film pierda credibilidad.

Conclusión: Un film controversial que sin convicción trata de mostrar el rostro humano del terrorismo.   Jorge Gutman 

CONVIVIR CON UN CÁNCER

BEAUTY AND THE BREAST. Canadá, 2012. Un documental de Liliana Komorowska

El cáncer de mama, es una grave enfermedad que afecta cada vez más a un mayor número de mujeres. Éste es el tema que aborda la realizadora canadiense de origen polaco Liliana Komorowska en el documental Beauty and the Breast.

Aunque se trata de un tópico indudablemente dramático, la directora se encontró con el gran desafío de encararlo desde una perspectiva positiva y esperanzadora. Su inspiración la obtuvo de una mujer que habiendo visto cómo la enfermedad llegó a impactarla, creyó necesario analizar esta dolencia para testimoniar la forma en que el ser humano es capaz de afrontar un destino adverso.

El relato está centrado en nueve pacientes femeninas, entre 20 y 59 años, que es generalmente el segmento de edad más afectado por este tipo de cáncer. A todas ellas se las ve activas y llevando un nivel saludable de vida, aunque naturalmente sin dejar de considerar el mal que las afecta. A través de sus experiencias diferentes acerca de cómo se gestó y manifestó la enfermedad, los diversos estados de desarrollo, el apoyo de familiares íntimos, las diferentes cirugías abordadas frente a la naturaleza de los tumores, el denominador común que las vincula son su coraje, fortaleza y determinación de afrontar el mal con la convicción íntima de que a pesar de tratarse de algo grave ninguna de ellas se dejará vencer.

En última instancia, este film de profunda riqueza espiritual ayuda a reflexionar sobre la percepción de la belleza femenina que puede quedar afectada por la mutilación de los senos. En última instancia, tal como se testimonia en este relato íntimo narrado con genuina emoción, lo profundamente bello reside en la tremenda fuerza interior que brota de la resistencia humana para adaptarse a las circunstancias en tanto y en cuanto una vida puede salvarse. Es así que el valor de este documental reside en cómo la realizadora ha sabido penetrar en las almas de estas mujeres demostrando que su verdadera belleza está reflejada en la fuerza extraordinaria que las anima para conquistar a la bestia que amenaza sus vidas.   Jorge Gutman





LA ACTIVIDAD MUSICAL DE NOVIEMBRE

ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL

El primer concierto del mes de la OSM se efectuará el 4 de noviembre (14h30) bajo la dirección de Wolfgang Redik quien además participará como solista en el Concierto para Violín en Re menor de Mendelssohn. Otras obras del programa incluyen la Sinfonía en Re mayor de Vorisek y la Serenata N°9, K.320 de Mozart.

El segundo concierto tiene lugar el 7 de noviembre (20h00) con Jean-Marie Zeitouni como director y la participación de la violonchelista Alisa Weilerstein ejecutando el Concierto para Violonchelo de Dvorak. El programa se completa con el poema sinfónico de Debussy Preludio a la Siesta de un Fauno conmemorando el sesquicentenario del nacimiento de este compositor y la Sinfonía N° 4 de Magnard.

En el concierto matinal del 9 de noviembre (10h30) la orquesta será nuevamente dirigida por el maestro Zeitouni con la participación de la violinista Hyeyoon Park en el Concierto para Violín de Sibelius. El programa se completa con la Sinfonía N° 4 de Magnard.

El maestro Kent Nagano dirigirá a la OSM el 14 y 15 de noviembre (20h00) en un programa integrado por la Sinfonía N° 100 (Militar) de Haydn, una obra de DJ Champion /McKinley (en primera audición) que contará con el apoyo electrónico de DJ Champion, y el Concierto N° 5 para Piano (Emperador) de Beethoven con Yefim Bronfman como solista.  El 20 y 22 de noviembre (20h00) retorna al podio Kent Nagano ejecutando la Sinfonía N° 101 (El Reloj) de Haydn, el Moldava de Smetana, el Concierto N° 3 para Piano de Bartok con Jean-Efflam Bavouzet como solista y el Poema Sinfónico para 100 Metrónomos de Ligeti.

El 28 y 30 de noviembre (20h00) se presentará el violinista Alexandre Da Costa interpretando el Concierto para Violín de Barber bajo la dirección de Vasily Petrenko. El programa se completa con la Sinfonía N°10 de Shostakóvich.

El 18 de noviembre (14h30) la OSM recibirá la visita de la Orquesta Sinfónica de Toronto. Bajo la dirección de su director musical Peter Oundjian, la Sinfónica de Toronto ejecutará el Triple Concierto de Beethoven con Jonathan Crow (violín), Shauna Rolston (violonchelo) y André Laplante (piano) como solistas, el Tríptico de Mercure y la Sinfonía N° 12 de Shostakóvich.
Peter Oundjian
Todos los conciertos se desarrollan en la Maison Symphonique de Montreal. El sitio web es www.osm.ca


PRO MUSICA

Cuarteto Zemlinsky
La organización musical Pro Musica ha invitado por tercera vez al Cuarteto Zemlinsky. Desde su fundación en 1994 este conjunto se ha convertido en un muy buen ejemplo de la  musical checa, exponiendo la continuidad de la escuela y la tradición del cuarteto de cuerdas de la región de Bohemia. Gracias a la perfección de su técnica, su juego virtuoso así como su cohesión musical, el Cuarteto Zemlinsky ofrece al auditor una rica sonoridad inspirada por un espíritu creativo.

El conjunto se presentará el 5 de noviembre ejecutando el Cuarteto en Re mayor Op. 50 de Haydn, el Cuarteto N°2  (Cartas Íntimas) de Janácek y el Cuarteto en Fa menor Op. 80 de Mendelssohn.

Coro Nacional de Taiwán
Otro concierto auspiciado por Pro Musica tendrá lugar el 26 de noviembre con la presentación del Coro Nacional de Taiwán. Bajo la dirección de Agnès Grossman, esta formación musical integrada por 10 coristas y 10 instrumentistas ha logrado una remarcable homogeneidad y ha ampliado su repertorio abarcando obras de la época del renacimiento hasta la música contemporánea, sin olvidar el folclore nacional de Taiwán.

