28.2.13

STEVEN SPIELBERG PRESIDE JURADO

PRESIDENTE DEL JURADO DE CANNES 2013

En más de una oportunidad Steven Spielberg fue invitado a participar como presidente del jurado del Festival de Cannes, pero por superposición con su agenda de trabajo no le había sido posible aceptar. Finalmente, en la sexagésima sexta edición que se desarrollará entre el 15 y el 26 de mayo próximo, el celebrado realizador ocupará ese prestigioso cargo liderando un jurado cuyos integrantes aún no han sido designados.

El realizador siempre ha mantenido una relación muy cercana con Cannes donde su segundo largometraje The Sugarland Express presentado en 1974 obtuvo el premio al mejor guión y el excelente E.T. en 1982 fue el film que clausuró el festival.

Spielberg es uno de los directores más importantes e influyentes de los Estados Unidos así como a nivel ternacional. Su filmografía es cléctica y en la misma se puede encontrar una diversidad de géneros. Junto a  películas de gran entretenimiento comercial donde predominan la aventura, la fantasía infantil, la comedia brillante y/o la ficción, también se encuentran excelentes dramas que testimonian algunos de los problemas sociales que han marcado profundamente a nuestra civilización; así, temas como la esclavitud, la segregación racial y el holocausto, entre otros, han tratado de sensibilizar al espectador sobre la condición humana y dejar al propio tiempo un mensaje alentador hacia un mundo mejor y más tolerante. Además de gran humanista, Spielberg siempre se encuentra en el constante proceso de innovación, lo que lo ha convertido en un virtuoso del cine


La Academia de Hollywood lo premió en dos ocasiones como mejor director con Shindler’s List en 1993 y Saving Private Ryan en 1998. Días atrás su última película Lincoln le permitió a Daniel Day-Lewis obtener el Oscar al mejor actor.  Jorge Gutman

26.2.13

UN RELATO DE ESPIONAJE

THE BERLIN FILE. Corea del Sur, 2013. Un film escrito y dirigido por Ryoo Seung-wan

A través de nombres importantes como el de Kim Ki-duk, Lee Chang-dong y Hong Sang-soo, entre otros directores, el cine surcoreano ha ido cobrando cada vez más gravitación internacional debido al reconocimiento de la crítica en los festivales internacionales. En este caso es el turno de Ryoo Seung-wan, un reputado director y escritor de Corea del Sur que se ha caracterizado por el género de acción y que se ha dado a conocer en el festival Fantasia de Montreal en 2004 con Arahan, film que obtuvo el premio del público. Ahora presenta The Berlin File, un relato de espionaje que no escatima en ofrecer bastante acción y un moderado suspenso.

Gianna Jun
La historia concebida transcurre en Berlín y como marco de referencia tiene en cuenta la dificultosa relación existente entre Corea del Norte y Corea del sur para que en su trama se detecten las tensiones existentes entre ambas naciones.

La misma comienza cuando un agente norcoreano llamado Jong-seong (Ha Jung-woo) se encuentra reunido en un hotel de Berlín con un ruso y su asociado árabe para negociar armas ilegales, que finalmente concluye en un rotundo fracaso. Ese encuentro y las conversaciones mantenidas son observados por agentes de la CIA y de Corea del Norte así como por Jin-soo (Han Suk-kyu), un jefe del servicio de inteligencia de Corea del Sur que habrá de perseguir a Jong-seong. Entretanto Myung-soo (Ryoo Seung-bum), un joven agente norcoreano recién llegado de Pyongyang, llega a implicar a Jung-hee (Gianna Jun), quien es esposa de Jong-seong trabajando como traductora en la embajada de Corea del Norte, haciendo creer que ella actúa como una doble agente y es desleal a su patria.

El director construye un thriller sobre el mundo de los espías, pleno de intrigas y sospechas, destacando el pesimismo de sus agentes, por lo general personas solitarias que permanentemente se desenvuelven dentro de un ambiente donde nadie confía en nadie y en donde las mentiras y traiciones están a la orden del día.

Algunos puntos débiles disminuyen la eficacia de este film. En tal sentido el denso relato es objeto de una narración confusa donde no resulta sencillo seguir los acontecimientos en su totalidad; más aún, hay varios aspectos que no están claramente expuestos y algunos personajes secundarios sufren de escaso desarrollo. ; además, hay ciertas secuencias habladas en inglés por parte de algunos actores que a veces resultan ininteligibles.

A su favor, cabe reconocer que la atmósfera recreada captando a la capital alemana después de la guerra fría es excelente y trae a la memoria los excelentes relatos sobre el tema del escritor británico John le Carré. El elenco es competente transmitiendo convicción a sus personajes y como relato de acción, el film cuenta con escenas bien logradas, sobre todo las luchas entabladas a mano limpia; finalmente, los diseños de producción, fotografía y banda sonora son de óptimo nivel.

Conclusión: Un aceptable relato de intriga y acción aunque de narración enredadaJorge Gutman





LOS INFIELES

LES INFIDELES. Francia, 2012. Dirección: Emmanuelle Bercot, Fred Cavayé, Alexandre Courtès, Michel Hazanavicius, Eric Lartigau, Jean Dujardin y Gilles Lelouche. Distribución: Entertainment One (2013)

Michel Hazanavicius y Jean Dujardin, ganadores del Oscar al mejor director y actor respectivamente por la película The Artist, constituyen el factor de atracción para ver este film, pero lo cierto es que los mismos no pueden rescatarlo de su mediocridad general.

Estructurado en nueve episodios sin unidad alguna y dirigido por siete directores –incluyendo a Hazanavicus y Dujardin- con la participación de cinco guionistas poco inspirados (Jean Dujardin, Stéphane Joly, Nicolas Bedos, Philippe Cavenrivière, Gilles Lellouche), este pretendido análisis de la infidelidad masculina no es más que un mero pretexto para exponer con poca sutileza y dudoso buen gusto un cuadro general de situaciones caracterizadas por su irrelevancia, misoginia y contenido machista.

Gilles Lellouche y Jean Dujardin
Efectuar una narración de cada capítulo resulta innecesario salvo mencionar que todos tienen como común denominador a personajes masculinos casados y que cansados de la vida matrimonial se encuentran ávidos de sexo extraconyugal para matizar su rutinaria existencia; para ello recurren a cualquier pretexto con tal de lograr su objetivo. Si tuviera que decidirme por algún segmento medianamente risueño elegiría el denominado Los infieles anónimos que ilustra una reunión de hombres adúlteros adictos al sexo participando sin mayor entusiasmo en una terapia de grupo coordinada por una sexóloga que no se deja imponer.

Este proyecto reúne en su elenco a Dujardin y Lelouche quienes aparecen en casi todos los episodios; aunque se trata de dos buenos comediantes del cine francés, en este caso no tienen mucho que ofrecer; algo parecido ocurre con Guillaume Canet y Sandrine Kiberlain, quienes aquí se muestran en roles muy pequeños y nada remarcables; quizás una de las actuaciones con aparente profundidad psicológica sea la de Alexandra Lamy donde su personaje llega a mencionar que la obsesión de la burguesía por la fidelidad es algo ya pasado de moda. ¿Será ése el mensaje que el film desea dejar?

A diferencia de los filmes en sketches del cine italiano de la década del 70 que se destacaban por su comicidad, ironía y sarcasmo, el film que nos ocupa carece de ese espíritu y por supuesto es fácilmente olvidable.

El DVD es presentado en francés con subtítulos optativos en inglés y no contiene material adicional.  Jorge Gutman



ENCUENTRO CON EL CINE DE QUEBEC

LES RENDEZ-VOUS DU CINEMA QUEBECOIS

Dentro de la producción cinematográfica de Canadá no cabe duda que la provincia de Quebec es la que más se destaca tanto en calidad como en cantidad. A pesar de que en 2012 se registró una baja considerable del público local dispuesto a ver su cine, lo cierto es que un criterio más objetivo es analizar la repercusión que tiene a nivel internacional; en este sentido, la presentación de filmes en los más prestigiosos festivales así como la importancia de las ventas internacionales realizadas.

