28.11.09

CINE EN LA PLAZA

Comentarios de Jorge Gutman


THE BLIND SIDE. Un film escrito y dirigido por John Lee Hancock
El director John Lee Hancock, basándose en el libro de Michael Lewis The Blind Side: Evolution of a Game, aborda la vida del jugador afroamericano Michael Ohner, a partir del momento que llega a conocer a una afluente familia blanca que habrá de cambiar su existencia.

El relato presenta a Ohner (Quinton Aaron), un corpulento adolescente de 18 años de edad sin hogar y viviendo en la indigencia. Sin familia ni un medio social de referencia, salvo los ocasionales vecinos de su edad que habitan en uno de los sectores más pobres de Memphis, su rendimiento escolar es muy bajo y apenas alcanza a expresarse cuando se ve obligado a hablar; aunque se siente atraído por el fútbol americano con aspiraciones de ser jugador, nada indica que pueda lograr sus propósitos. Cuando una noche Anne Tuohy (Sandra Bullock), una mujer blanca sureña de excelente posición social y económica, lo encuentra desorientado en la calle y sin tener a donde ir, ella le ofrece su hogar para pasar la noche. Lo que parecería un gesto de amabilidad de Anne hacia un pobre muchacho, al poco tiempo se convierte en una relación mucho más importante cuando la familia Tuohy lo incorpora como un integrante más de la misma.

De allí en adelante, el espectador contempla un idílico cuadro familiar donde tanto Anne como su marido Sean (Tim McGraw) y sus dos encantadores hijos (Jae Head y Lily Collins) viven en perfecta armonía y brindan al incrédulo Michael el calor y bienestar de un hogar que jamás soñó tener.

Los esfuerzos que debe realizar el nuevo miembro familiar para adaptarse a la nueva situación y la particular relación que Anne establece con Michael como si se tratase de una verdadera madre dándole todo el afecto y cariño a su hijo adoptivo, son dos de los elementos que gravitan en el relato. En tal sentido y a pesar de que todos quieren a Michael, es Anne la fuerza motriz que impulsa a que el muchacho pueda mejorar sus resultados en la escuela y que además llegue a convertirse en una estrella del deporte.

Si lo que el film expone no se hubiera basado en un hecho real donde sus personajes mantienen sus verdaderos nombres, el espectador habría creído que asiste a un cuento rosa originado por los estudios Disney. Pero no. Aunque todo resulta demasiado increíble para que sea cierto, el caso de Ohner es más real que la historia de la Cenicienta. Con el material ofrecido por el libro de Lewis, Hancock logra un film popular donde el gran público se identifica fácilmente con los miembros de la familia por la gran simpatía que derrochan sus integrantes y porque además el guión combina adecuadamente el tema central con el del deporte, satisfaciendo ampliamente a los amantes del fútbol americano.

La limitación de este film radica en el hecho de que se centra exclusivamente en la historia central sin entrar a considerar las connotaciones raciales y las diferencias de clase. A pesar de que hay una breve escena en la que Anne se siente molesta por las sutiles observaciones raciales que sus amigas de la alta sociedad sureña hacen de Michael, y en otra donde los Tuohy -que son republicanos seguidores de Bush- no tienen reparos en contratar a la tutora de Michael (Kathy Bates) que confiesa ser demócrata, el tratamiento es demasiado superficial, desaprovechando profundizar el contexto social donde transcurre la acción.

La observación mencionada está más que compensada por la forma en que Hancock aborda la dinámica familiar y las buenas interpretaciones que obtiene de su elenco; en tal aspecto cabe distinguir la lograda caracterización que Aaron logra de su personaje, y muy en especial la excelente actuación de Bullock como la mujer férrea y determinada a lograr su propósito de dar protección, cariño y un hogar a su nuevo hijo. De este modo, queda como resultado un film amable y reconfortante que sin llegar a ser extraordinario brinda dos horas de sano entretenimiento.
PPP

LAST TRAIN HOME. Canadá-China, 2009. Un film de Lixin Fan
Este primer documental del director Lixin Fan testimonia un tema serio como lo es la disolución de los lazos familiares como consecuencia del importante proceso de industrialización emprendido por la gigantesca China.

Aunque hasta el presente se han visto filmes ilustrando el modo en que el desarrollo industrial no planificado del país ha tenido repercusiones negativas para el medio ambiente, aquí el realizador enfoca el problema desde otro ángulo, tomando como referencia a la familia Zhang. La misma vive en una aldea ubicada en una zona rural y para poder subsistir y contar con el dinero para financiar la educación de sus dos hijos, los padres se ven forzados a trabajar en una fábrica textil de Guangzhou. Como la usina está ubicada a una distancia que insume dos días de viaje en tren para llegar a destino e igual tiempo para regresar, el matrimonio solo retorna al hogar una vez por año para que la familia esté físicamente unida.

Sin duda, China se ha convertido en un poderoso líder mundial que manufactura centenares de productos industriales y los exporta al resto del mundo a un precio competitivo. Sin embargo, quien no vive allí ignora lo que se esconde por detrás. Aunque el gobierno chino pueda destacar con orgullo la vitalidad de su economía, la estadística oficial no revela las duras condiciones de vida de sus trabajadores, el mísero salario con que son remunerados y cómo la ausencia de los padres en el hogar va creando un vacío imposible de reemplazar, provocando de este modo la disgregación familiar.

Con este documental de alto contenido social, el joven cineasta demuestra que la industrialización china es lograda a un precio muy alto. En otras palabras, la armonía familiar de antaño se ve alterada frente a una realidad implacable: dado que el campo ya no constituye el medio factible para satisfacer las condiciones de vida moderna, los padres se sacrifican por sus hijos pagando el alto precio de la separación física con la descomposición de la estructura familiar.

En este emotivo e íntimo retrato humano de considerable valor periodístico, el director refleja las contradicciones inherentes de la China actual, dentro del contexto de un mundo globalizado. Sin duda, este documental es digno de ser apreciado.
PPP

FAIS-MOI PLAISIR. Francia, 2009. Un film de Emmanuel Mouret
En su tercer film como director, guionista y actor, Emmanuel Mouret demuestra una vez más su propensión a las comedias románticas pero con un toque muy personal; inspirado en algunos de los grandes maestros del cine mudo como Buster Keaton, el film también tiene reminiscencias de las obras de vaudeville donde Feydeau ha sido el gran maestro del género. Dentro de los límites de relativa sencillez, la película es ingeniosa donde a partir de una trama racionalmente burda e improbable, Mouret es capaz de extraerle máxima sustancia para suministrar una hora y media de agrado.

El protagonista es Jean-Jacques (Mouret), un hombre perdedor y simpático que sin quererlo se envuelve en innecesarias complicaciones para que finalmente nada le resulte como se lo había propuesto. El relato transcurre en un período de 24 horas y comienza cuando Ariane (Frédérique Bel), la chica con quien convive, está persuadida de que Jean-Jacques vive con la fantasía de una joven (Judith Godrèche) que había llegado a conocer en forma accidental poco tiempo atrás. Para evitar problemas futuros, ella lo estimula a que se acueste con la desconocida para que así pueda liberarse de sus fantasmas y no llegue a malograr la relación de pareja. Pero sucede que esa dama seductora no es nada menos que la hija del presidente de Francia que siente por él una gran atracción y lista para organizarle una fiesta en su honor. Los múltiples infortunios que le suceden a nuestro antihéroe durante esa velada es mejor verlo que relatarlo, aunque para dar una idea al lector basta señalar que puede compararse a la odisea que el personaje de Peter Sellers atraviesa en el gracioso film de Blake Edwards The Party (1968).

Para gozar de este film cuyo ritmo jamás decae, es necesario dejarse llevar por las situaciones absurdas propuestas; como evidentemente se trata de una fantasía bien realizada donde predomina un inteligente humor físico que jamás apela al mal gusto para estimular la sonrisa del espectador, el resultado final es satisfactorio.
PPP

MARY AND MAX. Australia, 2009. Un film escrito y dirigido por Adam Elliot
Siguiendo los pasos de “Persepolis” y “Waltz with Bashir”, entre otros ejemplos, Mary y Max es otro film animado destinado a una población adulta que sea proclive al cine artístico. Adam Elliot utilizando el estilo “stop motion”, transmite un bello relato basado en una historia verdadera.
El relato narrado con cierta melancolía se refiere a la amistad única e improbable entablada entre dos personas disfuncionales viviendo en continentes diferentes a lo largo de un período de 20 años. Curiosamente, mientras estuvieron con vida no se dio la posibilidad de producirse un encuentro físico. Estos personajes son Mary y Max.
Mary es una niña de 8 años (Bethany Whitmore) que lleva una vida solitaria viviendo en un suburbio de Melbourne en Australia. Con una madre alcohólica y un padre no muy pródigo afectivamente, Mary no es feliz y es por eso que busca un amigo. Al ubicar circunstancialmente una guía telefónica en la oficina de correos, selecciona el primer nombre que se le cruza. El destinatario es Max Horovitz que vive en Nueva York; y a quien la niña le dirigirá una carta para iniciar una relación epistolar.
Por su parte, Max también es un marginado social de 48 años de edad y excedido de peso, que ve su rutina alterada con la recepción de la primera carta de Mary. Ese es el comienzo de lo que se convertirá a través de los años en una sólida amistad, solamente puesta a prueba en una oportunidad pero que en última instancia predomina el intenso sentimiento de cariño que les une. A través de la correspondencia postal, surgirán los detalles personales de estos dos excéntricos personajes, con sus debilidades y fobias, sus momentos de alegría y de tristeza, los gustos que tienen en común saboreando chocolates y/o gozando con los dibujos animados de un programa de televisión, así como también Mary se impondrá que su amigo sufre el síndrome de Asperger lo que explica su inadaptabilidad social y su elevado nivel de ansiedad. Como resultado de esa relación Max sobrelleva mejor su problema emocional, mientras que Mary logra adquirir el sentimiento valorativo de su persona.
Narrado de manera agradable por Barry Humphries y con las eficientes voces de Philip Seymour Hoffman (Max) y Toni Collette (la adulta Mary), el film denota el gran trabajo de Elliot con la técnica de animación empleada que permite dotar a sus personajes la impresión de estar contemplando actores en vivo. Además de ser visualmente impecable, el film es altamente inspirador por su contenido espiritual y humano al resaltar el valor de la amistad.
PPP
PARKING. Taiwan, 2008. Un film de Chung Mong-Hong
No son muchos los filmes de Taiwán que se estrenan en Canadá, excepto los que se aprecian en los festivales internacionales; de allí que resulta oportuno la presentación de Parking que, sin llegar a ser una obra maestra, constituye un muy buen relato para que el público de este continente eche un rápido vistazo a algunas de las características de la sociedad de Taipei, la capital de la isla, a través de la original historia urdida por el novel director Chung Mong-Hong.

