23.6.10

CONCIERTOS POPULARES

CONCIERTOS DEL VERANO

Como todos los años durante la estación estival se realizan conciertos populares en el Centro Pierre Charbonneau. Desde finales de junio hasta comienzos de agosto se realizarán 6 conciertos, a saber:

Miércoles 30 de junio (19h30)

Don Giovanni (Versión Concierto). Con la participación de la Orquesta Metropolitana dirigida por el maestro Yannick Nézet-Séguin, con solistas y coro ejecutando la conocida ópera de Mozart.

Miércoles 7 de julio (19h30)

Los Grandes Vieneses. Con la participación de la Sinfonía de Lanaudière bajo la dirección de Stéphane Laforest y la participacilón del violinista Alexandre Da Costa como solista

Miércoles 14 de julio (19h30)

Grandes arias de óperas francesas. El maestro Alain Trudel dirigirá a la Orquesta Metropolitana participando la soprano Marianne Fiset y el tenor Marc Hervieux

Miércoles 21 de julio (19h30)

Jóvenes Virtuosos. Participa la agrupación musical I Musici de Montreal dirigida por el maestro Yuri Turovsky y jóvenes virtuosos.

Miércoles 28 de julio (19h30)

Escala romántica. El Conjunto Appassionata dirigido por Daniel Myssyk y la pianista Anne-Marie Dubois ofrecen un programa de música romántica.

Miércoles 4 de agosto (19h30)

La Trompeta Mágica. Cierra el ciclo la Orquesta Sinfónica de Laval bajo la dirección de Alain Trudel y la trompetista Manon Lafrance.

Los conciertos se realizarán a las 19h30. Información adicional: (514) 899-0644, extensión 202







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Dos obras importantes



London Assurance, César y Cleopatra




Dos importantes obras de teatro serán proyectadas en idioma inglés en las pantallas de algunos teatros de Quebec pertenecientes a la exhibidora Cineplex Divertissement.


Una de ellas es LONDON ASSURANCE, una comedia del autor irlandés Dion Boucicault escrita en 1841 y que fue producida por el National Theatre de Londres. El autor creó dos excelentes roles cómicos que fueron interpretados por Simon Russell Beale y Fiona Shaw. LONDON ASSURANCE que fue filmada en el National Theatre será proyectada el próximo 28 de junio en los teatros Banque Scotia de Montreal, Colisée Kirkland y Cineplex Odeon Brossard a las 18h30 por única vez.

La otra obra que el público podrá juzgar es CESAR Y CLEOPATRA del legendario autor irlandés y premio Nobel de literatura George Bernard Shaw. Filmada durante tres días en el Festival de Stratford que se desarrolla todos los años en esa localidad de la provincia de Ontario, esta ingeniosa comedia cuenta con un excepcional reparto encabezado por Christopher Plummer como César y Nikki James animando a Cleopatra. Esta pieza se proyectará en las salas StarCité, Quartier Latin de Montreal, Colossus Laval, Cineplex Odeon Brossard y Colisée Kirkland, los días 11 a las 19 horas y 14 de Agosto a las 13 horas.

Para información adicional, recurrir al www.cineplex.com/evenements

Nueva difusión de óperas populares

Difusión estival de la serie « Metropolitan Opera »

Cineplex Divertissement presenta durante la presente temporada estival la redifusión de la serie “Metropolitan Opera : en alta definición” permitiendo al público asistente revivir las mejores óperas presentadas en el transcurso de los cuatro últimos años. Además, a fin de que los niños puedan entrar en contacto con el mundo de la opera durante las vacaciones de verano, los menores de 3 a 13 años de edad tienen acceso gratuito a estos espectáculos.
Las cuatro óperas siguientes serán presentadas :

Miércoles 7 de julio (18h30): ROMEO Y JULIETA – La sensual interpretación de Gounod de la inmortal obra de Shakespeare es un vehículo ideal para el lucimiento de la soprano Anna Netrebko y el remarcable tenor Roberto Alagna.es deux apportent leur charme incandescent aux rôles-titres. Mettant également en vedette Plácido Domingo et l’irrésistible Nathan Gunn.

Miércoles 14 de julio (18h30): MADAME BUTTERFLY – La excelente producción del desaparecido realizador Anthony Minghella constituyó un suceso inmediato en ocasión de su presentación por la primera vez durante el transcurso de la temporada 2006-2007 del Met. Patricia Racette interpreta el rol de Butterfly, la joven e inocente geisha, y Marcello Giordani encarna al marino americano Pinkerton.

Miércoles 4 de agosto (18h30): AIDA – Teniendo como telón de fondo a Egipto, Aïda de Verdi es una apasionada historia de amor a la vez que un drama épico con escenas de extraordinaria espectacularidad. Violeta Urmana anima el rol titular de la princesa esclava de Etiopía. Dolora Zajick interpreta a su rival y Johan Botha es Radames, comandante del ejército egipcio. Daniele Gatti dirige la ópera. Entre los momentos culminantes de esta ópera se encuentra la célebra marcha triunfal.

Miércoles 18 de agosto (18h30): CARMEN – Una de las más populares operas de todos los tiempos, Carmen, « es una historia de sexo, violencia, racismo así como su consecuencia lógica: la libertad », ha declarado el director Richard Eyre con motivo de su excepcional puesta en escena del drama de Bizet. Elīna Garanča interpreta por primera vez a la seductora y sensual Carmen en compañía de Roberto Alagna que anima al obsesionado Don José. En otros papeles principales figura Barbara Frittoli que canta el rol de Micaëla y Mariusz Kwiecien como el toreador Escamillo.

Las óperas mencionadas son ofrecidas a precios muy populares y las salas participantes en la región de Montreal y sus alrededores son las siguientes:

Cineplex Odeon Brossard, 9350, boulevard Leduc, Brossard
Colisée Kirkland, 3200, rue Jean Yves, Kirkland
Colossus Laval, 2800, rue du Cosmodôme, Laval
Cineplex Odeon Quartier Latin, 350, rue Émery, Montreal
Star Cité Montréal, 4825, avenu Pierre-de-Coubertin, Montreal

Información adicional puede obtenerse consultando www.cineplex.com/evenements

17.6.10

FUEGOS ARTIFICIALES: PARTIDA OPERÁTICA DE ITALIA

Con notable sincronización entre efectos pirotécnicos y una muy apropiada selección musical, firma Soldi de Italia dio un buen comienzo al tradicional Festival de Fuegos de Artificio de Montreal

Crónica de Sergio Martínez

El acompañamiento musical de la presentación italiana en el Festival de Fuegos Artificiales en La Ronde fue quizás el elemento más novedoso de su presentación en la jornada inaugural del pasado sábado 11 de junio. En efecto, la ópera, por su versatilidad rítmica y temática, que puede ir desde expansivos momentos de exaltación a otros de calmada melancolía se presta muy bien para hacer pareja con las presentaciones pirotécnicas, sin embargo hasta ahora las veces que había estado presente sólo lo había sido con temas aislados, no se había intentado hacer un programa basado exclusivamente en ella. Y por cierto, qué mejor que los cultores de la ópera por excelencia, los italianos, quienes fueran los que dieran el audaz paso de combinar los estallidos y la luminosidad de los fuegos de artificio con emocionantes arias y arrebatadoras oberturas. Es lo que precisamente hizo la firma Soldi, con la que se inauguró la 26ª edición de L’International des Feux Loto-Québec, en el parque de diversiones La Ronde de Montreal.

La presentación pirotécnica empezó con un adecuado juego de luces azuladas que tenía como trasfondo el tema Presto su Mario! de la ópera Tosca de Puccini, lo que fue seguido con fuegos instalados a nivel del agua del Lago de los Castores junto a la música de Ebben andró lontana de la ópera La Wally de Catalani. En otros momentos, más adelante se lanzó un torrente de luminosidad y estallidos con el fondo musical de Vedi le fosche de Il Trovatore de Verdi, mientras hacia el final del espectáculo sin duda la fusión más interesante de los estallidos, la multicolor luminosidad y el brillo de la música se alcanzó al momento que los fuegos se hacían acompañar por el popular tema Libiamo ne’lieti calici de la ópera La Traviata de Verdi. El espectáculo pirotécnico finalizó con los animados compases de Vittoria! de la ópera Macbeth de Verdi.



