MOVIES AT LA PLAZA— “THE NEW BOY”: There is no magic in the colonial world

Movie Review by Sergio Martinez

This film, directed by Warwick Thornton, is set in a desert region of Australia in the 40s of the last century and touches on a theme, with which, here in Canada, there are some painful coincidences. In the plot's background, there is the eagerness of the authorities to assimilate the indigenous population, first, by stripping them of their own cultural identity, language and even their way of relating to reality. In this context, the “Chief Protector of Aborigines” figure took on special importance. These officials had the authority to remove indigenous children from their families in order to assimilate them into the white culture.

He will be known only as
the New Boy (Aswan Reid)

The story begins with a confusing episode in which the character whom we only know as the “New Boy” (Aswan Reid), who does not speak for most of the time, is taken to a remote mission run by Sister Eileen (Cate Blanchet), a nun with her own way of managing the place, who is assisted by Sister Mum (Deborah Mailman). At the mission reside seven other children who, in addition to being instructed in the basics of religion, perform various jobs under the supervision of George (Wayne Blair).

Soon, the New Boy will mark his difference with the other children, aboriginal boys who have already been Christianized, and with the environment of the site itself. The culture clash will become apparent on several occasions, one in which the New Boy arrives with snakes, part of his normal relationship with nature, but symbols of evil in Christian belief.  This and other occurrences will put Sister Eileen in check when her own faith is shaken by the newcomer's healing powers and his different understanding of the images of the local church.

Sister Eileen (Cate Blanchet) sees
her faith shaken by the presence of the
New Boy

In his introductory statement to the film, the director said, “Aboriginal people are generally happy to embrace Christianity alongside their own spiritual beliefs, but it doesn’t happen the other way around. Christianity must conquer.” That is well portrayed in the film when the New Boy speaks for the first time and when, after being baptized, his life will take on a different character. In a way, this is also an analogy to what happens with the culture of the peoples assimilated by “white civilization”. With its power, the colonial world displaces the old images and beliefs, as well as their magical powers.

Sister Mum (Deborah Mailman) 
and George (Wayne Blair)

The New Boy is a film that focuses on the devastating effects of the clash between the dominant colonial culture and those of the people subjected to it. The cinematography is very effective in transmitting to the viewer, on the one hand, the overwhelming immensity of the territory and, on the other, the characters' intimacy in the reclusive environment of the mission.

Running time: 96 min.

CINE EN LA PLAZA—“THE NEW BOY” (“EL NIÑO NUEVO”): No hay magia en el mundo colonial

Comentario de Sergio Martínez

Este film dirigido por Warwick Thornton está ambientado en una región desértica de Australia, en los años 40 del siglo pasado y toca un tema con el cual aquí en Canadá hay algunas dolorosas coincidencias. En el trasfondo de la trama, está el afán de las autoridades de asimilar a la población indígena, primeramente, despojándola de su propia identidad cultural, idioma e incluso su manera de relacionarse con la realidad. En este contexto la figura del “Jefe Protector de Aborígenes” cobraba una especial importancia: estos funcionarios tenían la autoridad para remover a los niños indígenas de sus familias a fin de que se asimilaran a la cultura blanca.

Sólo se lo va a conocer como
el "Niño Nuevo" (Aswan Reid)

La historia empieza con un confuso episodio al cabo del cual el personaje a quien sólo conoceremos como el “Niño Nuevo” (Aswan Reid) y que no habla durante prácticamente todo el tiempo, es llevado hasta una remota misión regentada por la Hermana Eileen (Cate Blanchet), una monja que tiene sus propias maneras de conducir el lugar, quien es asistida por la Hermana Mum (Deborah Mailman). En la misión residen otros siete niños que además de ser instruidos en lo básico de la religión, ejecutan diversos trabajos bajo la supervisión de George (Wayne Blair).

Pronto el Niño Nuevo marcará su diferencia con los otros chicos—niños aborígenes que ya han sido cristianizados—y con el entorno mismo del sitio. El choque cultural se hará manifiesto en varias ocasiones, una en que el Niño Nuevo llega con unas serpientes, parte de su relación normal con la naturaleza, pero símbolos del mal en la creencia cristiana.  Este y otros sucesos pondrán en jaque a la Hermana Eileen, cuando su propia fe se vea sacudida por las facultades de sanador del recién llegado y su manera diferente de entender las imágenes de la iglesia del lugar.

La Hermana Eileen (Cate Blanchet)
se verá en apuros por la presencia
del Niño Nuevo

En su declaración de presentación del film el director lo señalaba así: “Generalmente los aborígenes están felices de adoptar el cristianismo junto a sus propias creencias espirituales, pero eso no funciona desde el otro lado: el cristianismo debe conquistar”. Eso queda bien retratado en la película, cuando el Niño Nuevo por primera vez hablará y cuando luego de ser bautizado su vida tomará otro carácter. De algún modo, esa es también una analogía a lo que sucede con la cultura de los pueblos asimilados por la “civilización blanca”. El mundo colonial con su poder desplaza las viejas imágenes y creencias, con ellas también sus poderes mágicos.

La Hermana Mum (Deborah Mailman)
y George (Wayne Blair)

The New Boy es una película que enfoca de modo muy certero los efectos devastadores del choque entre la cultura colonial dominante y las de los pueblos que fueron sometidos a ella. La fotografía es muy eficaz en transmitir al espectador por un lado lo apabullante de la inmensidad del territorio y por otro, la intimidad de los personajes en el ambiente reclusivo de la misión.

