27.11.11

PROXIMOS CONCIERTOS DE LA OSM



ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL


El 30 de noviembre y 1 de diciembre la OSM (20h00) actuará bajo la dirección del maestro británico Sir Roger Norington en un programa que incluye The Waspes de Vaughan Williams A London Symphony de Vaughan Williams, así como el Concierto para Piano No. 1 de Beethoven. Actuará como solista el pianista noruego Leif Ove Andsnes. El 6 de diciembre la OSM (20h00) ejecutará Los Planetas de Gustav Holst y Pluto, the Renewer de Colin Matthews. En este concierto tendrá especial participación el joven barítono Gordon Bintner quien ha sido el gran ganador del reciente concurso de la OSM Standard Life. Bintner cantará un extracto de La Sonámbula de Bellini, Cuatro Canciones de Don Quijote de Ibert y un extracto de Las Bodas de Fígaro de Mozart. El prestigioso maestro noruego Arild Remmereit, actual director musical de la Orquesta Filarmónica de Rochester, dirigirá a la orquesta y será acompañado por el Coro de Mujeres de la OSM.


En el último programa del año, se escuchará el Mesías de Haendel (orquestación de Mozart) bajo la dirección de John Oliver con la participación de la soprano Lucia Cesaroni, la mezzo soprano Emma Parkinson, el tenor Isaiah Bell y el bajo barítono Stephen Hegedus acompañados del Coro de la OSM. Los días 21 y 22 (19h30).


Todos los conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts. Información adicional puede obtenerse en el sitio http://www.osm.ca/

25.11.11

POR AMOR AL CINE

HUGO. Estados Unidos, 2011. Un film de Martin Scorcese.

Comentario de Jorge Gutman


Este es la obra más personal, original y audaz de Martin Scorcese que seguramente causará un considerable placer a aquel público que ama al cine. Aunque el libro en que Hugo está basado, The Invention of Hugo Cabret, es un cuento ilustrado para niños, lo cierto es que el logrado guión de John Logan lo transforma más en un relato para adultos; de todos modos, posee la suficiente calidez y encanto como para que también pueda ser considerado un film para toda la familia.


Empleando por primera vez la técnica del 3D, Scorcese ha logrado un resultado asombroso realzando los mágicos poderes que el cine puede deparar en esta cautivante fantasía de ensoñación, aventura y misterio.


Su trama transcurre en París en 1930 y gira en torno de Hugo (Asa Butterfield), un niño huérfano de 12 años que perdió a su padre (Jude Law) en un incendio. El está obstinado en desenterrar el secreto de un robot que su progenitor recibió de un museo y que había tratado de repararlo sin haberlo logrado. Sin ningún pariente cercano a su lado, Hugo vive solo en una estación de trenes y debe permanentemente eludir la presencia de un implacable gendarme policial (Sacha Baron Cohen) que está a la caza de niños huérfanos para ser destinados a un orfanato. La soledad del niño desaparece a partir del día en que conoce a Isabelle (Chloe Grace Moretz), una joven que también huérfana fue criada y educada por su padrastro Georges Méliès (Ben Kingsley) y su señora (Helen Macrory); Isabelle será un factor clave para componer el robot de Hugo y a medida que el metraje avanza se irá determinando de qué manera ese objeto está vinculado con su padrastro a través de una historia que se remonta al pasado.


Si hay algún elemento que pudiera ser objetable en el film es que su comienzo resulta lento y un poco desconcertante al no saber hacia donde enfoca. Pero superado ese tramo, el relato encuentra su razón de ser y revela una amplia gama de emociones que permiten a la audiencia conectarse plenamente con el mismo.


Lo más trascendente de esta película es el tributo que Scorcese rinde a Georges Méliès, el famoso director francés que fue un pionero en el uso de los efectos especiales; este cineasta tuvo importante resonancia en la primera época del cine mudo con 80 filmes realizados desde comienzos del siglo pasado hasta el inicio de la primera guerra mundial cuando su fama comenzó a declinar. A través del ingenioso guión, el público tiene oportunidad de apreciar algunas escenas de sus primeros filmes así como extractos de Le Voyage dans la Lune realizado en 1902, que para muchos historiadores es su más importante creación y el primer trabajo de ciencia ficción abordado por el cine.


Meticulosamente realizado, Scorcese contó con un excelente equipo técnico de colaboradores, entre ellos el director de fotografía Robert Richardson quien fue un elemento vital para el magnífico empleo del 3D, Dante Ferreti en los diseños de producción, Sandy Powell en el vestuario y Howard Shore en la música. A diferencia de otros filmes, su riqueza visual no empalidece las virtudes de un homogéneo elenco donde en los roles principales los adolescentes Butterfield y Moretz proporcionan grato encanto sin llegar a empalagar, Kingsley llega a emocionar y Cohen exhibe pintoresquismo en su personaje sin desbordar; en los papeles secundarios, Richard Griffiths, Frances de la Tour, Christopher Lee, Emily Mortimer se desempeñan adecuadamente aportando calidez y alguna que otra nota de humor a sus breves roles.


En síntesis, Scorcese ofrece un fascinante viaje mágico a los orígenes del cine y si hay algún mensaje que se puede extraer del film, eso queda expresado cuando en la escena final Méliès se dirige al público que lo está homenajeando diciéndole “¡Vengan y sueñen conmigo!”. Ese hermoso sueño que ofrecen las imágenes cinematográficas es lo que también el gran director americano siente y quiere compartir con su audiencia. A no dudarlo que lo ha logrado con este inolvidable film
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SANTA CLAUS EN UN FILM DE ANIMACION

ARTHUR CHRISTMAS. Gran Bretaña-Estados Unidos, 2011. Un film de Sarah Smith
Comentario de Jorge Gutman

Si bien la compañía británica Aardman especializada en filmes de animación es la productora de Arthur Christmas, la responsable directa es la realizadora Sarah Smith quien destila ternura y afectividad en el relato de una tradicional historia navideña donde la figura de Santa Claus no llega a ser el único protagonista sino que también lo es su entorno familiar.

Si la fantasía de Papa Noel ha estado presente a través de los siglos poco importa aquí que la imaginación del guión de Smith y Peter Baynham trate de dar una respuesta a lo que miles de niños se preguntan sobre cómo es posible que Santa pueda distribuir los innumerables regalos en el espacio de las escasas horas de una sola noche para que todos los niños los reciban el día de Navidad. Todo tiene una sencilla respuesta si se piensa que eso es debido gracias a una operación realizada en una usina ubicada debajo del Polo Norte que apela a las maravillas ofrecidas por la alta tecnología junto con la colaboración prestada por más de un millón de eficientes elfos permitiendo que en tiempo récord los regalos puedan llegar a buen destino.

Sobre la base de lo que antecede como prólogo a esta historia, el espectador puede contemplar que Santa (Jim Broadbent) con sus más de 70 años a cuesta y pensando en su retiro va delegando su tarea a Steve (Hugh Laurie) con vistas a ser su heredero para la noble tarea de brindar felicidad a los niños, en tanto que Arthur (James McAvoy) ocupa un lugar secundario al ir apilando las cartas dirigidas a su padre. Los acontecimientos adoptan giro inesperado cuando a pesar de la tecnología avanzada, Gwen (Ramona Márquez) una de las niñitas es dejada por omisión sin su correspondiente regalo; como nadie puede quedar sin el mismo será entonces el turno de Arthur quien contando con la ayuda de su abuelo (Bill Nighby) juntos iniciarán la gran aventura de un viaje que los llevará a África y México entre otros lugares a través de una carrera contra el tiempo; lo importante es llegar a la pequeña aldea donde vive Gwen para que cuando ella despierte se encuentre con el obsequio que solicitó a Santa.

El relato está muy bien construido y entretiene con personajes atrayentes, en gran parte logrado por la más que satisfactoria animación generada por computación en tercera dimensión; además se destaca por sus buenos diálogos, inteligentes chistes y por revivir con agrado la esencia mágica de estas festividades. Sin ser un clásico del género, el film ofrece una mirada algo diferente a la leyenda de Santa que llega a satisfacer a los adultos y gratifica a la audiencia menuda.

24.11.11

LA LLAVE DE SARAH

ELLE S’APPELAIT SARAH. Francia, 2010. Dirección:Gilles Paquet-Brenner. Distribución: TVA FILMS (2011)

Comentario de Jorge Gutman



Uno de los episodios acontecidos durante el holocausto es revivido en Elle s’appelait Sarah de Gilles Paquet-Brenner; tomando como referencia la novela de Tatiana de Rosnay y adaptada para el cine por el realizador juntamente con Serge Joncour, esta película está meticulosamente estructurada presentando dos historias paralelas donde dos mujeres viviendo en épocas diferentes llegan a vincularse a través del tiempo.