Sin duda la presentación italiana a cargo de la firma Soldi se ha perfilado como una seria competidora por los galardones de este evento que año a año premia a los mejores despliegues pirotécnicos presentes en Montreal.

El Festival de Fuegos Artificiales continúa este sábado 19 de junio con la participación de Taiwán, seguida el 26 de junio por la Polonia y el 3 de julio por la de Portugal.

Para información más detallada sobre precios y programa ir al sitio web http://www.internationaldesfeuxlotoquebec.com/

16.6.10

DVDs RECIENTEMENTE APARECIDOS

Comentarios de Jorge Gutman


THE MAGIC FLUTE. Un film de Kenneth Branagh

Esta nueva versión de la célebre ópera de Mozart ha sido llevada al cine por el director británico Kenneth Branagh (2006) con un resultado bastante discutible. Más allá del hecho de que el realizador haya decidido ubicar su acción en las trincheras de los campos de batalla durante la Primera Guerra Mundial, cambió también la lengua original alemana por el idioma inglés y mientras la banda de sonido testimonia a los personajes cantando, en la pantalla se los ve silenciosos.
Como espectáculo, a pesar de su grandilocuencia y estar bien montado, no posee la liviandad, frescura y gracia de la ópera original y sobre todo está ausente la magia que uno encuentra en la excelente versión que Ingmar Bergman ofreciera en 1975. A todo ello debe agregarse que la adaptación que Stephen Fry ha efectuado del libreto, reescribiéndolo y abreviando el diálogo que ahora lo es en idioma inglés en lugar del original alemán, no ha sido muy satisfactoria.

El elenco está compuesto por jóvenes cantantes poco conocidos a nivel internacional (Joseph Kaiser, Amy Carson, Benjamin Jay Davis, Silvia Moi, René Pape, Lyubov Petrova) cuyo desempeño es correcto y la música estuvo a cargo de la Orquesta de Cámara de Europa bajo la batuta del maestro James Conlon.

La edición del DVD es en inglés con subtítulos opcionales en inglés o francés.

APOCALYPSE. La 2ème Guerre Mondiale. Documental de Isabelle Clarke y Daniel Costelle

Aunque son innumerables las películas efectuadas sobre la Segunda Guerra Mundial, esta serie documental de Isabelle Clarke y Daniel Costelle está conformada por un extraordinario material de archivo que refleja sin concesión alguna la atrocidad de esta confrontación bélica que sacudió al mundo en el siglo pasado. Ciertamente su título es ilustrativo si se piensa que lo acontecido tiene un carácter apocalíptico porque lo ocurrido fue lo más devastador en la historia de la humanidad.

A través de seis episodios de 52 minutos cada uno, se pasa revista a muchos aspectos inéditos vividos por sus principales protagonistas que fueron los anónimos soldados despersonalizados en los campos de batalla y las desgraciadas poblaciones civiles que fueron diezmadas cruelmente con los ataques y bombardeos comandados por los dirigentes políticos y militares de ambos bandos, o sea los aliados y sus enemigos.

El material de archivo con imágenes en blanco y negro que han sido restauradas en alta definición, ha sido obtenido gracias a la colaboración suministrada por los ejércitos que han participado en la conflagración y por gente amateur de Estados Unidos, Francia, Japon y Rusia. La narración está a cargo del actor francés Mathieu Kassovitz y la música original pertenece al compositor japonés Kenji Kawai. Tal como se señala en la cobertura de su presentación, esta obra constituye una enciclopedia que sirve como referencia tanto para la actual como para las futuras generaciones.

Este valioso documental ha sido editado por Seville y E1 Entertainment en los formatos DVD y Blu-Ray, incluyendo un extraordinario número de extras de aproximadamente dos horas de duración; entre los mismos se incluye entrevistas realizadas por parte de quienes han participado en este trabajo, así como importante documentación filmada por el Établissement de communication et de production audiovisuelle de la Défense (ECPAD) que es un organismo público de naturaleza administrativa perteneciente al Ministerio de la Defensa de Francia.

La banda audio es solamente en francés sin subtítulo alguno.

TETRO. Un film de Francis Ford Coppola

Tal como lo señalara en mi comentario crítico (14 de agosto de 2009), se trata de un film ambicioso donde Coppola toma como referencia a un joven adolescente de origen italiano que llega a la Argentina procedente de Nueva York para tratar de ubicar a su hermano que abandonó hace tiempo a su familia sin dar señales de vida. La relación que se dará en el reencuentro y la figura omnipresente de una autoridad patriarcal que determinó el destino de sus hijos origina un desbordante drama familiar con connotaciones de tragedia griega. Filmado en blanco y negro con ocasionales tonos de color, el relato es atrayente a pesar de ciertos desniveles por su tono excesivamente melodramático. El film ofrece una buena pintura de Buenos Aires a través de la mirada de inmigrantes italianos.

La edición cuenta con un buen número de extras donde se incluye, entre otros, comentarios en audio por parte del director y del actor Alden Ehrenreich, un documental sobre el proceso de ensayo, otro documental filmado en un hospital psiquiátrico de Argentina que lleva como título La Colifata: Siempre Fui Loco y la versión extendida de la pieza Fausto” que se aprecia en el film.
El DVD es presentado en su versión original en inglés y español con doblaje optativo en francés y con subtítulos optativos en español, francés e inglés.

SOEUR SOURIRE. Un film de Stinj Coninx

Esta coproducción franco-belga relata la vida de Jeanine Deckers, una muchacha belga que en la cima de su popularidad llegó a ser conocida como Soeur Sourire; eso aconteció en 1963 cuando se dio a conocer su composición Dominique, cuyo registro discográfico logró una venta de 2 millones de unidades. A través de la visión de Stinj Coninx, se presencia los primeros años de Jeanine como una joven de temperamento fuerte que desea dejar un medio familiar asfixiante con la presencia de un padre poco afable y una madre decididamente rígida que lo único que desea es llegar a casarla. Tratando de equilibrar la religión católica con la creación artística, Jeanine sueña con llegar a África para desempeñarse como misionera espiritual. Posteriormente se produce su entrada al convento dominicano de Fichermont en Waterloo, con su guitarra a cuestas; es allí donde gracias a su inspiración musical surge la canción que la llevaría a la fama y que proporcionaría ingresos importantes al monasterio a través de los derechos de autor por ella cedidos. Cuando deja la institución religiosa, trata de continuar su carrera musical con la aparición de otro álbum musical que nunca llegó a tener el impacto de la canción que la hizo famosa. Enfrentando una difícil situación financiera y con su popularidad prácticamente esfumada, los últimos años de su vida encontró solaz en su relación lesbiana con una amiga de la infancia, con quien emprendió conjuntamente el camino del suicidio en 1985, a los 51 años de edad.

Cécile de France brinda una sensible interpretación caracterizando a Jeanine, reflejando el carácter contradictorio de su persona y la forma en que resultó víctima de su celebridad. Si bien algunos de los personajes restantes resultan esquemáticos, este film de naturaleza triste resulta emotivo por la ternura que destila y por la fácil comunicación lograda con esta monja cantante de turbulenta vida pero con la sonrisa permanente a flor de labios.

La banda sonora del DVD es en francés con subtítulos optativos en inglés y francés.

DISGRACE. Un film de Steve Jacobs

Este film australiano que transcurre en Sudáfrica es de especial interés por el tema que enfoca y porque además constituye un placer ver actuar a John Malcovich quien como el protagonista del relato brinda aquí otra de sus estupendas interpretaciones.