Duración: 96 min.

MOVIES AT LA PLAZA –JANE AUSTEN: WRECKED MY LIFE: Of Emotions and Quests

Movie Review by Sergio Martínez

“You don't live, you hide...” Félix (Pablo Pauly) once says to his friend Agathe (Camille Rutherford), the protagonist of this romantic comedy, that, in a very accurate way, transplants into its characters some of the emotions, vicissitudes and situations of the characters in Jane Austen's works. Somehow, those feelings experienced by the characters of the English novelist and some of the author herself converge, for better or worse, in the protagonist's personality and the events she experiences.

Camille Rutherford as Agathe

Agathe shares an apartment with her sister and her sister's young son in Paris. She works in the famous bookstore Shakespeare & Co, which specializes in English-language books, but her underlying passion is writing. Her literary endeavour, however, faces some obstacles: a writing block that often happens to her, the memories of her parents' death, and above all, her own insecurity.

Felix (Pablo Pauly) and Agathe

At the urging of Felix, her friend and colleague at the bookstore, and despite her strong initial resistance, Agathe enrolls in a program at the Jane Austin Residency in England, an opportunity to publicize her work, exchange creative experiences with other attendees and also to have some time to reflect on her life, mature her projects and meet new people in the quiet of the countryside. On the latter, the new writer will have many opportunities, the pleasant administrator of the Residency, Beth (Liz Crowther), her eccentric husband Todd (Alan Fairbairn), their son Oliver (Charlie Anson) and the other writers in search of inspiration for their literary projects. All this in a bucolic setting should help Agathe get to know herself better.

Oliver (Charlie Anson) and Agathe

For her, the influence of Jane Austen is powerful: “I’m living in the wrong century”, she says on one occasion. It is clear that the weight of the novelist's work is shaping her life, perhaps in a way that she may eventually come to regret. However, Jane Austen's literary legacy may provide her with something she did not foresee when she crossed the channel to that quiet retreat in the English countryside, recreating the atmosphere of the novelist's time. She would also find a romantic complement to her existence in that quest.

We fully recommend this film, directed by Laura Piami. It is very pleasant to watch. There are situations of reflection on how certain literary creations can influence us, but there is also a certain dose of humour and an ironic look at how we approach relationships in today's world. In Agathe's vicissitudes, there may also be reminiscences of the obstacles that the protagonists of Jane Austen's novels had to face.

Running time: 94 min.

CINE EN LA PLAZA—JANE AUSTEN WRECKED MY LIFE (JANE AUSTEN DESTROZÓ MI VIDA): De emociones y búsquedas

Comentario de Sergio Martínez

“Tú no vives, tú te escondes…” le dice en una ocasión Félix (Pablo Pauly) a su amiga Agathe (Camille Rutherford), la protagonista de esta comedia romántica que, de manera muy certera, trasplanta en sus personajes algunas de las emociones, vicisitudes y situaciones de los personajes de las obras de Jane Austen. Es que, de algún modo, esas sensaciones vividas por los personajes de la novelista inglesa y algunas de la propia autora, convergen—para bien o para mal—en la personalidad de la protagonista y en eventos que vive.

Agathe (Camille Rutherford)
aspira a ser escritora

Agathe comparte un apartamento con su hermana y el pequeño hijo de ésta en París, trabaja en la famosa librería especializada en libros de lengua inglesa Shakespeare & Co., sin embargo, su pasión subyacente es escribir. Su empeño literario, sin embargo, enfrenta algunos obstáculos: un bloqueo de escritura que le sucede a menudo, las memorias de la muerte de sus padres, pero sobre todo su propia inseguridad.

Su amigo Félix (Pablo Pauly)
la estimula a viajar a Inglaterra

A instancias de Félix, su amigo y colega en la librería, y pese a su fuerte resistencia inicial, Agathe se enrola en un programa de la Jane Austin Residency en Inglaterra, una ocasión para dar a conocer su trabajo, intercambiar experiencias creativas con otros asistentes y tener también un tiempo para en la tranquilidad del campo, reflexionar sobre su vida, madurar sus proyectos y conocer nueva gente. Sobre esto último, la novel escritora tendrá muchas oportunidades, la agradable administradora de la Residency, Beth (Liz Crowther), su excéntrico marido Todd (Alan Fairbairn) el hijo de ambos, Oliver (Charlie Anson) y las otras escritoras en busca de la inspiración para sus propios proyectos literarios. Todo ello en un bucólico ambiente el cual debe contribuir a que Agathe termine conociéndose a si misma un poco mejor.

Para ella la influencia de Jane Austen es muy fuerte: “Vivo en el siglo equivocado” dice en una ocasión. Es evidente que el peso de la obra de la novelista va conformando su vida quizás de un modo que ella a la larga puede llegar a lamentar. Sin embargo, el legado literario de Jane Austen puede ser que al final le proporcione algo que ella no previó cuando decidió cruzar el canal para ese quieto retiro en el campo inglés, recreando la atmósfera de los tiempos de la novelista. En esa búsqueda ella también encontraría un complemento romántico a su existencia.