A los factores mencionados habrá que señalar que la creatividad del cine de Quebec se ha puesto en evidencia al haber sido incluido en la lista de los 5 filmes nominados para optar al Oscar de la mejor película extranjera en los últimos 3 años con Incendies (2011) de Denis Villeneuve, Monsieur Lazhar (2012) de Philippe Falardeau y Rebelle (2013) de Kim Nguyen. No menos importante es la distinción recibida por el reciente film de Denis Côte Vic + Flo ont vu un ours que obtuvo el Premio Alfred Bauer en la ceremonia de clausura del Festival de Berlín del 16 de febrero pasado.

Los comentarios precedentes vienen al caso porque todos los años en esta misma época tiene lugar lo que se denomina Les Rendez-Vous du Cinéma Québécois y que como su nombre bien lo explicita se trata de un encuentro con el cine quebequense que se desarrolla durante un período de 11 días. El evento tiene como propósito demostrar la diversidad y riqueza de lo que acontece con la cinematografía de Quebec a través de diferentes manifestaciones artísticas.

Durante esta trigésimo primera edición que comenzó el jueves pasado y se prolongará hasta el 3 de marzo más de 300 filmes serán proyectados de los cuales 41 corresponden a largometrajes de ficción, 155 a cortometrajes narrativos, experimentales y/o de animación, incluyendo también 79 documentales, 23 filmes realizados por estudiantes de cine y una proyección especial de cine concierto que está integrada por 6 cortos mudos realizados el año pasado y cuyos tramos sonoros serán ejecutados por un conjunto de cámara de Montreal.

Entre los filmes de ficción que por primera vez se exhiben en Canadá se encuentra Roche Papier Ciseaux, primer largometraje de Yan Lanouette Turgeon, que abrió este encuentro, Finissant(e)s del realizador Rafaël Ouellet, Les manèges humains de Martin Laroche quien aborda el delicadol tema de la mutilación genital de una chica africana que emigró a Quebec y Le météore de François Delisle que clausurará el festival. En materia de documentales, se proyectarán como primicia canadiense, entre otros filmes, A contre courant de Lisa Sfriso, L’Ange des Grondines de Christian Mathieu Fournier, Anne des vingts tours de Michel Langlois y Que vive la mer Morte del bien conocido realizador colombiano radicado en Montreal, Germán Gutiérrez.

El festival también acostumbra pasar revista a los filmes estrenados el año anterior y dentro de la selección efectuada figuran títulos que han sido presentados exitosamente en los más prestigiosos festivales internacionales incluyendo entre otros a Cannes, Berlín y Toronto. Entre los títulos más importantes se encuentran Laurence Anyways de Xavier Dolan, Rebelle de Kim Nguyen, Bestiaire de Denis Côté, L’Affaire Dumont de Podz, Roméo Onze de Ivan Grbovic y Tout ce que tu possèdes de Bernard Émond.

Como todos los años este encuentro rinde homenaje a un cineasta de Quebec donde en esta ocasión le corresponderá al veterano realizador André Melançon de quien se verá su último film Les trains de la vie.

En adición de la programación de filmes del festival, 25 eventos gratuitos permitirán a los cinéfilos disfrutar de los mismos.

Las proyecciones son realizadas en el cine Imperial, Cinemateca de Quebec, el complejo Quartier Latin y la Grand Bibliothèque de Montreal. La total programación se encuentra en el sitio web www.rvcq.com    Jorge Gutman




25.2.13

UN HOGAR PARA EL FIN DE SEMANA

HOME FOR THE WEEKEND. Alemania, 2012. Un film de Hans-Christian Schmid

Este convincente drama familiar no agrega mucho más a otros ya explorados por el cine; con todo su interés en que lo que se expone es perfectamente creíble y consistentemente mantiene la atención del espectador.

El director Hans-Christian Schmid conjuntamente con el guionista Bernd Lange abordan la dinámica de las relaciones familiares cuando una enfermedad aqueja a uno de sus integrantes.

Corinna Harfouch
El título en inglés de Un Hogar Para el Fin de Semana es más explicatorio que su original alemán Lo que Queda (Was Bleibt) puesto que se trata de una reunión familiar navideña que tiene lugar en el hogar del matrimonio integrado por Patriarch Günter (Ernst Stötzner)–un editor de excelente situación económica- y su esposa Gitte (Corinna Harfouch). En la amplia y moderna mansión que poseen en los alrededores de Bohn, llegan procedentes de Berlin Marko (Lars Eidinger), el hijo escritor de la pareja, acompañado de su pequeño de 8 años Zowie (Egon Merten); también forman parte del grupo familiar, Jakob (Sebastian Zimmler), el hermano mayor de Marko -que es dentista y vive con sus padres- acompañado de su novia Ella (Picco Von Groote) que estudia en Berlín.

El comienzo apacible y tranquilo de la reunión familiar se ve alterado cuando Gitte, que sufre de problemas mentales, comunica a los suyos que hace dos meses suspendió de tomar sus medicamentos antidepresivos. Este anuncio produce una serie de efectos imprevistos al ir revelándose secretos que van fracturando la aparente armonía preexistente. Así, la decisión de Gitte obstaculiza los planes de su marido quien tenía todo dispuesto para viajar al Medio Oriente en un trabajo de investigación para un libro que debía editar; al propio tiempo se va develando lo que significó para él la experiencia conyugal de convivir con una persona maníaca depresiva, motivando a que encontrara solaz en una relación amorosa con otra mujer (Birge Schade). Por su parte, cada uno de sus hijos reacciona de manera opuesta frente a la decisión maternal; mientras que Marko al no vivir permanentemente en el mismo lugar que sus padres se adhiere a su madre, su hermano reprueba la actitud maternal porque conoce de cerca cuáles serán las consecuencias futuras al no estar medicada. Al cuadro general existente se agregan los problemas financieros de Jakob cuyo consultorio dental no le reditúa los ingresos necesarios como para seguir manteniéndolo.

Con un giro inesperado en la última parte del relato, éste cobra un carácter más dramático creando una situación surrealista no del todo lograda y que conduce a un desenlace que deja la sensación de algo inconcluso. A pesar de esta observación, el film satisface al abordar un melodrama absorbente que no desborda en artificiosos arranques emocionales. El reparto es excelente y la buena fotografía de Bogumil Godefrejow con cámara en mano contribuye a que el espectador pueda inmiscuirse más fácilmente en la intimidad de este retrato de familia.  Jorge Gutman

ALEMANIA ORIENTAL EN LOS AÑOS DE PLOMO

BARBARA. Alemania, 2012. Un film de Christian Petzold

El cine alemán vuelve a revivir las vicisitudes atravesadas por la gente de Alemania Oriental durante los años 80, años antes de la caída del muro de Berlín. Aunque Barbara no alcance la dimensión dramática del excelente film The Lives of Others (2006) donde se expone el quehacer cotidiano de ciudadanos corrientes siendo vigilados por la policía de seguridad del estado (Stasi), aquí hay bastantes elementos comunes aunque el enfoque de Christian Petzold sea diferente.

El personaje central es Barbara (Nina Hoss), una doctora en medicina que ejercía en Berlín. Al cometer el error de solicitar una visa de salida de Alemania Oriental, como castigo es transferida a un pequeño hospital de un pueblo provincial. . En su nuevo puesto, desde el primer día, adopta una actitud de aislamiento frente a sus colegas porque no confía en nadie. Precisamente por ello, muestra recelo frente a la amabilidad demostrada por André (Ronald Zehfeld), uno de sus colegas quien trata de brindarle afecto para que ella se sienta a gusto; sin embargo, ella adopta una actitud reservada porque está convencida que el informa a un oficial de la Stasi (Rainer Bock) sobre su conducta y los movimientos que efectúa.

Simultáneamente el film expone la manera en que Barbara interactúa con sus pacientes demostrando su honestidad y conocimiento profesional en el cumplimiento de sus funciones. En tal sentido, el relato enfatiza la devoción de la doctora hacia Stella (Jasna Fritzi Bauer); se trata una jovencita enferma de meningitis que había escapado de un centro de detención juvenil y que ahora, habiendo quedado embarazada, anhela para su futuro un porvenir mejor en Alemania Occidental.