Basada en una novela del Premio Nobel de Literatura (2003) John Maxwell Coetzee, la acción de esta película tiene lugar en Ciudad del Cabo, poco tiempo después de la eliminación del apartheid. El relato presenta a David Lurie (Malkovich) un profesor de poesía que pareciera permanecer indiferente o alejado del mundo que lo rodea y de los cambios que comienzan a tener lugar en la relación entre blancos y negros. Después de haber mantenido una relación amorosa con una de sus alumnas de raza negra (Antoinette Engel), es objeto de una sanción disciplinaria por parte del comité universitario que la acepta sin atrever a defenderse ni a expresar el mínimo remordimiento. Obligado a renunciar y sin otras obligaciones laborales, decide visitar a su hija Lucy (Jessica Haines) que vive en una remota granja que tiene a su cargo desde hace cierto tiempo. Cuando padre e hija son repentinamente atacados por tres jóvenes negros y Lucy es violada, la consecuencia de ese acto vandálico produce en ambos un profundo daño emocional aunque sus reacciones son diferentes; mientras que David piensa en vengarse e irse del lugar, su hija en cambio prefiere adaptarse a las circunstancias sin necesidad de desplazarse a otro lugar.

Steve Jacobs en base al guión de Anna-Maria Monticelli, logró un film que se sigue con mucho interés aunque no queda completamente claro el punto al cual desea llegar. De todos modos, el relato puede interpretarse como una ilustración de las relaciones de clase y de sexo imperantes en el marco de la diferente realidad social que ahora vive el país.

El DVD ofrece como material suplementario algunas entrevistas con Malkovich, otros miembros del elenco, el director, guionista y productor (Emile Sherman), más un “detrás de la escena” que no llega a tener mayor trascendencia. Tiene subtítulos opcionales en inglés y francés.

RED CLIFF. Un film de John Woo

El realizador John Woo retornó a China para filmar un desbordante drama histórico inspirado en una legendaria batalla que precipitó el fin de la Dinastía Han alrededor del año 208 de la era cristiana.
La trama que se inspira en la novela de Guanzhong Luo, considera a tres reinos de China que entran en guerra, teniendo como punto culminante un encuentro bélico en el acantilado rojo al cual hace alusión el título del film. En todo caso, quien quiera profundizar sobre este episodio histórico deberá recurrir a otras fuentes dado que la línea argumental solamente se presta como un medio para que Woo despliegue su acostumbrada energía en el marco de un relato épico. De allí que lo que aquí queda resaltado es una filmación impecable, con escenas de combate ampliamente logradas que cobran máxima dimensión en la espectacular batalla final.
Una vez más, el espectador apreciará la calidad estética que el director brinda a su trabajo así como la eficacia en imprimirle un dinamismo inusual que causará placer para quien busque un animado relato de aventuras.
Entre los extras del DVD se incluye un documental sobre el rodaje del film y una interesante entrevista con el director (The Carrier’s Flight from Concept to Creation)
La versión original es en mandarín pero el DVD permite que sea apreciado en las versiones dobladas al inglés y francés como así también la opción de ver al film con subtítulos en inglés o francés.

THE SICILIAN GIRL. Un film de Marco Amenta

Esta película italiana (La Siciliana Ribelle) de Marco Amenta, que recién ahora es conocida en Canadá a través de su edición en DVD, vuelve a considerar el tema de la mafia basándose en el caso verídico de Rita Atria, una joven siciliana de 17 años que decide denunciar a la mafia. En noviembre de 1991 Rita (Veronica D’Agostino) se presenta ante un juez para vengarse de la muerte que la Cosa Nostra ha causado a su padre y hermano quienes a su vez pertenecieron a la organización. El hecho singular es que por primera vez un miembro de la familia de esa temida banda se atrevía a efectuar declaraciones que comprometerían seriamente a los delincuentes afectados. A pesar de que al hacerlo contaría con la protección de la justicia, la realidad es que en esa lucha eterna contra la mafia, difícilmente ella podría emerger como airosa ganadora. Así, en la medida que los criminales van siendo encarcelados y que a su vez la policía también registra víctimas, está claro que la vida de esta joven peligra más que nunca dado que nadie está dispuesto a ayudarla, ni siquiera su propia madre.
Sin estar a la altura del trabajo realizado por Francis Ford Coppola en “El Padrino” –obra maestra del género-, este film tiene méritos propios que lo tornan interesante de ver. El realizador Marco Armenta efectúa una sobria narración, reproduce acertadamente la atmósfera reinante de la época en que transcurre y además describe muy bien el ámbito cultural prevaleciente de la población siciliana local que a través de la ley del silencio se somete silenciosamente al estilo de vida impuesta por la organización. Si bien el personaje de Rita no resulta fácil de simpatizar por su naturaleza impetuosa y díscola impidiendo de este modo una inmediata comunicación, la impecable actuación de Veronica D’Agostino logra superar el inconveniente; así la caracterización que logra del personaje central en su compleja y trágica trayectoria con referencia especial a su clara determinación de lograr que se haga justicia, llega a trascender ampliamente. Del mismo modo, el actor francés Gérard Jugnot se destaca como el magistrado judicial mentor de Rita –una personalidad representando los importantes valores de la ética y la moral en un ambiente chauvinista y corrupto- que será trágicamente asesinado por su intento de llevar a juicio a la mafia.
La banda audio del DVD es en su versión original italiana o doblada al francés, con subtítulos opcionales en francés o inglés.

THE AFRICAN QUEEN. Un film de John Huston

Aquí convendría aplicar el refrán de que “más vale tarde que nunca” debido a que recién ahora ha sido editado por primera vez en DVD este clásico del gran realizador John Huston. Meticulosamente restaurado y remasterizado, este film producido en 1951 reunió a dos monstruos sagrados como Humphrey Bogart y Katherine Hepburn para animar un atractivo relato romántico donde ambos nuevamente confirmaron que eran estupendos actores; de allí que no resultara sorprendente que Bogart haya logrado un Oscar al mejor intérprete y que Hepburn fuera nominada para el Oscar una vez más en su brillante carrera.
La historia transcurre durante la Primera Guerra Mundial en una aldea del África Oriental donde Rose Sayer (Hepburn) -la hermana de un pastor fallecido que estaba a cargo de la iglesia metodista del lugar- se ve obligada a huir de las tropas alemanas invasoras junto con Charlie Allnut (Bogart), el propietario de una destartalada lancha denominada The African Queen. Durante el trayecto que realizan navegando a lo largo de un río serpenteante con varios saltos en su transcurso, deben atravesar múltiples escollos pero la romántica relación que surge entre ellos les da la suficiente fortaleza para superar los obstáculos e incluso lograrán torpedear una cañonera alemana.
Rodado en exteriores africanos de Uganda y del entonces Congo Belga, el film cuenta con Bogart y Hepburn cubriendo por sí solos casi todo el metraje. Con personajes dispares bien definidos –Charlie, un rústico individuo propenso a la bebida contrastando con Rose, una dama refinada y educada- ambos artistas logran una extraordinaria simbiosis reflejada a través de momentos dramáticos y tiernos donde nunca falta el humor fino para alivianar las tensiones del peligro.
Filmado en un brillante technicolor, la fotografía del camerógrafo Jack Cardiff capta muy bien el exotismo de los paisajes de la naturaleza africana donde su flora y fauna proporcionan un agradable espectáculo visual, otorgándole al relato un estilo documental. La impecable puesta en escena de Huston y el ágil ritmo que le imprime al relato permiten que esta aventura romántica siga manteniendo su encanto y magia especial a pesar de haber transcurrido casi seis décadas desde que fue realizada. Editado en el formato DVD y Blu-ray, el film no contiene más que un solo extra pero de excelente calidad; se trata de un documental (Embracing Chaos) del director Eric Young donde en una hora de duración se pasa minuciosa revista a las alternativas vividas durante el rodaje del film con comentarios interesantes por parte de algunas de las personas involucradas como, por ejemplo, la del realizador Martin Scorsese, Mark Rydell, Tony Huston (hijo del director) y Richard Schickel, entre otros.

8.6.10

ANDRE RIEU, EL REY DEL VALS


ANDRE RIEU SE PRESENTA NUEVAMENTE EN MONTREAL


El famoso director y violinista holandés André Rieu acompañado de su Orquesta Johann Strauss, efectúa una nueva visita a Montreal con motivo de la gira canadiense que está realizando en el transcurso de este mes donde también hará escala en Toronto y Ottawa. El único concierto tendrá lugar el 25 de junio (20h00) en el Centro Bell de esta ciudad.


Rieu ha logrado una gran popularidad debido a su magia especial de haber logrado que la música clásica se convierta en un espectáculo masivo, hecho que se traduce en la venta multitudinaria de sus registros discográficos a través del mundo.