En la primera escena del film que transcurre en julio de 1942 se contempla a Sarah Starzynkski (Melusine Mayance), una niña judía de 11 años, jugando alegremente con su hermano menor de 4 años en el departamento que ocupa con sus padres; el juego es bruscamente interrumpido cuando la policía francesa arriba bruscamente al departamento y procede a arrestar a la familia tomándolos cautivos como parte de la redada que tuvo lugar en esa fecha; para tratar de salvar a su hermanito, instantes antes de la captura lo encierra en un armario guardando la llave consigo.


Al ser trasladados al velódromo de invierno parisino como lugar temporario, antes de su deportación a los campos de concentración de Auschwitz, Sarah logra escapar del lugar y tras algunas peripecias que acontecen se dirige a la casa en que habitaba para rescatar a su hermano. Lo acontecido con el niño deja en Sarah huellas muy profundas que habrán de marcarla para el resto de su vida.Simultáneamente, el relato se traslada a 2009 presentando a Julia Jarmond (Kristin Scott Thomas), una periodista americana viviendo actualmente en París y que trabaja para una revista anglófona. Su relación con la suerte corrida por Sarah se producirá debido a la concurrencia de dos hechos: por un lado, la revista para la que trabaja le encomienda preparar un artículo sobre la deplorable redada acontecida en Francia durante el régimen de Vichy; por el otro, quiere la casualidad que su marido (Fréderic Pierrot) herede un departamento que es el mismo que había ocupado la familia de Sarah. Como en la novela, el relato alterna entre estas dos historias, apreciando el modo en que Julia, a medida que prosigue su tarea detectivesca, cobra conciencia de que el derrotero de Sarah tiene vinculación con su propia vida, obligándola a revaluar su propia existencia y el rumbo futuro que habrá de adoptar.


Si hay alguna observación que merezca este film es que el guión introduce ciertas coincidencias discutibles para que el pasado y presente puedan quedar bien engarzados. Sin embargo la narración que Paquet Grenier efectúa es admirable logrando que la emoción fluya sin desbordes sentimentales; de este modo, el relato conmueve y cala hondamente en el ánimo del espectador tanto por el testimonio casi documental de un hecho que por largo tiempo permaneció oculto en la historia de Francia, como así también por la atracción que despiertan los diferentes personajes del relato con especial referencia al de Sarah y Julia.


Uno de los méritos de este film se debe a la notable composición que la versátil y bilingüe artista Scott Thomas brinda de su Julia así como la revelación de la niña Mayance en una natural y convincente composición de Sarah. En papeles secundarios cabe destacar las buenas interpretaciones de Niels Arestrup, Aidan Quinn, Charlotte Poutrel, Dominique Frot, Frederic Pierrot y George Birt.De lo que antecede queda como saldo un film sencillo, profundamente conmovedor y sobre todo aleccionador para rememorar un triste capítulo que avergonzó a Francia y que en este caso no es atribuido a los nazis sino a las autoridades de Francia de aquel momento.


La banda audio del DVD es en su versión original francesa o doblada al inglés. Tiene subtítulos optativos en ambos idiomas.

UN NOTABLE FILM DE ALEXANDRE PAYNE

THE DESCENDANTS. Estados Unidos, 2011. Un film de Alexandre Paine


Comentario de Jorge Gutman



Después de varios años de ausencia retorna Alexandre Paine con The Descendants el mejor film de su carrera, ratificando una vez más que es uno de los realizadores más humanistas sabiendo cómo utilizar el tono de comedia cálida para narrar un relato dramático. Adaptando una novela de Kaui Hart Hemmings, el guión preparado por Paine, Nat Faxon y Jim Rush es a todas luces excelente y permite que el público permanezca atrapado durante casi dos horas de metraje apreciando una gran película.


George Clooney, en su mejor actuación para el cine, es Matt King, el protagonista y relator de lo que acontece en Hawai donde vive con su familia. Lo primero que aclara es que ese lugar no es el paraíso sobre la tierra que todos imaginan; la verdad es que tiene sus buenas razones para pensar así. Como abogado de muy buena posición económica especializado en bienes raíces, aparentemente tiene todo para ser feliz, pero el destino le asesta un duro golpe cuando su esposa Elizabeth (Patricia Hastie) sufre un grave accidente náutico dejándola en estado de coma. Aparte de la angustia que lo embarga al saber que son muy pocas las posibilidades de que su señora se recupere, Matt debe por vez primera asumir la responsabilidad de actuar como padre de familia dado que nunca mantuvo cercanía con sus dos hijas, Scottie (Amara Miller) de 10 años y Alexandra (Shailene Woodley) de 17 años; ahora le corresponde recomponer la unidad familiar. Por si eso fuera poco, la situación se vuelve más compleja cuando Alexandra le revela que su madre lo estaba engañando con otro hombre casado.


Aunque el dolor, frustración, traición conyugal e impotencia de Matt para revertir los acontecimientos son aspectos que bien podrían adoptar un cariz de melodrama lacrimógeno, Payne logra que los hechos dramáticos y patéticos de la historia puedan combinarse con situaciones de humor sin desembocar en la farsa o la caricatura.


Clooney prácticamente domina el film con una interpretación excepcional. Como un individuo imperfecto, padre desorientado, marido desolado y traicionado, así como el hombre que debe adoptar una trascendental decisión sobre una considerable superficie de terreno virgen en Kauai que pertenece a la familia ampliada y que sus primos desean vender, el actor transmite en todo momento la vulnerabilidad, ternura y la cambiante gama de sentimientos por la que atraviesa su personaje.


Aunque el popular actor despierte entusiasmo, el guión también posibilita que cada uno de los personajes secundarios adquiera gravitación; en tal sentido todo el elenco que lo acompaña proporciona estupendas caracterizaciones. Miller, como la hija adolescente rebelde y a veces impertinente, es una verdadera revelación; también se destaca Nick Krause quien animando al muchacho bobalicón que sale con Alexandra ofrece algunos de los momentos más risueños del relato; no menos importante es la presencia de Robert Foster como el suegro de Matt, Matthew Lilard como Brian, el amante de Elizabeth, y en especial Judy Greer que en escasos minutos de intervención deja una excelente impresión caracterizando a la esposa engañada de Brian.


Además de los factores mencionados, el suceso artístico de este film es debido a que aborda tópicos que tienen validez universal donde en mayor o menor grado cada espectador puede sentirse identificado. Por lo que antecede no sería extraño que este excelente drama se haga merecedor de varias nominaciones a la hora de los Oscars.

23.11.11

MEZZO SOPRANO CHRISTIANNE STOTIJN

LADIES MORNING MUSICAL CLUB


Para el último concierto de este año que será dedicado al canto la agrupación musical LMMC presentará a la mezzo soprano holandesa Christianne Stotijn, quien ha hecho conocer su voz en los más importantes auditorios de música, entre otros, el Concertgebouw de Amsterdam, Mozarteum de Salzburgo, Carnegie Hall de Nueva York, Keneedy Center de Washington, entre otros. La cantante ha trabajado con reputados directores de orquesta y de manera intensiva con Bernard Haitink quien ha contribuido enormemente al éxito de su carrera.

Para la ocasión, la artista será acompañada por el pianista Julius Drake en un recital que incluye Lenau-Lieder und Requiem, Opus 90 de Schumann, selecciones de Hollywood Liederbuch y selecciones de Des Knaben Wunderhorn de Mahler.


El concierto tiene lugar en la sala Pollack de la Universidad McGill el 4 de diciembre a las 15h30 (http://www.lmmc.ca/)



OPERA DE MONTREAL

CONCIERTO GALA DE LA OPERA DE MONTREAL

Una nueva edición del concierto gala de la Opéra de Montréal tendrá lugar el domingo 4 de diciembre (14h00) en la Maison Symphonique de la Place des Arts. Se trata de un evento beneficio en el que este año participarán diez cantantes canadienses, dos músicos solistas, el Coro de la Opera de Montreal y la Orchestre Métropolitain bajo la dirección de Timothy Vernon.

El concierto será precedido de la entronización del barítono Bruno Laplante al Panteón Canadiense de Arte Lírico. Posteriormente el público asistente tendrá la oportunidad de escuchar algunas de las más populares arias de ópera de celebrados compositores como Leoncavallo, Leoncavallo, Donizetti, Mozart, Gounod, Bizet, Verdi, Giordano, Massenet, Delibes, Puccini, Cilea, Bizet, Bellini, Tchaikosky, Wagner, Offenbach, Plamondon/Cocciante.