Nina Hoss
A medida que progresa la acción, el relato adquiere la naturaleza de un thriller, en parte motivado por la decisión que la protagonista debe adoptar con relación a su futuro y su vida sentimental. Con un desenlace abierto, lo que importa destacar es la forma sutil y a la vez escudriñadora en que Petzold analiza el clima social imperante en el paraíso comunista de Alemania Oriental. Tomando a Barbara como ejemplo, su arrinconamiento y ostracismo permite reflejar el ánimo sombrío y deprimente de una pequeña comunidad sojuzgada por un régimen que alienta el espionaje entre vecinos y la delación consiguiente, así como el abuso de los más débiles e indefensos que desean liberarse de esa malsana opresión.

El director que merecidamente obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Berlín del año pasado ofrece un tenso documento social que concentra en todo momento el interés de la audiencia. Aunque el homogéneo elenco se desempeña muy bien, es remarcable la valiosa interpretación de Nina Hoss cuyo personaje transmite hondamente las vicisitudes de una mujer prisionera de un represivo sistema político pero preservando un admirable sentimiento de dignidad.

Con la colaboración de la excelente fotografía de Hans Fromm captando las imágenes de claustrofobia del ambiente en que transcurre la acción, el realizador involucra al espectador haciéndole sentir y vivir las emociones reprimidas del personaje principal. Como la familia de Petzold logró huir de la República Democrática de Alemania, esa circunstancia debió haber influido en él para ofrecer un trabajo de notable autenticidad.  Jorge Gutman

UN NOMBRE DISCUTIBLE

LE PRÉNOM. Francia, 2012. Dirección: Alexandre de La Patellière y Matthieu Delaporte. Distribución: Entertainment One (2013)

En base a la exitosa obra teatral del mismo nombre de Matthieu Delaporte, este film por él realizado junto a Alexandre de La Patellière trata de lograr la risa de la audiencia a través de un hecho anodino y pintoresco como lo es la elección del nombre de un futuro bebé.

Vincent (Patrick Bruel), un exitoso hombre de negocios, es invitado junto con su esposa Anna (Judith El Zein) a cenar a la casa de su hermana Elizabeth (Valérie Benguigui) y de su cuñado Pierre (Charles Berlling); un tercer invitado es Claude (Guillaume de Tonquedec), un músico amigo de infancia de la familia. El motivo de la reunión es celebrar la futura paternidad de Vincent. Lo que promete ser una amable reunión de amigos desemboca en algo muy diferente cuando al preguntarle el nombre que tendrá la criatura por nacer, Vincent responde que se llamará Adolphe y que fonéticamente se pronuncia Adolf. Los anfitriones, no pueden disimular el espanto que les produce el hecho de que el futuro sobrino portará el mismo nombre que Adolfo Hitler.

Charles Berling y Patrick Bruel
El nombre en cuestión genera una discusión caótica en donde las emociones no pueden ser controladas y los trapitos sucios comienzan a surgir por arte de magia; frustraciones, resentimientos no confesados hasta ese momento y revelaciones inesperadas con verdades no fáciles de admitir convierten a los comensales en protagonistas de una guerra sin cuartel. Si bien la pieza teatral es en esencia una hilarante comedia ácida, la versión cinematográfica no alcanza el mismo impacto porque su poca inspirada adaptación la convierte en teatro filmado sin alcanzar un fluido ritmo; con todo su eficiente reparto y algunos buenos diálogos permiten que el film se aprecie como un tibio entretenimiento.

Carente de material adicional, el DVD se presenta en la versión original francesa o bien doblada al inglés. Subtítulos opcionales en inglés.  Jorge Gutman





PANORAMA MUSICAL DE MARZO

ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL

Un concierto de música de cámara dedicado a América Latina ofrecerán los músicos de la OSM. Luis Grainhauz (violín), Andrew Beer (violín), Lambert Chen (viola), Sylvain Murray (violonchelo), Dénis Bluteau (flauta), Michael Dumouchel (clarinete) con la colaboración de Berta Rosenohl (piano), el viernes 1 (18h30) en la sala Bourgie del Museo de Bellas Artes de Montreal. En el programa figura Trópicos del compositor mexicano Joaquín Gutiérrez Heras, Imágenes de Brasil para flauta, piano y cuarteto de cuerdas del autor argentino Juan Carlos Cirigliano quien se inspiró en las canciones y danzas brasileñas, y Cuatro Piezas para Cuarteto de Cuerdas y Piano del inolvidable músico argentino Astor Piazzolla. 

Otro concierto de música de cámara tendrá lugar el 6 de marzo (18h30) con los músicos de la OSM. En esta ocasión Brigitte Rolland (violín), Ramsey Husser (violín), Lambert Chen (viola), Anna Burden (violonchelo), Alain Desgagné (clarinete) acompañados del lector James Hyndman, ejecutarán un programa dedicado a compositores europeos del siglo XVIII. Las 3 obras que se escucharán son el Cuarteto para dos Violines, Viola y Contrabajo, op. 15 del compositor francés François Joseph Gossec, el Cuarteto de Cuerdas, op. 76 de Haydn y el Quinteto con Clarinete en La mayor, k. 581 de Mozart.

Measha Brueggergosman
En la serie de Domingos Musicales, el 10 de marzo (14h30) la OSM recibirá a Bramwell Tovey, actual director de la Orquesta Sinfónica de Vancouver, quien tendrá a su cargo un programa que comprende Winter Poems (Poemas de Invierno) de Glenn Buhr, la Sinfonía N° 4 de Vaughan Williams y Les Nuits d’été (Noches de Verano) de Héctor Berlioz con la participación de la cantante Measha Brueggergosman. Cabe señalar que Brueggergosman es una de las más destacadas sopranos de Canadá habiendo merecido unánimes elogios por parte de la crítica en numerosas ocasiones, entre las mismas, cuando debutó en el Carnegie Hall de Nueva York (2007) donde había ofrecido un exitoso recital de canciones de Britten, Poulenc, Bolcom, Rorem, Satie y negro spirituals.

Los días 13, 14 y 16 de marzo (20h), el maestro Kent Nagano dirigirá el Réquiem Alemán de Brahms. Se trata de una de las obras maestras del gran compositor germano creada entre 1865 y 1868 y una de las más importantes del repertorio coral. Compuesto de siete movimientos, el Réquiem constituye una auténtica meditación sobre la vida y la muerte a partir de temas bíblicos. La soprano Sibylla Rubens y el barítono Markus Werba, dos cantantes del arte lírico aclamados internacionalmente, se unirán a la orquesta y al coro de la OSM dirigido por Andrew Megill. El concierto comenzará con la ejecución de Stille und Umkehr (Silencio y Retorno) de Bernd Alois Zimmermann.

El último programa del mes del 20 y 21 de marzo (20h) reúne al director Kent Nagano y a la violinista alemána Viviane Hagner en la ejecución del Concierto para Violín de Alban Berg, obra que combina lirismo y dodecafonismo. El programa incluye tres obras de Beethoven, la Sinfonía N° 1 de gran inspiración mozartiana, la Sinfonía N° 7 que es una de las más bellas y populares por la riqueza de sus temas, sobre todo su segundo movimiento, y La Victoria de Wellington que es una breve pero magnífica obra orquestal que el genial músico compuso para celebrar el triunfo de las tropas británicas comandadas por el Duque de Wellington al derrotar al ejército del emperador Napoleón Bonaparte en la batalla de Waterloo.

Con excepción del concierto del 1 de marzo, todos los demás se desarrollarán en la Maison Symphonique. El sitio de la OSM es www.osm.ca

RECITAL DE YANNICK NÉZET-SÉGUIN EN LA SALA BOURGIE

El aclamado director de orquesta Yannick Nézet-Séguin es el invitado especial en un concierto a beneficio para el Museo de Bellas Artes de Montreal.