Como dato adicional cabe señalar que el violín que utiliza para deleitar a su público es un Stradivarius del año 1667. www.evenko.com

ORQUESTA METROPOLITANA


LA ORQUESTA METROPOLITANA Y LA SINFONIA DE LOS MIL


Como broche final de la temporada 2009-2010, la Orquesta Metropolitana ofrecerá la espectacular y majestuosa Sinfonía No. 8 de Gustav Mahler conocida como la Sinfonía de los Mil. Se trata de una obra sinfónica gigantesca que subyuga con su sobrecogedor dramatismo ya que fue compuesta (1908-1909) poco tiempo después de que el compositor perdiera a su hijo y habiendo sabido por parte de los médicos que lo trataban que le quedaría pocos años de vida; estos hechos influyeron notablemente en la naturaleza de esta obra de excepcional valor.


Para esta ocasión el elogiado internacionalmente maestro Yannick Nézet-Séguin dirigirá a la Orquesta contando con la colaboración especial de la Orquesta del Centro Nacional de las Artes de Ottawa. A los 136 músicos se unirán 315 coristas bajo la dirección de Duain Wolfe y la presencia de 8 solistas, a saber: Joni Henson (soprano), Erin Wall (soprano), Nathalie Paulin (soprano), Susan Platts (mezzo-soprano), Anita Krause (mezzo-soprano), John Mac Master (tenor), Alexander Dobson (barítono) y Robert Pomakov (bajo).


Este concierto tiene lugar en la sala Wilfrid Pelletier de la Place des Arts, el domingo 20 de Junio a las 16 horas. http://www.orchestremetropolitain.com/

7.6.10

FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE MONTREAL: JAZZ Y ALGO MÁS EN LAS CALLES (Y GRATIS)

Organizadores del Festival Internacional de Jazz de Montreal dieron a conocer la programación de los conciertos gratuitos al aire libre a tener lugar durante la 31ª edición de este emblemático evento montrealés.

Crónica de Sergio Martínez

Los entusiastas del jazz, en sus diversas variantes, así como de la música en general, no quedarán decepcionados de lo que el Festival Internacional de Jazz de Montreal ofrecerá en sus 12 días de fiesta musical, esta vez desde 25 de junio al 6 de julio, justamente el inusual fin en un día martes fue subrayado por su director y presidente Alain Simard, como un “pretexto para celebrar mardi gras al estilo de Nueva Orleáns”.

Como todos los años, los conciertos gratuitos tendrán lugar en el área de la Place des Arts, convenientemente accesible desde la estación de metro del mismo nombre (venir en automóvil no es una buena idea por las complicaciones de tráfico y dificultades de estacionamiento), este sector de la ciudad va lentamente configurándose como el Quartier des spectacles (el Barrio de los Espectáculos) que en unos años, cuando se terminen las construcciones en marcha o planeadas, albergará a la sala de la Orquesta Sinfónica de Montreal, salas de cine del Festival de Filmes del Mundo, el nuevo Cinema Parallèle, y espacios abiertos donde se puedan instalar escenarios transitorios para el Festival de Jazz, las Francofolies, las exhibiciones al aire libre del Festival de Filmes del Mundo, el Festival de la Risa y otros eventos similares. Este año, algo así como la mitad de las obras están aun en construcción (como la renovación de la sección de la calle Sainte-Catherine ubicada en ese barrio).

ESTIRANDO LAS POSIBILIDADES DEL JAZZ
Algunos que se aferran a una visión que pudiéramos llamar más purista del jazz, fruncen un tanto el ceño al ver que en la lista de la música ofrecida bajo la etiqueta del Festival se incluyen variedades de rock, el hip hop, ritmos latinos como la salsa o el tango, música flamenca y gitana así como ritmos del medio oriente y de África. En honor a la verdad sin embargo, el énfasis principal es siempre sobre la tradición jazzística, agregando además que este género musical de por sí ha estado siempre abierto a nuevas expresiones y a reinventarse por lo que el hecho que la variedad sea el elemento esencial de este evento, al final no debiera sorprender. Por lo demás, en su variedad está la clave de su gran éxito de público, a la vez que permite exponer a formas más tradicionales del jazz a gente – mucha de ella joven – que muy probablemente asiste atraída por otros ritmos, pero que después de esa exposición puede interesarse también en las formas más habitualmente asociadas al género del jazz.

Y en la búsqueda del jazz en su forma más genuina, el Festival de Jazz se lanza en su Gran Evento de Apertura TD con la Brian Setzer Orchestra, una formación musical en la tradición de las Big Bands que promete contagiar a su audiencia con una velada jazzística de alta energía (Viernes 25 de junio a las 21:30 hrs. en el escenario TD en la Plaza de los Festivales).

El Evento Especial Bell, un concierto central que siempre congrega a la mayor cantidad de público, presentará esta vez a Beast, con Betty Bonifassi como vocalista y Jean Phi Gonçalves en numerosos instrumentos. Este espectáculo promete tener a todo la audiencia bailando y admirando una llamativa presentación audiovisual que acompañará al show (martes 29 de junio, 21:30 hrs., escenario TD).

El evento de clausura del Festival será un transplante a las calles de Montreal de la celebración de mardi gras al estilo de Nueva Orleáns, con un espectacular desfile de bailarines, bandas y carros alegóricos (martes 6 de julio partida del desfile a las 19 hrs. desde la esquina de las calles Sainte Catherine y Crescent en dirección a la Place des Arts; seguido de show en la Plaza de los Festivales con el intérprete de Louisiana, Trombone Shorty y el pianista y cantante Allen Toussaint empezando a las 20:30 hrs.).

A no perderse: Emir Kusturica y The No Smoking Orchestra, con su despliegue de música gitana

Para el autor de esta nota sin embargo, si hay un número que no debe perderse es el del genial Emir Kusturica y The No Smoking Orchestra, con su festivo y contagiante despliegue de música gitana de Europa Oriental (diferente de la música gitana española, el flamenco, que también estará presente a través de otros intérpretes). Este compositor, actor y director de cine serbio y su orquesta han lanzado al mercado más de 10 álbumes, el más reciente una fusión gitana-electro-rock (lunes 5 de julio a las 21:30 hrs. en el escenario TD).


La 33, una banda colombiana que trae la salsa alternativa

LOS INTÉRPRETES LATINOS
Para el público latinoamericano y de otras comunidades que gustan de los ritmos latinos, el Festival siempre ofrece una amplia gama de opciones, desde las melodías afrocubanas al rock latino.
La Serie Tropiques Bell se centra especialmente en los intérpretes de música latina, una muestra de rock latino a cargo de Tomás Jensen se presenta bajo el apelativo de Hombre (sábado 26 de junio a las 20 hrs. en el escenario Bell); el grupo colombiano La 33 presenta su estilo de salsa alternativa (miércoles 30 de junio y jueves 1º de julio, a las 20 hrs. en el escenario Bell); y la Orchestre Septentrional d’Haiti, formada en 1948, dará un testimonio de la evolución musical de ese país desde el folklore hasta el merengue haitiano, el yeyé y el rock haitiano (domingo 4 y lunes 5 de julio, a las 20 hrs. en el escenario Bell).
La Serie Rendez-Vous por su parte presentará al pianista cubano Rafael Zaldívar y su Trío (jueves 1º de julio a las 19 y 21 hrs. en el escenario ubicado a la entrada del Complexe Desjardins), y a otra promisoria figura del jazz cubano, Harold Lopez-Nussa y su Trío (sábado 3 de julio a las 19 y 21 hrs. en el escenario ubicado a la entrada del Complexe Desjardins).

El músico cubano Harold López-Nussa considerado un promisorio nuevo exponente del jazz en la isla


JAZZEANDO DESDE MEDIODÍA
Los espectáculos del Festival de Jazz comenzarán al mediodía y se prolongarán durante toda la tarde hasta las 23 hrs., también habrá actividades especiales para los niños y si uno quiere comer habrá kioscos que ofrecen variedades gastronómicas con precios que también varían, desde bastante económicos (por ejemplo en el Resto mexicain, la Friterie o el Resto louisianais), pasando por precios medianos en el Bistro SAQ y un poco más caros en el Restaurante Balmoral ubicado en edificio del Festival. También se venderán hotdogs y helados en carritos especialmente habilitados, y por supuesto refrescos, cerveza y otras bebidas alcohólicas.