El programa incluye composiciones de Bruckner, Schumann, Brahms y canciones folclóricas taiwanesas.

Ambos conciertos tendrán lugar en la Maison Symphonique a las 20h00. Para información adicional consultar el sitio de internet www.promusica.qc.ca








LADIES MORNING MUSICAL CLUB

LMMC recibirá por octava vez al Cuarteto de Cuerdas Takács integrado por Edward Dusinberre (violín), Károly Schranz (violín), Geraldine Walther (viola) y András Fejer (violonchelo).

Cuarteto de Cuerdas Takács
Este conjunto formado en Budapest en 1975 y residente en la Universidad de Colorado, posee un repertorio que cubre todos los vastos campos de la música de cuartetos de cuerdas. Además de haber visitado todos los continentes realizando más de 90 conciertos anuales, el cuarteto posee una considerable discografía por la cual ha recibido importantes distinciones internacionales.

Para su presentación en Montreal el programa de Takács  incluye el Cuarteto de Cuerdas en Re mayor, Op. 76 N°5 de Haydn, el Cuarteto de Cuerdas N°1 en Re mayor, Op. 25 de Britten y el Cuarteto de Cuerdas en Fa mayor, Op. 96 (Americano) de Dvorak.

El concierto tiene lugar el 11 de noviembre (15h30) en el auditorio Pollack de la Universidad McGill. Información adicional se puede obtener en www.lmmc.ca







25.10.12

UN ACONTECIMIENTO TEATRAL

PATRICE CHÉREAU EN MONTREAL

Un acontecimiento de gran importancia reviste la visita por primera vez a Montréal de Patrice Chéreau, internacionalmente reconocido como prestigioso director de cine, teatro y ópera.

Invitado por la compañía Théâtre du Nouveau Monde, el artista ofrecerá 7 presentaciones consistentes en la lectura de extractos de Coma del autor francés Pierre Guyotat.

Desde hace varios años Chéreau se ha sentido guiado por el deseo de hacer conocer los textos poco frecuentados de eminentes autores como Dostoievski, Hervé Guibert y Marguerite Duras, entre otros. En esta ocasión, el artista hará conocer al público de Montreal el texto de Guyotat.

Patrice Chéreau (Foto: Ros Ribas)
Tratando de liberarse de los accesorios que tradicionalmente acompañan a toda lectura –silla, mesa, lámpara- Chéreau prefiere mantenerse parado sobre el escenario desprovisto de cualquier elemento para que con el texto en su mano y movimientos corporales pueda transmitir la intensidad de las palabras de Guyotat. A través de fragmentos de recuerdos, sueños y reencuentros, Coma refleja la crisis existencial, artística, de identidad y literaria atravesada por su autor desde 1977 a 1981, exaltando la búsqueda insaciable de lo absoluto por una posible redención a través del arte.

La lectura de Coma ha sido presentada en contadas oportunidades, a saber: en Grecia en 2008 (por el premio Europa discernido a Chéreau), en la Villa Médicis de Roma, en el teatro Odeón de París en 2009, en el Museo del Louvre en 2010, y en algunos teatros europeos.

Las representaciones de Montreal tienen lugar en el escenario del Teatro du Nouveau Monde desde el 30 de octubre al 2 de noviembre a las 20h00, el sábado 3 de noviembre a las 17h00 y 20h00, y el 4 de noviembre a las 15h00.

Paralelamente con la visita de Patrice Chéreau, el complejo Excentris ofrecerá una programación especial con 5 filmes por él dirigidos. Se trata de La reine Margot (25 de octubre a las 19h15), Intimité (26 de octubre a las 17h00), Son frère (27 de octubre a las 16h00), Persécution (27 de octubre a las 18h00), Gabrielle (28 de octubre a las 18h00, con la presencia del realizador), así como un documental sobre su trabajo Une autre solitude de Stéphane Metge (28 de octubre a las 16h00).

Para toda información adicional consultar el sitio www.tnm.qc.ca

23.10.12

UN PROYECTO AUDAZ

ARGO. Estados Unidos, 2012. Un film de Ben Affleck

Ben Affleck, director e intérprete de ARGO
El actor Ben Affleck confirma con este film que es un consumado director. Si sus primeros dos trabajos como realizador (Gone Baby Gone y The Town) causaron positiva impresión, es en Argo donde consolida su posición como un avezado narrador. En este caso el desafío no era sencillo puesto que el drama político que aquí se cuenta es demasiado conocido y además ocurrió en el reciente pasado histórico; sin embargo, el joven cineasta le agrega una dimensión diferente convirtiendo su film en un muy buen entretenimiento.

La historia se basa en el asalto armado que estudiantes activistas efectuaron en la embajada de Estados Unidos en Irán el 4 de noviembre de 1979 tomando como rehenes a 52 americanos allí presentes. En los escasos minutos que mediaron desde el momento en que los militantes franjearon las puertas de la embajada hasta llegar a las oficinas administrativas, los empleados y el personal jerárquico se apresuraron a triturar e incinerar cualquier tipo de material comprometedor. En esos caóticos instantes, seis diplomáticos logran escapar encontrando refugio en la residencia del embajador canadiense Ken Taylor (Victor Garber) donde habrían de permanecer por espacio de casi tres meses.

Después del estupor inicial que los acontecimientos provocaron en Washington bajo la presidencia de Jimmy Carter, a medida que transcurrieron los días y las primeras semanas sin que el conflicto se solucionara, el Departamento de Estado con la colaboración de la CIA decidió que urgía emprender una operación de salvataje de los asilados en la embajada canadiense, porque de sospecharse su presencia en el lugar por parte del régimen iraní se corría el gran riesgo de que fuesen capturados y ejecutados.

Basado en situaciones fehacientemente documentadas y en la información proveniente de archivos desclasificados por la CIA hace pocos años, el film ilustra una historia verídica tan increíble que supera a cualquier fantasía entreverada que se pudiera concebir. El plan de rescate en las instalaciones de la Central de Inteligencia fue urdido por Tony Méndez (Ben Affleck), uno de sus agentes, quien propuso implementar un proyecto tan original como audaz.