El concierto que tendrá lugar en la Salla Bourgie el sábado 16 de marzo a las 19 horas permitirá al maestro participar en un recital de piano a cuatro manos junto con la pianista Jennifer Bourdages, recipiendaria de un Premio con Gran Distinción en Piano del Conservatorio de Música de Quebec en Montreal. El programa comprende obras escogidas de Brahms, Ravel, Debussy y Schubert. Después del concierto el público tendrá la ocasión de conversar con los artistas en ocasión de un cóctel que se realizará en el pabellón Claire y Marc Bourgie y en la galería Le temps des manifestes.

Yannick Nézet-Séguin
La colaboración de Yannick en el Museo de Bellas de Artes de Montreal es continuación de una serie de realizaciones orquestales de alto nivel que viene realizando a nivel mundial. La temporada del prestigioso director comenzó en octubre de 2012 con un concierto que tuvo lugar en el Carnegie Hall de Nueva York con la Orquesta de Filadelfia. Otras actuaciones de la presente temporada incluyen dos giras realizadas a Japón y Lejano Oriente con la Orquesta Filarmónica de Roterdam, una gira alemana con la Orquesta Filarmónica de Londres y las sinfonías completas y conciertos de Schuman con la Orquesta de Cámara de Europa en París.

Esta velada beneficio denominada Carta Blanca a Yannick Nézet-Seguin es organizada por la Asociación de Voluntarios del Museo de Bellas Artes de Montreal y los fondos recaudados del concierto contribuirán a enriquecer la programación del Museo.

Para las entradas de esta velada así como cualquier otra información, llamar al
teléfono 514-842-7436 o el sitio web www.mbam.qc.ca/soireesbenefice

ORQUESTA METROPOLITANA

Yukari Cousineau
La OM programó dos conciertos para este mes. La gran música y comunicadora Catherine Perrin tendrá a su cargo la animación del concierto del domingo 3 de marzo (15h) bajo la dirección de Mathieu Lussier, un especialista del repertorio musical de los siglos XVII y XVIII. El programa incluye la Obertura para Orquesta de La Chasse du Jeune Henry (La Caza de Enrique el Joven) de Étienne Nicolas Mehul, Las Cuatro Estaciones de Vivaldi con la participación de Yukari Cousineau, concertino de la orquesta, y la Sinfonía N°98 de Haydn.

John Mac Master
El segundo concierto del mes se efectuará el 24 de marzo (15h) donde el maestro Yannick Nézet-Séguin volverá a dirigir su orquesta en el glorioso Réquiem de Verdi para remarcar el bicentenario del nacimiento del gran compositor italiano. Esta obra es una magna composición sacra que fue estrenada en 1874 en la Iglesia de San Marcos de Milán en el primer aniversario de la muerte de Alessandro Manzoni, muy querido amigo del compositor a quien está dedicado. Esta obra será cantada por la soprano Amber Wagner, la mezzo-soprano Karen Cargill, el tenor John Mac Master y el bajo barítono Andrew Foster-Williams con los músicos de la orquesta y la participación del Coro de la OM.

Ambos conciertos se efectuarán en la Maison Symphonique. Información adicional se puede obtener en el sitio www.orchestremetropolitain.com

LADIES MORNING MUSICAL CLUB

Durante este mes, la organización musical LMMC presentará dos conciertos. El primero de los mismos se efectuará el 3 de marzo (15h30) con la presentación del Cuarteto Fauré integrado por Erika Geldsetzer (violín), Sascha Frömbling (viola), Konstantin Heldrich (violonchelo) y Dirk Mommertz (piano). Este conjunto fundado en 1995 en el Conservatorio de Música Karsruhe, es considerado como una de las agrupaciones de música de cámara más importante de Europa y efectuó extensas giras exitosas a través del viejo continente, Asia, México y América del Sur; entre los renombrados auditorios internacionales en lo que les tocó actuar se encuentran el Wigmore Hall de Londres, Concertgebouw de Amsterdam y el Teatro Colón de Buenos Aires.

Cuarteto Fauré
El programa para el presente concierto incluye el Cuarteto para Piano y Cuerdas en Sol menor, op. 45 de Fauré y el Cuarteto para Piano y Cuerdas en La mayor, op.26 de Brahms.

En su quinta aparición para LMMC, el pianista canadiense André Laplante ofrecerá un recital el 24 de marzo (15h30). Además de su remarcable carrera en Canadá, este eximio músico ha desarrollado una intensa actividad en el resto del mundo que le valió importantes distinciones en competencias internacionales así como el reconocimiento de la crítica y del público en los innumerables recitales ejecutados internacionalmente y como solista de las más distinguidas orquestas mundiales.

Laplante ejecutará el Preludio y Fuga en Mi bemol menor de J.S. Bach, Toccata, Adagio y Fuga en Do mayor de Bach-Busoni, Variaciones para piano, Opus 8 de Hétu, Dos Estudios de Sonoridad de Morel, Momento Musical N°2 en La bemol mayor de Schubert y Wandererfantasie en Do mayor de Schubert.

Ambos conciertos se realizarán en el auditorio Pollack de la Universidad McGill. El sitio web de LMMC es www.lmmc.ca

PRO MUSICA

El 17 de marzo (15h30) la organización Pro Musica presentará en la Maison Symphonique al violoncelista Stéphane Tétreault en un recital que tendrá lugar en la sala Bourgie del Museo de Bellas Artes de Montreal.

Stéphane Tetreault
A pesar de su breve experiencia musical este músico de 19 años de edad viene realizando una fructífera carrera y en la temporada 2011-2012 ha sido considerado Revelación de Radio Canadá. Este año participará como solista con las orquestas sinfónicas de Quebec y de Sherbrooke y también participará como violonchelista en el Triple Concierto de Beethoven con el gran violinista Maxim Vengerov y el pianista Serhiy Salov que se ejecutará el 13 de mayo en la Maison Symphonique.

En ocasión del presente recital, Tétreault, acompañado del pianista Zhengyu Chen, ofrecerá el Divertimento para Violonchelo y Piano en Re mayor de Haydn, la Sonata para Violonchelo y Piano en Fa mayor, op.99 de Brahms y la Sonata "Arpeggione" en La menor de Schubert (www.promusica.qc.ca)

MUSICA CAMERATA

El domingo 3 de marzo (14h) en el Centro Segal de las Artes, la agrupación Musica Camerata Montréal realizará el tercer concierto de la presente temporada. En esta ocasión, el conjunto estará integrado por la pianista Berta Rosenohl, los violinistas Luis Grinhauz y Van Armenian, el violista Lambert Chen y el violoncelista Sylvain Murray.

El concierto comenzará con la ejecución del Quinteto para Piano y Cuerdas en Do mayor op. 57 de Luigi Boccherini; se trata de una obra de gran invención melódica y rítmica en la que el compositor italiano introdujo elementos musicales de España que para él era su país de adopción. A continuación se escuchará el Quinteto para Piano y Cuerdas de Rodolphe Mathieu. Este renombrado autor canadiense que además ha sido profesor y pianista es considerado como el pionero del arte moderno de Quebec.

El Trío para Cuerdas en Si bemol mayor D 471 de Franz Schubert es la tercera obra que ofrecerá el conjunto. Este trío está integrado por un solo movimiento, Allegro, construido a manera de sonata cuyo lirismo y elegancia hace recordar a Mozart. El concierto concluye con el Quinteto para Piano y Cuerdas en Re del compositor finlandés Joonas Kokkonen quien es uno de los más importantes de su país; el quinteto compuesto en 1953 es una obra vinculada con el sistema tonal aunque libremente tratada.

Para toda otra información, llamar al 514-739 7944 o visitar www.segalcentre.org y/o www.camerata.ca





19.2.13

VOCA PEOPLE

CANTO A CAPELLA

Dentro de los espectáculos familiares que se presentarán en el marco de Montréal en lumière, hará su presentación el grupo musical y teatral israelí VOCA PEOPLE los días 22 y 23 de febrero a las 19h30 en el escenario del teatro Maisonneuve.

El conjunto proveniente de Israel está integrado por 8 cantantes que a la vez son actores y que recorren el mundo entero ofreciendo un espectáculo de relieve internacional en donde el canto a capella se fusiona con la técnica del beatboxing; ésta última es una forma de percusión vocal capaz de producir “latidos” de batería, ritmos y sonidos musicales mediante el empleo de la boca, los labios, la lengua y la voz. El resultado es algo similar al de estar presenciando una orquesta sin el uso de instrumentos musicales.