Oliver (Charlie Anson) es quien
primero la recibe en Inglaterra

Recomendamos plenamente esta película, dirigida por Laura Piami. Es muy agradable de ver. Hay situaciones de reflexión sobre cómo pueden influirnos algunas creaciones literarias, pero también hay cierta dosis de humor y una mirada irónica sobre cómo enfocamos las relaciones en el mundo actual. En las vicisitudes de Agathe también puede haber reminiscencias de los obstáculos a los que tuvieron que enfrentarse las protagonistas de las novelas de Jane Austen.

Duración: 94 min. 

MOVIES AT LA PLAZA — “BONJOUR TRISTESSE”: Sadly boring

Movie Review by Sergio Martínez

It is said that when it comes to evaluating the quality of films, the criteria of three different judges are applied: the viewers, the critics, and the distributors. Needless to say, on many occasions, the evaluations that arise from them are very contradictory.

As a critic, I had the opportunity to see Bonjour Tristesse at the Toronto International Film Festival in 2024, and in the usual exchanges at the end of the screening for the media, everyone I spoke to agreed on the tedium that this film had produced in us.

Paradoxically, after almost a year, this film is now being presented on Montreal screens and, according to what has been reported by its publicists, also in U.S. theatres. What are the distributors or exhibitors thinking? Has the fact that the film was directed by a Canadian woman been an excuse? Or has there been a good work of contacts and influences here? I point this out because at the same festival we had the opportunity to see, for example, The Mother and the Bear, set in Winnipeg, directed by the Canadian of Korean origin Johnny Ma, or in terms of international cinema, a work of excellent quality such as Pedro Paramo (by director Rodrigo Prieto) or, if we want to talk about U.S. cinema, the very pleasant comedy-thriller Riff Raff by director Dino Montiel. None of these films has been programmed to be released in Montreal or other Canadian cities, which speaks to the narrow criteria of those who select the films that will later be shown in theatres.

On the other hand, and even with good pu
blicity and, we imagine, with sound financial backing, this production, which has no significant artistic merits, is being shown, and about which we reproduce here the critical appraisal it deserved when it was shown at TIFF.  And we dare to bet that it won't last long in theatres, viewers are not so masochistic.

Bonjour Tristesse—Directed by Durga Chew-Bose (Co-Production Canada, Germany)

The eponymous novel on which this film is based was a bestseller in the 1950s. Françoise Sagan, the author, wrote it when she was 18. The story, centred on the life of Cécile (Lily McInerny) a teenager whose mother has died, and who is vacationing on the coast with her father, Raymond (Claes Bang) and his girlfriend Elsa (Nailia Harzoune), attempted to portray the existential angst of a youth then besieged by the emptiness of life in a post-war France enjoying a growing posterity, while the specter of the Cold War seemed to overshadow their future. In this film, director Durga Chew-Bosse, we don't know if intentionally, introduces incongruous elements: the fashion, especially the actresses' swimsuits and the models of the cars make it clear that this is the period in which the story was written—the 1950s—yet, incoherently, there are also cell phones in the scene, which otherwise have no use in the story. A simple inconsistency and a lack of knowledge of the director? A deliberate resource, although without a clear objective? Many scenes are extremely tedious: how often do we want to see the protagonists swimming in the sea or sunbathing on the beach? In short, a remake of a novel whose subject matter is otherwise dated, and the director fails in her attempt, if she had one, to make the story relevant again.

We do not recommend this film because it is extremely dull, a judgment perhaps too categorical and one we rarely use, which fits this one very well.

Running time: 110 min. 

CINE EN LA PLAZA—“BONJOUR TRISTESSE”: Tristemente aburrida

Comentario de Sergio Martínez

Se dice que en cuanto a la evaluación de la calidad de las películas se aplican los criterios de tres enjuiciadores diferentes: los espectadores, los críticos y los distribuidores. De más está decir, en muchas ocasiones las evaluaciones que de ahí surgen son muy contradictorias.

Como crítico tuve ocasión de ver Bonjour Tristesse en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2024, y en las habituales intercambios al final de la proyección para los medios todos con los que hablé coincidíamos en el tedio que este film nos había producido.

Paradojalmente, al cabo de casi un año, he aquí que este film se presenta en las pantallas de Montreal y, por lo que se ha informado por sus publicistas, también en cines de Estados Unidos. ¿En qué están pensando los distribuidores o exhibidores? ¿Acaso ha valido como excusa que el film ha sido dirigido por una canadiense? ¿O ha habido aquí un buen trabajo de contactos e influencias? Señalo esto porque en ese mismo festival tuvimos ocasión de ver, por ejemplo, The Mother and the Bear (La madre y el oso) ambientado en Winnipeg dirigida por el canadiense de origen coreano Johnny Ma. O en materia de cine internacional una obra de gran calidad como Pedro Páramo (del director Rodrigo Prieto) o si queremos hablar de cine de Estados Unidos, la muy agradable comedia-thriller Riff Raff del realizador Dino Montiel. Ninguno de estos filmes ha sido programación para exhibirse en Montreal u otras ciudades canadienses, lo que habla de la estrechez de criterio de quienes seleccionan las películas que después se exhibirán en las salas.

En cambio, y hasta con buena publicidad y nos imaginamos, con buen respaldo de dinero, se exhibe esta producción que no tiene mayores méritos artísticos y sobre la cual reproducimos aquí la apreciación crítica que nos mereció cuando se exhibió en el TIFF.  Y nos atrevemos a apostar que no durará mucho en cartelera, los espectadores no son tan masoquistas.