La idea consistió en hacer creer al gobierno iraní que una productora canadiense estaba interesada en rodar un film de ciencia ficción en Irán y que los asilados americanos en la embajada canadiense formaban parte del equipo de filmación. Aprobada la idea de Méndez, éste comienza a urdir toda una maquinaria publicitaria en la revista “Variety” –publicación mundialmente conocida sobre la industria del cine y el mundo del espectáculo- para hacer conocer Argo, el ficticio film de ciencia ficción que comenzaría a rodarse en Irán. Entre los más importantes colaboradores de la supuesta película se encuentra el productor Lester Siegel (Alan Arkin) quien se toma muy a pecho la responsabilidad de filmar esa fantasía de aventura, y el maquillador John Chambers (John Goodman).

Lo que valoriza al film es la forma en que Affleck cuenta esta historia que a pesar del telón dramático que la envuelve contiene una apreciable dosis de humor; en efecto, en ciertos momentos el relato abunda en situaciones eficazmente amenas donde uno cree que está asistiendo a una comedia chispeante. Eso no implica que la tensión esté ausente; por el contrario, a medida que se va acercando el momento del desenlace el clima de suspenso logrado es muy efectivo, obtenido a partir de eventos realistas y sin tener que acudir a forzadas explosiones de violencia que son la norma para este tipo de filmes.

Otro aspecto que jerarquiza a Argo es la recreación de época: si bien la filmación tuvo lugar en Turquía en lugar de Irán, Affleck demostró tener un buen ojo para el cuidado de los mínimos detalles a fin de brindar una extraordinaria autenticidad a lo que se está presenciando; eso queda reforzado con un valioso material de archivo donde están presentes el presidente Carter, el ayatollah Khomeini, los destacados periodistas de Estados Unidos Walter Cronkite, Tedd Koppel y Mike Wallace; en conjunto, todo ello configura estar contemplando un excelente documento de aquellos años.

La interpretación en líneas generales es muy buena. Si bien Affleck brinda una composición natural aunque quizá peque por ser un tanto contenida, causa enorme placer contemplar a Arkin y Goodman que se roban el film en cada escena en que aparecen. No menos importante es el equipo secundario de actores que aunque no conocidos ofrece una composición completamente natural de sus respectivos personajes, destacando entre los mismos a Kerry Bishe, Kyle Chandler, Rory Cochrane, Christopher Denham, Tate Donovan, Clea DuVall, Victor Garber, Zeljko Ivanek, Scoot McNairy, Chris Messina, Michael Parks y Taylor Schilling.

Nadie hubiera previsto que el carilindo de Affleck llegaría a ser tan eficiente detrás de las cámaras. Si esta tendencia continúa, se habrá dado el caso de una persona que sin haber llegado a impresionar mayormente como actor se convierte en un gran director de la nueva generación.

Conclusión. Sin que alcance un nivel de perfección, Ben Affleck ofrece un muy buen thriller político, expresado con inteligencia, sutileza y excelente humor. A pesar de que su desenlace no proporcione mayor sorpresa por haber sido del dominio público, la audiencia asiste a un espectáculo de calidad donde la genuina emoción se combina con dos horas de eficaz entretenimiento. Affleck demuestra cómo se puede hacer cine de calidad que satisfaga a la gran masa de espectadores que va al cine en procura de legítimo entretenimiento.   Jorge Gutman



EL FRAUDE

ARBITRAGE. Estados Unidos, 2012. Un film escrito y dirigido por Nicholas Jarecki

Susan Sarandon y Richard Gere
Nuevamente el cine estadounidense considera el tema de los rapaces hombres de negocios que dejando de lado cualquier consideración ética y moral sólo les anima la codicia para amasar fortunas, sin importar los daños que pueden causar a terceros para lograr sus fines.

Nicholas Jarecki, en su primer film como director y guionista, describe ese particular universo a través de la figura de Robert Miller (Richard Gere) un multimillonario de Wall Street. Él es el dueño y presidente de una importante empresa dedicada al manejo y administración de fondos de inversión alternativa (hedge funds). En las primeras escenas se contempla al patriarca familiar celebrando su sexagésimo cumpleaños en compañía de toda su familia; cuando al promediar la velada deja la reunión diciéndole a su fiel esposa (Susan Sarandon) que lo hace por razones de trabajo, queda inmediatamente comprobada su ambigüedad moral al dirigirse al departamento de su joven amante (Laetitia Casta) –una marchante de arte francesa- quien lo estaba aguardando para celebrar conjuntamente su cumpleaños.

Prontamente el espectador se impone que Miller atraviesa graves problemas financieros al enfrentar una deuda inminente que debe cubrir, debido a operaciones de inversión realizadas que no resultaron como se aguardaba. Para evitar la quiebra de su imperio, le urge vender la empresa, presentando estados contables tergiversados al omitirse la desaparición de aproximadamente 400 millones de dólares. En una actitud decididamente irresponsable, Miller involucra a su propia hija (Brit Marling) en la dolosa acción porque aunque ella es completamente inocente habiendo ignorado las maniobras de su padre, no obstante es la contadora principal y por lo tanto co-responsable del fraude cometido a inocentes inversionistas que depositaron su confianza en la empresa.

El verdadero drama que dinamiza los acontecimientos se produce frente a un lamentable accidente automovilístico que tiene lugar en un lugar apartado y en la mitad de la noche, donde Miller es el conductor del vehículo y está acompañado de su amante quien muere instantáneamente. Frente a esa desgracia este hombre se encuentra forzado a enfrentar su trayectoria pasada y la dobla vida llevada hasta ese entonces.

Para no verse implicado, Miller rehúye confesar su autoría pero cada paso que va dando para protegerse de la investigación policial a cargo de un obstinado detective (Tim Roth), va agravando las cosas comprometiendo a terceros inocentes. Así, el principal damnificado resulta ser Jimmy Grant (Nate Parker), un joven afroamericano cuyo padre fue el antiguo chofer de Miller y que en el pasado recibió de su patrón considerable ayuda económica; para defender a Miller en la coartada que éste le propone, el muchacho se ve forzado a mentir ante la autoridad policial comprometiendo seriamente su situación personal.