Los artistas invitados son : Phillip Addis, Alain Coulombe, Gregory Dahl, Antonio Figueroa, Lyne Fortin, Marc Hervieux, Marie-Josée Lord, Sonia Racine, Lauren Segal, Alexandre Sylvestre, Stéphane Tétreault (violoncelista) y Serhiy Salov (pianista). Para información adicional el sitio web es http://www.operademontreal.com/

UNA OPERA DE HAENDEL

RODELINDA


Una nueva transmisión en alta definición desde el Metropolitan Opera de Nueva York tendrá lugar con la ópera barroca Rodelinda de George Frideric Haendel, compuesta en 1725. Se trata de una producción de 2004 perteneciente a Stephen Wadsworth y que cuenta como protagonista a la célebre soprano Renée Fleming.


Además de Fleming (Rodelinda) el reparto está integrado en los principales roles por los contratenores Andreas Scholl (Bertarido) y Iestyn Davies (Unolfo) la mezzo soprano Stephanie Blythe (Eduige), el tenor Joseph Kaiser (Grimoaldo) y el bajo barítono Shenyang (Garibaldo).


La dirección orquestal está a cargo del maestro Harry Bicket quien es un experto en música barroca, la escenografía es de Thomas Lynch y el vestuario es responsabilidad de Martin Pakledinaz. La ópera es cantada en italiano con subtítulos en inglés.


La difusión tiene lugar el sábado 3 de diciembre (redifundida el 28 de enero de 2012) a las 12h30 (hora del este) en las salas participantes de la compañía exhibidora CINEPLEX. Para saber cuales son los cines participantes y las horas locales en las diferentes ciudades de Canadá, el sitio web es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

19.11.11

CINE EN LA PLAZA

Crónica de Jorge Gutman

LA PIEL QUE HABITO. España, 2011. Un film de Pedro Almodóvar
Carente de la profundidad que ha caracterizado al cine de Almodóvar a partir de sus trabajos más maduros que comenzaron en 1994 con La Flor de mi Secreto (1994), el último film de Almodóvar logra interesar aunque sin llegar a provocar el entusiasmo habitual.

Adaptado de la novela “Tarántula” de Thierry Jonquet, el guión confeccionado por el director junto a su hermano Agustín Almodóvar penetra en el terreno del thriller perverso donde la forma radical que adopta la historia a mitad de camino crea perplejidad. Para no privar de la curiosidad al público deseoso de ver La piel que habito bastará con indicar sobre su tema pero sin suministrar mayores detalles que pudieran malograr su interés. La historia se centra en un eminente cirujano plástico de Toledo cuyo estado de enajenación mental lo induce a crear un nuevo tipo de piel mediante la transgénesis que consiste en la combinación de células animales y vegetales; para la experimentación que realiza, utiliza como conejillo de indias a una joven a quien mantiene encerrada en una de las habitaciones de su suntuosa mansión. De aquí en más y a medida que el metraje va cobrando acción, el espectador se impone de las razones que lo llevan a convertirse en un monstruoso Frankenstein, del vínculo que lo une con la mujer prisionera, así como del resentimiento producido por el dolor de heridas emocionales del pasado aún no cicatrizadas.

En gran parte perturbador, el relato que está narrado en forma fragmentada con ruptura de sus tiempos, transita entre varios géneros entre los cuales se destaca el horror psicológico. Si bien el suspenso que genera su trama es capaz de producir una razonable intriga, cuando todos los hilos sueltos llegan a unirse en la resolución del misterio que lo alienta, uno tiene la sensación de haber asistido a una historia disparatada e insólitamente fría, sin una dimensión dramática que realmente llegue a emocionar.

A pesar de tratarse de una obra menor, este film logra crear una atmósfera atractiva, proporciona algunos toques surrealistas bien calibrados y permite gozar de ciertos momentos que, si bien absurdos, producen hilaridad. A lo anterior habrá que agregar la sofisticada creatividad que anima al relato, su impecable elegancia, una muy buena banda sonora con la música de Alberto Iglesias, la buena fotografía de José Luis Alcaíne, el original vestuario de Paco Delgado en colaboración con el famoso innovador Jean Paul Gautier y el excepcional diseño de producción de Antxón Gómez.

Como es habitual, Almodóvar se reunió con un elenco inobjetable. Después de su último trabajo con el director en “Átame” (1990), Antonio Banderas vuelve a hacerlo caracterizando al obsesionado cirujano sediento de venganza por trágicos acontecimientos que afectaron por completo su vida. Marisa Paredes está estupenda como la cómplice ama de llaves del facultativo, en tanto que Elena Anaya se distingue en un difícil trabajo dentro de las características especiales de un rol que la mantiene en cautiverio a lo largo del relato.

Es muy probable que este film radicalice la opinión de los espectadores, pero aunque se trata de un Almodóvar de menor envergadura, los leales seguidores de este gran director no deplorarán el tiempo invertido que insume su visión.

MARGIN CALL. Estados Unidos, 2011. Un film escrito y dirigido por JC Chandor


Inspirado en los sucesos que condujeron a la quiebra de Lehman Brothers en Septiembre de 2008 con la consiguiente crisis económica que produjo a nivel mundial y que todavía está repercutiendo, el novel realizador JC Chandor propone con Margin Call una dramatización de los hechos previos que condujeron a dicha situación, imaginando a una de las tantas empresas financieras actuando con el mismo nivel de irresponsabilidad y malicia. El film deja una sensación de pesadumbre contemplando una historia que si bien es muy conocida tiene el mérito de describir una realidad tan sombría como repulsiva al ilustrar los esfuerzos de una compañía financiera para evitar su derrumbe, aunque eso implique hundir al resto del mundo.


Todo acontece en un período de escasas 36 horas en el seno de un banco de inversiones. La primera jornada comienza con la decisión de los cuadros superiores despidiendo a una considerable parte del personal, frente a eventuales problemas que puedan surgir a breve plazo. Uno de los afectados es Eric Dale (Stanlely Tucci), un gerente de riesgo con 19 años de antigüedad, quien apenas es notificado de la medida adoptada es despojado en la forma más inhumana posible de todos sus atributos y pertenencias de la empresa y es acompañado por un agente de seguridad hasta la puerta del edificio; sin embargo y antes de dejar el lugar logra entregarle un USB a Peter Sullivan (Zachary Quinto), un joven analista, advirtiéndole que tenga cuidado. Horas después, cuando todos los empleados ya se han retirado, Peter examina lo que Eric le ha confiado y se alarma al constatar que el análisis de proyecciones realizados por el ex gerente refleja que la compañía corre el riesgo de una quiebra inminente debido a la posesión de activos financieros compuestos por hipotecas tóxicas de valor casi nulo así como otros productos inservibles. Peter convoca urgentemente a su compañero de trabajo Seth Bregman (Penn Badgley) y a Will Emerson (Paul Bettany), el jefe de ambos, imponiéndoles de la gravedad de los hechos para ser posteriormente transmitida a su superior Sam Rogers (Kevin Spacey) lo que está pasando. A medida que avanza la noche llegan a la organización otros ejecutivos de alto nivel (Demi Moore, Simon Baker), y finalmente a las 4 de la madrugada arriba el dueño y CEO de la compañía John Tuld (Jeremy Irons). En esa reunión de emergencia se adopta la decisión de ubicar con urgencia a Dale y de reincorporarlo a la compañía, cualquiera que sea los honorarios que exija por sus servicios; además, Tuld ordena la venta inmediata de los activos putrefactos de la firma al mejor precio posible apenas el mercado se reabra, para evitar que la noticia llegue a divulgarse. De allí en más, seguirá una segunda jornada signada por una marcada tensión.


En su primer trabajo como realizador Chandor ha logrado un documento de gran madurez, donde el espectador queda totalmente inmerso en la acción y sumergido en el mismo clima de suspenso agobiante que envuelve a los altos ejecutivos de la firma.


Muy parecido a lo que el dramaturgo David Mamet ofrecíera en Glengarry Glen Ross, el texto de Chandor es de gran ingeniosidad con algunos memorables monólogos y corrosivos diálogos. Por ejemplo, demostrando que a medida que se va ascendiendo a las posiciones superiores de la escala jerárquica los ejecutivos saben menos que sus subalternos, el público asiste a una escena fascinante cuando al comenzar la dramática reunión nocturna, Tuld le pide a Peter que le explique en los términos más simples posibles, como si tuviera que dirigirse a un niño de 6 años, en qué radica la gravedad de la situación. De modo similar procede Chandor con su relato permitiendo que el mismo pueda ser seguido por cualquier persona que ignore la forma en que los mercados operan, llegando a saber cómo actúan los titanes multimillonarios de estas instituciones cuya fortuna ha sido acumulada en base a la especulación y depredación efectuada al modesto e inocente inversor.


Aunque gran parte de este lúcido documento es debido a su realizador, no menos importante es la contribución realizada por el brillante elenco que lo anima donde cada uno de los actores participantes se despoja de su propia personalidad para reemplazarla con asombrosa convicción con la del personaje asumido.


