MOVIES AT LA PLAZA: “AUNDA ESTOU AQUI” (“I’M STILL HERE’) -- Resilience and stoicism

Commentary by Sergio Martínez

It is 1970, and Brazil has been under a fierce military dictatorship for six years. However, at times, the country seems to have some semblance of normality: people are having fun at the beach, kids are playing soccer in the street, and young people are going to have fun at some bar. Rubens Paiva (Selton Mello), an engineer who until before the coup had been a deputy for the Labour Party, a social democratic formation, his wife Eunice (Fernanda Torres), and their five children live in Rio de Janeiro, near the beach. Their lives go by within the expected parameters of a middle-class family.

This film is based on the real story
of Rubens Paiva

This apparent atmosphere of normality is abruptly interrupted when security agents come to the house looking for Paiva. They tell his wife that the reason they are taking him with them is of no great importance. “Your husband will be back soon,” they assure Eunice. Eventually, the agents proceed to detain and interrogate Eunice and one of her daughters.

While in detention, Eunice is subjected to threatening interrogations and pressured to identify known persons in a photographic archive of alleged opponents of the dictatorship. Time passes, and finally, the woman must come to terms with the reality of the facts: her husband is a disappeared detainee. The situation becomes more complicated for the family: it is not even possible to withdraw funds from Rubens' bank account because the bank requires his signature.  Eunice decides to sell the house in Rio and move with her children to Sao Paulo.

Fernanda Torres as Eunice

This film, directed by Walter Salles, is based on a true story, the case of Rubens Paiva, one of the thousands of people who disappeared during the Brazilian military dictatorship.  After the restoration of democracy, Eunice and her children, now grown up, undertake the task of denouncing human rights violations during the military dictatorship.

I’m Still Here is nominated for an Oscar in both the Best Picture and Best International Film categories, and Fernanda Torres is nominated for Best Actress. Given the current circumstances in Brazil and other parts of the world, where there is a resurgence of extreme right-wing movements, this film undoubtedly has a strong social and political impact.

The family life of the Paivas
was soon disrupted

It is certainly a film that illustrates in a very powerful way the resilience of a woman faced with the loss of her husband, with five children under her responsibility and who must face the refusal of state agencies and the courts to find the whereabouts of her husband or at least his remains. Resilience and great stoicism allow Eunice to move forward and provide testimony of what it was like to fight against an implacable enemy such as the State apparatus during the dictatorship. Fernanda Torres delivers a remarkable performance for her versatility that goes from portraying a typical middle-class mother and wife to the strong woman who knows she must move forward and, finally, the human rights defender who strongly denounces everything she had to go through. The film also has the merit of recreating the social environments of the family and the neighbourhood where the Paiva used to live.

It is a film that we recommend because it invites us to reflect on what the military dictatorship meant in Brazil and how, in the present political environment, it is necessary to warn about the dangers of fascism worldwide.

Running time: 136 min.

CINE EN LA PLAZA: “AINDA ESTOU AQUÍ” (“AUN ESTOY AQUÍ”)—La resiliencia y el estoicismo

Comentario de Sergio Martínez

En 1970 Brasil ya lleva seis años bajo una feroz dictadura militar, aunque por momentos el país parece tener ciertos visos de normalidad: la gente se divierte en la playa, los chicos juegan fútbol en la calle, y los jóvenes van a pasarlo bien a algún bar. Rubens Paiva (Selton Mello), un ingeniero que hasta antes del golpe había sido diputado por el Partido Laborista, una formación socialdemócrata, su esposa Eunice (Fernanda Torres) y sus cinco hijos viven en Rio de Janeiro, cerca de la playa y sus vidas transcurren dentro de los parámetros esperados en una familia de clase media. 

Este film está basado en la historia
real de un detenido-desaparecido
brasileño

Todo ese aparente ambiente de normalidad es abruptamente interrumpido cuando agentes de seguridad acuden a la casa en busca de Paiva, algo sin mayor importancia, le dicen a su mujer. “Su marido estará pronto de regreso” le aseguran a Eunice. Eventualmente, los agentes procederán a detener e interrogar a Eunice y una de sus hijas. 

Mientras está detenida, Eunice es sometida a amenazantes interrogatorios y presionada para que identifique a personas conocidas en un archivo fotográfico de supuestos oponentes a la dictadura. El tiempo pasa y finalmente la mujer debe atenerse a la realidad de los hechos: su marido es un detenido desaparecido. La situación se torna más complicada para la familia: ni siquiera es posible retirar fondos de la cuenta bancaria de Rubens porque el banco requiere su firma.  Eunice opta por vender la casa de Rio e irse con sus hijos a Sao Paulo. 