Bonjour Tristesse—Dirigido por Durga Chew-Bose (Coproducción Canadá, Alemania)

La novela homónima en que este film se basa fue un bestseller en los años 50, Françoise Sagan, su autora, lo escribió cuando tenía 18 años. La historia, centrada en la vida de Cécile (Lily McInerny) una adolescente cuya madre ha muerto, y que está de vacaciones en la costa con su padre, Raymond (Claes Bang) y Elsa (Nailia Harzoune) la novia de éste intentaba retratar la angustia existencial de una juventud asediada entonces por la vacuidad de la vida en una Francia de postguerra que gozaba de una creciente posteridad, mientras el espectro de la Guerra Fría parecía ensombrecer su futuro. En este film, la directora Durga Chew-Bosse, no sabemos si intencionalmente, introduce elementos incongruentes: la moda, especialmente los trajes de baño de las actrices y los modelos de los automóviles evidencian que se trata del período en que se escribió la historia—los años 50—sin embargo, incoherentemente, hay también teléfonos celulares en escena, los que por lo demás no tienen uso alguno en la historia. ¿Una simple inconsecuencia y falta de conocimiento de la directora? ¿Un recurso deliberado, aunque sin claro objetivo? Muchas de las escenas son extremadamente tediosas: ¿cuántas veces queremos ver a los protagonistas nadando en el mar o tomando el sol en la playa? En suma, una versión de una novela cuya temática está por lo demás envejecida y la directora fracasa en su intento—si es que lo tuvo—de hacer la historia relevante nuevamente.

No recomendamos esta película por ser extremadamente aburrida, un juicio quizás muy categórico y que rara vez usamos, pero que esta vez calza muy bien.

Duración: 110 min.

 

 

MOVIES AT LA PLAZA: ON SWIFT HORSES-- Sexual variants in the 1950s

Movie Review by Sergio Martínez

Those 50s of the last century, which, according to people's perception, had an aura of social, political, and indeed sexual conservatism, are not what this film portrays. Everything looks pretty standard for the marriage of Muriel (Daisy Edgar-Jones) and Lee (Will Porter), who decide to settle in a rural area of California after his return from the Korean War. That state of affairs will change when Lee's younger brother Julius (Jacob Elordi) makes an unexpected appearance.

Lee, Muriel and Julius 

From the very moment Julius shows up with his naked torso on the deck of the car, we know that something is going to happen between him and his sister-in-law, as there is no surprise, nor does the director (Daniel Minahan) try to give it to us. In fact, Julius, with his extroverted manner, contrasts with his austere brother. Indeed, these are characteristics that seem to impress a simple girl like Muriel.

However, another side to Julius' life gives the story a less conventional angle. While working in a casino, he is to enter into a relationship with Henry (Diego Calva), who, when she leaves him, will make him go in search of him in Mexico. Of course, the reason for this is not only sentimental.

Sandra

Muriel, for her part, will find a dimension that was also suppressed when she meets Sandra (Sasha Calle). However, her incursion into this unknown world will bring her some bitter moments and terrible indecision regarding the direction she will take in her life.

Muriel

It can be said that in all these incursions the characters fail to realize their aspirations, all these sexual variations are presented as promises of beginnings that in the end do not fully manifest.

On Swift Horses is an interesting film in that it vivisects a period usually considered very predictable and conservative, yet it also leaves a sense of unfinished promise.

Running time: 119 min.

CINE EN LA PLAZA: “ON SWIFT HORSES”—Variantes sexuales en los años 50

Comentario de Sergio Martínez

Esos años 50 del siglo pasado, que según la percepción de la gente tenían un aura de conservadurismo social, político y—por cierto—sexual, no son lo que este film retrata. Todo parece muy normal para el matrimonio de Muriel (Daisy Edgar-Jones) y Lee (Will Porter) quienes luego de que este regresara de la Guerra de Corea, decidieran instalarse en un área rural de California. Ese estado de cosas cambiará cuando el hermano menor de Lee, Julius (Jacob Elordi) hace su inesperada aparición.

Lee, Muriel y Julius, compartiendo
un instante familiar

Desde el momento mismo en que Julius se muestra con su torso desnudo sobre la cubierta del automóvil sabemos que algo va a pasar entre él y su cuñada, en eso no hay sorpresa ni el director (Daniel Minahan) intenta dárnosla. En los hechos, Julius con sus maneras extrovertidas y su trato desfachatado contrasta con su austero hermano. Ciertamente, características que parecen impresionar a una muchacha simple como Muriel.

Sandra despertará una
dimensión desconocida en Muriel

Sin embargo, hay otra arista en la vida de Julius que le confiere a la historia un ángulo menos convencional. Mientras trabaja en un casino él va a entrar en una relación con Henry (Diego Calva), quien cuando lo deja lo hará ir en su búsqueda en México, claro está, la razón de ello no es sólo sentimental.

Muriel no estaba muy clara 
en lo que perseguía

Muriel, por su parte, encontrará una dimensión que para ella también estaba suprimida cuando conoce a Sandra (Sasha Calle), aunque su incursión en este mundo desconocido para ella le traerá algunos momentos amargos y la terrible indecisión respecto del rumbo que dará a su vida.