Mezcla de comedia negra, drama, y aventura, el tono de este amable y absurdo film va variando de acuerdo a las situaciones que en cada momento vive Chen-Mo (Chang Chen), su personaje principal. El relato es una crónica de lo que le sucede a este individuo cuando como consecuencia de una situación accidental debe enfrentar situaciones tan variadas como inesperadas.

Es el día de la madre en Taipei. Después de haber comprado una torta a fin de llevársela a su distanciada mujer (Kwai Lunmei) para una cena de reconciliación, Chen comprueba que no puede sacar su coche del parque de estacionamiento porque hay otro vehículo ubicado en doble fila bloqueándole la salida. Urgido por regresar a su casa, trata de localizar al propietario del coche obstaculizador y esa infructuosa tarea lo lleva a tener que sumergirse en la oscuridad de la noche y enfrentar una galería de curiosos personajes. Entre los mismos se encuentran una pareja de ancianos que extraña al hijo desaparecido y que se encarga del cuidado de su nieta (Lin Kai-jung), un barbero amputado (Jack Kao) cocinando una sopa de cabeza de pescado, una prostituta china (Peggy Tseng) tratando de huir del proxeneta (Leon Dai) que la explota, un sastre de Hong Kong (ChapmanTo) tremendamente endeudado y amenazado por la mafia.

A través de las situaciones descriptas el relato permite que cada uno de estos personajes transmita su propia historia mediante flashbacks. Todo eso origina un buen caleidoscopio cultural donde el público entra en contacto con ciertos estratos sociales de Taipei y se interiorice de algunas de sus costumbres y formas de vida.Chung Mong-Hong, que además de director y guionista es también responsable de la excelente fotografía, relata en forma pausada pero segura para llegar a un desenlace convincente. Transitando por diferentes géneros que confluyen armoniosamente y logrando que los actores respondan a lo que el guión les exige, el director ofrece un film digno, honesto, con una adecuada dosis de emoción, dentro de un estilo decididamente personal.
PPP

LE GALA

El 6 de diciembre (14h00) tiene lugar en la sala Wilfrid-Pelletier la 14va. edición de "Le Gala", la función de beneficio que anualmente realiza la OPERA DE MONTREAL. En esta ocasión se celebrá el trigésimo aniversario de la compañía y un conjunto de los más renombrados cantantes canadienses se harán presentes para la ocasión como Marc Hervieux, Marie-Josée Lord, Lyne Fortin, Marianne Fiset, Antoine Bélanger, Gregory Dahl, Aaron St.Clair Nicholson y muchos más.

El acompañamiento musical está a cargo de la Orquesta Metropolitana y además participará el Coro de la Opera de Montreal, bajo la dirección de Alain Trudel. Información adicional en www.operademontreal.com

27.11.09

OSM

Los días 1 y 2 de diciembre (20h.00), la OSM ejecutará se presentará bajo la dirección de Kent Nagano, ejecutando la Sinfonía No. 4 de Mahler con la participación de la soprano Hélène Guilmette, como solista, y el Concierto para dos clavecines de Carl Philipp Emanuel Bach con la intervención de los clavecinistas Tini Mathot y Top Koopman, y el Concierto Italiano de J.S. Bach.


El lunes 7 y martes 8 (20h00), la OSM dirigida por Jean-Francois Rivest recibirá a Michel Rivard quien habrá de interpretar algunos de los éxitos más populares de su repertorio de canciones populares junto con un acompañamiento coral de nueve voces. El programa se completa con el Moldava de Smetana y la obertura La Gruta de Fingal de Mendelssohn.

El miércoles 9, (10h30) la orquesta será dirigida por Ton Koopman y contará como solista a Richard Roberts interpretando el Concierto para Violín No. 1 de J.S. Bach. La Suite para Orquesta No. 3 de J.S. Bach y la Sinfonía No. 98 de Haydn completan el programa.

El programa final del año (martes 15 y miércoles 16, 19h30) está dedicado a las fiestas navideñas donde la OSM tocará canciones alusivas a dicha celebración contando con la participación de la soprano Marie-Josée Lord. La dirección musical está a cargo de Nathan Brock. Excepcionalmente, estos dos conciertos tienen lugar en la Basílica Notre Dame.

Los conciertos se realizan en la sala Wilfrid-Pelletier, salvo indicación en contrario. El sitio de internet es http://www.osm.ca/


LMMC

El domingo 6 de diciembre /15h30) el violoncelista aleman Alban Gerhardt ofrecerá un recital auspiciado por Ladies Morning Musical Club. El programa comprende la Sonata para Violoncelo No.3 Op. 69 de Beethoven, Sonata para Violoncelo No.2 en Sol menor Op. 5 de Beethoven, Pohádka, JW VII/5 (version 1923) de Janácek y la Sonata en Do mayor, Op. 119 de Prokofiev. Gerhardt será acompañado al piano por Cecile Licad.

El concierto tiene lugar en la Sala Pollack. El sitio de internet es http://www.lmmc.ca/

LES VIOLONS DU ROY

Con motivo de las festividades de Navidad, el conjunto Les Violons du Roy ejecutará el Mesias de Haendel con la participación de Rosemary Joshau (soprano), David Daniels (contralto), Jan Kobow (tenor) y Andrew-Foster Williams (bajo barítono). Este concierto el martes 8 (19h30) en la Iglesia Saint-Jean-Baptiste.

Al día siguiente, miércoles 9 (19h30), y en el mismo lugar esta agrupación musical ejecutará el Oratorio de Navidad de Bach con los mismos cantantes, excepto que el barítono Joshua Hopkins reemplazará a Andrew-Foster Williams.

OM

La Orquesta Metropolitana concluye el año con un concierto integrado en su mayor parte con escenas de música de ópera de Puccini (La Bohème), Offenbach (Los Cuentos de Hoffmann), Bizet (Carmen), Humperdinck (Hansel y Gretel) y Mozart (La Flauta Mágica) y de la opereta El Murciélago de Johan Strauss (h). El concierto será dirigido por Guiseppe Pietraroia y contará con la participación de algunos solistas de l'Atelier lyrique de l'Opéra de Montréal (Antoine Bélanger, Caroline Bleau, Catherine Daniel, Roy Del Valle, Aaron Ferguson, Pierre Rancourt y Suzanne Rigden).

El concierto tiene lugar el domingo 13 en la Iglesia Saint-Jean Baptiste (16h00).


CASCANUECES

Este año el público de Montreal tendrá oportunidad de presenciar el popular ballet de Tchaicovsky CASCANUECES a través de dos compañías diferentes.

Como lo ha hecho desde 1964 la compañía LES GRANDS BALLETS CANADIENS lo presentará en el escenario de la sala Wilfrid-Pelletier desde el 12 hasta el 30 de diciembre en base a la coreografía de Fernand Nault, con decorados de Peter Horne, vestuario de Francois Barbeau e iluminación de Nicholas Cernovitch. Para información complementaria, el sitio de internet es http://www.grandsballets.com/

Por su parte, CINEPLEX DIVERTISSEMENT presenterá la producción del Royal Ballet de la Royal Opera House de Covent Garden de Londres en alta definición. La proyección tendrá lugar el sábado 12 de diciembre y el miércoles 23 de diciembre a las 13h00 en las siguientes salas: Colisée Kirkland, Colossus Laval, Banque Scotia Montréal, Star Cité Montreal y Cineplex Odeon Brossard. Información adicional puede obtenerse en el sitio: www.cineplex.com/evenements










20.11.09

CINE EN LA PLAZA

Comentarios de Jorge Gutman


WELCOME. De Philippe Lioret
Esta película francesa es una de las mejores presentadas en este año. A pesar de su sencillez, la historia narrada por Philippe Lioret es altamente emotiva por la forma de haber abordado el tema de los inmigrantes indocumentados.

El relato enfoca a Bilal (Firat Aywerdi), un muchacho de 17 años proveniente de la zona kurda de Irak que llegó ilegalmente a Francia en la ciudad portuaria de Calais. Como tiene la intención de llegar a Londres para unirse a su novia que habita allí con sus padres, su propósito es burlar la vigilancia de las autoridades migratorias cruzando a nado el Canal de la Mancha desde Calais a Dover. Para ello toma clases de natación en la piscina municipal con Simón (Vincent Lindon), un instructor de mediana edad que en un comienzo no le tiene mucha simpatía; con todo, a través de los días surge entre ambos un genuino afecto y una relación de carácter paternal del instructor hacia Bilal a quien le ofrece su apoyo cuando se entera de su audaz plan.

El film constituye una clara crítica a las medidas adoptadas por Francia con respecto a las personas indocumentadas, delatando al propio tiempo el espíritu xenofóbico prevaleciente en ciertos estratos de la población de Francia.

A su riqueza temática, el film se beneficia por su guión magníficamente escrito por Lioret junto a Emmanuel Courcol y Olivier Adam. Además, sus dos principales actores le otorgan considerable vitalidad a sus personajes. Tanto Lindon, en una de sus mejores interpretaciones, como Awerdi aportando una expresividad absolutamente natural como el joven desesperado por reencontrar a su enamorada y comenzar una nueva vida, ofrecen irreprochables composiciones en sus roles, al propio tiempo que maravilla la interacción existente entre ambos. Si a los valores mencionados, se agrega la cuidadosa dirección de Lioret para que el drama resulte absolutamente auténtico, se obtiene como resultado un film que destila absoluta convicción y cuyo desenlace realmente conmueve. Altamente recomendable.
PPPP

BAD LIEUTENANT: PORT OF CALL NEW ORLEANS. Estados Unidos, 2009. Un film de Werner Herzog
Werner Herzog, el gran cineasta alemán que ahora reside en los Estados Unidos, efectuó una remake del film de Abel Ferrara (1992) protagonizado por Harvey Keitel. Sin embargo, esta nueva versión no tiene casi nada que ver con la original, al menos en espíritu y tono. Donde en aquella historia predominaba la pérdida de la fe en Dios y la tardía redención por parte de su protagonista, aquí no hay ningún indicio de religiosidad como tampoco existe arrepentimiento alguno por las malas acciones del personaje principal. Solo el carácter corrupto y la adicción a las drogas es lo que tienen en común el personaje de Nicolas Cage y el de Keitel; más allá de esa coincidencia, el resto pertenece a un film totalmente diferente.