Sin entrar a comentar otros hechos acarreados por el lamentable accidente Jarecki pinta patéticamente a un individuo corrupto, pero al hacerlo Miller está lejos de aparecer como un monstruo humano sino más bien como un ser de doble personalidad; por un lado se contempla al esposo entrañable, adorado por sus hijos y nietos, apreciado por sus empleados así como reconocido por las obras filantrópicas realizadas; pero, por otra parte, su ambición desmedida por el dinero lo convierte en un tiburón financiero quien al verse acorralado por los hechos actúa como un desaprensivo amoral, en total contradicción con su otro yo.

La interpretación es inobjetable, sobre todo la perfecta caracterización lograda por Gere en el rol protagónico. El veterano actor transmite convicción como un individuo encantador y de buenos sentimientos con quienes le rodean pero que al propio es un amoral de extremada vulnerabilidad que se encuentra invadido por el miedo cuando adquiere conciencia de que es culpable por sus irresponsables actos y que tanto su carrera profesional como su vida afectiva pueden desintegrarse.

El novel realizador evidencia una sorprendente madurez abordando una historia que a pesar de haber sido tratada en otras oportunidades es contada de modo atractivo y entretenida en base a un imaginativo guión que va creando un adecuado suspenso a medida que el relato se va desarrollando. El desenlace de esta historia deja en el espectador una sensación semiamarga, pero sin duda es totalmente consecuente y convincentemente realista.

Conclusión: Un film inteligente de connotaciones morales que ilustra una realidad actual insoslayable donde los mecanismos de premios y castigos no funcionan como deberían serlo en el contexto de una sociedad civilizada.   Jorge Gutman



19.10.12

UN DRAMA SHAKESPERIANO

OTELLO

La segunda ópera de esta séptima temporada de transmisiones directas desde el Metropolitan Opera House (MET) en vivo y vía satélite, corresponde a Otello. Esta tragedia basada en la obra de William Shakespeare y cuyo tema fundamental lo constituyen los celos cuenta con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Arrigo Boito.

La penúltima ópera de Verdi, tuvo su estreno mundial en la Scala de Milán, en febrero de 1887, obteniendo un éxito resonante que motivó a que al poco tiempo fuese representada en los más importantes escenarios de Europa y América del Norte.

Esta tragedia, cuyo tema dominante lo constituyen los celos, reúne a tres importantes personajes que son el general moro Otello, su mujer Desdémona y Yago, el alférez de Otello. Estos roles se encuentran entre los más exigentes de Verdi tanto en lo que concierne a los aspectos vocales como dramáticos. En general representa un desafío para el papel principal que siempre es representado por un tenor dramático y que en esta ocasión está a cargo de Johan Botha. El rol de la desdichada Desdémona es actuado por la soprano Renée Fleming que para ella constituyó uno de sus más importantes éxitos logrados en el MET en los comienzos de su carrera en 1995. El papel del malévolo e intrigante Yago que desencadena la tragedia shakesperiana es cantado por el bajo barítono Falk Struckmann.

La producción es de Elijah Moshinsky, la dirección musical corresponde a Semyon Bychkov y la coreografía corresponde a Eleanor Fazan. Los decorados están a cargo de Michael Yeargan , el vestuario es de Peter J. Hall , en tanto que Duane Schuler es responsable de la iluminación.

La ópera es cantada en italiano con subtítulos en inglés y como ya es habitual el público tiene oportunidad de asistir a entrevistas con los cantantes y demás responsables de la producción que tienen lugar durante los entreactos.

En Canadá la transmisión de Otello se realiza en las salas de la compañía exhibidora Cineplex, el 27 de octubre a las 12:55 hora de Nueva York, que es similar a la que rige en las provincias de Quebec y Ontario. La ópera será difundida nuevamente el 24 de noviembre a las 12:00 y el 3 de diciembre a las 18h30. Para información acerca de los teatros que transmitirán este evento así como también sobre las correspondientes horas locales, consultar el sitio web www.cineplexentertainment.com/events

Johan Botha y Renée Fleming (Foto de Ken Howard/Metropolitan Opera)

11.10.12

MI SUEÑO

MY DREAM

Auspiciado por la Asociación de Desarrollo Cultural China-Canadá, el remarcable Conjunto Artístico de Discapacitados de China realiza su primera gira canadiense presentándose en Montreal los días 16 y 17 de octubre (20h00) en el Teatro Maisonneuve de la Place des Arts con el espectáculo My Dream

Los artistas profesionales de esta compañía, cuya edad media es de 20 años, han causado admiración a espectadores del mundo entero. La compañía comprende aproximadamente 50 acróbatas, músicos, cantantes, bailarines, todos ellos afectados por una discapacitación de distinta naturaleza, sea física, mentaly/o sensorial, motora, ceguera, etc. Todo ello no ha impedido para que en cada representación, sus integrantes hayan sido ovacionados por el público asistente dado el alto grado de perfección y profesionalismo evidenciados así como la comunicación emotiva transmitida, capaz de haber trascendido todas las fronteras lingüísticas o culturales.

En 1987, una treintena de discapacitados inclinados al arte participaron en la Primera Fiesta del Arte en China. A lo largo de los 25 años siguientes ofreciendo 150 espectáculos por año, el encarnizado trabajo del conjunto unido a su determinación y perseverancia le ha valido un legítimo reconocimiento internacional. Sus actuaciones han tenido lugar en los más prestigiosos escenarios artísticos internacionales como  La Scala de Milán, el Carnegie Hall de Nueva York, la Opera de Sydney y el Centro Kennedy de Washington, entre otros. Algunas representaciones memorables tuvieron lugar en la ceremonia de clausura de los Juegos Paralímpicos de Atenas de 2004 así como su presentación deslumbrante en la inauguración y clausura de los Juegos Paralímpicos de Beijing.
Tal Lihua

En reconocimiento de su rol en la promoción de la cultura, la amistad y la comprensión, la UNESCO le ha acordado al conjunto el carácter de Artista para la Paz.

El Conjunto Artístico de Discapacitados de China tiene como directora artística a Tal Lihua, quien sufre de una deficiencia auditiva desde los dos años de edad. Es solista y bailarina etoile de la agrupación, además de ser la Vicepresidenta de la Asociación China de Arte Especial.