Este elogiable film produce en el espectador una gran frustración por la naturaleza de su tema; sin embargo su visión es muy recomendable porque Chandor retrata acabadamente el rostro humano de los rapaces financieros, aunque en última instancia carezcan de humanidad. Lo triste del caso es que la mayoría de los mismos sale impune de los delitos cometidos y nada parece indicar que el sistema haya cambiado para evitar el advenimiento de nuevas catástrofes económicas.


LIKE CRAZY. United States, 2011. Un film de Drake Doremus
Esta película del joven realizador Drake Doremus en principio reúne los atributos necesarios para convertirse en una buena historia romántica, sin embargo se queda a mitad de camino y solo en forma muy intermitente presenta algunas situaciones que despiertan relativo interés.


La historia se refiere a la relación no muy convencional que une a dos jóvenes próximos a graduarse en la Universidad de Los Ángeles. Ella es Anne (Felicity Jones) quien se siente atraída por Jacob (Anton Yelchin), uno de sus compañeros de curso; para conquistarlo, utiliza un modo bastante particular al dejarle un curioso mensaje de amor en el parabrisas de su coche. Después de conocerse, flirtear e intimar, llega la hora de la separación porque Anne, que es británica, reside en Estados Unidos con una visa de estudiante de vencimiento inminente. Para pasar el verano junto a su novio, contraviene el permiso legal al quedarse más tiempo del debido antes de retornar a Londres; cuando posteriormente quiere volver a Los Ángeles con una visa de turista, los funcionarios de inmigración americana le niegan su entrada, obligándola a regresar a Inglaterra.


Aunque en principio podría despertar curiosidad en ver cómo se habrá desarrollar un vínculo sentimental donde las partes viven a miles de kilómetros de distancia, el guión de Daremus y Ben York Jones carece de la necesaria sustancia cómo para que lo que se expone resulte más atractivo. Durante la separación física, los estados anímicos de la pareja se ven alterados con el resultado de que Jacob pronto encuentra solaz sentimental con una colega de su trabajo (Jennifer Lawrence), en tanto que Anne no dudará en intimar con un vecino (Charlie Bewley) del lugar donde habita. El viaje que él efectúa a Londres para reencontrar a su novia provocará situaciones de ruptura, reconciliación, reproches, resentimientos, pero sin que todo ello repercuta vitalmente en el espectador; a todo esto, la mutua infidelidad de la pareja resta convicción a la sinceridad de los sentimientos envueltos.


Lo más objetable de Like Crazy es la débil caracterización de sus personajes y la falta de química existente entre los personajes principales donde se observa a un Jacob más bien pasivo frente a una Anne mucho más dinámica y apasionada. Los pasajes en que el relato alcanza un matiz de mayor interés son en las escenas que intervienen los padres de Anne (Alex Kingston y Oliver Muirhead) quienes le otorgan un poco de calor y humor al mismo.


La actuación de Jones y Yelchin es buena pero sus personajes, especialmente el de Jacob, carecen de la profundidad necesaria y su final abierto de novelita rosa impide que el film llegue a perdurar en la memoria del espectador. Para resumir, aunque este film se puede ver está muy lejos de generar el entusiasmo que dentro del mismo género alcanzaran, para citar algunos ejemplos, Before Sunrise(1995) y Before Sunset (2004) con Ethan Hawke y Julie Delpy y/o hace poco tiempo Blue Valentine (2010) con Ryan Gosling y Michelle Williams

18.11.11

CINE EN LA PLAZA

Comentarios de Sergio Martínez

J. EDGAR. Director: Clint Eastwood (2011)
John Edgar Hoover, uno de los personajes más siniestros de la historia de Estados Unidos, director por casi 40 años del FBI (Federal Bureau of Investigations), ha sido el objeto de esta interesante película biográfica realizada por Clint Eastwood. La estructura del film alterna entre los comienzos de la carrera de Hoover (encarnado por Leonardo DiCaprio) hasta su período final a cargo del FBI. DiCaprio ciertamente hace una muy buena caracterización de su personaje, aunque gran mérito en ello corresponde también a quienes hicieron el maquillaje del actor para trasladar a la pantalla una imagen creíble del personaje en sus últimos años.
El film transporta al espectador por las vicisitudes personales y profesionales de un individuo que ciertamente no despierta mayor simpatía, un hombre ambicioso aunque a la vez capaz de disfrazar esa ambición de poder con lo que se muestra como un real convencimiento de que su accionar es siempre motivado por un profundo sentimiento patriótico. Su lucha contra comunistas y otros izquierdistas por ejemplo está abundantemente alimentada por esa mezcla de odio con esa otra ilusión patriótica.
Al final sin embargo, Eastwood nos entrega de manera creciente la imagen de una Hoover más interesado en preservar su puesto—para lo cual no vacilará en chantajear a presidentes—y hacer valer su poder aun cuando ya la vía libre que una vez tuvo aparece obstaculizada hacia los años 60 por diversos pronunciamientos judiciales que cuestionan sus procedimientos.
Este film proporciona un ajustado retrato del siniestro jefe policial, incluyendo aquellos aspectos de su vida personal que a su vez contribuyen a formarse un perfil psicológico de él: su enfermizo apego a la madre, Annie (Judi Dench), su desconfianza y consiguiente soledad, aunque la faceta más controvertida de Hoover, su homosexualidad nunca admitida, aunque claramente insinuada en su relación con el agente Clyde Tolson (Armie Hammer) no es explorada más a fondo. Eso pese a que Hoover hizo del chantaje a homosexuales una de sus herramientas favoritas para perseguir a presuntos izquierdistas u otros potenciales enemigos en la administración pública de Estados Unidos.
Aparte de Tolson, la única otra persona que goza de la confianza de Hoover es su secretaria Helen Gandy (Naomi Watts) y esa relación es presentada de modo detallado en el film.
En suma, se trata de un film que aporta una visión histórica de interés sobre este personaje, aunque insuficiente en la cobertura de algunos de los aspectos más controvertidos de su vida, como su homosexualidad latente. Para el público norteamericano J. Edgar tiene posiblemente un mérito adicional: el enterarse que Estados Unidos ha tenido su propia “policía secreta”, que ella se ha visto envuelta en una serie de maniobras sucias y que en este sentido, Hoover fue un buen equivalente de Laurenti Beria en la URSS, comparación que puede acentuarse en los comienzos de la Guerra Fría.

HAPPY FEET TWO. Director: George Miller (2011)
Un film de animación computarizada en 3D que ciertamente ha de gustar a los niños de edad más menuda, especialmente menores de 9 años, aunque algunas escenas pueden crear alguna reacción de susto también.
Happy Feet Two, sigue la historia de una comunidad de pingüinos que debe enfrentar una inesperada catástrofe natural, el derrumbe de hielos que les cierra el paso al mar y por tanto los deja sin poder alimentarse.
La historia se condimenta un poco con la aparición de un pingüino volador y su lugarteniente que harán al pequeño Eric, el pequeño pingüino en quien se centra la historia, descubrir sus propias capacidades. Eric, en compañía de su padre y en los encuentros que tiene con otros animales, irá comprendiendo también valores como la amistad, la lealtad y la gratitud.
Como historia paralela transcurre también la de dos krils (minúsculos camarones) embarcados en la búsqueda de un modo de vida fuera del enjambre en que nacieron y siempre vivieron. Sus peripecias aportan una nota humorística y de acción, en contraste con el ritmo más pausado y reflexivo de la historia principal.
Como ya se ha hecho costumbre en los recientes filmes de animación, algunos actores famosos como Robin Williams y Elija Wood prestan sus voces a algunos de los personajes (en su versión inglesa, la versión doblada al francés tiene sus propios intérpretes).

17.11.11

MUSICA DE AMERICA LATINA Y UN CLASICO ORATORIO

ORCHESTRE METROPOLITAIN

Alternando la música sinfónica con el tango y los animados ritmos de la música latinoamericana, la Orquesta Metropolitana ofrece en su tercer concierto de esta temporada un programa ecléctico y colorido.

Para este evento, la OM ha invitado al conjunto Quartango que es una de las contadas agrupaciones musicales que ha tenido la oportunidad de ejecutar con orquestas sinfónicas durante los últimos 20 años en base a un repertorio integrado por milongas, los tradicionales tangos y los renovadores del gran compositor Astor Piazzolla. El grupo está integrado por Stéphane Aubin (piano), Antoine Bareil (violín), René Gosselin (contrabajo), Denis Plante (bandoneón) y Chantal Simard (percusión). Los bailarines argentinos Roxana Callegari y Fabián Belmonte acompañan al conjunto.