Ambientado en Nueva Orleans después del huracán Katrina y en donde la ciudad aparece inanimada y prácticamente desierta, el relato basado en un guión de William Finkelstein presenta a Terence McDonagh (Nicolas Cage), un policía recientemente promovido al grado de teniente. a quien se le asigna esclarecer el asesinato de una familia de inmigrantes ilegales. Esa investigación permite a Herzog que su historia adopte el carácter del cine negro de los años 40; sin embargo, no existe semejanza alguna entre la personalidad de McDonagh y la del clásico personaje detectivesco de Philip Marlowe creado por Raymond Chandler. Aquí, este teniente es un irremediable adicto a todo tipo de drogas, ya sea marihuana, cocaína o cualquier otro psicofármaco; eso contribuye a que manifieste un comportamiento errático, violento, enfermizo y por añadidura altamente despreciable por su elevado grado de corrupción. El único solaz del teniente es su amiga prostituta (Eva Mendes) con quien comparte pocos momentos de intimidad al apartarse del mundo turbio y apestoso en el que está envuelto.
Aunque el film conserva buena parte de humor negro e irónico entremezclado con drama, el cuadro es decididamente pesimista. No se trata solamente de la depravación de un teniente corrupto, sino también de otros integrantes de la fuerza policial carentes de escrúpulos en el ejercicio de sus funciones.
La interpretación de Cage es excelente en la composición de su personaje. Responde acertadamente a un individuo drogadicto que vive gran parte del tiempo en estado de agitación, nerviosismo y alucinación; de allí que su salvajismo en procura de droga y sexo, o cuando en una escena le quita el oxígeno a una anciana para obtener información sobre el paradero de un testigo clave, de ninguna manera resulta desbordado o sobreactuado sino que, demostrando su gran histrionismo, caracteriza a la perfección lo que su rol le exige.
Herzog no brinda mensaje alguno en este relato. Con su irónico y paradójico final, el director presenta una visión amoral de ciertos sectores de la sociedad actual. En todo caso, a pesar del pesimismo que lo caracteriza, el espectador se enfrenta con un film serio, muy bien realizado y altamente entretenido.
PPP

ANTICHRIST (Dinamarca-Alemania-Francia-Suecia-Italia-Polonia). Un film de Lars von Trier
Presentado por primera en Cannes el pasado mes de mayo, este film ha sido uno de los más controvertidos en la historia de este festival y hay buenas razones para comprenderlo. Dirigido por Lars von Trier, el más conocido realizador de Dinamarca, esta película –según él mismo lo ha manifestado- ha sido escrita y realizada después de haberse recuperado de la depresión que le tocó atravesar hace dos años; de todos modos, y de lo que se aprecia en pantalla, este trabajo deja la impresión de haber sido efectuado por alguien que debió haber estado alucinado o mentalmente perturbado.

Dividido en un prólogo, 4 capítulos y un epílogo, su relato hace referencia al duelo, dolor y desesperanza de un matrimonio (William Dafoe, Charlotte Gainsbourg) como consecuencia de la muerte de su pequeño hijo. Eso se produce, cuando en momentos de mantener relaciones sexuales, los padres descuidan a la criatura quien se asoma a la ventana del departamento y se lanza al vacío. Después de que la madre pasa más de un mes hospitalizada por el trauma vivido, los desafortunados padres deciden trasladarse a una casa de campo; allí, el marido psicoterapeuta trata de manejar el comportamiento de su trastornada mujer con resultados lamentables a medida que su salud mental va deteriorándose progresivamente.

Si en un comienzo uno cree ver una obra que trata de explorar la vida de un matrimonio en momentos desesperantes y centrarse en la culpa por irresponsabilidad paternal, la forma en que el film evoluciona desmiente ese propósito. Así se comprueba que los primeros minutos del relato constituyen solamente el pretexto para que el director en forma indulgente se deleite ofreciendo escenas sexuales como pocas veces se han expuesto en cine. Resulta incómodo explicar en qué consisten las desagradables imágenes, pero para dar una somera idea al el lector de esta nota, baste mencionar que en primer plano observará masturbaciones violentas, eyaculación sanguínea y mutilación del clítoris mediante el uso de tijeras, además de explícitas relaciones sexuales. Para otorgar al film la categoría de “cine de autor”, el realizador ofrece algunas escenas que visualmente tienen apreciable valor lírico, pero que están al servicio de un relato sexualmente tortuoso y, por añadidura, tedioso.

El humor está ausente, salvo en una oportunidades en que aparece un cartelito señalando “el caos reina” produciendo la espontánea carcajada del público porque ciertamente el film es caótico del principio al fin.

A pesar de la repulsión que este film produce, no puede dejar de reconocerse que tanto Gainsbourg –que en Cannes obtuvo el premio a la mejor actriz- así como Dafoe ofrecen interpretaciones destacables; pero las mismas resultan desperdiciadas por su contenido.

Difícil resulta establecer si se trata de un film de horror psicológico, o de uno grotesco y pornográfico, pero en todo caso sus provocadoras y perturbadoras imágenes producen un sentimiento de aberración y profunda frustración. La única explicación lógica que alcanzo a elucubrar tras la visión de este film es que Satanás se apoderó de su autor para convertirlo en Anticristo a medida que fue elaborando este sádico y enfermizo relato.

El film está dedicado a Andrei Tarkovsy, lo que constituye un discutible homenaje al gran realizador ruso desaparecido en 1986.
P

INSIDE HANA’S SUITCASE. Canadá-República Checa, 2009. Un film de Larry Weinstein
A pesar de que el Holocausto ha sido objeto de numerosas películas, este documental presenta aristas diferentes. El director canadiense Larry Weinstein se ha basado en el libro “Hana’s Suitcase” para efectuar un muy buen film que impresiona por la habilidad, sensibilidad e inteligencia que vertió a su proyecto.

Se trata de una historia que comenzó hace poco más de 9 años, cuando Fumiko Ishioka, la gran educadora y directora del Centro de Educación y Recursos del Holocausto de Tokio, logró obtener en préstamo del Museo de Auschwitz una valija vacía con el nombre escrito de Hana Brady. Ishioka se impuso de que la misma había pertenecido a la niña judía del mismo nombre que murió en Auschwitz a los 13 años de edad. Ese hecho le inspiró a volcar su entusiasmo y energía para transmitir a los chicos de Japón la historia de Hana y su familia con el ánimo constructivo de mostrarles adonde puede conducir la intolerancia, el fanatismo y el odio racista.

A través de su denodado esfuerzo, Ishioka logra ubicar al hermano de Hana, George Brady, que logró sobrevivir y ahora vive en Toronto. Con la participación de George, fotos de la familia que él aportó, entrevistas de quienes conocieron a la familia de Hana y utilizando una técnica consistente en el relato de la historia de la niña a través de la perspectiva de chicos de Japón, Canadá y la República Checa que captaron el mensaje, Weinstein ha logrado un documento de gran valor.

Reconstruyendo la vida de Hana, filmada en tono sepia y con intérpretes que dramatizan convincentemente a los personajes desaparecidos, el espectador se entera de la apacible existencia que llevaba esta familia en la región de Moravia, Checoslovaquia, hacia el final de la década del 30. La armonía familiar y en especial el cariño fraternal de Hanna (8 años) y George (11 años), poco antes del comienzo de la guerra, contrasta con el drama que bien pronto atravesaría esta familia cuando los padres son arrestados por la Gestapo para nunca más retornar al hogar, quedando los niños al cuidado de un tío. Posteriormente los hermanos son conducidos al campo de concentración de Terezin, para luego ser separados y llevados a Auschwitz.

Lo demás es tristemente conocido. La niña es asesinada en 1944 dejando como legado su valija, mientras que su hermano George -a quien su padre había confiado la responsabilidad de Hana-, logra milagrosamente salvarse.

Esta dolorosa historia culmina con el viaje de George y su hija Lara a Japón donde reciben una acogida calurosa por parte de Ishioka y sus alumnos japoneses; es conmovedor presenciar la forma en que los chicos expresan a sus visitantes su sincero afecto y tributo en una de las escenas más intensas y emotivas del relato.

Por su mensaje de libertad, tolerancia y respeto al prójimo, el espectador presencia un relato apasionante que a pesar de su naturaleza altamente dramática, de ninguna manera resulta deprimente. Lo que es aún más importante es el mensaje transmitido a los niños y jóvenes estudiantes del film quienes como representantes de la próxima generación asumirán la responsabilidad de crear un mundo mejor.

Como reflexión de este trascendente documento, cabría señalar que tanto la historia de Hana, como el diario de Anna Frank así como la valentía de Schindler, constituyen algunos de los mejores ejemplos para refutar a los bárbaros reaccionarios que grotescamente intentan negar la existencia del Holocausto. De allí la importancia de mantener vivo el relato de la mayor tragedia del siglo XX experimentada por la humanidad.
PPP½

LOVE AND SAVAGERY. Canadá, 2009. Un film de John N. Smith
He aquí otro film que se agrega a la lista de dramas románticos con obstáculos insalvables que se han visto en los últimos meses; en efecto, LOVE AND SAVAGERY es una melancólica historia de amor que por razones sociales y religiosas no llega a buen puerto.

Basándose en el guión de Des Walsh, el director John N. Smith introduce a Michael McCarthy (Allan Hawco), un geólogo canadiense proclive a la poesía que viaja a Ballyvaughan -en la región de la costa occidental de Irlanda- para efectuar estudios en su especialidad.

La acción que transcurre en la década del 60 describe la idiosincrasia del pequeño pueblo con sus arraigadas costumbres, donde cualquier actitud de cambio puede resultar contraproducente. Dentro de ese contexto, Michael conoce a Cathleen (Sarah Greene), una hermosa chica huérfana que ha decidido dedicar su vida a Dios de acuerdo a los deseos de su madre antes de morir, y al poco tiempo surge entre ellos una profunda atracción amorosa; sin embargo, esa relación está interpuesta por la marcada desaprobación de los lugareños del lugar porque Michael es un forastero y, además, por la conflictiva situación que atraviesa Cathleen al debatirse entre la intensidad de sus sentimientos y deseos hacia el hombre que quiere y su devoción por la fe religiosa.