Los que quieran adquirir artículos del Festival así como discos pueden hacerlo en kioscos especiales también. Los organizadores siempre hacen recordar que las utilidades de las ventas tanto en los kioscos de bebidas y comida, así como de las tiendas de souvenirs y discos, son una importante fuente de financiamiento para la presentación de los espectáculos que el Festival ofrece gratuitamente.

PARA MÁS INFORMACIÓN
Para detalles sobre la programación completa del Festival Internacional de Jazz ir a su sitio web: http://www.montrealjazzfest.com/ o llamar a la línea Info-Jazz: (514)871-1881 o desde fuera de la región de Montreal sin costo al 1-888-515-01515.

5.6.10

CINE EN LA PLAZA

Comentarios de Jorge Gutman

MOTHER. Corea del Sur, 2009. Un film de Bong Joon-ho

Este film del director sudcoreano Bong Joon-Ho ofrece elementos que se apartan de lo convencional al confundir las expectativas del espectador mediante el planteo de situaciones imprevistas que siempre están bien urdidas.

La veterana actriz coreana Kim Hye-ja desempeña un rol antológico animando a una humilde madre que vive en una pequeña ciudad y cuya razón de vivir descansa en el inconmensurable amor que siente por su hijo Do-joon (Bin Won) de 27 años; como el muchacho sufre de cierta incapacidad mental, a veces adopta un comportamiento torpe y peligroso que contribuye a crear la ansiedad de su madre quien lo ha salvado de apuros en varias ocasiones. Un día Do-joon, después de una noche de haber bebido demasiado, sigue a una adolescente estudiante que al día siguiente aparece muerta. Cuando el joven es arrestado culpándoselo del crimen, a pesar de no recordar qué es lo que hizo el día anterior, en forma inocente firma una confesión por la cual la policía da por concluido el caso. Sin embargo, su madre -estando completamente convencida de la inocencia de su hijo- no duda en remover cielo y tierra para tratar de hallar al asesino y poder demostrar que Do-joon no es responsable del crimen que se le imputa.

A medida que el film comienza a expandirse, el director va modificando el giro de los acontecimientos utilizando un tono de comedia negra. En un principio, al quedar determinado que la policía no actuó con mucha pericia al acusar al muchacho, uno cree estar asistiendo a una crítica social sobre el trato recibido por los estratos más desamparados de la población; sin embargo, el cambio de foco del relato obliga a que el espectador se ubique mentalmente en otra dimensión. Curiosamente, y a diferencia de los tradicionales relatos de misterio, el momento climático llega aproximadamente unos 30 minutos antes de su conclusión, permitiendo de este modo introducir otros elementos sorpresivos. Lo más importante es que en su desenlace no queda hilo suelto por resolver, aspecto que no es muy común en los filmes del género donde muchas veces los guiones se valen de la potencial frágil memoria del espectador sobre lo que vio previamente dejando situaciones inconclusas.

A pesar de que el film cuenta con una intérprete vital que acapara la atención del público, el elenco que la acompaña no desentona animando personajes secundarios que están muy bien delineados. Para concluir cabe señalar que la esencia del film no solamente descansa en el esclarecimiento de un crimen sino también en la dinámica interrelación establecida entre la madre y su hijo; ambos aspectos se combinan armoniosamente para que el público asista a un sólido y original drama que merece recomendación sin reserva alguna.

PPP

AJAMI. Israel-Alemania, 2009. Un film escrito y dirigido por Scandar Copti y Yaron Shani

Un clima sórdido y de implacable dureza predomina en Ajami, nombre del vecindario ubicado en el puerto israelí de Jaffa, que a su vez se encuentra dentro del distrito de Tel Aviv. Así, las más crudas pasiones y una exacerbada violencia parecerían animar a sus habitantes. Eso es lo que se desprende de la visión de Scandar Copti y Yaron Shani en este crudo e impecable relato.

Para comenzar, dos aspectos deben ser remarcados. El primero de ellos se refiere al hecho de que Copti es un ciudadano israelí de origen árabe nacido en Jaffa, mientras que Shani, que también nació en Israel, es de ascendencia judía. Ese detalle es importante porque en el guión que les pertenece ambos realizadores vuelcan una experiencia conjunta que permite que se traduzca en una mejor objetividad de lo narrado sin que exista prejuicio alguno sobre observaciones parciales o interesadas. El otro factor destacable es que contrariamente a lo que se presencia en otros filmes de Israel, en este caso el conflicto árabe-israelí no está expuesto desde un contexto político, sino que se ilustra la vida cotidiana de un lugar donde su gente compuesta de cristianos, judíos y musulmanes está obligada a convivir.

La atmósfera emocional que transmite Ajami se evidencia desde la primera imagen cuando un inocente adolescente del barrio es trágicamente asesinado por equivocación. Sucede que las balas mortales que lo abatieron estaban destinadas a Omar (Shahir Kabaha), un joven palestino de 19 años cuyo tío (Ghassan Ashkar) mató a un gangster en defensa propia. Como si se estuviese contemplando otra historia de venganza de la mafia siciliana, este comienzo sangriento origina una serie de acontecimientos posteriores que se van desarrollando mediante varias historias interconectadas sin guardar un orden cronológico. Entre los más importantes personajes se destacan el del mencionado Omar, quien para saldar una deuda importante con un padrino mafioso se involucra en el tráfico de estupefacientes; además mantiene un amor secreto con Hadir (Ranin Karim) debido a que su novia es cristiana en tanto que él es musulmán; otro personaje es el de Malek (Ibrahim Frege), un joven refugiado palestino que trabaja ilegalmente porque necesita el dinero para que su madre enferma pueda lograr un transplante de médula; también se encuentra Binj (Scandar Copti) perteneciente a una familia palestina de Jaffa, que sueña concretar un futuro con su novia judía, aunque su situación se complica cuando su hermano resulta sospechoso de haber matado a un judío; finalmente se halla Dando, un policía judío (Eran Naim) y buen padre de familia que está preocupado por localizar a su hermano menor que ha desaparecido.
A través de la galería humana descripta, el público asiste a un escenario donde la droga, la inmigración ilegal, la intolerancia religiosa y la existencia de una sociedad dividida van conformando el pan de cada día; en ese ambiente, cualquier altercado o desacuerdo de menor importancia genera una explosión de violencia que se traduce en furia homicida.

Copti y Shani ofrecen una apreciación nihilista de las condiciones sociales del lugar; al mostrar como los hechos se van desarrollando, queda reflejada la trágica ambivalencia de una realidad humana formada por diferentes culturas y religiones que al albergar perspectivas diferentes nunca terminan por cohesionarse. De allí, que el film no permita vislumbrar solución alguna, a menos que su gente pueda adquirir mayor conciencia sobre el valor de la vida.

Para finalizar, cabe admirar la puesta en escena de los dos jóvenes directores quienes con su primer trabajo lograron englobar complejos aspectos del medio en que se desenvuelven con excelentes resultados. A los valores ya mencionados, habrá que agregar la participación de actores no profesionales quienes desempeñándose con total naturalidad brindan una singular autenticidad que crea la ilusión de estar observando un documental en lugar de una historia de ficción.
PPP