Para información adicional el sitio de Internet es www.cccda.ca












9.10.12

EL LIDER

THE MASTER. Estados Unidos, 2012. Un film escrito y dirigido por Paul Thomas Anderson. Elenco: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams

Después de 4 años de There will be Blood -una profunda meditación sobre la ambición desmedida, la codicia, el poder y la misantropía humana- Paul Thomas Anderson retorna con The Master, una obra ambiciosa, extraña, provocativa, compleja, absorbente y magníficamente realizada.

Tratando de penetrar en los complicados vericuetos del alma humana, el relato de Anderson desnuda en forma visceral a sus dos personajes protagónicos reforzado por la hipnótica caracterización que brindan Joaquin Phoenix y Philip Seymour Hoffman.

Philip Seymour Hoffman
Ubicado pocos años después de la Segunda Guerra, el relato introduce a Freddy Queel (Phoenix), un veterano que participó en la marina estadounidense y que hoy es prácticamente un estropajo de individuo llevando una vida vagabunda; así, duerme en cualquier lugar, come con lo que puede robar y además es adicto a la bebida. Con mínimos diálogos, bastan las primeras imágenes para que claramente quede reflejada la inestabilidad emocional de Freddy.

Después de haber logrado un trabajo como fotógrafo en una galería comercial y de la que es despedido al poco tiempo, Freddy -en estado de total ebriedad- se infiltra como polizonte en un yate que realiza un trayecto desde San Francisco a Nueva York y ahí llega a conocer a Lancaster Dodd (Hoffman), quien se presenta como científico, escritor y filósofo; en el navío hay un grupo de pasajeros que forman parte de la Causa, una escuela filosófica liderada por Dodd que se basa en la creencia de que cada persona ha vivido varias vidas a través de millones de años y que mediante la regresión efectuada a las mismas es posible eliminar los traumas y falencias emocionales que lo aquejan liberando a la mente de impulsos negativos. Inmediatamente queda establecida una conexión entre Freddy, un alma en pena y en busca de solaz, y Dodd, un hábil y carismático maestro que sabe muy bien cómo manejar y conducirse con su discípulo a través de una terapia particular e hipnótica. Con un lenguaje escueto y preciso Anderson describe la evolución de este singular vínculo hasta el momento en que Freddy comienza a cuestionar a su líder.

No conviene adelantar más sobre lo que sobreviene para no malograr el interés del potencial espectador. Lo importante es que Anderson en su condición de cineasta demuestra poseer bastantes conocimientos de psicología para adentrarse en los mecanismos complejos de la manipulación humana y de los mecanismos de poder; así ilustra el modo en que seres frágiles de afecto necesitan de alguien o de algo en que apoyarse para restaurar la esperanza necesaria y poder seguir viviendo.

Si bien tiene importancia la historia concebida por el realizador, la verdadera esencia del film está centralizada en sus dos personajes centrales. Es prácticamente imposible volcar en palabras la emoción que envuelve al público contemplándolos en una relación de fascinante simbiosis. Cualquier elogio resulta insuficiente para destacar el tour de force ofrecido por Phoenix y Hoffman; ambos parecerían estar posesionados por alguna fuerza sobrenatural al ofrecer una actuación de antología difícil de olvidar. Para citar algunos ejemplos, basta apreciar el modo en que Lancaster maneja a su potencial alumno en las sesiones del proceso que consiste en un interrogatorio previo a ser admitido en la Causa. En otra escena, se contempla a Freddie quien estando en prisión se desplaza como un animalito salvaje en el reducido espacio de su celda, golpeando en los muros de la misma. No menos admirable es asistir al cambio de humor de Dodd, donde este mesiánico personaje puede pasar de un estado tranquilo como un seductor de particular encanto hasta otro momento anímico de violencia explosiva tratando de defender su movimiento ante quienes lo critican. En otras palabras, la energía volcada por ambos actores –cada uno en lo suyo- es digna de encomio y realmente se hace difícil decidir quién supera a quién en sus respectivos personajes. La maravillosa actuación de estos actores no desmerece el mérito de Amy Adams quien se destaca como la amable esposa del “master” que progresivamente va transformándose en una especie de “lady Macbeth” tratando de evitar que la línea programática de la Causa llegue a ser desviada.

Anderson ofrece una obra de gran preciosismo visual, en gran parte gracias al director de fotografía Mihai Malaimare Jr. quien recreó acertadamente la atmósfera de la época en que transcurre el relato logrando imágenes de magnífica textura y claridad.

Conclusión: The Master es un film complejo planteando preguntas pero sin  respuestas precisas a las mismas; eso es comprensible porque el comportamiento humano es muchas veces indescifrable y la relación que puede crearse entre dos personas, como en este caso la de maestro y discípulo o amo y esclavo si así se lo quiere llamar, puede resultar difícil de racionalizar. De todos modos y más allá de la opinión personal de cada espectador está claro que sus memorables escenas, diálogos articulados e insuperables actuaciones lo convierten en un film de gran calidad artística.    Jorge Gutman

4.10.12

FESTIVAL DU NOVEAU CINEMA. ALGUNOS COMENTARIOS DE FILMS YA VISTOS

FESTIVAL DU NOUVEAU CINÉMA (FNC)

La cuadragésima primera edición del Festival du Nouveau Cinéma (FNC) que comienza el miércoles 10 de octubre y se extiende hasta el 21 de octubre presenta una importante y variada oferta de películas provenientes de 52 países.

El FNC se inaugura con el film canadiense La mise a l’aveugle, escrito y realizado por Simón Galiero. En esta comedia dramática el director efectúa el retrato íntimo de la vida de una mujer que atraviesa un momento crucial. Recientemente divorciada de su marido, además de haberse jubilado como directora financiera de una gran empresa que ahora está administrada por su hijo con quien es incapaz de comunicarse, debe aprender a vivir sola. En esta nueva etapa de su existencia, cambia el medio social con el cual estaba vinculada, para tratar de  adaptarse a las características menos refinadas de sus vecinos del inmueble donde habita, quienes la introducen en el mundo del juego de póker. Aunque sin quedar perfectamente redondeado, el film está sólidamente realizado y cuenta con una excelente interpretación de Micheline Bernard quien asumiendo el rol protagónico crea una genuina empatía con el espectador.