El concierto es dirigido por el maestro Alain Trudel y el programa incluye la Sinfonía No. 4 de Carlos Chávez, la Sinfonietta No 1 de Heitor Villa-Lobos, y una selección de tangos sinfónicos. El 27 de noviembre (16h00) en la Maison Symphonique (http://www.orchestremetropolitain.com/)





MCGILL CHAMBER ORCHESTRA




Bajo la dirección del maestro Boris Brott, la Orquesta de Cámara de McGill ofrecerá el Mesías de Haendel con la participación de la soprano Hélène Brunet , el contratenor Daniel Taylor, el tenor Rufus Müller, el bajo Alexander Dobson, y el Coro de la Catedral Christ Church.




El oratorio tiene lugar el lunes 28 de noviembre (19h30) en la catedral Christ Church (http://www.ocm-mco.org/)

MUSICA DE CAMARA EN EL CENTRO SEGAL

MUSICA CAMERATA MONTREAL


Fiel a la tradición de hacer conocer al público melómano obras poco conocidas o bien no ejecutadas habitualmente, el celebrado conjunto de cámara Musica Camerata Montreal ofrece como segundo programa de la presente temporada, dos composiciones que son primicias para Canadá.


El programa incluye el Quinteto para piano y cuerdas del compositor ruso Anton Arensky (1861-1906) y el Quinteto No. 2 para piano y cuerdas del compositor húngaro Karl Goldmark (1830-1915) . Los músicos que participan son Berta Rosenohl (piano), Luis Grinhauz (violín), Van Armenian (violín), Lambert Chen (viola) y Mariève Bock (violoncelo). bajo la dirección de Luis Grinhauz.


El concierto tiene lugar el el domingo 27 de noviembre a las 14h30. en el Centro Segal. Información suplementaria se puede obtener visitando http://www.segalcentre.org/ y/o http://www.camerata.ca/

UN PADRE PROLIFICO

Crónica de Jorge Gutman

STARBUCK. Canadá, 2011. Dirección: Ken Scott. Distribución: Films Christal


El director Ken Scott brinda una comedia donde la gracia y la ternura se combinan adecuadamente. Patric Huard anima a David Wozniak, un individuo que en su juventud había donado su esperma a cambio de una considerable suma de dinero utilizando el seudónimo de “Starbuck”. Hoy día, con cuarenta y tantos años, es un hombre bastante inmaduro, no muy responsable, endeudado hasta la médula de sus huesos y trabajando sin mayor emprendimiento como empleado repartidor en la carnicería de su padre (Igor Ovadis).


Su vida cambia drásticamente el día que recibe la visita de un abogado de la clínica donde él había cedido su esperma, quien le comunica que su donación generó el nacimiento de 533 personas y que 142 de las mismas se han dirigido a la justicia demandando conocer la identidad del padre. Como si eso fuese poco, cuando su compañera Valérie (Julie Le Breton) le anuncia que esperan un hijo, la noticia le causa gran preocupación dada su naturaleza de querer evitar cualquier tipo de atadura que lo comprometa y menos aún asumir una imprevista paternidad.


Para solucionar el problema judicial, David acude a su abogado amigo (Antoine Bertrand) para que lo ayude a seguir manteniéndose en el anonimato. Al propio tiempo trata de relacionarse con algunos de sus hijos biológicos sin revelar quien es él y en ese contacto se producen situaciones anecdóticas bastante emotivas, aunque cabe reconocer que el director utiliza cierta manipulación para congraciarse con el público.


Sin otro propósito que el de apelar a genuinos sentimientos, el film va ilustrando cómo David va superando el momento crítico por el que atraviesa al ir cambiando de actitud y madurando lentamente en un proceso de concientización que le permite comprender lo que significa traer hijos al mundo, la responsabilidad de ser padre y la gratificación que resulta de todo ello. De ese modo, el camino está preparado para que pueda recibir con todo entusiasmo a su primer hijo concebido en forma tradicional con Valérie, la mujer que verdaderamente quiere.


A pesar de alguno que otro clisé, el balance de STARBUCK es positivo. Aparte de tratar un tema universal como el de la paternidad, el film posee calidez, abunda en humor y además cuenta con la impecable actuación de Huard quien ofrece el mejor trabajo de su carrera caracterizando a un carismático antihéroe capaz de granjearse la inmediata simpatía del público.


El DVD no ofrece suplementos de relevante interés con excepción de algunas escenas suprimidas del montaje original. La banda audio es en francés/inglés con títulos optativos en inglés

12.11.11

EL CAMINO DE SANTIAGO

Comentario de Jorge Gutman


THE WAY. Estados Unidos, 2010. Un film escrito y dirigido por Emilio Estévez


En un film dedicado a su abuelo, el director Emilio Estévez eligió a su padre Martin Sheen como el protagonista de un relato de significativo contenido espiritual acerca de un hombre que rinde un tributo póstumo a su hijo.


El guión presenta a Tom (Sheen), un oftalmólogo de California que inesperadamente recibe un llamado telefónico de Francia donde le comunican que su hijo Daniel (Estévez) falleció en una tormenta acaecida en los Pirineos cuando estaba emprendiendo el milenario Camino de Santiago, una ruta que recorren los peregrinos procedentes de Europa y cuya meta es llegar a pie hasta la Catedral de Santiago de Compostela de esa misma ciudad en donde se veneran las reliquias del apóstol Santiago el Mayor. Completamente apesadumbrado, Tom viaja al lugar de la tragedia para recuperar su cuerpo pero en el lugar cambia de opinión y respetando los principios religiosos de su hijo resuelve efectuar el camino que Daniel debió emprender llevando consigo sus cenizas y cumplir con lo que él habría deseado realizar en vida.


De este modo y a lo largo de un itinerario de 800 kilómetros, el relato se convierte en una película del camino aunque diferente de las tradicionalmente conocidas. Las circunstancias hacen que en esa marcha también participen un agradable y extravertido holandés (Yorick van Wageningen) que desea perder peso con el ejercicio físico que implica caminar el largo trecho, una canadiense divorciada de edad media (Deborah Kara Unger) que tratará de perder el vicio de fumar y un escritor irlandés (James Nesbitt) que intenta escribir un libro en base a la experiencia que recoja a través del largo recorrido.


Durante el itinerario queda reflejado el drama de Tom quien se mantiene parco y poco propenso para compartir con sus compañeros de ruta la tristeza íntima que lo aflige; ese dolor es en parte atenuado por la presencia ensoñadora de su hijo que le sirve de aliciente suministrándole fuerza para cumplir con su meta. Pasando por pequeñas localidades y algunas ciudades de importancia como Pamplona, Burgos y León, el viaje ofrece algunos momentos de tensión como cuando a Tom se le cae la mochila con las cenizas de su hijo en un río y posteriormente cuando un joven gitano le roba sus pertenencias para serle posteriormente reintegradas por el padre de aquél.


La naturaleza del film está lejos de ajustarse a los tradicionales gustos del público joven de hoy día puesto que no hay acción violenta, sangre, sexo o drogas para que le otorguen “color”; en cambio destila una especial sensibilidad que satisfará al espectador inclinado por un relato sincero y humano. La interpretación es irreprochable aunque claramente se distingue la de Sheen quien con su expresivo rostro transmite el sufrimiento de su personaje a pesar del escaso diálogo que el guión le permite mantener. En los rubros de producción, se destaca la fotografía de Juan Miguel Azpiroz captando las bellas imágenes de los paisajes montañosos de Francia y las zonas vascas de España.

11.11.11

LA BELLA DURMIENTE

BALLET BOLSHOI

Sleeping Beauty
es la tercera producción de la nueva temporada de la compañía del Ballet Bolshoi, a ser difundida en Canadá directamente desde Moscú en alta definición. Este célebre ballet en dos actos con libreto de Ivan A. Vsevoloisky de Marius Petipa está basado en el popular cuento original de Charles Perrault La Bella Durmiente del Bosque de Charles Perrault y La Bella Durmiente de los Hermanos Grimm.

Su trama gira en torno de la princesa Aurora quien al nacer, un hada maligna la maldice haciendo saber que al cumplir 16 años morirá al pincharse con un huso de hilar. Afortunadamente, la presencia de un buen hada modificará parcialmente la sentencia señalando que la princesa habrá de caer en un profundo sueño del que despertará cuando reciba un beso de amor.

Este ballet es considerado como uno de los más espectaculares y más representativos del lenguaje clásico está agraciado por la maravillosa música de Peter Tchaicovsky. Si bien la coreografía original pertenece a Marius Petipa, la versión presentada por el Bolshoi pertenece al maestro Yuri Grigorovich.


Entre los principales bailarines se destacan María Allash, Svetlana Zakharova, Alexei Loparevich, Pavel Dmitrichenko, David Hallberg. Los decorados pertenecen a Ezio Frigerio y la dirección musical está a cargo del maestro Vassily Sinaisky.