En el repertorio del grupo figuran motivos musicales variados con autores de la música clásica, como Bach, hasta los temas de Michael Jackson haciendo uso de ingeniosos arreglos.


Con una inusitada variedad musical, el conjunto también acostumbra a interactuar con algunos espectadores brindando de este modo un espectáculo más ameno. El creador y director escénico es Lior Kalfo y la dirección musical está a cargo de Shai Fishman.

Para tener una idea más completa sobre la idoneidad y versatilidad de VOCA PEOPLE resulta interesante ver el sitio de YouTube acudiendo al http://www.youtube.com/user/6746623

14.2.13

EL NUEVO AÑO CHINO

DE CHINA A CANADA

Por tercer año consecutivo y para celebrar el Año Nuevo Chino 2013 La Troupe artistique nationale de Chine retorna a Montreal en una gira auspiciada por la Asociación Canadá-China para el desarrollo cultural.

Con sus 65 artistas y una orquesta de 42 músicos, el conjunto ofrecerá un nuevo espectáculo realzado por sus números de acrobacia, magia, danzas, canciones y música. La esmerada dirección escénica, sofisticada iluminación y los coloridos vestuarios configuran un show de gran riqueza visual.
Este año el conjunto ha invitado al eximio violonchelista quebequense Vincent Bélanger para actuar como solista dentro del marco de la gira canadiense que incluye además de Montreal, las ciudades de Edmontón, Toronto, Kitchener, Ottawa y Quebec. Cabe señalar que este músico proviene de una familia dedicada a la música  cuyo padre Guy Bélanger es el bien conocido tenor y fundador de la Opera de Quebec, en tanto que su hermano Antoine Bélanger también está involucrado en el arte lírico como tenor. Vincent Bélanger tocará en dúo con una virtuosa del Er Hu, uno de los más antiguos instrumentos de cuerda chinos. Ambos serán acompañados por la orquesta de la agrupación haciendo uso de  instrumentos típicos junto a los tradicionales instrumentos occidentales.

Cabe señalar que el espectáculo del Año Nuevo Chino ha sido presentado a través del mundo y mereció 18 premios internacionales. Tal como se ha juzgado en los dos últimos años, a través de sus representaciones el público asistente puede apreciar las múltiples facetas de la cultura china tanto antigua como contemporánea.

Este espectáculo será representado por única vez  en la sala del Teatro Maisonneuve, el domingo 24 de febrero a las 19h30.

Para toda otra información el sitio de la red es el siguiente:






13.2.13

UNA BALA EN LA CABEZA

BULLET TO THE HEAD. Estados Unidos, 2012. Un film de Walter Hill

Este rutinario producto comercial hollywoodense está destinado a ser digerido con gran rapidez y sin duda se presta  para que Sylvester Stallone demuestre que aún como actor sexagenario le queda vigor suficiente para caracterizar a un personaje que no se aparta mucho de los que le tocó interpretar en el pináculo de su carrera de los años 80.

Sylvester Stallone
Basado en el comic Du plomb dans la tête, el guionista Alessandro Camon trasladó el escenario de acción de la ciudad de Nueva York a la de Nueva Orleans aunque este cambio de ninguna manera influye en la historia narrada. Básicamente, la acción gira en torno de Jimmy Bobo (Stallone), un sicario bien experimentado que en una de las primeras escenas del film elimina con esmero y rapidez a una de sus víctimas. Cuando al poco tiempo el asociado de Jimmy (Jon Seda) es audazmente asesinado por otro mercenario (Jason Momoa), Jimmy decide vengarse a toda costa. En forma paralela, el guión introduce a Taylor Kwon (Sung Kang) un joven detective policial de origen coreano que por imperio de circunstancias fortuitas formará un vínculo con Jimmy donde ambos tratarán de perseguir a los asesinos de estos dos crímenes, sin que Taylor sepa que tiene a su lado a uno de ellos.

Dentro de la muy usada fórmula de las películas de compañeros (buddy movies) es muy raro encontrar un dúo integrado por un asesino y un policía, pero como en este tipo de filmes el razonamiento o la lógica ocupan poco o casi nulo espacio lo único que resta es dejarse llevar por las tonteras que el relato ofrece y asistir a algunos diálogos con diatribas racistas que se suscitan entre Jimmy y Taylor Como historia subsidiaria, el guión introduce a Lisa (Sarah Shahl), la hija de Jimmy, que terminará gustando de Taylor, y que hacia el final será tomada como rehén por un grupo de empresarios mafiosos y corruptos desembocando en el clásico enfrentamiento entre los “buenos” y los “malos”, donde nadie pone en duda quiénes serán los que saldrán indemnes.

Lo que se presencia no es para ser aceptado con seriedad, pero en lugar de ofrecer un divertimento caricaturesco sin mayor pretensión, los responsables del film optaron por darle un equivocado tinte realista. En todo caso, los amantes indiscriminados de este tipo de género pasarán por alto las observaciones precedentes y verán satisfechas sus expectativas en materia de violencia extremada donde la misma está caracterizada por peleas a granel mediante trompada limpia, cuchillos, hachas, armas de fuego, todo ello con el aderezo de abundante sangre.

En materia interpretativa quien más se luce es Stallone animando a un personaje –mezcla de Rambo y Rocky- perfectamente delineado a su medida y que sus seguidores habrán de apreciar. En lo que concierne a la dirección, Walter Hill es veterano en filmes de acción y trató de efectuar un retorno a las fuentes siguiendo con la modalidad adoptada hace tres décadas con 48 horas (1982), pero en este caso sin mayor imaginación.

Conclusión: Un film descerebrado que se olvida a los pocos minutos de ser visto pero que satisfará a una audiencia de apetito insaciable en materia de acción y violencia.  Jorge Gutman

UN ATRIBULADO ADOLESCENTE

THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER. Estados Unidos, 2012. Dirección y guión: Stepehn Chbosky. Distribución: Entertainment One (2013)

El director Stephen Chbosky es también el guionista de The Perks of Being a Walflower en base al libro de su autoría de igual nombre. A pesar de incursionar en el difícil período de la adolescencia, un tema muchas veces expuesto en el cine, el resultado obtenido es ampliamente satisfactorio puesto que en pocas oportunidades se lo ha tratado con el nivel de profundidad y de afección como aquí está expuesto.

Transcurriendo en Pittsburgh en 1990, Charlie (Logan Lerman) es el adolescente narrador que cuenta su experiencia durante su primer año de enseñanza media. De naturaleza introvertida y tímida, el muchacho se siente un poco apartado del medio estudiantil y además experimenta una gran tristeza por la muerte de su único buen amigo que se suicidó recientemente. Esa sensación taciturna y de soledad tampoco es transmitida a sus buenos padres y hermanos porque cree que no lo podrían llegar a entender. Con todo, sus primeros pasos como nuevo estudiante resulta estimulante frente al contacto que mantiene con Bill (Paul Rudd), su profesor de inglés, quien descubre en él su interés por la literatura y su talento en ese campo; no menos importante constituye la amistad entablada con dos estudiantes de cursos superiores, Sam (Emma Watson) y Patrick (Ezra Miller) quienes son dos hermanastros que a medida que transcurre el año escolar ayudarán a Charlie para rescatarlo de los sentimientos de inseguridad y de la depresión que lo acosan.

Chbosky refleja con notable autenticidad la crisis existencial de un adolescente demostrando como factores acontecidos en los años de infancia pueden repercutir hondamente en el devenir de una persona, como acontece con el lado oscuro de Charlie a través de sus recuerdos sobre la relación mantenida con una tía trágicamente desaparecida cuando él cumplió 7 años.

Tanto el ambiente familiar como el estudiantil están expresados verazmente, sin apelar a situaciones innocuas ni groseras, como generalmente se ve en gran parte de las películas americanas de este género.