Se puede decir que en todas esas incursiones los personajes no logran concretar sus aspiraciones, todas esas variaciones sexuales se presentan como promesas de comienzos que al final no llegan a manifestarse del todo.

On Swift Horses es un film interesante en cuanto hace una vivisección de un período usualmente considerado como muy previsible y conservador, sin embargo, también deja una sensación de promesas inacabadas.

Duración: 119 min.

MON LAFERTE Y NATALIA LAFOURCADE EN EL FESTIVAL DE JAZZ DE MONTREAL

Crónica de Sergio Martínez

Uno de los ritos que anuncian la que—esperamos—sea la eventual llegada del verano, se ha cumplido hace unos días cuando en conferencia de prensa los organizadores del Festival Internacional de Jazz de Montreal (FIJM) han adelantado la que será la programación de este evento, su 45ª edición, que este año se realizará entre el 26 de junio y el 5 de julio.

Como 2025 marca el centenario del nacimiento de esa legendaria figura del jazz de este país como fue Oscar Peterson, el FIJM ha programado una serie de eventos en su honor. La Gala del Centenario presentando la Canadiana Suite en la Maison symphonique de la Place des Arts, con la participación del Oscar Peterson Centennial Quartet (4 de julio, 19 hrs.). Este cuarteto también hará una presentación gratuita en la Pub Molson.

LA PRESENCIA LATINA

Los intérpretes latinos, una de las atracciones en ediciones anteriores del Festival, no habían estado muy presentes en la anterior edición de este evento. Este año los organizadores han sido más generosos en ofrecer al público latinoamericano y canadiense en general, un prometedor listado de exponentes de la canción de los países del sur del continente.

Natalia Lafourcade. Esta cantante mexicana que ya ha estado en anteriores ediciones del FIJM vuelve para reeditar sus éxitos con el público montrealés. Como parte de su Cancionera Tour, ella estará el jueves 26 y el viernes 27 de junio en la Sala Wilfrid Pelletier de la Place des Arts a las 19:30 hrs.

La mexicana Natalia Lafourcade estará de regreso
en el Festival Internacional de Jazz de Montreal

Mon Laferte. Por primera vez en el FIJM, esta cantante chilena, que reside en México, ganadora de Grammy estará el jueves 3 de julio a las 19:30 hrs. en la Sala Wilfrid Pelletier de la Place des Arts.

La chilena Mon Laferte visita el
Festival de Jazz de Montreal
por primera vez

Frente Cumbiero. Desde Colombia llega al Festival este grupo integrado por Mario Alejandro Galeano, Marco Antonio Fajardo y Pedro Elías Ojeda. Ellos estarán actuando en el escenario Rio Tinto ubicado en De Maisonneuve y Clark el jueves 4 de julio a las 20 hrs. (espectáculo gratuito).

Nubya Garcia. Hija de padre guyanés y madre trinitaria, nacida en Londres, esta artista presenta temas de inspiración caribeña. Ella se presentará el lunes 30 de junio a las 19:30 hrs. en el Esc
enario TD (espectáculo gratuito).

Andy Rubal. Cantante de origen cubano estará ofreciendo su espectáculo de salsa el martes 1º de julio a las 22 hrs. en el escenario Rio Tinto (evento gratuito).

Empanadas Ilegales. Un grupo de cumbia colombiana estará actuando el miércoles 2 de julio a las 20 hrs. en el escenario Rio Tinto (espectáculo gratuito).

Gabriella Olivo. Una artista local de origen mexicano estará en el escenario TD el viernes 27 de junio a las 17 hrs. (espectáculo gratuito).

Los billetes para los conciertos en sala ya están a la venta. Se pueden adquirir online a través de Ticketmaster. La información y el link para compra de entradas se halla en el sitio www.montrealjazzfest.com

MOVIES AT LA PLAZA: “AUNDA ESTOU AQUI” (“I’M STILL HERE’) -- Resilience and stoicism

Commentary by Sergio Martínez

It is 1970, and Brazil has been under a fierce military dictatorship for six years. However, at times, the country seems to have some semblance of normality: people are having fun at the beach, kids are playing soccer in the street, and young people are going to have fun at some bar. Rubens Paiva (Selton Mello), an engineer who until before the coup had been a deputy for the Labour Party, a social democratic formation, his wife Eunice (Fernanda Torres), and their five children live in Rio de Janeiro, near the beach. Their lives go by within the expected parameters of a middle-class family.

This film is based on the real story
of Rubens Paiva

This apparent atmosphere of normality is abruptly interrupted when security agents come to the house looking for Paiva. They tell his wife that the reason they are taking him with them is of no great importance. “Your husband will be back soon,” they assure Eunice. Eventually, the agents proceed to detain and interrogate Eunice and one of her daughters.

While in detention, Eunice is subjected to threatening interrogations and pressured to identify known persons in a photographic archive of alleged opponents of the dictatorship. Time passes, and finally, the woman must come to terms with the reality of the facts: her husband is a disappeared detainee. The situation becomes more complicated for the family: it is not even possible to withdraw funds from Rubens' bank account because the bank requires his signature.  Eunice decides to sell the house in Rio and move with her children to Sao Paulo.

Fernanda Torres as Eunice

This film, directed by Walter Salles, is based on a true story, the case of Rubens Paiva, one of the thousands of people who disappeared during the Brazilian military dictatorship.  After the restoration of democracy, Eunice and her children, now grown up, undertake the task of denouncing human rights violations during the military dictatorship.