Fernanda Torres como
Eunice 

Esta película dirigida por Walter Salles, está basada en una historia real, el caso de Rubens Paiva, uno de los miles de detenidos desaparecidos durante la dictadura militar brasileña.  Restaurada la democracia, Eunice y sus hijos, ahora mayores, emprenden la tarea de denunciar las violaciones a los derechos humanos en tiempos de la dictadura militar. 

Aun estoy aquí está nominada para un Oscar tanto en la categoría de Mejor Película, como en la de Mejor Película
Internacional. Fernanda Torres está nominada como mejor actriz. Sin duda se trata de un film con un fuerte impacto social y político dadas las actuales circunstancias en que, tanto en Brasil como en otras partes del mundo, se ve un resurgimiento de posiciones de extrema derecha. 

La vida familiar pronto
sería interrumpida

Ciertamente se trata de un film que ilustra de modo muy potente la resiliencia de una mujer enfrentada a la pérdida de su esposo, con cinco niños bajo su responsabilidad y que debe enfrentar la negativa de las agencias del Estado y de los tribunales, para dar con el paradero de su esposo o al menos de sus restos. Resiliencia y un gran estoicismo permiten a Eunice salir adelante y poder dar testimonio de lo que fue luchar contra un enemigo implacable como fue el aparato del Estado durante la dictadura. Fernanda Torres entrega una actuación notable por su versatilidad que va desde retratar a una típica madre y esposa de clase media, a la mujer fuerte que sabe que debe salir adelante y finalmente, la defensora de derechos humanos que denuncia con fuerza todo lo que tuvo que pasar. El film tiene además el mérito de recrear muy bien los ambientes sociales tanto de la familia como del entorno del barrio en que viven los Paiva.

Un film que recomendamos porque invita a reflexionar sobre lo que significó esa dictadura militar en Brasil y como, cuando hoy se vive un ambiente amenazante, es necesario advertir sobre los peligros del fascismo a nivel mundial.

Duración: 136 min.

MOVIES AT LA PLAZA: HARD TRUTHS—Family values, for real

Movie Review by Sergio Martinez

Marianne Jean Baptiste as Pansy,
a very difficult person to deal with

Centred on the vicissitudes of a black family in England, this film, directed by Mike Leigh, makes us reflect on the strength of the bonds of affection that are generated there. This is even though Pansy (Marianne Jean Baptiste) is a woman prone to quarrelling with everyone and for any trifle. Curtley (David Webber), Pansy's husband, no longer reacts to his insufferable wife's outbursts and limits himself to working and barely exchanging words with his wife. In the case of their son, Moses (Tuwaine Barrett), the mother would have reason to complain—at 22, the young man does nothing but stay at home and “still eats peanut butter sandwiches,” as Pansy says at one point.

Her sister Chantelle (Michele
Austin) is a harmonizing factor

A very different personality is that of Chantelle (Michele Austin), Pansy's younger sister, who calmly and relaxedly tries to be a harmonizing factor in her difficult sister's relationship. Chantelle owns a beauty salon and, along with tending to Pansy, tries to find common ground with her. Despite awakening old quarrels, a visit to the cemetery nevertheless serves as a softener in Pansy's difficult character.

Hard Truths can be seen as an incisive look inside a working-class black family, albeit with a relatively well-off background, facing the tensions produced by a society that does not favour communication between people. At the same time, the film very eloquently rescues what we could call true family values, those that do not focus on abstract moral conceptions but, on the contrary, highlight the emotional bond between these two sisters, so different but united by a feeling of genuine solidarity.

Family values, for real

Filmed mainly in the atmosphere of Pansy's house or Chantelle's beauty salon, the director conveys the claustrophobic environment in which their relationships take place very well. We recommend Hard Truths as a thought-provoking film about today's family. Its subject matter, however, is of interest to an adult audience.

Running time: 97 min.

