Después de la ceremonia de entregas de premios del domingo 22 de mayo, el certamen concluirá con la proyección de LES BIEN-AIMÉS, film francés del director Christophe Honoré.
Se anticipa como un relato que transcurre en Praga, París y Londres, entretejiendo dos historias románticas. La primera comienza en 1960, época que marcó una transformación profunda manifestada por la revolución sexual que comienza a surgir en esa década y los cambios producidos en el rol tradicional de la mujer al comenzar su emancipación; la segunda historia de amor tiene lugar hacia finales de la década del 80 y principios del 90 cuando los efectos del SIDA se hacen sentir y surge un temor al compromiso emocional.
El film cuenta con la participación de Catherine Deneuve, Ludivine Sagnier, Chiara Mastroianni, Louis Garrel, Michel Delpech, Paul Schneider y el cineasta checo Milos Forman. Para su línea narrativa Honoré ha utilizado un formato musical similar al que empleó en sus anteriores trabajos y siguiendo el criterio que solía emplear el sensible realizador Jacques Demy.
Ludivine Sagnier en Les Bien-Aimés
EGIPTO, PAÍS INVITADO
A partir de este año el Festival distingue a un país como invitado de honor. Para inaugurar esta nueva modalidad, Egipto es el país al que le cabe este tributo.
El homenaje a este país se efectuará el 18 de mayo con la proyección de 18 JOURS, film compuesto por 10 cortometrajes de ficción dirigidos por Sherif Arafa, Yousry Nasrallah, Mariam Abou Ouf, Marwan Hamed, Mohamed Aly, Kamla Abou Zikri, Sherif El Bendari, Khaled Marei, Ahmad Abdallah y Ahmad Alaa. Todos los cortos están basados en la revolución que tuvo lugar en el país a comienzos de este año.
Desde 2004, el Festival de Cannes exhibe filmes en copias nuevas o restauradas que son considerados como clásicos en la historia del cine por su extraordinario valor artístico. Este año se exhibirán 15 inolvidables títulos que fueron seleccionados en base a proposiciones efectuadas por las cinematecas, estudios de cine, archivos nacionales, productores y distribuidores.
Entre la lista se encuentra el famoso cortometraje de Georges Meliès LE VOYAGE DANS LA LUNE (Francia, 1902), en versión restaurada, corida y con banda sonora del conjunto francés Air.
De Stanley Kubrick y celebrando el cuadragésimo aniversario de su estreno se verá A CLOCKWORK ORANGE (Estados Unidos, 1971) que sin duda sigue siendo otros de sus títulos más memorables y ha sido totalmente restaurado. La exhibición será presenciada por Malcom McDowell, el protagonista del film, Christiane Kubrick, la viuda del director, y Jan Harlan quien fuera el colaborador de Kubrick y el realizador del documental StanleyKubrick: A Life in Pictures (2000)
Malcom McDowell en A Clockwork Orange
Bermardo Bertolucci quien recibirá una Palma de Oro por su trayectoria artística en la ceremonia de apertura del Festival, estará también presente para la exhibición de THE CONFORMIST (Italia, 1970), uno de sus filmes más importantes. También se verá L’ASSASSINO (Italia, 1961) del recordado cineasta Elio Pietri, que fue objeto de una restauración digital efectuada por el Museo Nazionale del Cinema di Torino. Otro título restaurado ha sido la ópera prima de Jerry SchatzbergPUZZLE OF A DOWNFALL CHILD (Estados Unidos, 1970), cuyo film Scarecrow obtuvo la Palma de Oro en 1973; Schatzberg es el autor del afiche del festival de este año con la imagen de Faye Dunaway.
Otros títulos clásicos de este año incluyen RUE CASES NÉGRES (Francia, 1983) de Euzhan Palcy, DESPAIR (Alemania, 1978) de Rainer Werner Fassbinder, LE SAUVAGE (Francia, 1975) de Jean-Paul Rappeneau, LES ENFANTS DU PARADIS (Francia, 1945) de Marcel Carné, CHRONIQUE D’UN ÉTÉ (Francia, 1966) de Jean Rouch y Edgar Morin, una copia nueva de AL BOSTAGUI (Egipto, 1968) de Hussein Kamal y el film de Roberto Rosellini LA MACCHINA AMMAZZACATTIVI (Italia, 1952).
Les Grands Ballets Canadiens de Montreal presenta como último programa de su actual temporada el ballet Searching for Home (Heim Suchen) del coreógrafo alemán Stephan Thoss, director del Ballet de Wiesbaden, con música de Philip Glass.
Se anticipa como una obra de “fascinante estética” que conjuga el ballet clásico con la danza expresionista alemana. En el mismo programa se podrá conocer dos obras de Marco Goecke, coreógrafo alemán residente del Ballet de Stuttgart. Este artista es considerado como una de las personalidades más renombradas de la escena alemana; habiendo reinventado con gran originalidad los movimientos y ritmos de numerosos ballets, sus trabajos merecieron unánime aprobación crítica y además ha obtenido un gran número de distinciones.