Basado en la obra El Chico de la Última Fila del dramaturgo español Juan Mayorga, el director François Ozon ofrece con Dans la maison (Francia) un film decididamente original. Concebido como un thriller psicológico e ingeniosamente estructurado, el guión de Ozon se refiere a la relación que se establece entre un profesor con uno de sus alumnos. Fabrice Luchini es Germain, un docente de literatura de enseñanza media que se encuentra desilusionado por el escaso interés demostrado por sus alumnos en el pobre contenido de los trabajos que se les asigna. Sin embargo, llega a sorprenderse gratamente cuando descubre que el tímido estudiante Claude (Ernst Umhauer) ha sido capaz de elaborar una composición de gran interés según la experiencia personal obtenida al visitar el hogar de Rapha (Bastien Ughetto), uno de sus compañeros de estudio a quien ayuda en sus tareas de matemáticas. El relato cautiva porque por un lado, a medida que las clases se van sucediendo, Germain va incentivando las dotes de escritor de Claude; por otra parte éste invade la intimidad de una familia para nutrir el contenido de sus escritos, conquistando sutilmente a sus miembros integrantes. La actividad voyeurística de Claude –recordando al Hitchcock de Rear Window (1954)- y la seducción que va logrando en el grupo familiar de Rapha –con reminiscencias de Teorema (1968) de Pasolini- van configurando una atmósfera intrigante muy bien construida que cautiva rápidamente al espectador. Sin duda, Ozon ha logrado un film cautivante y muy bien realizado que ofrece ciertas reflexiones sobre el arte y poder de la manipulación. Bien merecido el premio otorgado por la FIPRESCI en el TIFF así como la Concha de Oro en el reciente festival de San Sebastián.

A perdre la raison (Bélgica-Francia) de Joaquim Lafosse es una película altamente satisfactoria y a la vez perturbadora que ilustra el deterioro emocional de una madre (Emilie Dequenne) de cuatro hijos casada con un marido marroquí (Tahar Rahim), que a su vez está fuertemente influido por su padre adoptivo (Niels Arestrup); sin sensacionalismo alguno, el director ilustra como la vida de una pareja puede afectarse por la ausencia de una necesaria intimidad y cómo un clima de vida conyugal asfixiante puede llegar a minar psicológicamente a uno de sus miembros para desencadenar actos monstruosamente irreparables.

Children of Sarajevo (Bosnia Herzegovina) de Aida Bejic narra las consecuencias del conflicto bélico que afectó a la región configurada por la ex Yugoslavia, a través de  dos huérfanos bosnios de la guerra: ella es Rahima (Marija Pikic) de 23 años que encontró solaz en la religión musulmana, en tanto que su hermano Nedim (Ismir Gagula) es un adolescente conflictivo que realiza ciertas actividades delictivas. La dificultosa tarea de sobrevivir en la ciudad de Sarajevo de posguerra y la necesidad de solidificar los lazos familiares entre los dos hermanos origina un film intensamente dramático y humano a la vez que reafirma el valor de la vida.

El director Miguel Gomes presenta en Tabú (Portugal) una de las películas más innovadoras del año; aún cuando se aparta de una convencional narrativa, su visión resulta suficientemente entretenida como para satisfacer a una audiencia más amplia que la que estrictamente  fiel a este intelectual realizador. Dividido en dos partes, la primera mitad del relato transcurre hoy día en Lisboa y se centra en una anciana, su empleada doméstica y una vecina devota; la segunda mitad, que carece de diálogos, retrocede en el tiempo para presentar a la anciana en sus años de juventud quien es dueña de una plantación viviendo en un país africano y está casada con un millonario; eso no le impide mantener una relación adúltera con un aventurero seductor que arriba al lugar y que es el que se encarga de efectuar la narración. Ambas secciones de Tabú, muy bien filmada en blanco y negro, quedan bien entrelazadas y en última instancia, Gomes intenta mostrar una sociedad en extinción reflejando la decadencia del colonialismo portugués en África.

En The Angels’ Share (Gran Bretaña), el veterano realizador Ken Loach logra una comedia que sin llegar a niveles extraordinarios constituye un placentero relato de connotaciones sociales. El buen guión de Paul Laverty presenta a un joven (Paul Brannigan) de Glasgow quien es un reciente padre de familia con un pasado de delincuencia juvenil; teniendo que cumplir con 300 horas de trabajo comunitario para no tener que volver a la prisión, logra que su supervisor y trabajador social (John Henshaw) lo introduzca en forma inesperada al arte del procesamiento del whisky. Sin habérselo imaginado, el muchacho descubre poseer una habilidad especial como catador de dicha bebida y con la ayuda de tres de sus amigos, logrará una afortunada oportunidad para rehacer su vida. Con un jugoso diálogo y muy buenas actuaciones de su elenco, Loach brinda una cálida y realista comedia a la vez que un film fácilmente accesible para cualquier audiencia.

En un guión que le pertenece el director Cristian Mungiu enfoca en Beyond the Hills (Rumania) una historia donde la fe religiosa se entremezcla con el amor humano. El relato presenta a Alina (Cristina Flutur), una chica depresiva que habiendo estado en Alemania, regresa a Rumania para reencontrarse con Voichita (Cosmina Stratan), su antigua compañera de orfanato, quien está recluida como monja en un monasterio ortodoxo. La vida austera del convento, ciertamente muy bien descripta, se ve alterada con la llegada de Alina quien desesperadamente trata de que su amiga deje la congregación, a pesar de que Voichita está muy aferrada a su vocación religiosa. Basado en un hecho real acontecido en Moldavia en 2005, el realizador expone una situación límite entre el amor y el libre arbitrio donde la sucesión de acontecimientos expuestos llegan a desencadenar una histeria colectiva con una tortura religiosa de trágico desenlace. Con una impecable puesta en escena Mungiu ha logrado un film intenso con dos interpretaciones estupendas de Flutur y Stratan.