El espectáculo será transmitido el 20 de noviembre (redifundido el 29 de enero de 2012) en los teatros pertenecientes a la cadena de exhibición CINEPLEX. En el área de Montreal, las salas de exhibición son Quartier Latin, Scotiabank, Cavendish Mall, Colossus Laval y Colisée Kirkland a las 13h00 local. Para una mayor información sobre horarios locales y teatros en el resto de Canadá, el sitio a visitar es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements





10.11.11

EL PACIFISMO DE GHANDI

SATYAGRAHA

La cuarta ópera de la temporada 2011-2012 directamente desde el Metropolitan Opera de Nueva York es Satyagraha, la creación lírica de Philip Glass. El libreto del novelista Constance DeJong, basado en proverbios filosóficos provenientes de un épico poema hindú, relata la lucha de Mohandas K. Ghandhi por los derechos civiles de la minoría india de Sudáfrica desde 1893 a 1914 y fue quien utilizó la táctica del "satyagraha", la resistencia sin violencia, en sus campañas para lograr la independencia de India.

En los roles principales participan el tenor Richard Croft como Ghandi, la soprano Rachelle Durkin como su secretaria, la mezzo soprano María Zifchak animando a su esposa, el bajo barítono Alfred Walker como su compañero de trabajo indio y el barítono Kim Josephson interpretando a su colega europeo.
La producción es de Phelim McDermott con la colaboración de Julian Crouch como director asociado y responsable del diseño escénico. La dirección musical está a cargo de Dante Anzolini.

La ópera es cantada en sánscrito –lengua litúrgica en el hinduísmo, budismo y janismo- con subtítulos en inglés.

La difusión via satélite y en alta definición tiene lugar el 19 de noviembre (redifundida el 14 de enero de 2012) a las 13h00 (horario del este) a través de la compañía exhibidora CINEPLEX. Para los cines participantes y las horas locales en las diferentes ciudades de Canadá, el sitio web es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

9.11.11

El Festival de Cine Documental de Montreal

Crónica de Jorge Gutman


RENCONTRES INTERNATIONALES DU DOCUMENTAIRE DE MONTREAL


El miércoles 9 de noviembre comienza en Montreal la 14ta edición del festival de filmes documentales (RIDM) que este año presenta 115 títulos de 32 países. La muestra se inaugura con CRAZY HORSE (Estados Unidos), en donde el director Frederick Wiseman transporta al espectador a la trastienda del célebre cabaret parisino durante los ensayos de un nuevo espectáculo, “Deseos”, coreografiado por Philippe Decouflé.


Entre algunas de las películas destacadas de esta selección figura JOSÉ E PILAR (Portugal-España-Brasil), un emotivo y cálido documental de Miguel Conçalves Mendes centrado en los últimos años de la vida del premio Nobel José Saramago (fallecido en 2010) y su esposa, la periodista española Pilar del Río. Aunque el film no soslaya la personalidad de Saramago como escritor, el enfoque está más bien dirigido a su parte humana y al amor y devoción que recibió de su esposa; durante los 22 años de vida en común, ella además de haber sido la traductora oficial de la obra literaria del novelista, fue su insustituible colaboradora que siempre se mantuvo pendiente de todo lo que le acontecía organizándole su vida en términos de viajes, recepciones, conferencias, tributos, etc. Pero lo que fundamentalmente prevalece es la hermosa historia de amor de esta singular pareja que está relatada con gran ternura.


También recomendable es L’EMPIRE DU MILIEU DU SUD (Francia) donde Jacques Perrin, buen actor y renombrado documentalista francés, junto con el cineasta historiador Eric Deroo ofrecen un excelente recuento de la historia colonial de Vietnam hasta la caída de Saigón en 1975. Después de un trabajo que insumió 10 años de investigación reuniendo un importante material de archivo de diferentes lugares del mundo que ha sido montado en forma impecable, los realizadores han logrado brindar un documento vívido, dinámico y sobre todo instructivo para las nuevas generaciones, brindando de este modo un respetuoso tributo a un pueblo oprimido a lo largo de su existencia.


Entre los filmes de América Latina dignos de mención se encuentra EL LUGAR MÁS PEQUEÑO (México) de Tatiana Huezo, abordando el caso de algunos sobrevivientes salvadoreños de la aciaga guerra civil que acosó a El Salvador entre 1980 y 1992, retornan a la región de Cinquera para construir una comunidad en aquellos lugares donde la sangre ha sido derramada. Aunque la vida normal reina ahora en el lugar, resulta difícil eliminar las huellas traumáticas que les ha dejado a esta gente a pesar de los años transcurridos. Con un bello estilo poético, la realizadora impresiona gratamente en ésta su ópera prima donde su cámara permite que los habitantes del lugar se expresen por sí mismos, sin ningún agregado retórico.


También despierta interés YATASTO (Argentina) de Hermes Paralluelo, enfocando a chicos que viven en un barrio humilde de la provincia de Córdoba. Valiéndose de un carro de caballo, trabajan recogiendo cartones y materiales reciclables mientras sueñan con un futuro más venturoso. Con una lograda puesta escénica, enfocando a sus personajes con planos fijos, Paralluelo obtiene una buena pintura social de gente que a pesar de su pobreza vive con dignidad pero nunca en la miseria.


El festival concluye el domingo 20 de noviembre con la premiere canadiense de TAHRIR, PLACE DE LA LIBÉRATION (Francia-Italia) donde el director Stefano Savona, durante 18 días, entre enero y febrero de este año, testimonió una imponente multitud en estado de revuelta que ocupó la plaza Tahrir de El Cairo para exigir la partida del presidente Moubarak y permaneció en la misma hasta lograr su objetivo.


Para información sobre las salas de proyección así como la lista de todos los filmes y proyección horaria, el sitio a visitar es http://www.ridm.qc.ca/

EL CANTO DE LA SIRENA

OPERA DE MONTREAL PRESENTA RUSALKA

En calidad de premiere, la Opera de Montreal presentó Rusalka, la creación lírica de Antonin Dvorák. Aunque la obra del compositor checo es más conocida por su repertorio musical, de todas maneras compuso 10 óperas de las cuales la presente es la más importante. Su argumento es una fantasía dramática donde Rusalka, el personaje principal, es una ondina que se enamora de un príncipe que habita en tierra firme; para casarse con él, la bella serena debe convertirse en un ser humano, hecho que habrá de lograrlo con la colaboración de la hechicera Jezibaba. En la noche de bodas, el príncipe la abandona por una princesa extranjera y cuando posteriormente vuelve a ella y le pide perdón, terminará muriendo en sus brazos en tanto que Rusalka volverá a las aguas para recobrar su estado natural.

Como ópera no es mucho lo que el amante del arte lírico debe aguardar porque lo más importante queda relegado a la orquestación musical. De hecho, esta ópera carece de arias importantes, con excepción de la muy conocida “Canción a la Luna” cantada por Rusalka al promediar el primer acto. En última instancia lo que predomina aquí son las hermosas melodías de Dvorak que causan placer auditivo.

La ópera es cantada por un reparto internacional integrado por la soprano americana Kelly Kaduce en el rol del título, el tenor ruso Khachatur Badalyan como su amado príncipe, la soprano polaca Ewa Biegas encarnando a la princesa extranjera, el bajo canadiense Robert Pomakov como el Genio de las Aguas y padre de Rusalka y la mezzo soprano rumana Liliana Nikiteanu dando vida a Jezibaba. El elenco cumple satisfactoriamente su cometido con especial referencia a las sopranos Kaduce y Biegas quienes ofrecen una exquisita riqueza vocal además de transmitir intensidad dramática en sus actuaciones.

Lo más importante de esta moderna producción es su deslumbrante contenido visual. Gracias a un dispositivo tecnológico –el uso de pantalla gigante LED de alta definición- la proyección de imágenes crea la ilusión de estar asistiendo a un espectáculo encantador que prestigia la puesta escénica de Bill Murray y complementando armoniosamente los decorados creados por Erhard Rom.

En el podio está el maestro John Keenan dirigiendo correctamente a la Orquesta Metropolitana, así como Claude Webster logra positivos resultados con el coro de la ODM.

Para los lectores que deseen apreciar un extracto del espectáculo, pueden visitar http://www.operademontreal.com/fr/popup_fr.html?id=1198&indexGroup=4

La ópera se seguirá representando los días 12, 15, 17 y 19 de noviembre (19h30h) en la Sala Wilfrid Pelletier de la Place des Arts, en la versión original checa con subtítulos en francés e inglés (http://www.operademontreal.com)/


8.11.11

RECIENTES DVDs

Crónica de Jorge Gutman


A BETTER LIFE. Estados Unidos, 2011. Dirección de Chris Weitz. Distribuidora : Entertainment One (2011)


El drama de los trabajadores latinoamericanos viviendo ilegalmente en Estados Unidos para tratar de alcanzar el sueño americano, es un tema que ha sido tratado en varias oportunidades. Con todo, la película A Better Life sin innovar en la materia, está imbuida de gran humanidad y la narración del realizador Chris Weitz mantiene permanente interés, en parte debido a que sus personajes están óptimamente descriptos.