THE TROTSKY. Canadá, 2009. Un film escrito y dirigido por Jacob Tierney
No es necesario ser un erudito ni conocedor de la historia del siglo 20 para saber que León Trotsky ha sido un famoso revolucionario soviético y uno de los protagonistas de la revolución rusa de 1917. Eso viene al caso porque el guionista y realizador canadiense Jacob Tierney se inspiró en su personalidad para concebir un relato donde su personaje principal cree ser la reencarnación del mencionado político. La originalidad de la trama reside en el hecho de que dicho personaje es un excéntrico adolescente, socialmente implicado, que desea cambiar al mundo que lo rodea siguiendo los pasos de Trotsky.
Jay Baruchel es León Bronstein, un joven de 17 años de edad de Montreal proveniente de una familia judía de excelente posición económica; su padre (Saul Rubinek) desea encaminarlo en su gran emporio de manufactura de ropas para que en el futuro él pueda quedar manejando la empresa. Pero sucede que este muchacho es un caso especial; con un inusual apasionamiento que lo anima por sus lecturas sobre la vida y obra de Trotsky, sus ideales se encuentran en las antípodas de su progenitor capitalista y por lo tanto en el primer día de trabajo en la fábrica de su padre comienza a volcar su completa simpatía hacia el personal obrero, fomentando la necesidad de la sindicalización para que estén mejor protegidos en cuanto a los derechos que les asisten. Después de dos días de empleo, abandona su trabajo y al indisponerse con su padre éste decide quitarlo del establecimiento privado donde asiste para que continúe sus estudios de educación media en una escuela pública inglesa de Montreal que cuenta con un muy buen nivel académico. Desde su primer día de asistencia León empieza a desafiar la autoridad de una profesora autoritaria (Domini Blythe) y se enfrenta con el director de la escuela (Colm Feore) quien no está dispuesto a admitir ningún tipo de indisciplina. La conducta de León llega a un nivel crítico cuando amparado por las máximas de su mentor ruso decide promover la creación de un sindicato escolar a fin de lograr una mayor autodeterminación y una mejor justicia social para los estudiantes.
Dado el tono risueño del film, el guión de ningún modo ostenta un contenido ideológico o político, sino que a través de la rareza de su protagonista trata de ilustrar las convicciones de un joven idealista capaz de oponerse al confort del ambiente en que se ha criado para vivir en un mundo donde el bienestar pueda extenderse a todos por igual. Lo que Tierney logró es una acertada comedia de adolescentes destinada tanto a la gente joven como a la audiencia adulta, que partiendo de una premisa absurda llega a funcionar gracias a un guión que permite combinar lo absurdo con lo realista y a una dirección articulada que evita que sus personajes resulten caricaturescos. A pesar de su personalidad lunática y extraña, la personalidad de León convence al reflejar los ideales, el ímpetu y la exaltación propia de la juventud tratando de avizorar un mundo mejor aún cuando los medios para lograrlo resulten discutibles. De todos modos, el guión permite que León, a pesar de su actitud delirante, obtenga la empatía del público por sus esfuerzos de crear entre sus compañeros de estudio una movilización interna y mayor concientización social para evitar que puedan ser víctimas de la apatía o del aburrimiento.
Baruchel demuestra su gran talento de comediante como el joven convencido de la necesidad de romper el orden establecido e iniciar una “revolución”. Bien acompañado de Rubinek, Blythe y Feore, el buen elenco también está integrado, entre otros, por Anne-Marie Cadieux, Michael Murphy y la excelente actriz Geneviève Bujold animando a la directora de la comisión escolar. El equipo técnico es también irreprochable donde cabe destacar la muy buena dirección de fotografía de Guy Dufaux.
PPP

El complejo tema de la adopción
MOTHER AND CHILD. Estados Unidos, 2009. Un film escrito y dirigido por Rodrigo García
Con gran sensibilidad Rodrigo García enfoca el delicado tópico de la adopción desde la triple óptica de quien cede una criatura, la persona adoptada y quien desea adoptar. Teniendo en consideración que como escritor y director en sus anteriores trabajos García se ha caracterizado como un sagaz observador de la psiquis de la mujer, no resulta extraño que en este film llegue a transmitir el notable humanismo que le es característico y que será apreciado, muy especialmente, por el público femenino.
El relato abarca tres historias paralelas que en su desenlace terminan confluyendo a la manera de los filmes de Alejandro González Iñárritu, quien aquí participa como productor ejecutivo de este proyecto. El comienzo enfoca a dos adolescentes amándose y como resultado la chica queda embarazada; ella es Karen que con sus 14 años de edad entrega su infante recién nacida a quienes habrán de adoptarla. Treinta y siete años después, Karen (Annette) es una mujer soltera que se desempeña como terapeuta y que aún vive los efectos traumáticos de haberse separado de su hija; su evidente amargura se mezcla con cierto resentimiento que no puede evitar al comprobar como la hijita (Simone López) de su empleada doméstica (Elpidia Carrillo) se relaciona con su madre inválida (Eileen Ryan), la causante de haberla obligado a desembarazarse de la bebita.
La segunda historia se centraliza en Elizabeth (Naomi Watts), la hija de Karen que nunca llegó a conocer a su madre biológica. Emocionalmente fría, solitaria, soltera y de naturaleza independiente, hace tiempo que perdió a sus padres adoptivos y vuelca su tiempo trabajando como abogada en un estudio legal a cargo de Paul (Samuel L. Jackson) con quien mantiene un affaire; para ella, el sexo no es más que un motivo de placer que no llega a producirle ninguna otra repercusión personal.
La tercera línea narrativa enfoca a Lucy (Kerry Washington) quien al no poder concebir un hijo por su esterilidad, en común acuerdo con su marido (David Ramsey) decide adoptar una criatura, aunque surgirán inconvenientes donde no todo habrá de resultar como se había planeado. No es necesario avanzar más ni revelar sobre el modo en que los diferentes personajes terminarán vinculándose; simplemente bastará señalar que aunque la conclusión no llegue a ser muy sorprendente, es altamente emotiva.
García ha configurado una historia global de cautivante interés que sólo puede ser objetada en sus tramos finales cuando los acontecimientos se precipitan un poco y la narración resulta un tanto esquemática. Con todo, queda como balance un film de excepcionales valores humanos reflejando cómo queda determinado el vínculo de cariño, comprensión y afecto que ligan a madres e hijos; de algún modo, el realizador transmite el mensaje de que el verdadero amor que consolida el lazo maternal-filial no se debe necesariamente a la relación biológica sino al nivel cualitativo predominante en la vocación maternal.
El elenco es a todas luces admirable; con todo habrá que distinguir a Bening y Watts quienes deslumbran en sus excelentes caracterizaciones, así como habrá que alabar a Jackson quien alcanza una gran empatía con la audiencia al ofrecer una calidez inusual como buen hombre de familia en uno de los mejores roles logrados en su carrera de actor.
PPP

EL SECRETO DE SUS OJOS. Argentina-España, 2009. Un film de Juan J. Campanella

Frente a los numerosos premios recibidos, incluyendo el Oscar a la mejor película extranjera, se impone la pregunta de cuál es el secreto de que esta película haya logrado una repercusión popular a nivel internacional. Mi respuesta se encuentra en la evaluación crítica siguiente.
El film de Juan José Campanella impresiona por su brillante construcción; eso es debido a que su estructura cinematográfica -no del todo sencilla, aunque tampoco demasiado compleja- combina armoniosamente una trama policial, un drama social, la sed de venganza y una historia romántica de notable originalidad. Lograr que los elementos mencionados se fusionen bellamente así como la notable conjunción del equipo artístico con el técnico que han participado en el proyecto, se da en pocas oportunidades. Pero lo más importante es que el secreto del impacto popular del film reside en que no solamente llega a fascinar sino también porque Campanella ha sabido contar una historia de manera amena y entretenida al propio tiempo que ofrecer al espectador una legítima obra de arte.
Basado en el libro “La Pregunta de sus ojos” de Eduardo Sacheri, el guión escrito por el autor y Campanella presenta a Benjamín Espósito (Ricardo Darín), recientemente jubilado después de haber trabajado durante toda su vida como un empleado jerárquico judicial, quien siente la imperiosa necesidad de escribir una novela sobre un caso que le tocó vivir en 1974 y que estuvo relacionado con la violación y el asesinato de una hermosa maestra de 23 años. El hecho lo ha estado persiguiendo hasta el presente porque, de algún modo, ese crimen logró alterar el curso de su vida; de allí que escribir sobre este asunto y lograr dilucidar un caso policial archivado puede constituir para él una verdadera catarsis.
Como cualquier aspirante a escritor, las ideas van y vienen de su mente y lo que al principio comienza a redactar no es lo que terminará siendo la versión final. De todos modos, a través de sus borradores el público se entera de eventos del pasado. A través de su investigación, Espósito se conmueve por el gran amor que Ricardo Morales (Pablo Rago), el marido de la occisa, sentía por su esposa así como el inmenso dolor de haberla perdido; curiosamente la angustia del joven viudo está asociada con la intensa obsesión que a él lo envuelve en su intento de resolver el crimen e identificar al asesino. En esa tarea contará con la colaboración de su colega y excéntrico amigo Pablo Sandoval (Guillermo Francella) bajo la supervisión de su jefa superior Irene Menéndez Hastings (Soledad Villamil), que en aquel entonces comenzaba su carrera de abogada. Al ir escribiendo su novela, se revela el amor reprimido que Espósito evidenció hacia Irene, el cual nunca llegó a ser revelado probablemente por temor a las diferencias de sociales y económicas que lo separaban de ella. Sin embargo, eso no obsta para que después de tantos años, la herida se reabra.