Rhino Season (Turquía-Irak-Kurdistán) del director iraní Bahman Ghobadi, narra una desgarrante historia de amor dentro del contexto de la represión del régimen islámico de Irán. Inspirado por la suerte corrida por el poeta kurdo Sadegh Karmangar, amigo del realizador, la trama se refiere a un poeta que después de haber sido falsamente acusado de escribir poesías antimusulmanas es condenado a prisión por 30 años; después de su liberación, parte para Estambul en busca de su mujer que lo creía muerto. Tanto la actuación de Behrouz Vossoughi, insuflando a su rol el inmenso dolor de un hombre privado de su libertad por tan largo tiempo además de haber sido separado de su esposa, como el meritorio trabajo de Monica Bellucci y la estupenda fotografía del iraní Touraj Aslani contribuyen a aumentar el interés de este lírico y artístico film.

The Hunt (Dinamarca) de Thomas Vinterberg es un drama psicológico que no satisface plenamente por su premisa inicial. El tema de la pedofilia es importante y ha sido tratado en más de una oportunidad pero aquí no reviste el tratamiento que corresponde simplemente porque el mismo no se manifiesta. La trama se desarrolla en una pequeña comunidad donde Lucas (Mads Mikkelsen) se desempeña como maestro de un jardín de infantes; de intachable reputación, mantiene una buena relación con los niños de su clase; sin embargo, todo se trastabilla cuando en un momento determinado Klara (Annika Wederkopp), una niñita que es hija de Theo (Thomas Bo Larsen), el mejor amigo de Lucas, hace creer a la directora del establecimiento (Susse Wold) que el maestro le exhibió su órgano viril. En lugar de tratar de reunir elementos que prueben la acusación infantil y partiendo del criterio de que “los niños nunca mienten”, la historia alcanza proporciones inusitadas tratando de mostrar los mecanismos perversos del pueblo para castigar y hundir por completo a un hombre inocente sin que exista una evidencia concreta de su culpa, a pesar de que la pequeña niega posteriormente lo que en su momento manifestó. Lo que se aprecia es más una telenovela bien filmada sobre cacería de brujas antes que un film que ostente la seriedad necesaria sobre un asunto tan grave como lo es la incitación sexual infantil. Mikkelsen provee calidez a la vez que un sentimiento de genuina devastación al rol que le toca caracterizar.

Después de Lucía (México) gira en turno de un fenómeno bien conocido como es el acoso o intimidación escolar que algunos adolescentes experimentan por parte de sus compañeros de aula. El realizador Michel Franco considera este delicado tema enfocando el caso de Alejandra (Tessa Ia) una adolescente de Puerto Vallarta que después de la muerte de su madre en un accidente automovilístico parte con su padre (Hernán Mendoza) a la capital de México para iniciar una nueva vida. Aunque al principio se encuentra cómoda en la nueva escuela donde asiste, al poco tiempo es hostigada física y emocionalmente. El drama describe muy bien la soledad de Alejandra quien se siente inhibida de comunicar a su padre lo que le está sucediendo en la escuela, debido al duelo que aún experimenta por la pérdida de su esposa; en consecuencia, al encontrarse desprotegida, se convierte en fácil presa por parte de sus victimarios. La hostilidad alcanza su máxima gravedad en un viaje de excursión que los alumnos realizan a Veracruz. Aunque hay ciertos momentos donde el grado de credibilidad podría ser cuestionado, el relato repercute hondamente, en gran parte debido a la natural actuación de su elenco. Franco, quien hace tres años dio a conocer un notable film con su ópera prima Daniel y Ana, aquí reafirma sus condiciones de buen narrador al infundir al relato un marcado realismo que descansa más en el eficiente empleo de imágenes que en los diálogos.


Con No (Chile), el cineasta Pablo Larrain completa la trilogía iniciada con Tony Manero y Post Mortem sobre la forma en que la dictadura militar (1973-1990) dejó efectos devastadores en el pueblo chileno. En este caso, el magnífico guión de Pedro Peirano basado en la pieza Referéndum de Antonio Skarmeta, se centra en el plebiscito que el gobierno militar estuvo obligado de llevar a cabo el 5 de octubre de 1988 por presiones internacionales para considerar la extensión de la presidencia de Pinochet por otros ochos años; es allí que los líderes de la oposición utilizan los servicios de un joven profesional de la publicidad (Gael García Bernal) para promocionar una eficiente campaña electoral con miras a que triunfe el No e impedir que la tiranía se prolongue. Este film transmite con máxima autenticidad las campañas publicitarias realizadas a favor y en contra de la reelección, además de haber empleado un  valioso material de archivo reflejando la atmósfera política de aquellos decisivos momentos en la vida de Chile. Un excelente montaje y un calificado elenco encabezado por García Bernal, contribuyen a que No constituya una sólida expresión de cine político-social.

El director Antonio Méndez Esparza aborda en Aquí y Allá (México-España-Estados Unidos) el tema de los mexicanos migrantes que deben desplazarse en forma intermitente a Estados Unidos para poder trabajar y obtener un salario que permita mantener a sus familias. Apartándose de la violencia de la que el cine mexicano ha venido enfatizando en los últimos tiempos, el realizador ilustra el efecto emocional que sufren los trabajadores que deben dejar a sus familias y las consecuencias que se producen cuando retornan a su tierra natal y tratan de reubicarse en la sociedad a la cual pertenecen.
Ése es el caso de Pedro (Pedro De los Santos Juárez) que regresa de "allá" (Estados Unidos) para volver "aquí" (una pequeña aldea montañosa de México) con el propósito de no volver a partir y poder disfrutar de la vida en familia. Sin embargo el retorno resulta difícil donde además de tener que considerar a una tercera hijita que se incorpora al núcleo familiar, se encuentra empantanado con serios problemas financieros frente a la falta de trabajo; al cabo de un tiempo, eso le obliga a tener que volver a los Estados Unidos en forma ilegal y nuevamente ejercer como trabajador migrante ilegal, a fin de mantener a los suyos.
Con actores no profesionales que actúan con absoluta naturalidad Méndez Esparza obtiene una película que aunque de ficción adquiere el carácter de un buen documental. 