I’m Still Here is nominated for an Oscar in both the Best Picture and Best International Film categories, and Fernanda Torres is nominated for Best Actress. Given the current circumstances in Brazil and other parts of the world, where there is a resurgence of extreme right-wing movements, this film undoubtedly has a strong social and political impact.

The family life of the Paivas
was soon disrupted

It is certainly a film that illustrates in a very powerful way the resilience of a woman faced with the loss of her husband, with five children under her responsibility and who must face the refusal of state agencies and the courts to find the whereabouts of her husband or at least his remains. Resilience and great stoicism allow Eunice to move forward and provide testimony of what it was like to fight against an implacable enemy such as the State apparatus during the dictatorship. Fernanda Torres delivers a remarkable performance for her versatility that goes from portraying a typical middle-class mother and wife to the strong woman who knows she must move forward and, finally, the human rights defender who strongly denounces everything she had to go through. The film also has the merit of recreating the social environments of the family and the neighbourhood where the Paiva used to live.

It is a film that we recommend because it invites us to reflect on what the military dictatorship meant in Brazil and how, in the present political environment, it is necessary to warn about the dangers of fascism worldwide.

Running time: 136 min.

CINE EN LA PLAZA: “AINDA ESTOU AQUÍ” (“AUN ESTOY AQUÍ”)—La resiliencia y el estoicismo

Comentario de Sergio Martínez

En 1970 Brasil ya lleva seis años bajo una feroz dictadura militar, aunque por momentos el país parece tener ciertos visos de normalidad: la gente se divierte en la playa, los chicos juegan fútbol en la calle, y los jóvenes van a pasarlo bien a algún bar. Rubens Paiva (Selton Mello), un ingeniero que hasta antes del golpe había sido diputado por el Partido Laborista, una formación socialdemócrata, su esposa Eunice (Fernanda Torres) y sus cinco hijos viven en Rio de Janeiro, cerca de la playa y sus vidas transcurren dentro de los parámetros esperados en una familia de clase media. 

Este film está basado en la historia
real de un detenido-desaparecido
brasileño

Todo ese aparente ambiente de normalidad es abruptamente interrumpido cuando agentes de seguridad acuden a la casa en busca de Paiva, algo sin mayor importancia, le dicen a su mujer. “Su marido estará pronto de regreso” le aseguran a Eunice. Eventualmente, los agentes procederán a detener e interrogar a Eunice y una de sus hijas. 

Mientras está detenida, Eunice es sometida a amenazantes interrogatorios y presionada para que identifique a personas conocidas en un archivo fotográfico de supuestos oponentes a la dictadura. El tiempo pasa y finalmente la mujer debe atenerse a la realidad de los hechos: su marido es un detenido desaparecido. La situación se torna más complicada para la familia: ni siquiera es posible retirar fondos de la cuenta bancaria de Rubens porque el banco requiere su firma.  Eunice opta por vender la casa de Rio e irse con sus hijos a Sao Paulo. 

Fernanda Torres como
Eunice 

Esta película dirigida por Walter Salles, está basada en una historia real, el caso de Rubens Paiva, uno de los miles de detenidos desaparecidos durante la dictadura militar brasileña.  Restaurada la democracia, Eunice y sus hijos, ahora mayores, emprenden la tarea de denunciar las violaciones a los derechos humanos en tiempos de la dictadura militar. 

Aun estoy aquí está nominada para un Oscar tanto en la categoría de Mejor Película, como en la de Mejor Película
Internacional. Fernanda Torres está nominada como mejor actriz. Sin duda se trata de un film con un fuerte impacto social y político dadas las actuales circunstancias en que, tanto en Brasil como en otras partes del mundo, se ve un resurgimiento de posiciones de extrema derecha. 

La vida familiar pronto
sería interrumpida

Ciertamente se trata de un film que ilustra de modo muy potente la resiliencia de una mujer enfrentada a la pérdida de su esposo, con cinco niños bajo su responsabilidad y que debe enfrentar la negativa de las agencias del Estado y de los tribunales, para dar con el paradero de su esposo o al menos de sus restos. Resiliencia y un gran estoicismo permiten a Eunice salir adelante y poder dar testimonio de lo que fue luchar contra un enemigo implacable como fue el aparato del Estado durante la dictadura. Fernanda Torres entrega una actuación notable por su versatilidad que va desde retratar a una típica madre y esposa de clase media, a la mujer fuerte que sabe que debe salir adelante y finalmente, la defensora de derechos humanos que denuncia con fuerza todo lo que tuvo que pasar. El film tiene además el mérito de recrear muy bien los ambientes sociales tanto de la familia como del entorno del barrio en que viven los Paiva.

Un film que recomendamos porque invita a reflexionar sobre lo que significó esa dictadura militar en Brasil y como, cuando hoy se vive un ambiente amenazante, es necesario advertir sobre los peligros del fascismo a nivel mundial.

Duración: 136 min.