Emma Watson y Logan Lerman
El elenco es muy bueno; Lerman es el intérprete ideal expresando el estado emocional de Charlie así como la ternura que irradia de su persona; no menos acertado es la composición que realiza Miller animando al encantador y excéntrico Patrick en tanto que Watson, dando vida al interés romántico de Charlie, demuestra que después de las aventuras de Harry Potter tiene un futuro promisorio en el cine a juzgar por la buena composición que logra de su personaje.

En resumen: Un muy buen drama sobre el proceso de madurez de un atribulado adolescente.

Como suplementos el DVD incluye comentarios en audio del director/escritor Stephen Chbosky y de los miembros de su elenco, así como algunas escenas eliminadas para su presentación teatral. La banda audio es en inglés y doblada al francés con subtítulos optativos en inglés.   Jorge Gutman 

9.2.13

ADIOS A LA REINA

LES ADIEUX A LA REINE. Francia, 2012. Dirección: Benoît Jacquot. Distribución: Entertainment One (2013)

Ubicándose desde el 14 hasta el 17 de julio de 1789, este drama de época francés de Benoît Jacquot narrra las peripecias vividas por la reina Maríe Antoinette a través de la visión de una de sus más devotas cortesanas.

Virginie Ledoyen y Diane Kruger
Con una excelente reconstrucción de época, el guión de Gilles Taurant basado en la novela de Chantal Thomas ubica al relato en el Palacio de Versalles donde la reina (Diane Kruger) está alojada en el Petit Trianon. Entre todo el personal dedicado a satisfacer hasta sus más mínimos deseos, se halla Sidonie (Léa Seydoux), una joven serena e introvertida que además de actuar como la lectora oficial de Su Majestad, siente una profunda infatuación por ella. Cuando en la mañana del 15 de julio llegan las noticias de París sobre la histórica toma de la Bastilla, comienza el revoloteo palaciego tanto por parte de la nobleza allí radicada que comienza a emprender la retirada, como por parte de la servidumbre que se encuentra alerta de lo que realmente está pasando. Dentro de esa atmósfera especial de incertidumbre sobre cómo los acontecimientos habrían de evolucionar, la trama incluye una relación lesbiana entre la reina y la duquesa Gabrielle de Polignac (Virginie Ledoyen) que es contemplada de muy cerca por Sidonie quien de alguna manera se siente afectada al comprobar que ella significa muy poco en la atención que le dispensa Maríe Antoinette.

Formalmente, la película luce impecable, pero aunque bien filmado el relato carece de verdadera fuerza. A pesar de los dramáticos acontecimientos políticos que se viven y que históricamente son bien conocidos, lo que el film agrega, enfocado desde la perspectiva de la servidumbre del palacio, es anecdótico sin que sin que la orientación sexual de la reina adquiera interés dramático. Además, tampoco hay personajes particularmente atrayentes con los que el público logre identificarse.

El DVD presenta como material adicional una entrevista que Kent Jones, director del festival de cine de Nueva York, efectúa al realizador Benoît sobre el film, así como otras entrevistas realizadas al director y a los actores (Léa Seydoux, Virginie Ledoyen, Xavier Beauvois y Noémie Lvovsky) en el set de filmación.

Audio: Francés. Subtítulos optativos en francés e inglés.  Jorge Gutman



8.2.13

LA RUEDA DE LA VIDA

SAMSARA. Estados Unidos, 2011. Dirección: Ron Fricke. Distribución: Entertainment one (2013)

Samsara es, aparentemente, una palabra sánscrita que significa la rueda de la vida y fue utilizada por el realizador Ron Fricke y el productor Mark Magidson para titular a este film que precisamente alude al ciclo de la vida (nacimiento, muerte y reencarnación) –tal como es concebida por varias religiones asiáticas- y su vinculación con la naturaleza.

A través de este proyecto ambicioso que abarcó casi 5 años, Fricke trasladó sus cámaras a remotas áreas del mundo de 25 países diferentes visitando en gran parte lugares sagrados, ciertas regiones afectadas ecológicamente por sus condiciones desastrosas, grandes complejos industriales así como algunas bellezas naturales de nuestro planeta.

Visualmente, el film maravilla pero también puede frustrar al espectador. En la medida que el realizador prefirió que su documental no fuese dialogado, tratando de que la música utilizada pudiera reemplazar a las palabras, el espectador tiene la oportunidad de contemplar estupendas imágenes pero sin saber donde fueron filmadas.

Ciertamente hay algunos lugares que es posible distinguir por ser bien conocidos a través del National Geographic y otras publicaciones similares. Así se pueden apreciar las maravillosas tomas aéreas de un imponente templo en Myanmar, el trabajo de pintura con arena por parte de monjes budistas que tiene lugar en un monasterio de la India, una breve secuencia enfocando a religiosos orando en el Muro de los Lamentos de Jerusalén, el Himalaya en Nepal o bien las ruinas de Petra en Jordania. Sin embargo, hay otros lugares que a pesar de su gran interés visual no resulta fácil saber dónde están situados. En tal sentido, la ausencia de narración verbal no habría quedado afectada de haber recurrido al empleo de títulos indicativos de cada uno de los sitios filmados, satisfaciendo de este modo la curiosidad de quien está contemplando el film.

Con las salvedades precedentes, el film brinda una experiencia sensorial a la vez que transmite una profunda espiritualidad tratando de demostrar el lugar prácticamente insignificante que ocupa el ser humano en su breve tránsito por la vida frente a la fuerza arrolladora y permanente de la naturaleza. La fotografía del realizador es admirable y mérito similar merece la valiosa e inventiva música de Michael Stearns, Lisa Gerrard y Marcello De Francisci que se adapta muy bien a las imágenes exhibidas.

El DVD viene en dos discos donde uno de ellos es el film en sí mismo en tanto que el otro contiene importante material adicional referido a la producción, edición, música, tecnología y comentarios de los responsables de este proyecto.  Jorge Gutman



EFECTOS SECUNDARIOS

SIDE EFFECTS. Estados Unidos, 2013. Un film de Steven Soderbergh

A primera vista, el foco central de Side Effects es el de exponer el modo en que las drogas farmacológicas que tratan de proporcionar alivio al paciente también pueden constituir un arma de doble filo con sus efectos secundarios. El tema es naturalmente de gran interés y adquiere relevancia universal; sin embargo este reciente film de Steven Soderbergh no se adhiere a la expectativa que generalmente se tiene porque a medida que progresa su relato, la idea principal va perdiendo elocuencia para dar lugar a un thriller psicológico efectista no logrado.

La hipótesis del relato atrapa y hasta su primera mitad se asiste a un drama muy bien planteado y excelentemente interpretado al punto tal de que uno se adentra totalmente en sus personajes protagónicos olvidando a los populares artistas que los están animando. El problema surge cuando Soderbergh, tratando de sorprender al espectador, va introduciendo giros insospechados que si bien en principio es posible su aceptación, en la medida que se siguen produciendo generan la sensación de incongruencia disminuyendo la eficacia inicial.

Jude Law y Catherine Zeta-Jones

El guión preparado por Scott Z. Burns comienza cuando Martin Taylor (Channing Tatum), un ex ejecutivo en el mundo de las finanzas, sale de la cárcel después de haber permanecido 4 años por el delito de “insider trading” –término que alude a quien actuando en el mercado de valores hace uso indebido de la información confidencial que posee para su beneficio personal-. Su amada esposa Emily (Rooney Mara) lo aguarda y todo parecería que los momentos felices de antaño retornarán para este matrimonio bien constituido. Sin embargo de inmediato la depresión se hace sentir en Emily y su primera reacción es intentar un acto suicida del cual sale ilesa. Todo queda reflejado de la manera más natural posible y uno puede suponer que el estado anímico de la joven esposa se debe a la ansiedad y sufrimiento que experimentó durante el período en que su marido estuvo ausente del hogar. Psicológica y emocionalmente afectada, ella es tratada por el psiquiatra Jonathan Banks (Jude Law) quien va descubriendo que la naturaleza depresiva de Emily se remonta al pasado y que años atrás ya estuvo bajo asistencia psiquiátrica con la doctora Victoria Siebert (Catherine Zeta-Jones) cuando su marido ingresó a la cárcel.