Delicadamente narrado y muy buen interpretado, este es un bello film donde Smith expone competentemente cómo el amor romántico, a pesar de responder a una necesidad vital del ser humano, en ciertas ocasiones puede ser neutralizado por la influencia espiritual de la religión.
Dentro de sus valores técnicos, cabe ponderar la magnífica fotografía de Pierre Letarte; ciertamente, la belleza austera de los escenarios irlandeses así como la fuerza del mar golpeando las formaciones rocosas circundantes, son captadas en cautivantes imágenes.
PPP

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Comentarios de Jorge Gutman


HUMPDAY. De Lynn Shelton
Con este original film la directora y guionista Lynn Shelton se adentra en la psique del hombre considerando los límites de la intimidad masculina.
Ben (Mark Duplass) y Anna (Alycia Delmore) conforman un matrimonio normal y nada empaña el amor que los une. La tranquilidad doméstica se altera con la llegada inesperada de Andrew (Joshua Leonard), un gran amigo de Ben a quien éste no había visto en muchos años. La vida de soltero y de artista bohemio de Andrew contrasta por completo con la estabilidad hogareña de Ben y su esposa, pero eso no es óbice para que el encuentro de los amigos sea altamente placentero y que además el matrimonio le ofrezca albergue temporario en su hogar. A partir de allí, el desarrollo de los acontecimientos conduce a situaciones jocosas aunque ciertamente espinosas delimitando las fronteras de la identidad sexual.
Más allá de su delicado tema, el film está dotado de un humor espontáneo que resulta del planteo natural de los hechos ilustrados, además se nutre de diálogos realistas que en muchos momentos dan la idea de haber sido improvisados. Las interpretaciones de Duplass y Leonard son muy buenas permitiendo que sus personajes mantengan una química excelente. La dirección de Shelton es remarcable por su tacto y fineza al evitar que las escenas escabrosas jamás pequen de mal gusto, a pesar de que la historia podría haberse prestado a la misma.
Entre los extras figuran comentarios sobre el film, el detrás de la escena y algunas escenas no incluidas en oportunidad de su estreno. El DVD es presentado en inglés con subtítulos en español.

BRUNO. De Larry Charles
Gran desilusión causa BRUNO, el film de Larry Charles protagonizado por el conocido comediante británico Sacha Baron Cohen, que pretende ser una continuación de “Borat” La gran diferencia es que la película sobre Kazajstán utilizaba la provocación e irreverencia como instrumento de una sátira cultural, mientras que en esta película las extravagancias del personaje creado por Baron Cohen no son más que una exposición de groserías de contenido sexual que solamente tienen como propósito producir la risa primitiva del espectador.
Bruno (Baron Cohen) es un declarado y ostentoso homosexual austríaco que se desempeña como anfitrión televisivo de un show de modas en Viena. Cuando después de un desafortunado traspié es despedido del programa, decide viajar a Los Ángeles con su asistente Lutz (Gustaf Hammarsten) con la esperanza de llegar a convertirse en una celebridad del espectáculo. El escenario queda así armado para que a través de una estructura episódica y no cohesiva, el audaz e inescrupuloso personaje trate de entrevistar a figuras famosas de la vida real, con el fin de arrinconarlas para que transmitan sus prejuicios, estupideces y otras fobias que forman parte de la cultura americana; además, el guión ensaya una crítica al culto de la celebridad y a la vacuidad de los “reality shows”.
Si en el texto escrito, el objetivo perseguido no merece objeción, el medio que utiliza Cohen es bastante cuestionable para lograr su propósito es altamente discutible; de lo que se ve en pantalla resulta evidente que lo que el actor busca es provocar el escándalo a cualquier precio, sin atender al mínimo buen gusto que debe primar en cualquier espectáculo de entretenimiento.
Presentado en inglés con subtítulos en español, francés e inglés.

THIRST. De Park Chan-wook
Con este film el director Park Chan-wook presta más atención al estilo que a su contenido. Habida cuenta de sus méritos visuales, la película es truculenta y aunque el humor negro se hace presente en algunas secuencias eso no es suficiente para compensar las falencias de una historia donde no queda claro hacia donde conduce.
Se trata de un relato de vampiros con imágenes inundadas de sangre y horror en una trama que comienza auspiciosamente pero que al poco tiempo se desmorona. Lejanamente basado en la celebrada novela de Emilio Zola “"Thérèse Raquin" (1887), el director trata de infundar al film con un realismo psicológico que no llega a cristalizarse en una narración inconsecuente que a fuerza de situaciones repetitivas se alarga innecesariamente. Aunque el relato pueda querer describir la obsesión sensual humana donde anidan los sentimientos más primitivos, en última instancia se trata de un film de horror común donde la violencia y la sangre son sus características distintivas

19.11.09

FINE ARTS QUARTET

Invitado por la agrupación musical Pro Musica, el Fine Arts Quartet se presentará el 23 de noviembre a las 19h30 en el teatro Maisonneuve de la Place des Arts.

Integrado por Ralph Evans (violín), Efim Boico (violín), Nicolo Eugelmi (viola) y Wolfgang Laufer (violoncelo), este cuarteto fundado en 1946 en Chicago es uno de los más renombrados dentro de la música de cámara. Dentro de su repertorio, las obras de repertorio clásico y romántico ocupan un lugar especial y eso queda evidenciado en el programa elegido para esta presentación.

El público tendrá ocasión de escuchar el Cuarteto en Si bemol mayor, Op.76 No. 4 de Joseph Haydn, el Cuarteto en Do menor, Op. 08, WW 72 de Anton Bruckner y el Cuarteto en La menor, Op. 41 No.1 de Robert Schumann. Información adicional puede obtenerse del sitio de internet
www.promusica.qc.ca


FESTIVAL BACH DE MONTREAL

Desde el 24 de noviembre hasta el 5 de diciembre tiene lugar la tercera edición del Festival Bach de Montreal que reúne un selecto conjunto de los más prestigiosos músicos de la escena internacional, demostrando una vez más la intensa vida cultural y sofisticación musical de Montreal.

Entre los conciertos más destacados del programa de este año figura La Pasión según San Mateo de Bach, que la OSM ejecutará los días 24 y 25 a las 20h bajo la dirección de su director artístico Kent Nagano. En la sala Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts.

El 26 de noviembre a las 19h30 la Orquesta de Cámara de McGill bajo la dirección de Boris Brott ofrecerá los seis Conciertos de Brandenburgo de Bach, en la Iglesia St. Irenée.

En el auditorio Redpath de la Universidad McGill se presentará el organista Michael Dierks tocando obras de Bach, Samuel Scheidt y Heinrich Schedemann, el viernes 27 a las 12h30. La entrada es libre para este recital.

El 28 a las 19h30 en la Iglesia de la Inmaculada Concepción el joven organista belga Els Biesemans ofrecerá un recital con Clavier-Übung, Volume III de Bach.

Suscita gran expectativa la presentación de Matt Haimovitz (violoncelo), Jonathan Crow (violín) y Douglas McNabney (viola) interpretando la obra monumental de Bach las Variaciones Goldberg en arreglo para trío de cuerdas por Dmitri Sitkovetsky y dedicado al pianista canadiense Glenn Gould. El concierto tiene lugar en eXcentris el domingo 29 a las 16h.

Por su parte el pianista ruso Evgeni Korollov también tendrá a su cargo las Variaciones Goldberg en el Colegio Marianopolis el viernes 4 de diciembre a las 19h30.

El festival se clausura el domingo 5 a las 20h con la presentación de Akademie für Alte Musik Berlin presentando un concierto integrado por música de Telemann y Bach en la Basílica Notre Dame.

Aparte de los mencionados conciertos hay varios más que el lector puede consultar acudiendo al sitio del festival
www.montrealbachfestival.com

12.11.09

CINE EN LA PLAZA

Comentarios de Jorge Gutman

STILL WALKING. Japón, 2008. Un film escrito y dirigido por Hirokazu Kore-eda
Este film japonés es una maravilla. Tanto desde el punto de vista estético como temático, el director Hirokazu Kore-eda ha logrado que su relato describiendo un cuadro de familia vaya alcanzando niveles de excelencia a medida que transcurre el metraje.

La historia aunque sencilla es a la vez humana y profunda. La familia Yokoyama a través de sus tres generaciones se reúne una vez más en el verano para conmemorar otro aniversario de la muerte del hijo pródigo fallecido trágicamente hace 15 años; se trató de un joven inteligente y generoso que perdió su vida para salvar a un niño que se estaba ahogando. Mimado por sus padres (Yoshio Harada, Kirin Kiki) y respetado por su hermano menor Ryota (Hiroshi Abe), su ausencia aún se hace sentir y el dolor, aunque atenuado, aún perdura. En ese marco, no puede disimularse el reproche que el padre siente hacia el hijo menor de la familia, ahora con 40 años de edad, al no haber respondido a las expectativas aguardadas por sus padres y la comparación con el desaparecido se torna inevitable.

Dentro del cuadro descripto que transcurre en un período de 24 horas, Kore-eda apela a pequeños pero sutiles detalles para profundizar las complejas relaciones que se producen en el seno de esta familia donde la ternura, amor y cariño imperante conviven simultáneamente con las incomprensiones, resentimientos, desacuerdos y decepciones entre algunos de sus miembros. A través de esa pintura, el film aprovecha también para ilustrar el contraste entre los valores tradicionales y la ola de modernidad aportada por las nuevas generaciones que de alguna manera influye en la dimensión diferente que asumen las relaciones humanas actuales.

Los personajes están muy bien delineados por el excelente guión; así, no se necesita de mucho diálogo para transmitir la psicología y motivación de sus caracteres ya que sus rostros y miradas hablan por sí solos; en tal sentido, la forma estilística utilizada en cada plano-secuencia denota el profundo sentido de observación y afecto que el director manifiesta hacia sus personajes.

En resumen, un film emotivo, absorbente y poético que conduce a un desenlace donde se pone de manifiesto el inexorable ciclo de la vida. Sin duda, Kore-eda ratifica con este valioso relato que es uno de los más importantes directores contemporáneos, al confirmar la buena impresión que causó en sus precedentes filmes, entre ellos, After Life, Distance y Nobody Knows.
PPPP

AMREEKA. Estados Unidos-Canadá-Kuwait, 2009. Un film escrito y dirigido por Cherien Dabis
Encontrar un lugar en el mundo donde poder vivir es la temática de la opera prima de Cherien Dabis Amreeka, sencillo y emotivo relato acerca de una madre palestina y su hijo adolescente tratando de encontrar un mejor sitio de vida que el del terruño natal.