Dentro de una atmósfera de magnífico suspenso y cine negro pero matizada con varios momentos de humor, Campanella logra reflejar el clima imperante en la Argentina que precedió al sangriento golpe militar de 1976 dentro del marco de un país quebrado donde la fragilidad de la entonces Presidenta de la Nación hizo que se rodeara de personajes sanguinarios que provocaron horror además de interferir en el funcionamiento del sistema judicial.

No es mi propósito brindar pista alguna sobre la identificación del asesino y la suerte por él corrida, excepto señalar que la tensión lograda es máxima y solamente en las escenas finales, el público llega a imponerse cómo los acontecimientos se fueron dando y de que modo la inconclusa solución de un crimen de hace 25 años podrá tener resolución final en el presente.

Lo apasionante de este film es la variedad de lecturas que ofrece al espectador. Cada uno encontrará algo que llegará a conmoverlo. Así, la historia contiene un profundo sentimiento de amistad en el lazo que vincula a Espósito con Sandoval; no menos importante es asistir a la descripción de un romance casto e inconfesado a lo largo del tiempo entre Benjamín e Irene; tampoco es desechable el sentimiento de venganza que animará a uno de los personajes donde, indirectamente, el relato alude a planteos de carácter ético y moral sobre el significado de lo que implica la justicia personal. No menos importante es que en más de una situación el público llega a preguntarse si los hechos descriptos por Espósito a medida que va escribiendo su novela, son un reflejo completamente fidedigno de lo que aconteció en el pasado, o acaso es el resultado de hechos reales más el agregado de lo que su imaginación lo impulsa a transmitir.

Dentro de algunas escenas que perduran en mi memoria hay tres que son realmente remarcables. La primera de las mismas tiene lugar en un estadio deportivo cuando Espósito cree haber identificado a quien supone que es el asesino; el plano secuencia allí filmado es antológico. El segundo notable momento es en los tramos finales, cuando el público asiste a la gran revelación de la historia. La tercera remarcable y sutil escena, revelando el carácter profundamente romántico del film, es la que cierra el film; es allí donde en escasos 30 segundos, Campanella ha logrado un final ingenioso sugiriendo que Benjamín e Irene tratarán de saldar una asignatura pendiente.

Artísticamente no hay más que palabras de elogio para un nivel de excepcional interpretación. Darín es el mejor actor argentino de su generación y en cada película no hace más que superarse a sí mismo como lo demuestra aquí caracterizando a un hombre corriente y común que para lograr adecuarse consigo mismo necesita volver al pasado para poder sepultar definitivamente a los fantasmas que lo acosan. Villamil transmite una fina sensibilidad femenina como la mujer que espera la declaración de amor que pareciera que nunca llegará; Rago está excelente como un hombre consumido por el deseo de ubicar al criminal de su esposa en tanto que Francella, como el melancólico hombre adicto a la bebida y fiel amigo de Benjamín, demuestra sus condiciones de notable actor dramático más allá de percibirlo exclusivamente como un buen comediante.

Por lo que antecede, queda revelado el secreto del suceso de este excelente film.
PPPP

LA MERDITUDE DES CHOSES. Bélgica, 2009. Un film de Félix van Groeningen

Este film de Bélgica del joven realizador belga Félix van Groeningen presenta un típico cuadro de familia disfuncional dentro de un tono que deambula entre la sátira y la comedia del absurdo.

Transcurriendo la acción en un pueblo flamenco de ese país la historia toma como referencia a Gunther, un escritor (Valentijn Dhaenens) que va relatando con cierta nostalgia la evolución que experimentó en su vida durante sus años de juventud, en la década del 80, y que tuvo un decisivo impacto en su posterior desarrollo y madurez. En una narración que apela al flashback para retrotraer la acción al pasado, se observa a un casi adolescente Gunther de 13 años (Kenneth Vanbaeden) que trata en forma desesperada de escapar de su caótica existencia all tener que compartir su vida en un medio miserable donde impera la violencia doméstica con un padre alcohólico (Koën De Graeve) y sus tres imbéciles hermanos, todos viviendo bajo un mismo techo en la casa de su abuela.

Esas vidas tumultuosas, desordenadas de adultos inmaduros son ilustradas a través de un humor seco particular en un relato donde la gente joven, como Gunther, juzga severamente a los adultos.

El grado de apreciación del film depende fundamentalmente de que sus escenas hilarantes lleguen o no al espectador. Según sea su sentido del humor podrá o no disfrutarlo o considerar divertido lo que se expone; ver al padre y a los tíos del protagonista llevando una vida irresoluta en su condición de mujeriegos dedicados a la bebida, fumando empedernidamente, participando desnudos en carrera de bicicletas o apelando a canciones licenciosas, puede divertir en primera instancia pero después de un tiempo, lo repetitivo se vuelve monótono y cansador de ver, sobre todo cuando no hay ninguna redención moral en esta dañada familia. A su favor, el film cuenta con muy buenos actores aunque desconocidos en América del Norte.
PP¼

PLEASE GIVE. Estados Unidos, 2010. Un film escrito y dirigido por Nicole Holofcener

Nicole Holofcener es una de las más importantes directoras del cine independiente de Estados Unidos cuyas tres películas realizadas (Walking and Talking, Lovely & Amazing, Friends with Money) han merecido buena recepción crítica. Con Please Give sigue demostrando su agudeza en la descripción psicológica de personajes femeninos, a través de una comedia dramática no exenta de gracia e ironía y animada con diálogos ampliamente convincentes.

La acción transcurre en Manhattan y su mayor parte está confinada a un edificio de departamentos. En uno de ellos habitan Kate (Catherine Keener), su marido Alex (Oliver Platt) y Abby (Sarah Steele), la hija adolescente de 15 años; Kate y Alex poseen un negocio de muebles donde gran parte de su inventario está conformado por material adquirido de los herederos que perdieron a sus familiares directos; comprando a bajo precio y fijando un considerable margen de ganancia, a través del tiempo han logrado consolidar una sólida posición económica. En el departamento contiguo viven Andra (Ann Morgan Guilbert), una anciana nonagenaria, y sus dos nietas Rebecca (Rebecca Hall) y Mary (Amanda Peet); como dicho departamento pertenece a Kate y Alex, ambos tienen planeado para el día que Andra muera volver a tomar posesión de esa unidad habitacional para agrandar el espacio disponible que disponen, como así también comprar a sus nietas las pertenencias mobiliarias de su abuela.

La atracción del film reside en observar las actitudes y comportamientos de sus cinco complejos personajes así como la interacción que existe entre los mismos. Es apreciable la devoción de Rebecca por atender, tolerar y satisfacer los caprichos de su abuela cascarrabias a quien no hay nada que le venga bien; en todo caso, para esta nieta constituye un modo de agradecer a Andra por haberse hecho cargo de ella y su hermana cuando siendo pequeñas su madre murió y su padre abandonó el hogar. Por su parte, Mary es de opuesta personalidad; de naturaleza egoísta y obsesionada por su belleza, poco le importa lo que le pueda acontecer a su abuela a quien incluso llega a menospreciar. En la otra unidad familiar, Kate comienza a experimentar ciertos conflictos éticos al saber de que, en cierto modo, su rapacidad y la de su marido es la que asegura la buena marcha de la empresa que explotan; tratando de compensar lo que está haciendo, realiza ciertos actos filantrópicos como también actúa de voluntaria, aunque finalmente son gestos que no llegan a satisfacer su propósito; Alex, por su parte, vive la crisis de la edad media y trata de solazarse con una aventura extramatrimonial. En cuanto a Abby, atraviesa los problemas propios de su edad donde la preocupación más importante es el acné que afecta su cutis como también el usar ropa de alto valor.