El novel director Alejandro Fadel mezcla satisfactoriamente varios géneros en Los Salvajes (Argentina), un thriller fantástico de gran riqueza expresiva. En una atmósfera distintiva y cautivante retrata a a cinco adolescentes huérfanos que escapan de un reformatorio y en su huída se adentran en una zona boscosa sin civilización alguna, donde prácticamente terminan fagocitados por el medio que los rodea. Con un buen desarrollo dramático caracterizado por la escasez de diálogos, el realizador contrasta las experiencias intensas de los marginados muchachos con la libertad y armonía existente en los lugares que van transitando. De sorprendente belleza visual, gracias a la excelente fotografía de Julián Apezteguia captada en escenarios naturales de la provincia de Córdoba, y con un elenco integrado por actores sin formación previa, el film logró impactar favorablemente en Cannes en ocasión de su primera presentación mundial, sobre todo a los críticos franceses que no escatimaron elogios en sus respectivos medios de comunicación.

La Demora (Uruguay-México-Francia) trata el difícil problema familiar que se plantea cuando uno de sus miembros  ancianos se encuentra seriamente discapacitado para poder manejarse por su cuenta y son sus familiares directos quienes moralmente están obligados a hacerse cargo. Si bien ése no sería un gran inconveniente para familias de afluencia económica, el realizador mexicano Rodrigo Pla considera una situación límite exponiendo a una madre humilde (Roxana Blanco) que además de ser la responsable del bienestar de sus 3 jóvenes hijos y trabajando como costurera desde su hogar, también debe asumir el compromiso moral de atender a su padre (Carlos Vallarino) que presenta algunos síntomas de demencia senil; cuando éste no tiene posibilidad de ser aceptado en una institución para ancianos con problemas de salud, su hija adopta una decisión desesperada.
Pla no tiene ningún propósito de que el personaje central femenino se gane la simpatía del público; por el contrario, con un lenguaje adusto y ajustado presenta una situación totalmente realista en la confrontación no explícita que la protagonista mantiene con su padre. En resumen, un drama psicológico muy bien actuado, sutilmente relatado y decididamente conmovedor sin tener que recurrir a artificios de telenovela barata.

Un film que en el último festival de Cannes había generado gran expectativa fue Post Tenebras Lux (México-Francia-Holanda-Alemania) de Carlos Reygadas que le valió el premio al mejor realizador. Sin embargo una considerable parte de la crítica no compartió ese criterio abucheando al film después de haber finalizado su proyección para la prensa y gente de la industria. Con un tratamiento radical y provocativo, el discurso del relato comienza con una bella e inquietante toma surrealista donde Ruth (Rut Reygadas), una pequeña niña, deambula a través de un campo con perros a su alrededor; inmediatamente la escena se interrumpe con la presencia de un diablo paseando por los pasillos de una casa campestre que resulta ser donde vive la pequeña con sus padres Juan y Nathalia (Adolfo Jiménez Castro, Nathalia Acevedo) y su hermanito mayor Eleazar (Eleazar Reygadas). Si hasta aquí uno puede imaginar que presenciará la historia de una familia de buena posición económica viviendo en una zona rural y teniendo como interlocutores a su personal de trabajo, las sucesivas escenas desmienten lo que se aguarda; así una reunión de alcohólicos anónimos, un club de sauna donde se habla francés y en donde se practican intercambios sexuales, estudiantes ingleses jugando al rugby, una reunión familiar, etc. hacen que uno se sienta incapacitado de unir los hilos que mueven al relato, además de no saber qué es lo que el realizador se propone. Sin duda la luz, después de las tinieblas, como su título lo sugiere, podrá únicamente ser explicado por el propio Reygadas. Dada su falta de cohesión narrativa, este film experimental y elíptico se destaca por sus hermosas imágenes impresionistas, pero eso no es suficiente para sostener el interés de la audiencia.   Jorge Gutman





1.10.12

LA OPERA CÓMICA EN SU MEJOR EXPRESIÓN

EL ELIXIR DE AMOR

En pocos días más comienza una nueva temporada lírica con 12 óperas transmitidas en en alta definición y vía satélite desde el Metropolitan Opera House. La primera ópera que el público canadiense tendrá oportunidad de apreciar es El Elixir de Amor (L’elisir d’amore) la excelente ópera cómica italiana en dos actos de Gaetano Donizetti con libreto de Felice Romani.

Esta ópera bufa, que tuvo su estreno en el Teatro Della Canobbiana de la ciudad de Milán en mayo de 1832, transcurre en Toscana y narra las vicisitudes de Nemorino, un joven e ingenuo campesino que está enamorado de Adina, una hermosa terrateniente granjera que lo trata con indiferencia y para peor teme de que ella ame al sargento Belcore. Es ahí que aparece en escena el doctor Dulcamara, un charlatán que se dedica a vender un elixir que soluciona cualquier problema e incluso es muy eficaz como poción para el amor. Sin dudarlo, Nemorino decide volcar el poco dinero que tiene para comprar el misterioso tónico, esperanzado de que con el mismo podrá lograr conquistar el corazón de su amada Adina.

Con un imaginativo libreto, personajes bien delineados y hermosas melodías, esta ópera bufa es una auténtica representante del bel canto y entre sus famosas árias se distingue la muy conocida Una Furtiva Lágrima, que Nemorino canta cuando llega a creer que Adina lo ama.
Anna Netrebko y Maatthew Polenzani (Foto de Ken Howard)

Para su representación, el MET acudió a una nueva producción dirigida por Bartlett Sher con un elenco de remarcables cantantes. En primer lugar se destaca la presencia de la gran soprano Anna Netrebko en el rol de Adina, el tenor Matthew Polenzani anima al pobre aldeano Nemorino, el barítono Mariusz Kwiecien -que se luce por su excepcional tonalidad lírica- es el sargento Belcore y el papel del Dr. Dulcamara es cantado por el barítono italiano Ambrogio Maestri. La dirección musical está a cargo del maestro Maurizio Benini.

En los detalles técnicos cabe mencionar que Michael Yeargan es el responsable de la escenografía, el vestuario está a cargo de Catherine Zuber y la iluminación corresponde a Jennifer Tipton.

Esta ópera será difundida en las salas de la compañía exhibidora Cineplex el sábado 13 de octubre a las 12:55 PM hora de Nueva York que también se corresponde con las provincias de Quebec y Ontario. La ópera será difundida nuevamente el 17 y 19 de noviembre. Para información acerca de los teatros que transmitirán este evento así como también de las correspondientes horas locales, el sitio web a consultar es: www.cineplex.com/events