Dabis trató de volcar en este sensible film sus experiencias personales basadas en los episodios vividos por sus padres de origen palestino-jordano quienes emigraron a los Estados Unidos poco antes de que ella naciera. Si bien el film transcurre en 2003, poco tiempo después del comienzo de la invasión a Irak, las penurias atravesadas por su familia no resultan muy diferentes a la historia que aquí se relata.

El film que comienza en Belén, muestra cómo transcurre la vida corriente de Mouna (Nisreen Faour), una mujer divorciada que se desempeña como empleada bancaria, y su hijo adolescente Fadi (Melkar Muallen). A pesar de su espíritu optimista y jovial, Mouna se siente frustrada -al igual que otros habitantes de los territorios ocupados- de los diarios controles a que está sujeta para dirigirse a su trabajo, así como de otros embates que debe afrontar como ciudadana apátrida.

La situación cambia cuando la solicitud de la visa de inmigrante para los Estados Unidos que había presentado es aceptada para ella y su hijo. Aunque no totalmente convencida de aprovechar la oportunidad, a instancias de Fadi –con la expectativa de un futuro más luminoso- decide dejar Belén y viajar a los Estados Unidos, para reencontrar a su hermana Raghda (Hiam Abbass) quien vive con su marido médico (Yussef Abu-Warda) y su familia en Illinois desde hace 15 años, y para iniciar una nueva etapa en sus vidas.

Ya desde el arribo en el aeropuerto de Chicago, frente a la desconfianza que les demuestran las autoridades de inmigración, madre e hijo experimentan el impacto de sutil discriminación y sospechas debido al recelo demostrado por las autoridades de inmigración por su condición de árabes.

A medida que el guión enfatiza el difícil proceso de adaptación que Mouna y Fadi deben vivir, queda claro cómo el film centraliza su atención en el problema de la identidad donde habiéndose sentido extranjeros en su tierra, ahora no lo son menos en el país del sueño americano. No se trata únicamente de la colisión entre dos culturas diferentes, sino del modo en que estos inmigrantes son tratados por los sentimientos antiárabes prevalecientes en función de los acontecimientos que conmovieron al país después de septiembre de 2001; en consecuencia, el ostracismo y el acosamiento –como el recibido por Fadi en la escuela donde asiste- constituyen la respuesta natural que reciben estos nuevos inmigrantes.

A pesar de todos los infortunios, Dabis evita cargar las tintas y de ese modo en lugar de lo que podría haber desbordado en un sufriente relato melodramático, el público contempla un documento sobrio y realista sazonado con un humor natural que evita cualquier nota depresiva. Eso se debe en gran parte a que la directora ha dotado al personaje de Mouna con una perseverancia, dinamismo y simpatía a toda prueba y que merece la admiración del público que sigue sus pasos; no solamente se trata de una “madre coraje” decidida a luchar por su hijo, sino también dispuesta a actuar con fervor y optimismo para superar los inconvenientes que se le interponen en el camino.

La directora trata igualmente de brindar calidez a su relato con escenas donde la familia reunida celebra la cultura árabe en tierra americana. También la autora demuestra que a despecho de los sentimientos xenofóbicos americanos, siempre existe gente dispuesta a ayudarles; eso acontece con los compañeros de trabajo del restaurante donde Mona está empleada, como también con el director del colegio (Joseph Ziegler) de su hijo quien le brinda tanto a Fadi como a su madre el apoyo moral necesario para no claudicar.

El film no pretende ni ofrece soluciones a los problemas expuestos; sin embargo, con su final abierto, el espectador puede asumir que a estos inmigrantes les aguarda un futuro mejor del que hasta ahora han experimentado. Con un elenco completamente irreprochable es importante destacar la excelente caracterización que Nisreen Faour logra de su personaje; ella es el factor motriz del relato dado que con simpatía e irresistible vitalidad ilumina la pantalla con su canto a la vida, dotándole de hondo contenido humano.
PPP

L’ARMÉE DU CRIME. Francia, 2009. Un film de Robert Guediguian
Aunque sin llegar al clásico El Ejército de las sombras de Jean Pierre Melville, este film de Robert Guediguian tiene la suficiente solidez para conformar un inteligente drama histórico. Rememorando un episodio de la Segunda Guerra, el relato se centra en grupo de resistentes liderado por el poeta armenio Missak Manouchian e integrado por jóvenes judíos y otros extranjeros viviendo en París durante el período de ocupación alemana. Este movimiento tenía como meta luchar contra la fuerza opresora del ejército alemán a fin de liberar a Francia de la ocupación alemana.

Basado en auténtica documentación de hechos reales sobre el grupo Manouchian, esta “armada del crimen” -tal cómo la bautizó el régimen nazi-, adquiere vida en la pantalla aunque con algunas licencias que Guediguian prefirió realizar para que su narración pudiera funcionar a través de un relato de ficción.

Con casi una veintena de personajes e historias secundarias en torno de los mismos, el film a pesar de exceder las dos horas de duración no se hace sentir y constituye un sincero homenaje que el director tributa a este grupo de heroicos combatientes. Con un impecable elenco encabezado por Simon Abkarian, Virginie Ledoyen, Jean-Pierre Darroussin y Ariane Ascaride entre otros, el film proporciona al espectador la oportunidad de ilustrarlo sobre una página poco conocida vivida en los oscuros años del gobierno colaboracionista de Vichy.
PPP

A CHRISTMAS CAROL. Estados Unidos, 2009. Un film de Robert Zemeckis
El clásico de Charles Dickens A Christmas Carol que transcurre en Londres a mediados del siglo 19 durante el período navideño, es llevado nuevamente a la pantalla por parte del realizador Robert Zemeckis. Además de haber sido filmado en 3D, el realizador resolvió innovar la presentación del relato aplicando la moderna tecnología “Motion Capture” (Captura de Movimientos) que ya la había utilizado con “Polar Express”(2004). Como es sabido, esta técnica permite que la actuación en vivo de los actores, sin alteración de sus voces, sea transmitida a los personajes digitalizados; de este modo aunque las imágenes no responden a las tradicionales de un dibujo animado, tampoco se asemejan a las de un film de acción en vivo.

En cuanto al contenido del film en sí mismo, el público tiene la oportunidad de volver a encontrarse con el excelente escritor británico a través del guión preparado por el realizador y que es muy fiel a la novela original concebida en 1843. El personaje central es el viejo Ebenezer Scrooge, un hombre misántropo, cascarrabias, avaro, egoísta con el único empleado que tiene, y además un antisocial que descarta el espíritu de las fiestas de Navidad. El tono de fantasía que adopta el cuento surge cuando Scrooge se enfrenta con tres fantasmas especiales que, en forma separada, le demuestran las consecuencias de sus actos pasados, su crítico comportamiento presente y cómo se verá en el futuro si no llega a cambiar de actitud. A la postre, los tres espectros logran que este antihéroe habiendo adquirido conciencia de sus errores, se transforme en un ser sensible y humano, adoptando una conducta generosa con la gente humilde que celebra la navidad.
Sin duda, se trata de un cuento moralista con redención incluida cuyo contenido tiene vigencia universal y es por eso que el libro alcanzó una popularidad inigualada, adquiriendo para el período de las fiestas especial resonancia.

Jim Carrey transmite su gran ductilidad de actor tanto en el personaje principal como en los espectros que le toca caracterizar, estando rodeado por un muy buen elenco de actores como lo son Colin Firth, Gary Oldman, Robin Wright Penn, Michael J. Fox y Bob Hoskins.

Aunque la presente versión no sea la mejor de todas las apreciadas en cine, el film de Zemeckis satisface ampliamente. Quizá se podrá objetar que la animación de los rostros de los actores a través de la tecnología utilizada no transmita toda la emoción o expresividad deseada, pero eso no influye mayormente para socavar los valores del film. Por el contrario, está muy bien dirigido, goza de un esplendor visual inobjetable y si se lo aprecia, como fue en mi caso, en la gigantesca pantalla IMAX con el efecto de la tercera dimensión, el resultado es gratificante; así, las imágenes cristalinas combinadas con los efectos del excelente sonido digital y un campo de vasta amplitud visual, contribuyen a que el espectador se entremezcle con los personajes de Dickens y sea transportado en un atractivo viaje hacia el pasado.

En resumen, se está frente a un buen film destinado a grandes y chicos igualmente, donde nadie quedará defraudado.
PP¾
LA DONATION. Canada, 2009. Un film escrito y dirigido por Bernard Emond
El veterano realizador Bernard Ëmond completa con La Donation su trilogía iniciada con La Neuvaine y continuada con Contre toute espérance abordando los valores cristianos de la fe, esperanza y caridad.

En este tercer capítulo de la serie, Émond narra una historia que le pertenece en torno del ejercicio de la medicina efectuado con dedicación, amor y generosidad. Con el enfoque humano que caracteriza a su cine, el realizador presenta el caso de Yves Rainville, un anciano médico que destinó 40 años de su vida ejerciendo la profesión en un apartado pueblo del norte de Quebec, siendo muy querido por su gente. Deseando tomarse un descanso temporario encuentra en la Dra. Jeanne Dion, a la persona ideal para atender a su clientela. Esta mujer de mediana edad deseaba dejar por un tiempo la atención médica de la ciudad, un tanto impersonal, para experimentar un contacto más directo con los enfermos de la pequeña comunidad. Émond describe muy bien cómo la doctora se involucra emocionalmente en los distintos casos que debe atender, haciéndola dudar sobre su voluntad de permanecer en el cargo definitivamente.

Élise Guilbault despierta admiración como la médica que debe disimular en sus expresiones la vulnerabilidad que siente interiormente frente a cada paciente. No menos destacable es la caracterización que Jacques Godin realiza como el viejo médico enfermo que debe enfrentar su propia mortalidad. Entre los valores de producción cabe destacar la sobria fotografía de Sara Mishara así como la sosegada música de Robert Marcel Lepage que se adapta adecuadamente a la naturaleza del relato.

Pausada pero de ninguna manera lenta, la película transmite paz interior y un hondo contenido espiritual cómo pocos filmes acostumbran a hacerlo en la época actual.
PPP

AN EDUCATION. Gran Bretaña, 2009. Un film de Lone Sherfig
De Lone Scherfig,la realizadora danesa que brindara la deliciosa comedia “Italian for Beginners” (2000), llega ahora un film que analiza con suma delicadeza la relación entablada entre una adolescente estudiante con un hombre de presencia agradable y seductora que la dobla en edad.