A fin de evitar permanecer hospitalizada en el tratamiento que debe seguir, Emily se compromete a seguir una terapia con Banks y es a partir de allí que este médico comienza a tratarla recomendándole una variedad de productos farmacológicos que no surten efecto en ella hasta dar finalmente con la droga Ablixa que si bien mejora la depresión de Emily le produce efectos secundarios que incluyen entre otros elementos, el sonambulismo que la hace perder conciencia y memoria de lo que está realizando mientras se encuentra en ese trance.

Inesperadamente, el relato adopta un vuelco altamente dramático que no conviene ser revelado aquí, excepto el de mencionar que Emily es objeto de un juicio para determinar hasta qué punto es ella responsable de sus actos o si acaso lo es el psiquiatra por haber recomendado a su paciente la ingestión de la droga.

Hasta aquí todo resulta cautivante pero prontamente el film comienza a subvertir lo que se aguarda del mismo, lo que no sería de ningún modo algo pernicioso si no fuera por el hecho de que el relato no hace más que manipulear gratuitamente al espectador con cambiantes e irrealistas giros que sucesivamente se producen hasta llegar a un desenlace francamente decepcionante.

Como anteriormente quedó expresado, los actores brindan una total naturalidad a sus respectivos personajes. En los protagónicos, Mara transmite con intensidad la profunda angustia que habita en Emily, en tanto que Law ofrece total convicción como el psiquiatra devoto al dificultoso caso que tiene entre manos quien ve como su vida comienza a desintegrarse en lo profesional y también en el plano personal frente a su esposa (Vinessa Shaw). Zeta-Jones es una perfecta fría psiquiatra y Tatum demuestra eficiencia dentro del breve rol que le tocó asumir.

Conclusión: Soderbergh brinda aquí un drama que partiendo de una premisa sumamente atractiva atrapa de inmediato. Pero lamentablemente con los saltos abruptos y situaciones incoherentes en su parte final, el film se descontrola malogrando la seriedad que prometía en su premisa inicialJorge Gutman



6.2.13

EL BALLET NACIONAL DE CHINA VISITA MONTREAL

Crónica de Jorge Gutman

LA LINTERNA ROJA

Invitado por Les Grands Ballets Canadiens de Montreal se presenta el Ballet Nacional de China, fundado a  fines de 1959 bajo el nombre de Compañía de Ballet Experimental de la Escuela de Danza de Beijing. Hoy día el BNC está dirigido por Feng Ying, ex primera bailarina y directora de ballet de la agrupación.

Para esta ocasión este organismo cultural ofrecerá La Linterna Roja, un ballet de gran calidad artística basado en el excelente film Esposas y Concubinas de 1991 del cineasta Zhang Yimou y que fue recipiendario del León de Plata en el Festival de Venecia de ese año. Precisamente es el renombrado realizador quien tiene a su cargo el libreto, la iluminación y la dirección escénica de esta creación adaptada para la danza.



Dentro del marco de una escenografía espectacular y suntuosos vestuarios, más de 70 bailarines entremezclan el ballet clásico, la danza folclórica, acrobacia y juegos de mímica para relatar una tragedia amorosa.

 


La coreografía del espectáculo concebido en 2001 es responsabilidad de Xin Peng Wang y Wang Yuanyuan. Cabe señalar que Xin Peng Wang ha sido formado en la Academia de Danza de Beijing y ha estudiado danza contemporánea en Alemania; desde 1996 es el director artístico del Dortmund Ballet de ese país. Por su parte, Wang Yuanyuan que ha sido invitado como coreógrafa en residencia para el New York City Ballet, ha sido formada en California y posteriormente en la Academia de Danza de Beijing; ella ha obtenido el segundo premio en el Concurso Internacional de Danza de París y ha participado en importantes trabajos como Rainbow of the Night, que le ha valido el premio de la mejor coreografía en el Concurso Internacional de Ballet de Shangai, a la vez que ha sido distinguida en numerosos concursos coreográficos de Estados Unidos, Francia y Rusia. Para La Linterna Roja, ambos coreógrafos se han basado en una composición original del franco-chino Qigang Chen dando como resultado una creación que fusiona el ballet clásico con la cultura china.

Aclamada en una decena de países La Linterna Roja es presentada por primera vez en Canadá dentro del marco de una gira histórica que realiza el BNC y que después de Montreal se presentará en Vancouver.

El espectáculo es presentado desde el 21 hasta el 24 de febrero en la sala Wilfrid Pelletier de la Place des Arts. . Las representaciones de los días 21, 22 y 23 de febrero se realizan a las 20 horas, en tanto que habrá dos representaciones a las 14h00 los días 23 y 24 de febrero. Para toda otra información visitar el sitio web http://www.grandsballets.com/

2.2.13

LA INOCENCIA PERDIDA

INNOCENCE LOST. Autor: Beverley Cooper - Dirección: Roy Surette - Elenco: Trevor Barrette, Pippa Leslie, Brendan McMurtry-Howlett, Julie Tamiko Manning, Allan Morgan, Fiona Reid, Michael Spencer-Davis, Joan Wiecha, Jane Wheeler, Jenny Young - Decorados y Vestuario: James Lavoie - Iluminación: Luc Prairie – Música: Keith Thomas – Duración: 2h30 (con entreacto). Representaciones: Hasta el 24 de Febrero de 2013 en el Centaur
Joan Wiecha y Trevor Barrette
Esta obra de Beverley Cooper dada a conocer en el Teatro Centaur no hace más que reflejar cómo, lamentablemente,  la justicia puede fallar equivocadamente y dañar la existencia de personas inocentes. Basado en un hecho real que aconteció en una pequeña comunidad rural de la provincial de Ontario en 1959, donde Steven Truscott (Trevor Barrette), un joven de 14 años, fue acusado y condenado a la pena de muerte por el rapto y asesinato de su compañera de escuela Lynne Harper (Joan Wiecha) de 12 años de edad. Recién en 2007, 48 años después de lo acontecido, Truscott con sus 62 años a cuesta fue exonerado de culpa y cargo por el grave error judicial.

Más allá de la aberración de condenar a muerte sin efectivas pruebas que reflejaran la culpabilidad del adolescente, uno se pregunta qué es lo que hubiese acontecido si la sentencia se hubiera implementado.

Beverley Cooper tuvo a su cargo de trasladar el drama descripto en poco más de 2 horas y ha salido airoso del desafío enfrentado para lograr sintetizar el medio ambiente en donde la acción tuvo lugar y reflejar el comportamiento de Clinton, una pequeña comunidad que si bien sencilla, honesta y tranquila, no pudo menos que prejuzgar erróneamente sobre el comportamiento de Steven que hasta el momento del crimen gozaba de excelente reputación. La impecable puesta escénica de Roy Surette, logra transmitir las emociones subyacentes que se produjeron en los personajes vinculados con la víctima, permitiendo contrastar la armonía imperante antes del trágico evento con las pasiones naturales desatadas después del mismo.

Tratándose de una obra de ficción basada en hechos reales, la autora introdujo algunas licencias en su relato pero siempre respetando el espíritu de lo que realmente sucedió; de este modo introduce el personaje de Sarah (Jenny Young), una compañera de clase de Steven, quien a través de su visión se van conociendo las características y sentimientos de los habitantes del pueblo y cómo los acontecimientos se fueron desenvolviendo.

El elenco es muy competente y cabe resaltar que la mayoría de los actores debió caracterizar a más de un personaje sin que ello interfiriera en la comprensión e identificación que el público guarda con cada uno de los mismos. Para mencionar a algunos de ellos, resulta ponderable el debut de Weicha como la desafortunada víctima así como Barrette en la brillante creación del condenado personaje central. Otros nombres a destacar son los Brendan McMurtry Howlett, Julie Tamiko Manning y muy especialmente Fiona Reid animando con gran convicción a Isabel LeBourdais, la autora del libro The Trial of Steven Truscott quien expone en el mismo la atroz injusticia cometida y demostrando la inocencia de Steven.