Uno de los dos ballets es Pierrot Lunaire, donde Goecke se inspiró de la figura poética de Pierrot de la Commedia dell arte; cuenta con 8 bailarines y la música es de Shoenberg. El otro ballet consiste en un Pas de Deux de El Pájaro de Fuego de Stravinsky.
Las representaciones tienen lugar en la sala Wilfrid-Pelletier los días 12, 13, 14, 19, 20 y 21 de Mayo (20h00). El sitio de Internet es www.grandsballets.com
LAS SERIES DEL BALLET DE BOLSHOI
Con la presentación del ballet Coppelia directamente difundida desde el escenario del Teatro Bolshoi de Moscú, culmina la presente temporada de estas series. La trama de este ballet con música de Leo Delibes gira en torno de una hermosa muñeca mecánica que amenaza la felicidad de dos enamorados.
La versión pertenece a George Balanchine en base a la coreografía original de Marius Petipa y ahora recreada por el coreógrafo Sergei Vikharev. El espectáculo tiene lugar el domingo 29 de Mayo a las 11h00 (hora del este) en las provincias de Quebec y Ontario.
Para consultar las salas participantes de CINEPLEX DIVERTISSEMENT y los horarios correspondientes de las restantes provincias de Canadá, el sitio de Internet es http://www.cineplex.com/Events/BolshoiBallet/Home.aspx
El último espectáculo lírico de la presente temporada transmitido directamente desde el MET de Nueva York vía satélite y en alta definición es LA VALQUIRIA. Esta monumental ópera esla segunda parte de la ambiciosa tetralogía “El Anillo del Nibelungo” de Richard Wagner en base a figuras y elementos de la mitología germánica.
Como en El Oro del Rin, la primera ópera del ciclo que se difundió desde el MET el año pasado, la puesta escénica corresponde también al excelente director, actor y dramaturgo canadiense Robert Lepage quien ha obtenido una muy buena recepción por parte de la crítica y el público asistente en ocasión de su primera presentación que tuvo lugar el 22 de abril último. Los principales cantantes son Bryn Terfel, Deborah Voigt, Eva-Maria Wesbroek, Jonas Kaufmann, StephanieBlythe y Hans-Peter König, en tanto que la dirección musical está a cargo del maestro James Levine. La ópera es cantada en alemán con subtítulos en inglés.
Deborah Voigt
La difusión en las salas de cine se efectuará el 14 de mayo a las 12h00 (hora del este) –horario de Nueva York que coincide con la de las provincias de Quebec y Ontario. En Montreal, la transmisión tiene lugar en los cines Banque Scotia, Cavendish Mall, Quartier Latin y Star Cité, todas ellas pertenecientes al circuito Cineplex Divertissement. Hay además dos retransmisiones en diferido que se efectuarán el 18 de junio (12h00) y el 11 de julio (18h00). Para conocer el resto de las salas participantes de Quebec y el resto de Canadá, así como las horas locales correspondientes, el sitio de Internet para consultar es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements
OPERA DE MONTREAL
El público de Montreal tendrá la oportunidad de presenciar LA BOHEME, la obra lírica más popular de Puccini. Presentada por la Opera deMontreal, esta emotiva historia de amor y amistad que resalta la fragilidad de la felicidad, es interpretada por un conjunto de jóvenes cantantes canadienses de la misma edad que la de los roles que animan. En el cuarteto protagónico figuran la soprano Marianne Fiset (Mimi), el tenor AntoineBélanger (Rodolfo), la soprano Lara Ciekiewicz (Musetta) y el barítono Etienne Dupuis (Marcello).
La dirección escénica es de Alain Gauthier, los decorados de Olivier Landreville y la iluminación de Claude Accolas. Participan la OrquestaMetropolitan y el Coro de la Opera de Montreal, dirigidos por el maestro Giuseppe Petraroia. La ópera es cantada en italiano con subtítulos en francés e inglés.
Las representaciones se efectuarán en la sala Wilfrid-Pelletier, los días 21, 25, 28, 30 de mayo (20h00), así como el 2 (120h00) y 4 de junio (14h00). (http://www.operademontreal.com/)
ORQUESTA SINFONICA DE MONTREAL En el último mes de su temporada oficial la OSM ofrecerá 4 programas, todos ellos bajo la dirección de su director artístico, el maestro Kent Nagano. El primero de los mismos tendrá efecto los días 2 y 3 de mayo (20h00) donde Yefim Bronfman, el solista invitado, ejecutará el Concierto para Piano No. 2 de Liszt; otras obras son Los Preludios de Liszt, Beatitudo de Lesage y la Sinfonía No. 9 de Shostakovich.