Carlos Galindo (Demian Bichir) es un humilde mexicano indocumentado que reside en Los Ángeles y se gana la vida trabajando para Blasco (Joaquín Cosio), un compatriota suyo, ocupándose de la jardinería de las casas de la gente pudiente de la ciudad. Después de que su señora lo dejó junto a su hijo Luis cuando éste era pequeño, su preocupación mayor es que ahora el adolescente muchacho (José Julián), por quien manifiesta una acallada pero genuina devoción, pueda aspirar a un futuro mucho más venturoso que el que él disfruta.


Con el escenario descripto como telón de fondo el guión de Eric Eason, basado en una historia de Roger L. Simon, gira en torno de la relación que existe entre padre e hijo destacando las características personales de cada uno de ellos. En tanto que Carlos es un hombre de nobles sentimientos que trata de mantener un bajo perfil para no despertar las sospechas o ser detectado por parte de la policía migratoria, su hijo es díscolo, bastante irresponsable, sin interés alguno en mantener comunicación con su padre y sin cobrar conciencia de lo que Carlos realiza para protegerlo de las pandillas poco recomendables que abundan por la zona; ausentándose de sus estudios y con amigos no muy recomendables todo haría suponer que de proseguir ese camino, el futuro de Luis no resultará muy halagüeño.


A través de su abnegada y comprensiva hermana Anita (Delores Heredia) que le llega a facilitar 12 mil dólares, Carlos lo invierte en la compra del camión que le vende Blasco con el propósito de mejorar sus ingresos y así poder colmar sus aspiraciones de mejorar su nivel de vida junto a su hijo. Con reminiscencias del extraordinario film neorrealista de Vittorio de Sica “Ladrones de Bicicletas” (1948), la historia adopta un vuelco inesperado cuando a Carlos le sustraen su vehículo al día siguiente de su adquisición, incluyendo sus herramientas de trabajo. Lo que sigue después, es un relato que motiva a que padre e hijo lleguen a solidificar su relación a pesar de todas las circunstancias negativas mediante un viaje espiritual de gran ternura para demostrar que los valores familiares pueden gravitar mucho más que las penurias atravesadas por los golpes desafortunados del destino.


Con inteligencia y sensibilidad Weitz conmueve al espectador con una historia sencilla pero que cala a fondo mostrando los sectores de una ciudad donde habita la población más humilde y que contrasta enormemente con los atractivos sectores de Beverly Hills apreciados en otros filmes. Con diálogos claros y precisos, el realizador llega a transmitir con convicción un drama realista, ilustrando los esfuerzos realizados por los inmigrantes latinos para sobrevivir al valerse de cualquier medio para escapar de los arrestos policiales y la temida deportación. Al hacerlo, Weitz no adopta posición política alguna ni tampoco llega a criticar al sistema legal vigente dado que el tema de los indocumentados es aquí el hilo conductor para establecer los lazos existentes entre un padre y su hijo.


El director logró el aporte de un muy buen elenco donde, sin duda alguna, Demian Bichir descuella llegando a conmover en la caracterización de un individuo de moralidad y dignidad ejemplar que está firmemente determinado a que su hijo disfrute de una vida mejor.


El DVD incluye un comentario audio a cargo del realizador así como escenas eliminadas y un video musical. La banda audio es en inglés y/o español con subtítulos optativos en ambos idiomas.



Demian Bichir y José Julian




SUBMARINE. Gran Bretaña-Estados Unidos, 2010. Dirección: Richard Ayoade. Distribución: Alliance Vivafilm (2011)


Esta es una de esas raras comedias británicas donde el familiar tema del proceso de madurez de un adolescente adquiere matices especiales debido a la ingeniosidad con que Richard Ayoade lo abordó en su primer largometraje como realizador.
Adaptado de una novela de Joel Dunthorne, el guión de Ayoade enfoca a Olivier Tate (Craig Roberts), un muchacho galés de 15 años de edad que además de una imaginación singular que se evidencia en su mundo interior es también dueño de una sensibilidad especial en lo que concierne a su núcleo familiar. Así, una de sus preocupaciones es tratar de salvar el matrimonio de sus padres que se encuentra afectado por la rutina y frustración de su madre (Sally Hawkins) y la impasibilidad e indiferencia demostrada por su padre (Noah Taylor); el hecho se agrava con los encuentros que su madre mantiene con un excéntrico vecino (Paddy Considine) que fuera un antiguo amor de su juventud y es por eso que Olivier no guardará escrúpulos de actuar contra él con tal de evitar que sus padres se separen. El otro motivo que inquieta a Olivier es tratar de perder su virginidad con Jordana (Yasmin Paige), el primer amor de su vida, con quien mantiene una relación sentimental un poco complicada debido a los problemas de sus padres y a la enfermedad que aqueja a la madre de su novia.


Con un humor sutil, irónicos diálogos y una estilística narrativa que visualmente adopta un tono surrealista, el realizador logró un film poético, melancólico y esencialmente cálido describiendo muy bien la dicha, sinsabores, temores y otras inquietudes que afectan el período de la adolescencia. Todos los actores se desempeñan correctamente aunque claramente se destaca Craig Roberts llevando en sus espaldas el peso de este refrescante relato. Muy buena es la banda sonora con las canciones de Alex Turner.


Entre sus extras, el DVD presenta algunas escenas eliminadas y/o extendidas así como un breve material adicional donde los actores y el director se refieren a los personajes animados y a algunos aspectos en torno al proceso de creación del film.
La banda sonora es en inglés con subtítulos optativos en español e inglés.


Craig Roberts en "Submarine"

6.11.11

ANNA BOLENA

The MET HD: ANNA BOLENA






New York City, 10.10.2011. Metropolitan Opera House. Lincoln Center for the Performing Arts. Anna Bolena. Opera en dos actos con música de Gaetano Donizetti (1797-1848) y libreto de Felice Romani (1788-1865) basado en la vida de Ana Bolena, la segunda esposa del rey Enrique VIII de Inglaterra. Estreno: Teatro Carcano de Milán el 26 de diciembre de 1830. Elenco: Anna Netrebko (Ana Bolena), Ildar Abdrazakov (Enrique VIII), Ekaterina Gubanova (Jane Seymour), Stephen Costello (Percy), Keith Miller (Lord Rochefort), Tamara Munford (Smeton), Eduardo Valdés (Sir Hervey). Marco Armiliato, director musical – David McVicar, dirección escénica. Temporada 2011-12.


Comentario de Daniel Lara


Más allá de toda la parafernalia mediática que como es habitual en la era Gelb precedió la apertura de la temporada 2011-12 del Met con la ópera Anna Bolena y que colocó la imagen de Anna Netrebko en el centro de toda la atención de la ciudad, nada debe opacar el acontecimiento que significó el estreno incomprensiblemente tardío de la ópera de Donizetti en la cartelera del primer coliseo neoyorquino.


Última incorporación en el repertorio de Anna Netrebko, el personaje protagónico de Anna Bolena es -comparado con sus anteriores incursiones belcantistas en la casa- el rol con el que salió mejor parada. Su aproximación al personaje de la reina de Inglaterra subrayó el lado más lírico de la parte y fue allí donde Netrebko obtuvo los mejores momentos de la caracterización. Como ejemplos pueden citarse su “Come, innocente giovanne...” del primer acto o bien la remembranza final del “Al dolce guidami…” donde con voz aterciopelada, bellísimas medias voces y un sin número de sutilezas le dio a la noche algunos de los momentos de mejor y más efectivo canto. En el resto de la ópera, su labor no mostró falencias en los agudos ni en el arte del canto legato. Sus agilidades sin ser todo lo precisas que se hubiese deseado conformaron teniendo en cuenta que Netrebko es una cantante lirica y no una lirico-coloratura nata. A pesar de todo esto, el personaje requiere de la interprete mucho mas de lo que la diva rusa esta en condiciones de ofrecer, sobretodo en cuanto a carácter y autoridad refiere. Así fue como, en las escenas en las cuales debió confrontar ya sea con Seymour o con el rey, su caracterización hizo agua por los cuatro costados y sólo se la escucho interesada en cantar bonito sin molestarse demasiado en darle una impronta personal a lo que estaba cantando. Tampoco ayudó el hecho que la escritura vocal de la ópera sacó a relucir sus falencias en el registro medio-grave donde la voz tendió a perder peso y volumen, situación que tampoco contribuyó a darle autoridad a lo que se estaba cantando.
De todos modos, el público la aplaudió a rabiar y se fue extasiado con la labor de Netrebko aunque mucho más por el peso artístico y el carisma de la cantante que por su contribución a un repertorio que a pesar de su gran insistencia le sigue quedando muy grande. ¡Persevera y triunfaras!