Al concluir la representación de la obra queda en el ánimo de quien la está juzgando un profundo sentimiento de desilusión al comprobar que lo que le ocurrió a Steve podría ocurrirle a cualquier otro frente a una justicia más que imperfecta. Pero en lo concerniente a Innocence Lost, el resultado final es un drama legal bien escrito, escénicamente logrado y convincentemente interpretado.  Jorge Gutman



1.2.13

TRES TIPOS DUROS

STAND UP GUYS. Estados Unidos, 2013. Un film de Fisher Stevens

Es raro encontrar una comedia criminal cuyo mayor atractivo resida en la labor de sus intérpretes antes que en la historia narrada. El guión de Noah Haidie es realísticamente improbable y por cierto dista de ser perfecto, pero la actuación de Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin contribuye a que el relato adquiera visos humanos y se deje de lado algunas situaciones incongruentes para apreciar a estos veteranos y notables actores.

La historia que transcurre en un espacio de 24 horas se centra en el reencuentro de un trío de ex delincuentes profesionales que solían actuar conjuntamente para realizar sus fechorías. En una de las mismas que tuvo lugar 28 años atrás, se produjo un lamentable accidente donde el hijo de Claphands (Mark Margolis), un padrino mafioso, resulta muerto y Val (Pacino) asume la responsabilidad completa del hecho sin haber denunciado a Doc (Walken) y Hirsch (Arkin), sus dos compinches que también estaban involucrados. Como consecuencia de ello, Val es condenado a 28 años de prisión.
Christopher Walken y Al Pacino
El film comienza cuando Val sale de la cárcel y su íntimo amigo Doc viene a buscarlo. En su primera mitad es cuando el relato adquiere verdadera fuerza, donde vemos a Val deseoso de retomar el camino delictivo aunque Doc ya retirado rehúsa volver a las viejas andadas. En todo caso, la primera intención de Val es satisfacer sus apetencias sexuales y le pide a su amigo que le lleve al burdel que solían frecuentar; sin embargo, al sentirse frustrado por carecer del vigor sexual de otros tiempos, los dos amigos optan por franquear una farmacia y robar algunas drogas, entre ellas la de Viagra donde Val se extralimita consumiendo una cantidad excesiva de la misma; ciertamente; ése es uno de los momentos más graciosos del relato mostrando cómo las mágicas pastillas le robustecen sexualmente pero al precio de que posteriormente le produce un empacho que le lleva a que sea hospitalizado aunque por breves horas. Ya en plena noche y para seguir la jarana de los buenos tiempos, ambos amigos acudirán al hogar de ancianos donde Hirsch está residiendo a fin de disfrutar con él de una aventura nocturna utilizando un coche último modelo del cual Val y Doc se han apropiado demostrando que no han perdido los viejos hábitos.

La trama pierde su fuerza inicial en la segunda mitad pero el director Fisher Stevens le infunde interés gracias a la interacción lograda entre sus personajes y apelando en algunos casos al empleo de primeros planos para reflejar la dimensión psicológica de los mismos. Val, como el hiperactivo del grupo, encuentra en Pacino un actor ideal para asumirlo; una vez más, tanto en cine como en la incursión teatral que en estos momentos está realizando en Broadway (en la reposición de Glengarry Glen Ross), sigue volcando su dinamismo demostrando que no hay ocaso para un gran actor. También cabe distinguir la labor de Walken que a pesar de ser más contenida logra transmitir su desconcierto y patetismo frente a una misión que debe cumplir y en donde habrá de poner a prueba la lealtad y amistad hacia Val. Arkin, por su parte, logra demostrar que su Hirsch guarda aún la suficiente adrenalina para disfrutar del último soplo de vida.

Conclusión: Queda como balance una comedia nostálgica con personajes geriátricos que se hacen querer y con situaciones graciosas que aunque no todas alcancen un mismo nivel de eficacia, cumplen su misión de entretener gratamente.  Jorge Gutman

EN EL CAMINO

ON THE ROAD. Francia-Estados Unidos-Brasil, 2012. Un film de Walter Salles

En esta película, el director Walter Salles incursiona en el mundo de Jack Kerouac tomando como referencia su novela autobiográfica del mismo nombre; la misma, que fue escrita entre 1947 y 1951 y publicada en 1957, está basada en los viajes que su autor realizó con algunos de sus amigos durante ese período recorriendo las rutas de los Estados Unidos y México.

Considerando la importancia del libro, una suerte de monólogo interior del mítico Kerouac, la expectativa de este film era considerable sobre todo cuando el realizador brasileño logró un gran éxito con Diarios de Motocicleta (2004) donde el relato también se refiere a viajes realizados por el futuro revolucionario Ernesto Guevara en sus años de juventud junto con su amigo Alberto Granado a través de América Latina; basado en los testimonios de Guevara que fueron volcados en sus libros, el resultado fue un film muy humano, sincero, tierno y con suficiente expresividad que llegó a emocionar. No se puede decir lo mismo sobre On The Road; aquí, la historia narrada carece de la fuerza, pasión y el fuego que el autor volcó en su trabajo sobre jóvenes lanzados a la carretera en pos de una nueva forma de vivir. Aunque Salles contó con la colaboración de su habitual y eficiente guionista José Rivera, la transposición a la pantalla no alcanza a brindar toda la sustancia y riqueza de la novela original.

Sam Riley
Sam Riley interpreta a Sal Paradise, alter ego de Kerouac, que en los últimos años de la década del 40 se vincula en Nueva York con el poeta Carlo Marx (Tom Sturridge) -nombre atribuido al poeta Allen Ginsberg quien fue uno de los representantes de la generación beat. La vida de Sal –que en esos momentos se siente bloqueado como escritor y sin rumbo fijo- cambia drásticamente cuando conoce a Dean Moriarty (Garrett Hedlund) –alter ego de Neal Cassidy-. Dean, que adquiere carácter protagónico en la novela de Kerouac como un joven buscavidas de libre espíritu y pensamiento, llega a impresionar a Sal y se convierte en su gran amigo; al poco tiempo, junto con él y su joven esposa Marylou (Kristen Stewart) comienza a realizar una serie de viajes que lo llevará desde Nueva York a Denver, California, New Orleans y otros lugares del vasto continente americano. Durante el trayecto algunos conocidos y amigos se unen en esta aventura como es el caso de Camille (Kristen Dunst), la segunda esposa de Dean después de su divorcio de Marylou, y Old Bull Lee (Viggo Mortensen), el alter ego del escritor drogadicto William Burroughs. El denominador común de estos jóvenes es el logro de una libertad diferente, denegada por el conservadorismo y conformismo del sistema imperante en esa época.

Si bien el film ofrece una idea de la juventud intelectual que rodeó a Kerouac, caracterizada por la rebeldía, el consumo de drogas, las aventuras románticas y sus desencantos, y el proceso de madurez que todo eso implicó, lo cierto es que la narrativa de Salles queda circunscripta a describir una sucesión de anécdotas sin mayor profundidad; de allí que la búsqueda existencial de la generación beat no llega a cobrar el aliento que emana de la novela.

A nivel interpretativo, Hedlund convence ampliamente como el joven bisexual que se convierte en una magnética fuerza de atracción para Sal; también resultan convincentes Stewart como la desinhibida sexual Marylou y Mortensen en un rol menor pero bien caracterizado; Riley, en cambio, resulta desdibujado al no reflejar muy bien el carácter introspectivo, romántico y pasional de Kerouac.

Cabe destacar la notable fotografía de Eric Gauter y los diseños de producción de Carlo Conti captando la ambientación del paisaje de Estados Unidos en los años que siguieron a la Segunda Guerra. Mención especial merece la elaborada música de Gustavo Santaolalla quien con la valiosa colaboración de los renombrados músicos de jazz Charlie Haden y Brian Blade, transmiten muy bien la cultura musical de esa época. Sin embargo, estos factores favorables no alcanzan a compensar a este film que sin ser mediocre se aguardaba mucho más del mismo.

Conclusión: El relato de un viaje iniciático que aunque despierte interés, resulta demasiado tibio al carecer de la poesía, fuerza volcánica y del espíritu contenido en la novela original.  Jorge Gutman