El relato que transcurre en uno de los suburbios de Londres en 1961 se centraliza en Jenny (Carey Mulligan), una joven de 16 años perteneciente a un hogar de clase media que se destaca en sus estudios de enseñanza media debido a su capacidad y esmero; estimulada por su padre sobre protector (Alfred Molina) y su comprensiva madre (Cara Seymour), la chica se prepara para postular a la prestigiosa universidad de Oxford para proseguir sus estudios superiores.

Cansada de vivir una adolescencia rutinaria, Jenny aspira a convertirse pronto en adulta para lograr su independencia. Sin imaginarlo, su situación habrá de cambiar en ocasión de conocer a David (Peter Sarsgaard), un hombre de treinta y tantos años de edad quien con su comportamiento caballeresco logra rápidamente conquistar a la chica al igual que a sus padres.

Uno de los aspectos que distinguen al film es el modo en que se desenvuelve el romance entre Jenny y David, donde él respeta la decisión de la virginal chica de no consumar la relación sentimental hasta que cumpla los 17 años. Entretanto, David introduce a su novia en un mundo excitante que incluye la asistencia a conciertos de música clásica, clubes de jazz, sofisticadas veladas nocturnas y otros lugares diferentes que ella desconocía hasta ese entonces; de algún modo, Jenny va adquiriendo de David una “educación de la vida” que resulta diferente de la obtenida en sus clases escolares.

Si bien, la esencia del relato es captar la vida interior de una estudiante inteligente cuya inesperada relación sentimental influirá en la decisión que deba tomar con respecto a sus estudios universitarios, Sherfig no deja de lado la descripción de las costumbres sociales de la época, un período en donde el feminismo aún no se había establecido y en donde prevalecían valores culturales y sociales que habrían de cambiar radicalmente algunos años después. Así, el comportamiento de los estratos de la clase media londinense, con sus prejuicios y racismo encubiertos, así como el análisis de un proceso educacional sobre lo que un estudiante puede aguardar del mismo con respecto a su futuro, son algunas de las consideraciones abordadas por el esmerado guión de Nick Hornby y de los ingeniosos diálogos que lo integran.

Las muy buenas actuaciones de Mulligan y Sarsgaard, así como las de Molina y Emma Thompson en papeles de apoyo, contribuyen a realzar los valores de este film meticulosamente realizado y que ofrece considerable entretenimiento.
PPP ½

11.11.09

Música

LMMC

La organización musical Ladies Morning Musical Club (LMMC) presentará al trío integrado por el pianista Jean-Claude Pennetier, el violinista Régis Pasquier y el violoncelista Roland Pidoux. Estos tres músicos franceses interpretarán el Trío para Piano K. 542 de Mozart, el Trío Op. 24 de Michel Merlet, y el Trío para Piano Op. 1 No..3 de Beethoven.

El concierto tiene lugar el 15 de noviembre en el auditorio Pollack a las 15h30. El sitio de internet es
http://www.lmmc.ca/


FESTIVAL DE MUSICA DE CAMARA DE MONTREAL

En colaboración con el Consulado de Austria de Montreal, el Festival de música de cámara de Montreal presentará el 16 de noviembre a las 20h un concierto gratuito en ocasión de la conmemoración del bicentenario de la muerte de Joseph Haydn (1809-2009) con la presentación del Haydn Trío Eisenstadt. El programa comprende los Tríos Hob. XVI : 27 y 29 de Haydn y el Trío No.2 Op. 100 de Schubert.

El concierto tiene lugar en el Conservatorio de Música de Montreal en 4750, Henri-Julien. Para información adicional, el número de teléfono es (514) 489.7444

OSM

La Orquesta Sinfónica de Montreal presentará al prodigioso pianista Lang Lang en dos oportunidades.

El 17 y 18 de Noviembre a las 20h en la sala Wilfrid-Pelletier ejecutará el Concierto No. 3 de Prokofiev bajo la dirección del director estadounidense Andrew Litton; también en el programa se incluye la Suite Romeo y Julieta del mismo compositor y Et j’ai repris la route de Michel Longtin.

El joven pianista retorna 22 de noviembre a las 14h30 en la sala del teatro Maisonneuve ofreciendo un recital que incluye obras maestras del repertorio pianístico, entre las mismas, Iberia de Albeniz, la Sonata No.7 de Prokofiev y la Sonata “Appasionata” de Beethoven. El sitio de la OSM es
http://www.osm.ca/

MUSICAMERATA

Musica Camerata, considerado el primer conjunto de música de cámara de Canadá, inicia su cuadragésima temporada con un programa integrado por el Trío Op.97 “Archiduque” de Beethoven y el Trío Op. 65 de Dvorak. Los músicos para la presente ocasión son la pianista Berta Rosenohl, la violoncelista Mariève Bock y el violinista Luis Grinhauz quien es también el director artístico de la agrupación.

El concierto tiene lugar el 21 de noviembre a las 20h.00 en el auditorio Redpath de la Universidad McGill. El sitio de internet es
http://www.camerata.ca/

OM

Tres obras importantes de la música francesa del siglo XX serán ofrecidas por la Orquesta Metropolitana el 22 de noviembre a las 16h00 en la sala Wilfrid-Pelletier. Bajo la dirección de Yannick Nézet-Séguin, la orquesta ejecutará Ma Mère l’Oye, ballet de Maurice Ravel, el Concierto para Piano de Francis Poulenc con la solista canadiense Angela Cheng y La tragedia de Salomé op 50, suite para gran orquesta del ballet de Florent Schmitt.

La OM se asocia a la UNICEF para el festejo del vigésimo aniversario de la Convención Internacional de los Derechos del Niño de la Naciones Unidas. Para esta ocasión, los Pequeños Cantores de Mont-Royal bajo la dirección de Gibert Patenaude interpretarán la obra Berceuse, l’Hymne de l’Unicef del compositor Steve Barakatt.


Información adicional puede obtenerse en el sitio www.orchestremetropolitain.com

Eventos

LAUGH OUT LOUD

En una única velada, los cines Banque Scotia Montreal y Cineplex Odeon Brossard de la empresa Cineplex Divertissement presentarán el 19 de noviembre a las 19h00 el espectáculo de humor LAUGH OUT LOUD. Cuenta con la participación del legendario humorista Brad Garrett. Joe Piscopo es el invitado especial de la velada animada por Alan Park.

Este espectáculo ha sido grabado en alta definición en ocasión del festival de la risa Laugh Out Loud (LOL) de Sudbury en la provincia de Ontario (Cinefest Sudbury) en 2007.

Las entradas se venden en la boletería de los mencionados cines y también son ofrecidas en línea acudiendo a
www.cineplex.com/evenements . Información adicional se puede obtener visitando www.cineplex.com/evenements.

ICHI
Cineplex Divertissement presentará por una sola vez el film japonés ICHI que fue objeto de reconocimiento crítico en varios festivales donde ha sido presentado y que no fue estrenado en Canadá.
El film es dirigido por Fumihiko Sori quien ha sido el realizador del film de animación Vexille (2007) y de Ping Pong (2002) por el cual obtuvo el premio al mejor realizador del año por parte de la Academia de Artes y Ciencias del Cine de Japón.La popular intérprete del cine y la televisión japonesa Haruka Ayase anima a Ichi, una mujer ciega que es experta en el manejo de la espada y que deambula por diferentes pueblos tratando de encontrar a su padre. Cuando en una de las aldeas dos clanes adversos se apoderan de la misma, ella debe desplegar su maestría de buena espadachín a fin de salvar a sus habitantes.La proyección tendrá lugar el 26 de noviembre a las 19h00 en una de las salas del complejo Banque Scotia Montreal.

Las entradas pueden adquirirse en la boletería del Banque Scotia Montreal o a través de la internet en www.cineplex.com/evenements





6.11.09

DVDs RECIENTEMENTE PUBLICADOS

Comentarios de Jorge Gutman

IL DIVO. De Paolo Sorrentino
Este drama de Paolo Sorrentino enfoca a Giulio Andreotti, una de las figuras de mayor gravitación en la vida política de Italia quien ha sido su primer ministro en 7 oportunidades y además es senador vitalicio de su país.

El retrato que se hace en este relato dista de ser complaciente al remarcar su naturaleza ambigua y poseedor de una doble personalidad. Por un lado se tiene la impresión de contemplar a un hombre carismático y agradable, en tanto que por otra parte Sorrentino lo muestra como un político maquiavélico, salpicado de corrupción, así como un personaje sospechoso de haber estado vinculado con la Mafia y con el asesinato del periodista Mino Pecorelli.

El relato demasiado ampuloso y de exagerada verborragia, da por sentado que el público común conoce a fondo los detalles de la vida política de Italia; para el neófito en la materia, resulta dificultoso seguir adecuadamente el devenir de los acontecimientos.
La actuación de Tony Servillo constituye el elemento más destacable del film quien caracterizando a Andreotti logra una muy buena pintura de su persona al transmitir convincentemente su ambigüedad y complejidad psicológica. El DVD se presenta en su versión original italiana con subtítulos en francés o inglés.

ADORATION. De Atom Egoyan
Con su inconfundible estilo de evitar la linealidad del relato, el realizador Atom Egoyan preparó en ADORATION un guión donde en su comienzo los detalles brindados aparecen como sueltos e inconexos; sin embargo, a medida que prospera el metraje comienzan a surgir las pistas necesarias para ir cubriendo las piezas faltantes del rompecabezas propuesto.

Egoyan aborda el tema de los medios de comunicación y el modo en que la tecnología moderna va repercutiendo en la formación de la identidad individual. Basado en un artículo periodístico publicado en 1986 sobre un hombre que colocó una bomba en la valija de su mujer embarazada que se aprestaba a abordar un avión de la línea aérea El-Al, el guión presenta el caso de un adolescente traumatizado (Devon Bostick) por la muerte de sus padres ocurrida en su infancia; al preparar un trabajo solicitado por una profesora (Arsinée Khanjian) de su escuela, va reinventando su vida al revelar que su padre fue un terrorista. Cuando su tarea llega a ser difundida por la red de la internet, su lectura despierta vivas reacciones a través del mundo.