CINE EN LA PLAZA: “HARD TRUTHS”—Duras verdades y valores familiares, de verdad

Comentario de Sergio Martínez

Pansy (Marianne Jean Baptiste) 
tiene un carácter muy difícil

Centrada en las vicisitudes de una familia negra en Inglaterra, esta película dirigida por Mike Leigh nos hace reflexionar sobre la fortaleza de los lazos afectivos que allí se generan. Eso a pesar de que Pansy (Marianne Jean Baptiste), es una mujer propensa a pelearse con todo el mundo y por cualquiera nimiedad. Curtley (David Webber), el marido de Pansy, ya ni siquiera reacciona antes los arranques de su insufrible mujer y se limita a trabajar y apenas intercambiar palabras con su esposa. En el caso del hijo de ambos, Moses (Tuwaine Barrett), la madre sí tendría motivos para quejarse: a los 22 años el joven no hace cosa alguna sino estar en casa y “todavía comer sándwiches de mantequilla de maní,” comenta Pansy.

Una personalidad muy diferente es la de Chantelle (Michele Austin), la hermana menor de Pansy, quien con calma y de manera relajada trata de ser un factor armonizador en la relación con su difícil hermana. Chantelle tiene un salón de belleza y allí, junto con atender a Pansy, trata de encontrar un espacio común con ella. Una visita al cementerio, a pesar de despertar también viejas rencillas, sirve sin embargo como un suavizante en el difícil carácter de Pansy.

Su hermana Chantelle (Michele Austin)
es un factor armonizador

Hard Truths puede considerarse como una incisiva mirada al interior de una familia negra, de clase trabajadora, aunque con un pasar relativamente acomodado, que enfrenta las tensiones que produce una sociedad que no favorece mucho la comunicación entre las personas. Al mismo tiempo, el film rescata de manera muy elocuente los que pudiéramos llamar valores familiares de verdad, aquellos que no se centran en concepciones de una moral abstracta, sino que, por el contrario, resaltan el lazo afectivo entre esas dos hermanas, tan diferentes, pero unidas por un sentimiento de genuina solidaridad.

Los reales valores familiares

Filmado en gran parte en el ambiente de la casa de Pansy o en el salón de belleza de Chantelle, el director logra transmitir muy bien ese entorno claustrofóbico que rodea las relaciones de la familia. Recomendamos Hard Truths como una película que hace pensar sobre la familia actual. Su temática, eso sí, es de interés más bien para un público adulto.

Duración: 97 min.

MOVIES AT LA PLAZA: THE LAST SHOWGIRL—A tribute to a genre long gone

Movie Review by Sergio Martínez

Revue theatre has a long history with dance troupes that have enjoyed notable fame, such as the Folies Bergère in Paris. However, the less famous cabarets that once proliferated in various cities worldwide have disappeared in recent years. With their departure also go the preened dancers in tiny costumes that barely cover their bodies and sport rhinestones and feathers.

Pamela Anderson as Shelly

The Last Showgirl, a film directed by Gia Coppola, is a sort of homage to this genre, in this case, centred in Las Vegas, an entertainment capital in the United States that, in the golden age of cabaret, hosted many of them in the casinos and surrounding areas.  With the arrival of the new century, however, other forms of entertainment displaced the revue theatre: circuses such as Cirque du Soleil or, in a more sordid environment, venues featuring striptease or dancers at the tables relegated the cabaret and with it, those who were its not-always-recognized stars.

Shelly (Pamela Anderson) joined the corps de ballet at Le Razzle Dazzle in the 1980s and, after thirty years on stage, has come to consider her work truly an art form. She really loves what she does. That view is shared by her friend Annette (Jamie Lee Curtis), who is now retired from dancing and working in a casino serving cocktails, albeit with the caveat that age is the enemy of the trade.

Jamie Lee Curtis as Annette,
a former dancer

The relatively predictable life of Shelly and her younger dancer colleagues, Jodie (Kiernan Shipka) and Mary-Anne (Brenda Song), is abruptly interrupted when their friend and stage manager Eddie (Dave Bautista), brings them the bad news: the theatre is closing. When Shelly attends an audition at another venue, she must brutally deal with an insurmountable obstacle in her craft: age. At over 50, Shelly's job prospects are greatly diminished. Amid it all, there is a reunion with her daughter Hannah (Billie Lourd), whom she has not seen for a long time.  Time, however, only hastens the inevitable, and Shelly must deal with it. She does so in the way one might expect from that world of glittering sequins and spectacular stage displays.