MOVIES AT LA PLAZA: HARD TRUTHS—Family values, for real

Movie Review by Sergio Martinez

Marianne Jean Baptiste as Pansy,
a very difficult person to deal with

Centred on the vicissitudes of a black family in England, this film, directed by Mike Leigh, makes us reflect on the strength of the bonds of affection that are generated there. This is even though Pansy (Marianne Jean Baptiste) is a woman prone to quarrelling with everyone and for any trifle. Curtley (David Webber), Pansy's husband, no longer reacts to his insufferable wife's outbursts and limits himself to working and barely exchanging words with his wife. In the case of their son, Moses (Tuwaine Barrett), the mother would have reason to complain—at 22, the young man does nothing but stay at home and “still eats peanut butter sandwiches,” as Pansy says at one point.

Her sister Chantelle (Michele
Austin) is a harmonizing factor

A very different personality is that of Chantelle (Michele Austin), Pansy's younger sister, who calmly and relaxedly tries to be a harmonizing factor in her difficult sister's relationship. Chantelle owns a beauty salon and, along with tending to Pansy, tries to find common ground with her. Despite awakening old quarrels, a visit to the cemetery nevertheless serves as a softener in Pansy's difficult character.

Hard Truths can be seen as an incisive look inside a working-class black family, albeit with a relatively well-off background, facing the tensions produced by a society that does not favour communication between people. At the same time, the film very eloquently rescues what we could call true family values, those that do not focus on abstract moral conceptions but, on the contrary, highlight the emotional bond between these two sisters, so different but united by a feeling of genuine solidarity.

Family values, for real

Filmed mainly in the atmosphere of Pansy's house or Chantelle's beauty salon, the director conveys the claustrophobic environment in which their relationships take place very well. We recommend Hard Truths as a thought-provoking film about today's family. Its subject matter, however, is of interest to an adult audience.

Running time: 97 min.

CINE EN LA PLAZA: “HARD TRUTHS”—Duras verdades y valores familiares, de verdad

Comentario de Sergio Martínez

Pansy (Marianne Jean Baptiste) 
tiene un carácter muy difícil

Centrada en las vicisitudes de una familia negra en Inglaterra, esta película dirigida por Mike Leigh nos hace reflexionar sobre la fortaleza de los lazos afectivos que allí se generan. Eso a pesar de que Pansy (Marianne Jean Baptiste), es una mujer propensa a pelearse con todo el mundo y por cualquiera nimiedad. Curtley (David Webber), el marido de Pansy, ya ni siquiera reacciona antes los arranques de su insufrible mujer y se limita a trabajar y apenas intercambiar palabras con su esposa. En el caso del hijo de ambos, Moses (Tuwaine Barrett), la madre sí tendría motivos para quejarse: a los 22 años el joven no hace cosa alguna sino estar en casa y “todavía comer sándwiches de mantequilla de maní,” comenta Pansy.

Una personalidad muy diferente es la de Chantelle (Michele Austin), la hermana menor de Pansy, quien con calma y de manera relajada trata de ser un factor armonizador en la relación con su difícil hermana. Chantelle tiene un salón de belleza y allí, junto con atender a Pansy, trata de encontrar un espacio común con ella. Una visita al cementerio, a pesar de despertar también viejas rencillas, sirve sin embargo como un suavizante en el difícil carácter de Pansy.

Su hermana Chantelle (Michele Austin)
es un factor armonizador

Hard Truths puede considerarse como una incisiva mirada al interior de una familia negra, de clase trabajadora, aunque con un pasar relativamente acomodado, que enfrenta las tensiones que produce una sociedad que no favorece mucho la comunicación entre las personas. Al mismo tiempo, el film rescata de manera muy elocuente los que pudiéramos llamar valores familiares de verdad, aquellos que no se centran en concepciones de una moral abstracta, sino que, por el contrario, resaltan el lazo afectivo entre esas dos hermanas, tan diferentes, pero unidas por un sentimiento de genuina solidaridad.

Los reales valores familiares

Filmado en gran parte en el ambiente de la casa de Pansy o en el salón de belleza de Chantelle, el director logra transmitir muy bien ese entorno claustrofóbico que rodea las relaciones de la familia. Recomendamos Hard Truths como una película que hace pensar sobre la familia actual. Su temática, eso sí, es de interés más bien para un público adulto.

Duración: 97 min.

MOVIES AT LA PLAZA: THE LAST SHOWGIRL—A tribute to a genre long gone

Movie Review by Sergio Martínez

Revue theatre has a long history with dance troupes that have enjoyed notable fame, such as the Folies Bergère in Paris. However, the less famous cabarets that once proliferated in various cities worldwide have disappeared in recent years. With their departure also go the preened dancers in tiny costumes that barely cover their bodies and sport rhinestones and feathers.

Pamela Anderson as Shelly

The Last Showgirl, a film directed by Gia Coppola, is a sort of homage to this genre, in this case, centred in Las Vegas, an entertainment capital in the United States that, in the golden age of cabaret, hosted many of them in the casinos and surrounding areas.  With the arrival of the new century, however, other forms of entertainment displaced the revue theatre: circuses such as Cirque du Soleil or, in a more sordid environment, venues featuring striptease or dancers at the tables relegated the cabaret and with it, those who were its not-always-recognized stars.

Shelly (Pamela Anderson) joined the corps de ballet at Le Razzle Dazzle in the 1980s and, after thirty years on stage, has come to consider her work truly an art form. She really loves what she does. That view is shared by her friend Annette (Jamie Lee Curtis), who is now retired from dancing and working in a casino serving cocktails, albeit with the caveat that age is the enemy of the trade.