La breve sinopsis puede resultar engañosa en su primera lectura, pero en todo caso el relato estructurado en forma fragmentada se presta para un apasionante intercambio de ideas sobre el avasallante poder de la tecnología y la forma de haber modificado radicalmente nuestra forma de actuar y pensar.

Transitando por el resbaladizo sendero de la realidad (verdad) y fantasía (mentira), el tema central del relato se ve enriquecido al considerar algunos de los problemas que conmocionan al mundo actual, como el fanatismo religioso y el terrorismo.

Para quienes no hayan visto la película en oportunidad de su estreno, tienen ahora la posibilidad de hacerlo con la aparición del DVD; así podrán apreciar una obra de vibrante contenido espiritual y de profunda reflexión sobre la comunicación humana de hoy día donde la tecnología moderna puede llegar a saturar e invadir la intimidad del individuo.
Entre los varios extras contenidos en el DVD figuran escenas que fueron eliminadas en oportunidad del montaje, una entrevista con Egoyan abordando el tema central de la historia, el proceso de rodaje, etc.

La banda sonora es en inglés y francés con subtítulos opcionales en inglés

4.11.09

DVDs RECIENTEMENTE PUBLICADOS

Comentarios de Jorge Gutman


WHATEVER WORKS. Estados Unidos, 2008. Un film escrito y dirigido por Woody Allen

Después de una ausencia de varios años de su querida Nueva York y de haber rodado 4 películas en Europa, Woody Allen retorna a sus pagos con una comedia en la cual recicla viejas ideas que fueron planteadas a lo largo de su filmografía. Según las notas de prensa, el guión data de los años 70 con la idea de que Zero Mostel encabezaría el reparto, pero su muerte hizo que el proyecto no se concretara hasta la fecha. De lo que se aprecia en este film, no hay nada que justifique haber sido filmado.
Con todo el respeto que el director me merece, WHATEVER WORKS desilusiona; no se trata de un film malo, pero sí es un film mediocre que no llega a satisfacer lo que se aguarda de Allen; después de “Vicky Cristina Barcelona”, que sin ser una comedia excepcional al menos tiene gracia y frescura, esta película asoma como desdibujada y sin mayor aliento.
En esencia, el relato se refiere a las peripecias que atraviesa un misántropo sexagenario que no se encuentra confortable con la sociedad que lo rodea. El personaje es Boris Yellnikoff (Larry David) quien es dueño de una verborragia que a veces llega a fatigar y de un comportamiento francamente desagradable. Boris se cree superior a todo el mundo, no hay nada que le resulte satisfactorio y logra ventilar sus frustraciones criticando el universo caótico en que le toca vivir; detesta al género humano al que considera estúpido, corrupto y carente de aspiraciones y, además, como ateo recalcitrante manifiesta un profundo rechazo hacia cualquier fe religiosa. Habiendo sido un célebre físico, y que por poco –según él- no llegó a obtener el premio Nóbel de su especialidad, su vida personal no ha sido muy sosegada; así después de de un intento de suicidio que lo ha dejado cojo, Boris se divorcia de su rica mujer (Carolyn McCormick), y se muda del suntuoso departamento donde habitaba en un distrito residencial de Manhattan a otro completamente venido a menos ubicado cerca del barrio chino.
Como jubilado, además de reunirse con sus amigos que no tienen otro remedio que tolerar sus exabruptos, distrae parte de su tiempo enseñando ajedrez a niños tratándolos con desconsideración y desprecio.
Su vida cambia radicalmente cuando acepta ofrecerle alojamiento temporal a Melody (Evan Rachel Wood) una hermosa chica de 20 años que abandonó el hogar de sus padres en el sur de Estados Unidos para tentar suerte en Nueva York. Sin embargo, Melody prolonga su estadía y con el paso de los días Boris se convierte en una suerte de tutor de esa muñequita de cabeza hueca a la que poco a poco la va formando y moldeando hacia maneras y comportamientos más refinados.
Presentado en Blu-ray y en DVD, la actual edición carece de suplementos.

UN CONTE DE NÖEL (A CHRISTMAS TALE). De Arnaud Desplechin
La familia disfuncional “a la francesa” está muy bien ilustrada en este film del realizador francés Arnaud Desplechin. Con un sólido y nutrido elenco que incluye entre otros nombres los de Catherine Denueve, Mathieu Amaric, Emmanuelle Devos y Chiara Mastroianni, su tragicómico relato se circunscribe a una excéntrica y extendida familia, con varias historias que se van entretejiendo entre sus miembros y que culminan durante las fiestas navideñas cuando todos ellos se reúnen para la ocasión. Las complejas interrelaciones de sus personajes exponiendo los raros comportamientos que asume la conducta humana frente a situaciones difíciles, constituye la razón de ser de este fascinante film coral. La banda audio es en francés con subtítulos opcionales en inglés y no contiene extras.


ICE AGE 3: DAWN OF THE DINOUSAURS. De Carlos Saldanha.
Más afortunada que las dos primeras películas de esta serie de dibujos animados que transcurre en la época glacial de la prehistoria, este tercer capítulo está realzado por el empleo de 3-D lo que permite mejorar su presentación y conferirle mayor atracción. Para el público adulto, el film experimenta la gran desventaja de ser cotejado con el reciente estreno de “UP” que por su excepcional calidad y gran ingeniosidad no admite comparación. Pero la población menuda, más dispuesta a entretenerse que a recordar lo que ya ha visto, saldrá satisfecha con las aventuras del temperamental mamut de Manny y sus amigos, entre ellos, el diente de sables de Diego, y Sid el oso perezoso.

En la presente edición Manny (con la voz de Ray Romano) ve despertado su instinto paternal y por eso es que está muy atento cuidando a su compañera Ellie (Queen Latifah) que está embarazada en la espera del primer hijo. Por su parte, Diego (Denis Leary) está preocupado al creer que la tranquilidad doméstica que lo rodea ha ido debilitando sus instintos y haber perdido la capacidad de cazar de otras épocas por habérsele escapado un ciervo que se burlaba de él. Para Sid (John Leguizamo) ha llegado la hora de pensar en formar su propia familia; así, cuando después de haber cuidado tres enormes huevos descubiertos en una caverna, comprueba que al descascarase emergen tres bebés dinosaurios bebés, él decide adoptarlos; el gran problema surge cuando la celosa mamá de los pequeños -nada menos que un gigantesco dinosaurio- decide rescatar a sus hijos sembrando el caos y llevándose a Sid a su mundo subterráneo, debajo de la helada tundra. Es allí que comienza la gran aventura, cuando sus amigos junto a Buck (Simmon Pegg) -una bravucona comadreja con un solo ojo- se proponen encontrar y rescatar a Sid de la difícil situación en que se halla.

El relato no es pródigo en imaginación o inventiva dando la impresión de asistir a algo ya visto. Con todo, lo que se aprecia es la buena animación digital lograda, la galería simpática de animalitos participantes -incluyendo el retorno de la ardilla masculina Scrat (Chris Wedge) que aquí viene en compañía de su pareja femenina Scratte (Karen Disher)- y las impecables voces de los actores.

En síntesis, más allá del juicio que pueda merecer a un adulto y sin ser nada especialmente excitante, el film distrae sanamente a los pequeños por espacio de hora y media y eso es lo que cuenta.
Presentado en formato Blu-Ray y en DVD, cuenta con numerosos suplementos, como el comentario del realizado, proceso de producción,numerosos cortos de dibujos animados con los personajes del film y algunas escenas eliminadas. Cabe destacar que el formato Blu-Ray incluye una copia digital para la computadora. La banda audio es en francés, inglés y español, con subtítulos en español y en inglés.

CINE EN LA PLAZA

Comentarios de Jorge Gutman

LA TETA ASUSTADA. Perú-España, 2009. Un film de Claudia Llosa
Claudia Llosa confirma en éste su segundo film la buena impresión que causara su ópera prima “Made in Usa”, convirtiéndose así en una de las pocas realizadoras femeninas de prestigio en América Latina. El título del film alude al síndrome de “la teta asustada”, una enfermedad transmitida con la leche materna como consecuencia de la violación cometida a mujeres en estado de gravidez por la guerrilla que azotó a Perú hace dos décadas.

En ningún momento el público tiene ocasión de presenciar los crímenes cometidos durante el período de álgida violencia ni tampoco se menciona por su nombre a “Sendero Luminoso”, aunque no hay duda alguna sobre la identidad del movimiento terrorista.

El relato se centra en Fausta (Magaly Solier), una joven introvertida y traumatizada al haber sido amamantada por su madre campesina, una de las víctimas violadas por la guerrilla durante el período en que la estaba gestando en su vientre. Viviendo con su tío en uno de los barrios más pobres y marginales de Lima, esta joven acaba de perder a su progenitora y su obsesión es conseguir el dinero necesario para poder trasladar su cadáver a la aldea donde nació. No es necesario brindar información adicional sobre la historia que sigue porque lo más importante del film es precisamente describir la personalidad de Fausta; en tal sentido la directora ha logrado un retrato excelente de este personaje.

Con un ritmo lento pero seguro, se siguen los pasos de esta chica completamente ensimismada y perturbada que apenas alcanza a expresarse con cierta claridad. Pero lo importante es que ahí están presentes la aprehensión, dolor y temor de poder ser violada algún día repitiendo la experiencia de su madre; de allí que resulte significativo el hecho de que ella trate de protegerse introduciendo una papa en su vagina para impedir cualquier violencia sexual.

A través de largas y logradas tomas, uno de los méritos del film radica en sus valores etnográficos donde Llosa realiza un minucioso estudio de la cultura indígena y de los valores asociados con una sociedad diferente donde prevalecen mitos, supersticiones, temores, dentro del contexto de una pobreza secular que no ofrece posibilidades de grandes cambios.

La realizadora prefiere una aproximación contenida para ilustrar su relato donde las emociones no se traslucen fácilmente; con todo Solier –a pesar de su controlada actuación- es capaz de transmitir el trauma interno de Fausta a través de una composición que aunque no deslumbre exteriormente, llega a brindar la sutilidad y riqueza de un personaje problemático y complejo.

En resumen, se trata de una delicada historia donde predomina una completa autenticidad –gran parte del film es hablado en quechua- y en el que una atmósfera de mágico realismo enriquece aún más la singular belleza de este noble film.
Para concluir cabe mencionar que esta película obtuvo el máximo premio en la última edición del festival de Berlín.
PPP

A SERIOUS MAN. Estados Unidos, 2009. Un film escrito y dirigido por Joel y Ethan Coen
El último film de los hermanos Coen es probablemente el mejor desde “Fargo”. Se trata de un trabajo original, excelentemente hecho y cuyo tema obliga a reflexionar abriendo paso a la discusión.