En esta historia no hay personajes santos ni villanos; aunque ninguno de ellos llegue a ser completamente íntegro, sus personalidades atraen y se hacen querer a pesar de sus imperfecciones. Sus vulnerabilidades, miedos, frustraciones, fracasos y contradicciones no son más que las diferentes facetas del comportamiento humano; es así que, por ejemplo, puede llegarse a comprender el sentimiento de culpa que anida en Kate al tomar conciencia de que su bienestar económico depende de la muerte ajena.

El elenco es impecable y cada uno de los actores satisface con precisión lo que su respectivo personaje le demanda; con todo, si algún nombre habría que destacar me inclinaría por el de Ann Morgan Guilbert quien caracterizando a la cáustica, mordaz e irascible Andra logra situaciones de gran hilaridad.

En resumen, Holofcener ha obtenido un film inteligente y de notable sensibilidad, donde los pequeños detalles, muy bien analizados y observados, pesan más que la historia en su conjunto. PPP

Una crónica sobre el arte urbano

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP. Estados Unidos-Gran Bretaña, 2010. Un film de Banksy
Para los que no han oído hablar sobre el director de este documental será necesario aclarar que “Banksy” es el pseudónimo utilizado por un elusivo individuo de origen británico de 35 años de edad que es considerado por muchos como uno de los grandes maestros del arte urbano del graffity.
Cuando al comenzar el film el director se refiere a Thierry Guetta, un videógrafo francés que se aproximó a él para realizar un film sobre su persona, uno cree que la película tratará sobre Banksy; sin embargo, lo que viene después desmiente la presunción inicial dado que el foco de este documental es la curiosa vida de Thierry. Este diletante francés que llega con su familia a Estados Unidos para abrir un negocio dedicado a la venta de ropa se convierte en un compulsivo adicto a la cámara de video desde el día en que adquiere una para su uso personal y comienza a filmar sin parar todo lo que sale a su encuentro; sin embargo, su atención mayor se focaliza en los graffiteros de Los Angeles que utilizan las horas nocturnas para no ser descubiertos por la autoridad policial mientras realizan sus trabajos ilegales consistentes en “ilustrar” o “estropear” -según la opinión que cada persona tenga al respecto- las paredes de la ciudad.
Sin embargo su tarea no se limita a registrar únicamente la labor de estos artistas urbanos. A medida que va vinculándose con otros graffiteros con el pretexto de filmar una película, Guetta va convirtiéndose en un aprendiz de hechicero y ese contacto habrá de despertar su interés de convertirse en otro “street artist”. Cuando en 2006 llega a relacionarse con Banksy y éste llega a ver el material de archivo editado por Guetta, a pesar de que deja bastante que desear, intuye que hay un talento potencial en el simpático y entusiasta hombre de video; es ahí que además de brindarle su confianza y protección, decide estimularlo en la nueva carrera que desea emprender y realizar el film que se está comentando.
Sin dudarlo dos veces, Guetta hipoteca su casa y asume los riesgos -que sólo podría ser factible en un experimentado empresario- para montar un taller donde realizar sus obras. Así se llega a 2008 donde adoptando el nombre de Mr. Brainwash, Thierry llega a tocar el cielo con sus manos cuando monta en Los Ángeles una exposición denominada “Life is Beautiful”. Los trabajos allí expuestos van mucho más allá de la idea que se tiene sobre el tradicional “graffity”, donde en algunos de los cuadros Brainwash demuestra ser un digno émulo del célebre Andy Warhol. Su éxito ha sido asombroso si se considera que en los primeros cuatro días de la muestra, las ventas de sus cuadros superaron el millón de dólares.
A pesar de que el film no trate sobre Banksy sino sobre Guetta, la personalidad misteriosa del director se mantiene a lo largo de todo el metraje al aparecer con su rostro encapuchado mientras la cámara lo está enfocando; también es posible detectar su arte transgresor y provocativo.
Desde una óptica estrictamente cinematográfica, el documental no es muy sólido dado que denota precipitación en su realización y desprolijidad en lo que concierne a sus valores de producción. No obstante, sus méritos deben ser atribuidos a la forma entretenida en que transcurre el relato y muy en especial por las reflexiones que suscita, como la dificultad de encontrar una manera objetiva para definir lo que representa una expresión artística, las características del proceso creativo y la repercusión popular de una manifestación cultural subversiva tal como lo que se contempla aquí. Solamente el transcurso del tiempo permitirá reafirmar o no la validez y vigencia universal de estos artistas urbanos.
PP½

1.6.10

ILUMINANDO LAS NOCHES DE MONTREAL

La mayor competencia pirotécnica del mundo: L’International des feux Loto-Québec – nada menos que efectuada cada año aquí, en Montreal – lanza su 26ª edición el sábado 12 de junio: en el cóctel de anuncio de la programación contó con la presencia de Roch Voisine y durante su desarrollo en julio se homenajeará a Céline Dion. Eso sí, este año no vienen competidores latinoamericanos, aunque sí estará Portugal representando a la península ibérica.

Crónica de Sergio Martínez

Cada verano es el evento que congrega a una mayor cantidad de público que desde diversos puntos de la ciudad puede observar cómo los fuegos artificiales trazan figuras en el cielo. Aunque es en el recinto del parque de diversiones La Ronde, donde se puede apreciar estos eventos artístico-pirotécnicos en toda su espectacularidad. Por cierto la combinación de luces, estallidos y música hacen de la pirotecnia una de las actividades más atractivas, tanto para grandes como para niños.

Este año será la edición 26ª de la competencia auspiciada por Loto-Québec y presentada por la compañía telefónica Telus. Los espectáculos se realizarán todos los sábados a partir del 12 de junio y hasta el 14 de agosto a las 22 horas, sin importar si hace mal tiempo.

Este año el país que inaugurará la competencia será Italia (12 de junio) representada por la firma Pirotecnica Soldi, que ganó un Júpiter de bronce en 1995; seguirá Taiwán (19 de junio), San Tai Pyrotechnics, Júpiter de Bronce en 2001; Polonia – que hace su debut en esta competencia – (26 de junio) representada por Surex; Portugal (3 de julio), Macedos Pirotecnia; seguido a una semana más tarde por Homenaje a Céline Dion, la exitosa artista quebequense (10 de julio) a cargo de La Ronde; la competencia se retoma con la participación de Estados Unidos (17 de julio) representado por la firma Western Enterprises USA que debuta en este evento; Canadá (24 de julio), Fireworks Spectaculars; Suecia (31 de julio), Göteborgs FyrverkeriFabrik; Francia (7 de agosto) representada por Brezac Artifices, que ganó un Júpiter de Plata en 2006; finalizando el festival con la tradicional ceremonia de entrega de premios y espectáculo pirotécnico de cierre a cargo de La Ronde (14 de agosto).

Prosiguiendo con una práctica iniciada el año pasado en que se homenajeó al Cirque du soleil, este año la figura artística local a ser objeto de un tributo especial será la cantante Céline Dion. La firma canadiense Fiatlux-Ampleman tendrá a su cargo ese espectáculo programado para el 10 de julio que utilizará como trasfondo musical las interpretaciones de la más famosa cantante quebequense. La artista está pronta a cumplir 30 años de carrera y a ser madre de mellizos.

Como novedad se ha introducido este año la adjudicación de un premio especial determinado por la votación del público, para lo cual éste simplemente podrá ir al sitio web del Festival.

Para quienes quieran ver los fuegos artificiales desde el anfiteatro donde se hacen los lanzamientos y disfrutar de la música allí mismo, las localidades numeradas pueden adquirirse en la red Admission, sitio web: http://www.admission.com/ o por teléfono al (514)790-1245 y desde fuera de Montreal llamando sin costo al 1-800-361-4595. Hay descuentos de $5 en pre-venta hasta 14 días antes de cada espectáculo.
Para mayor información sobre cada uno de los espectáculos pirotécnicos además de los shows musicales para cada uno de esos días ir al sitio web http://www.internationaldesfeuxloto-quebec.com/