Jamie Lee Curtis as Annette,
a former dancer

The relatively predictable life of Shelly and her younger dancer colleagues, Jodie (Kiernan Shipka) and Mary-Anne (Brenda Song), is abruptly interrupted when their friend and stage manager Eddie (Dave Bautista), brings them the bad news: the theatre is closing. When Shelly attends an audition at another venue, she must brutally deal with an insurmountable obstacle in her craft: age. At over 50, Shelly's job prospects are greatly diminished. Amid it all, there is a reunion with her daughter Hannah (Billie Lourd), whom she has not seen for a long time.  Time, however, only hastens the inevitable, and Shelly must deal with it. She does so in the way one might expect from that world of glittering sequins and spectacular stage displays.

Eddie  (Dave Batista), the stage director

This film takes us back to a type of show that has been disappearing without its anonymous protagonists leaving their traces. In this sense of rescuing the memory of those dancers, Pamela Anderson, the Canadian actress who became famous as a sex symbol in the series Baywatch, which aired between 1989 and 2001, delivers a very convincing performance. Both Shelly's more personal moments, sharing with her friend Annette, at the family dinner table with her colleagues and Eddie, or in the attempt to reconnect with her daughter, and on stage, especially her last appearance with the expected smile, leave a strong impression. Certainly, her performance in this film is also a denouncement against ageism.

Pamela Anderson delivers a convincing and powerful performance

We recommend The Last Showgirl for its dramatic quality, very good narrative development, and the themes it alludes to.

Running time: 88 min.

CINE EN LA PLAZA—THE LAST SHOWGIRL (LA ÚLTIMA BAILARINA DE CABARET): Homenaje a un género ya ido

Comentario de Sergio Martínez

El teatro de revistas, también conocido como “teatro frívolo”, ha tenido una larga historia con grupos de baile que han gozado de notable fama, como el Folies Bergère de París. En años recientes, sin embargo, las expresiones menos famosas de esos espectáculos que proliferaron en diversas ciudades del mundo están desapareciendo. Con su partida se van también las bailarinas acicaladas con pequeños trajes que apenas cubren sus cuerpos, mientras lucen elaboradas armazones con lentejillas brillantes y coloridos plumajes.

Pamela Anderson entrega una
convincente Shelly

The Last Showgirl, película dirigida por Gia Coppola, es una suerte de homenaje a ese género, en este caso centrado en Las Vegas, una capital del entretenimiento en Estados Unidos que en la época de oro del cabaret albergó a muchos de ellos en los casinos y áreas aledañas.  Con la llegada del nuevo siglo, sin embargo, otras formas de entretenimiento desplazaron al teatro frívolo: circos como el Cirque du Soleil o en un ámbito más sórdido, los locales que presentan striptease o bailarinas a las mesas relegaron al cabaret y con ello a quienes eran sus no siempre reconocidas estrellas.

Shelly (Pamela Anderson) se había integrado al cuerpo de baile de Le Razzle Dazzle en los años 80 y por treinta años en el escenario ha llegado a considerar que su trabajo es realmente una forma de arte, ella realmente ama lo que hace. Ese parecer es compartido por su amiga Annette (Jamie Lee Curtis), ahora ya retirada del baile y trabajando en un casino sirviendo cócteles, eso sí, con la advertencia de que la edad es la enemiga del oficio.

Annette (Jamie Lee Curtis)
una ex bailarina 

El pasar relativamente previsible de la vida de Shelly y sus colegas bailarinas más jóvenes, Jodie (Kiernan Shipka) y Mary-Anne (Brenda Song), se verá abruptamente interrumpido cuando su amigo y director de escena Eddie (Dave Bautista) les trae la mala noticia: el teatro va a cerrar. Cuando Shelly asiste a una audición en otro local, debe lidiar de manera brutal con un obstáculo insuperable en su oficio: la edad. Con sobre 50 años, las perspectivas laborales de Shelly se ven muy disminuidas. En medio de todo eso, se produce un reencuentro con su hija Hannah (Billie Lourd) a quien no ve desde hace mucho tiempo.  El tiempo, sin embargo, sólo apresura lo inevitable y Shelly debe enfrentarlo, y lo hace del modo como es de esperar de ese mundo de lentejillas brillantes y despliegues espectaculares sobre el escenario.

Eddie (Dave Batista) es el
director de escena

Este es un film que nos traslada a un tipo de espectáculo que ha ido desapareciendo sin que sus anónimas protagonistas dejen sus huellas. En este sentido de rescatar la memoria de esas bailarinas, Pamela Anderson, la actriz canadiense que se hiciera famosa como símbolo sexual en la serie Guardianes de la Bahía transmitida entre 1989 y 2001, entrega una muy convincente actuación. Tanto los momentos más personales de Shelly, compartiendo con su amiga Annette, o en la mesa familiar con sus colegas y Eddie, o en el intento de reconectar con su hija, así como sobre el escenario, en especial su última aparición con la esperada sonrisa, dejan una fuerte impresión. Ciertamente, su actuación en este film es también una denuncia contra la discriminación por edad.

Una notable actuación de Pamela Anderson como
la bailarina que no pierde su sonrisa, pese a las circunstancias

The Last Showgirl es un film que recomendamos tanto por su calidad dramática, su muy buen desarrollo narrativo, así como por los temas que alude.

Duración: 88 min.