Comenzando con un prólogo que transcurre hace más de 100 años en un pueblo judío de Polonia, sus 7 minutos dialogados en idish –con subtítulos en inglés- no tiene vinculación directa con lo que vendrá después, salvo el de establecer el tono sobre algunas referencias y creencias de la religión judía que se aprecian en el relato central.

El film que según las notas de prensa tiene un carácter parcialmente autobiográfico, transcurre en Minneapolis, donde sus autores nacieron, vieron transcurrir sus años de infancia y se embebieron de la subcultura judía imperante en el medio oeste de Estados Unidos.

El año es 1967. En un tranquilo barrio residencial habita Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg), un hombre pacífico de mediana edad y buen padre de familia cuya existencia, en principio, transcurre sin mayores problemas. Se desempeña como profesor de física en una pequeña universidad local, profesa la fe judía y en tal condición cree ser un buen servidor de Dios al guiar sus actos por una senda de seriedad y honestidad.

De repente, todas las calamidades parecen caerle encima, donde su apacible existencia llega a convertirse en poco menos que un infierno terrenal. En el aspecto profesional, sufre el chantaje de un alumno coreano (David Kang) que fracasó en su curso y que pretende coimearlo dejándole en un sobre una suma de dinero; además, la renovación de su cátedra se encuentra amenazada frente a mensajes anónimos denigrantes que lo atacan sin que él sepa la razón.

En su vida personal, las cosas no marchan mejor. Sin haberlo previsto, su mujer (Sari Lennick) le pide el divorcio para casarse con un hombre viudo que es amigo de la familia (Fred Melamed) y por añadidura lo obliga a mudarse de su casa; su excéntrico hermano soltero (Richard Kind), que vive con la familia durmiendo en un sofá por largo tiempo, le acarrea problemas con la policía al participar en juegos ilegales; su hijo (Aaron Wolff) se apropia de su tarjeta de créditos para comprar discos, y además hay cierta tensión normal frente a los preparativos de la próxima celebración de su bar mitzva; su hija (Jessica McManus), por su parte, también le sustrae dinero de su billetera para destinarlo a una cirugía estética de su nariz.

Lo que comienza como una comedia costumbrista, lentamente va cambiando de tono adoptando un carácter de farsa realista con tintes de humor negro, a medida que el relato va planteando complejos problemas vinculados con la identidad judía, la trascendencia y sentido de la existencia y mortalidad humana, los actos que un hombre correcto cree realizar para satisfacer a Dios y qué es lo que por su parte puede esperar del mismo. Cuando Larry comprueba que no puede remediar su angustia existencial, acude a la ayuda de tres rabinos donde dos de los mismos no le ofrecen respuesta alguna a sus malestares emocionales y el tercero no lo puede atender porque está muy ocupado al estar absorto con sus “pensamientos”; esas escenas ciertamente constituyen una crítica mordaz que los Coen realizan a los emisarios espirituales de la religión judía al exponer sus contradicciones y veladas hipocresías.

Todo el relato transcurre en un tono liviano, lo que no excluye la arista amarga de su personaje central y la conmiseración que despierta con su rostro patéticamente infeliz.

El desenlace del film, que no presagia un porvenir venturoso para Larry, deja abierta la duda que anima al film. ¿Es posible que todos los infortunios le caigan a un hombre serio, de irreprochable conducta y dispuesto a hacer el bien? La respuesta está a cargo de cada espectador de acuerdo con sus creencias y convicciones en materia de fe y religión.

Como el elenco está interpretado por actores prácticamente desconocidos, su actuación contribuye a lograr un mayor realismo a los diferentes personajes. Eso se complementa con la participación de una verdadera comunidad judía que le brinda legítima autenticidad al clima cultural en que transcurre la acción.

En resumen, el espectador se encuentra frente a una historia atípica, que a veces despierta perplejidad y desconcierto pero que en ningún momento deja lugar a dudas de que se trata de un film de extraordinaria riqueza imaginativa que cuestiona y permite reflexionar, y que reafirma una vez más que los hermanos Cohen son auténticos hombres serios de la cinematografía universal.
PPP½

UN ANGE À LA MER. Belgica-Canadá, 2009. Un film de Fréderic Dumont
Este primer film del documentalista belga Fréderic Dumont dista de satisfacer más allá de sus buenas intenciones en explorar los abusos infantiles. Con una premisa que en principio parece interesante pero con una ejecución poco efectiva más un guión completamente caprichoso, no resulta extraño que el film sea mediocre.
La acción que tiene lugar en Marruecos presenta el caso de Bruno, un hombre que trabaja en ese país para una organización no gubernamental sin fines de lucro; casado y padre de dos hijos, la agradable atmósfera familiar de las primeras escenas contrasta con la sorpresa de presenciar a un individuo maníaco-depresivo que se encierra en su oficina y llama a su hijo menor Louis de 12 años para confiarle un terrible secreto. El resto del film transcurre en un clima opresivo y como el relato está narrado desde la visión de ese niño, lo que se aprecia es la angustia psicológica que le sobreviene por el esfuerzo de guardar ese secreto. En todo caso, Dumont no pudo o no supo brindar al relato la tensión o el suspenso necesario para concentrar la atención; más aún, lo que ocurre en el resto del film no tiene mayor trascendencia y además el relato se torna monótono y poco coherente.
A nivel de actuación, no hay mayor objeción. La intervención del niño Martin Nissen es muy buena, Olivier Gourmet como el padre no desluce y Anne Consigny como la madre se desempeña correctamente. Si en algunos otros filmes, el nivel de interpretación puede disimular las carencias del relato, aquí los actores poco pueden hacer para superar sus limitaciones.
P

LES DAMES EN BLEU. Canada, 2009. Un film de Claude Demers
Desde 1956 en que comenzó su carrera artística al servicio de la canción popular, Michel Louvain se convirtió en uno de los primeros cantantes populares de Quebec, especialmente entre el público femenino. Naturalmente, su fama no puede compararse con la de Céline Dion, pero de todos modos y con más de 50 años de labor profesional, aún hoy día sigue siendo un crooner muy querido por los canadienses francófonos.

Teniendo en cuenta lo que antecede, el documentalista Claude Demers resolvió hacer un film sobre Louvain aunque él no sea precisamente el foco del mismo, sino que por el contrario trató de dirigir su atención en quienes han pasado gran parte de su vida admirándolo con veneración. Para lograr su propósito decidió publicar un aviso en un periódico de Montreal tratando de ubicar a los fanáticos del artista; el resultado fue que entre más de 200 personas que respondieron a dicha convocatoria, llegó a seleccionar a 5 mujeres que fueron fieles seguidoras del cantante y que hoy día no guardan gran diferencia de edad con los 72 años que tiene Louvain.

A pesar de que la premisa del documental pueda parecer endeble, el resultado es favorable. Ninguna de las cinco damas elegidas guardan aprehensión o pudor alguno para manifestar detalles muy personales sobre cómo Louvain gravitó en sus vidas. Con gran calidez y genuina sinceridad, surgen de sus declaraciones ciertas intimidades que llegan a asombrar en la medida que uno se resiste a aceptar la realidad de que una personalidad artística pueda ejercer una influencia tan marcada en estas damas hasta convertirse en obsesión. No es el caso de entrar a relatar las “confesiones” de cada una de ellas, salvo señalar que sus experiencias resultan interesantes de escuchar y que Demers aprovechó el material obtenido ofreciendo un relato gratificador, a pesar de que en algunos momentos se torna repetitivo.

Una parte mínima del film enfoca al artista, quien con su naturaleza afable, campechana, servicial y carismática despliega una simpatía natural que le permite seguir conquistando a su público; en tal sentido habrá de tenerse en cuenta que en gran parte, el éxito de Louvain se debe a su repertorio exitoso que incluye, entre otras celebradas canciones, “Buenas noches mi amor”, “Auprès de ton coeur” y “La dame en bleu”.

Mientras uno contempla el documental, persiste el insoluble misterio de cómo un artista popular puede generar por parte de sus fanáticos, un estado de irracional obsesión y ciega idolatría, a través del culto a la celebridad. Claro está que eso podría constituir el tema para otro film diferente.
PP½

THE COLLECTOR. Estados Unidos, 2009. Un film de Marcus Dunstan
Posiblemente The Collector tenga el triste honor de figurar en la lista de los peores filmes de horror que el cine haya producido. El responsable de este desperdicio es Marcos Dunstan quien debuta como director después de haberse especializado en escribir guiones del género en donde no hay mucho para rescatar. Si acaso el film simplemente cayese al nivel de ridículo por su trama o falta de suspenso, no habría nada de ofensivo; pero en este caso la situación se ve empeorada porque este engendro cae dentro de un nivel pornográfico, a pesar de que ese término está asociado generalmente al sexo aunque bien podría utilizarse aquí por su repugnante violencia.

La incoherente trama escrita por el director y Patrick Melton presenta a un delincuente (Josh Stewart) quien decide perpetrar un robo en la casa de una familia rica donde él presta servicios diversos a fin de conseguir dinero para su ex mujer que se encuentra arrinconada por la mafia. Cuando llega a la mansión comprueba que la misma ha sido invadida por un enmascarado criminal que ha atacado a sus dueños (Michael Reilly Burke, Andrea Roth). De aquí en más, este intruso va descubriendo azorado el modo en que sus empleadores son torturados, en tanto que el público asiste permanentemente a escenas de extrema crueldad que el psicópata ejerce sobre sus víctimas. No hay ninguna explicación que motive la actitud del asesino de “coleccionar” gente; los que más sufren son los desprevenidos espectadores que tienen que estar soportando las acciones de un enloquecido demonio sin que haya alguna consistencia lógica salvo el placer sádico de torturar por torturar. Moraleja de este film nauseabundo es que el ladrón termina convirtiéndose en el héroe dispuesto a salvar a sus empleadores, si acaso algo de vida aún les queda.

Dunstan se “esmeró” para que el film fuese realizado con la mayor torpeza posible de modo que no haya absolutamente nada que pueda rescatarse del mismo. En la función pública a la que asistí, solamente quedó un solo espectador; los restantes dejaron la sala mucho antes que el film concluyera y al así hacerlo, sin duda salieron ganando.
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