Eddie  (Dave Batista), the stage director

This film takes us back to a type of show that has been disappearing without its anonymous protagonists leaving their traces. In this sense of rescuing the memory of those dancers, Pamela Anderson, the Canadian actress who became famous as a sex symbol in the series Baywatch, which aired between 1989 and 2001, delivers a very convincing performance. Both Shelly's more personal moments, sharing with her friend Annette, at the family dinner table with her colleagues and Eddie, or in the attempt to reconnect with her daughter, and on stage, especially her last appearance with the expected smile, leave a strong impression. Certainly, her performance in this film is also a denouncement against ageism.

Pamela Anderson delivers a convincing and powerful performance

We recommend The Last Showgirl for its dramatic quality, very good narrative development, and the themes it alludes to.

Running time: 88 min.

CINE EN LA PLAZA—THE LAST SHOWGIRL (LA ÚLTIMA BAILARINA DE CABARET): Homenaje a un género ya ido

Comentario de Sergio Martínez

El teatro de revistas, también conocido como “teatro frívolo”, ha tenido una larga historia con grupos de baile que han gozado de notable fama, como el Folies Bergère de París. En años recientes, sin embargo, las expresiones menos famosas de esos espectáculos que proliferaron en diversas ciudades del mundo están desapareciendo. Con su partida se van también las bailarinas acicaladas con pequeños trajes que apenas cubren sus cuerpos, mientras lucen elaboradas armazones con lentejillas brillantes y coloridos plumajes.

Pamela Anderson entrega una
convincente Shelly

The Last Showgirl, película dirigida por Gia Coppola, es una suerte de homenaje a ese género, en este caso centrado en Las Vegas, una capital del entretenimiento en Estados Unidos que en la época de oro del cabaret albergó a muchos de ellos en los casinos y áreas aledañas.  Con la llegada del nuevo siglo, sin embargo, otras formas de entretenimiento desplazaron al teatro frívolo: circos como el Cirque du Soleil o en un ámbito más sórdido, los locales que presentan striptease o bailarinas a las mesas relegaron al cabaret y con ello a quienes eran sus no siempre reconocidas estrellas.

Shelly (Pamela Anderson) se había integrado al cuerpo de baile de Le Razzle Dazzle en los años 80 y por treinta años en el escenario ha llegado a considerar que su trabajo es realmente una forma de arte, ella realmente ama lo que hace. Ese parecer es compartido por su amiga Annette (Jamie Lee Curtis), ahora ya retirada del baile y trabajando en un casino sirviendo cócteles, eso sí, con la advertencia de que la edad es la enemiga del oficio.

Annette (Jamie Lee Curtis)
una ex bailarina 

El pasar relativamente previsible de la vida de Shelly y sus colegas bailarinas más jóvenes, Jodie (Kiernan Shipka) y Mary-Anne (Brenda Song), se verá abruptamente interrumpido cuando su amigo y director de escena Eddie (Dave Bautista) les trae la mala noticia: el teatro va a cerrar. Cuando Shelly asiste a una audición en otro local, debe lidiar de manera brutal con un obstáculo insuperable en su oficio: la edad. Con sobre 50 años, las perspectivas laborales de Shelly se ven muy disminuidas. En medio de todo eso, se produce un reencuentro con su hija Hannah (Billie Lourd) a quien no ve desde hace mucho tiempo.  El tiempo, sin embargo, sólo apresura lo inevitable y Shelly debe enfrentarlo, y lo hace del modo como es de esperar de ese mundo de lentejillas brillantes y despliegues espectaculares sobre el escenario.

Eddie (Dave Batista) es el
director de escena

Este es un film que nos traslada a un tipo de espectáculo que ha ido desapareciendo sin que sus anónimas protagonistas dejen sus huellas. En este sentido de rescatar la memoria de esas bailarinas, Pamela Anderson, la actriz canadiense que se hiciera famosa como símbolo sexual en la serie Guardianes de la Bahía transmitida entre 1989 y 2001, entrega una muy convincente actuación. Tanto los momentos más personales de Shelly, compartiendo con su amiga Annette, o en la mesa familiar con sus colegas y Eddie, o en el intento de reconectar con su hija, así como sobre el escenario, en especial su última aparición con la esperada sonrisa, dejan una fuerte impresión. Ciertamente, su actuación en este film es también una denuncia contra la discriminación por edad.

Una notable actuación de Pamela Anderson como
la bailarina que no pierde su sonrisa, pese a las circunstancias

The Last Showgirl es un film que recomendamos tanto por su calidad dramática, su muy buen desarrollo narrativo, así como por los temas que alude.

Duración: 88 min.