Como Giovanna Seymour, Ekaterina Gubanova se desempeño con mucho profesionalismo y una vez vencido cierto trac inicial supo siempre ir de más en más. Su consistente y caudalosa voz sumadas a la fuerza expresiva con la que se lanzó a componer su personaje convinieron a la perfección para delinear el carácter de la amante del rey y a posteriori reina de Inglaterra.


De imponente presencia y temperamento, Ildar Abdrazakov cinceló un rey Enrique con voz dúctil, musicalidad y graves de bellísimo esmalte, cualidades a las que siempre les imprimió nobles y aristocráticos acentos. El rendimiento del bajo ruso pudo ser aun mejor de haber contado con otro director musical menos propenso a tirarle la orquesta encima y mas proclive a exponer la intensidad del canto del bajo ruso.


El ascendente y joven tenor Stephen Costello fue otra de las grandes figuras de la noche brillando a más no poder en su composición de Lord Riccardo Percy, personaje al que interpretó con una voz lirica de particular calidez, generosidad y asombrosa perfección estilística. Como si esto fuese poco, su caracterización rebozó fuerza emotiva y gran entrega. ¡Chapeau!


Completaron el elenco vocal las muy sólidas prestaciones de Tamara Mumford y de Eduardo Valdés como el joven músico de la corte Smeaton y el desagradable oficial Harvey respectivamente.


Muy tocantes y emotivas fueron las intervenciones del coro de la casa que cantó como una sola voz y en su habitual nivel de excelencia.


Al frente de la orquesta de la casa, la dirección musical de Marco Armiliato pasó con más penas que glorias. Plagada de irregularidades, su lectura de la partitura de Donizetti pasó por alto –en muchas ocasiones en beneficio de los cantantes, otras en perjuicio de estos y otras sin sentido alguno- toda la intensidad y el carácter de la música. Todo sonó igual, sin matices y sin la menor emoción.


A cargo del montaje escénico, David McVicar ofreció un espectáculo sobrio de línea tradicional buscando siempre pisar sobre terreno seguro y en el que sobresalió la elegancia y la sensibilidad del director de escena a la hora de extraer lo mejor de los solistas y del coro en materia de movimientos escénicos. Una particular mención mereció Jenny Tiramani quien diseñó un bellísimo vestuario rico en detalles y fiel al momento histórico en el que se desarrolla la trama.


En síntesis, un gran espectáculo que con sus altos y bajos resultó interesante para quien quiera conocer esta opera y poco aconsejable para los puristas del genero.


La ópera será redifundida en su versión original italiana con subítulos en inglés el sábado 12 de noviembre en los cines de Canadá de la compañía exhibidora CINEPLEX DIVERTISSEMENT. Para conocer las salas participantes y los horarios locales de cada ciudad, visitar el sitio web www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

5.11.11

FERENC MOLNAR, YASMINA REZA, REJEAN DUCHARME EN LA CARTELERA TEATRAL

SEGAL CENTRE

El Centro Segal presenta la segunda producción de la presente temporada con The Play’s the Thing del autor húngaro Ferenc Molnár con la puesta en escena de Blair Williams. Escrita en 1924, Molnár estructuró su creación como una obra dentro de otra, de manera que la realidad vivida por sus personajes es utilizada para ser volcada durante el proceso de elaboración de una pieza teatral.

El argumento presenta a Sandor Turai, un renombrado dramaturgo, quien junto a Mansky, su colaborador de larga data, invitan al joven compositor Albert Adam a un castillo ubicado en la rivera italiana donde esperan sorprender a la novia de este último, la prima donna Ilona Szabo. Pero el joven músico se llevará una gran sorpresa cuando por azar escucha un intercambio apasionado que mantiene Ilona con un actor que fuera su mentor y antiguo amante. Preocupados por el hecho de que este descubrimiento de infidelidad pueda destruir la carrera del joven músico, los dramaturgos utilizan los acontecimientos reales para escribir una pieza teatral que pueda recomponer la situación. A través de esta trama, Molnar desea mostrar como el arte puede llegar a reflejar la vida real.

El elenco cuenta con la participación de Paul Hopkins, James Kidnie, Chip Chuipka, Jessica B. Hill, Michael Rudder, Chris Barillaro y Jonathan Patterson. El decorado y vestuario está a cargo de Peter Hartwell. Las representaciones continúan hasta el 20 de noviembre (http://www.segalcentre.org/).


CENTAUR THEATRE

Finalmente el público anglófono de Montreal tiene la oportunidad de apreciar en inglés la excelente pieza God of Carnage (Le Dieu du Carnage) de la dramaturga francesa Yasmina Reza en traducción realizada por Christopher Hampton, presentada por el teatro Centaur. Esta obra tuvo resonante éxito en oportunidad de la excelente producción ofrecida el año pasado por el Teatro du Nouveau Monde en su versión original francesa.

La obra enfoca las relaciones humanas establecidas entre dos matrimonios de buena posición económica que se reúnen para tratar de enmendar la situación originada por una pelea de sus respectivos hijos de 11 años de edad; la misma tuvo lugar en un parque público con la consecuencia de que uno de los chicos perdió dos dientes debido al golpe infligido por el otro. Lo que comienza como una conversación refinada y cordial de gente adulta irá degenerando en acusaciones e insultos que desembocan en un combate grotesco entre las 4 personas. Bajo el disfraz de una comedia negra satírica Reza logró condensar en 80 minutos una historia de singular hilaridad que de alguna manera constituye un buen análisis de la condición humana.

La pieza está dirigida por Roy Surette y está protagonizada por Mark Camacho, Ellen David, Marcel Jeannin y Janine Theriault y es representada desde el 8 de noviembre hasta el 11 de diciembre en el escenario del teatro Centaur (http://www.centaurtheatre.com/).


THEATRE DU NOUVEAU MONDE

El TNM ofrece la obra de Réjean Ducharme HA ha!... que fuera estrenada en 1978 por Jean-Pierre Ronfard y repuesta en 1990 por Lorraine Pintal por esta compañía. Para esta nueva producción Dominique Champagne retorna al TNM para la puesta escénica de esta pieza que cuenta con la participación de Marc Béland, Anne-Marie Cadieux, Sophie Cadieux y François Papineau.

La obra es representadaza desde el 15 de noviembre hasta el 10 de diciembre (http://www.tnm.qc.ca/)

4.11.11

PROXIMOS CONCIERTOS

ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL




El próximo programa de la OSM tendrá lugar el 9 (20h00), 10(20h00) y 11 (10h30) de noviembre con el oratorio La pasión según San Juan de Bach bajo la dirección del maestro Kent Nagano. Actuarán como solistas la soprano Sibylla Rubens, la contralto Ingeborg Danz, los tenores Martin Mitterutzner y Christoph Genz, los barítonos Tyler Duncan y Markus Werba, el bajo barítono Philippe Sly, acompañados del Coro de la OSM.




Los conciertos tienen lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts (http://www.osm.ca/)




Sibylla Rubens



MCGILL CHAMBER ORCHESTRA



La Orquesta de Cámara de McGill (OCM) dirigida por Boris Brott, presenta el sábado 12 de noviembre (19h30) las Cantatas Profanas de Bach, entre ellas la Cantata del Café y la Cantata de los Campesinos. Con los músicos de la OCM participarán la soprano Pascale Baudin, el tenor Jacques-Olivier Chartier, y el barítono Nathaniel Watson. El concierto tiene lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts (http://www.ocm-mco.org/)



LADIES MORNING MUSICAL CLUB



Invitado por cuarta vez por LMMC se presentará el 13 de noviembre (15h30) el prestigioso Cuarteto Miró integrado por Daniel Ching (violín), Teresa Stanislav (violín), John Larguess (viola) y Joshua Gindele (violoncelo), con el pianista isaraelí Shai Wosner. El programa comprende el Cuarteto en Do menor de Schubert, el Cuarteto de Piano en Mi bemol mayor de Dvorak, y el Quinteto de Piano en Fa menor de Brahms.



Como es habitual el lugar del concierto es la sala Pollack de la Universidad McGill (http://www.lmmc.ca/)






PRO MUSICA


La organización musical Pro Musica presenta el Cuarteto Talich de la República Checa integrado por Jan Talich hijo (primer violín), Petr Macecek (segundo violín), Vladimir Bukac (viola) y Petr Prause (violoncelo). Este conjunto considerado como uno de los mejores cuartetos de cuerda del mundo ejecutará el Cuarteto en Sol mayor de Mozart, el Cuarteto No. 1 de Shulhoff y el Cuarteto en La menor (Rosamunda) de Schubert.


El concierto tiene lugar el 13 de noviembre (20h00) en la Maison Symphonique de la Place des Arts (http://www.promusica.qc.ca/)