El domingo 8 (14h30), la orquesta recibe al pianista Alain Lefèvre para tocar el Concierto para PianoNo. 4 de Rachmaninov; el programa incluye además obras de Scriabine y Dutilleux. El tercer programa del martes 10 y miércoles 11 (20h00), el maestro Nagano dirigirá a la OSM en un programa que cuenta con la participación de la pianista Angela Hewitt quien ejecutará las Sinfonías Nos 1 a 5, 8, 9, 11, 12 y 15 (para piano solo) de Bach; otras obras incluidas son extractos para cuerdas de laSinfonía Sacra de Gabrieli, figuran la Sinfonía de Webern, Sinfonías de Instrumentos de Viento de Stravinsky y la Sinfonía No. 5 de Beethoven.
El último concierto de la temporada incluye El Oro del Rhin, ópera de Wagner ofrecida en versión concierto con subtítulos bilingües donde intervienen 14 cantantes. Los días 29 (14h30) y 31 de mayo (19h30).
El final de esta temporada coincide también con la actuación de la OSM en la sala Wilfrid- Pelletier que la ha albergado hasta el presente. A partir de la próxima temporada que comienza en Septiembre de este año, el nuevo hogar de la OSM es el auditorio que será inaugurado el martes 7 de septiembre de 2011. (http://www.osm.ca/).
LADIES MORNING MUSICAL CLUB
Esta institución musical finaliza la temporada presentando por cuarta vez al célebre pianista canadiense André Laplante. Distinguido por sus méritos con el título de Oficial de la Orden de Canadá, ofrecerá un programa que incluye la Sonata No. 62 en mi bemol mayor de Haydn, Sonatine y Oiseau Tristes (Miroirs), Vallée des cloches (Miroirs) de Ravel, y Años de Peregrinaje Segundo Año: Italia de Liszt
El concierto tiene lugar en el Auditorio Pollack de la Universidad McGill, el 1 de mayo (15h30).
La nueva temporada de LMMC comenzará el 11 de septiembre con la presentación del Cuarteto Tokiode Cuerdas. Entre algunos de los conjuntos prestigiosos que retornan para esta agrupación figuran el Trio de CuerdasPasquier (2 de octubre), el Cuarteto de Cuerdas Miró con el pianista Shai Wosner (13 de noviembre), los debuts de la pianista Yuja Wang (23 de octubre), la mezzo-soprano Christianne Stotjn (4 de diciembre), la violista Antoine Tamestit (12 de febrero de 2011) y el Cuarteto Pacifica de Cuerdas (4 de marzo de 2011); también se habrá de presentar el gran pianista canadiense Marc-André Hamelin (25 de marzo de 2011). Información adicional se puede obtener en http://www.lmmc.ca/
PRO MUSICA
Pro Musica concluye la presente temporada con la presentación del pianista ucraniano Serhiy Salov en un recital que tiene lugar el 1 de mayo (15h30) en la Cinquième Salle de la Place des Arts.
El recital incluye la Sonata para Piano No. 21 (Waldstein) de Beethoven, la Sonata No. 2 en si bemol de Chopin, Tres Movimientos para Piano de Petrushka de Stravinsky y Tres Intermezzos Op. 117 de Brahms. (http://www.promusica.qc.ca/)
DENIS MATSUEV
Después de haber sido ovacionado en ocasión de su presentación como solista en el concierto ofrecido por la Orquesta de San Petersburgo en marzo de 2010, ésta es la primera vez que el extraordinario pianista ruso Denis Matsuev actuará exclusivamente en un recital. El evento tiene lugar en el Teatro Maisonneuve el jueves 5 de mayo (20h00) y las obras que ejecutará son la Sonata en la menor de Schubert, Sonata No. 23 “Appassionata” de Beethoven, Vals Mefisto de Liszt y la Sonata No. 2 de Rachmaninov.
La Orquesta de Cámara de McGill presenta al McGill String Trio integrado por Mark Fewer (violín) Matt Haimovitz (violoncelo) y Sara Laimon (piano) el próximo 9 de mayo (19h30). En el programa se encuentra una obra de Maxime Goulet en primera audición, el Triple Concierto, Op. 56 de Beethoven así como el Cuarteto No. 11 en fa menor Op. 95 de Beethoven con arreglos efectuados por Gustav Mahler.
La temporada concluye el 30 de mayo (19h30) con un concierto integrado por obras de Harry Freedman, Hindemith y Cuadros de una Exposición de Musorgsky. Participará la pianista americana Sara Davis Buechner como solista.
Ambos conciertos son dirigidos por Boris Brott, director artístico de la orquesta, en el auditorio Pollack. Información adicional puede obtenerse en http://www.ocm-mco.org/
MUSICAMERATA MONTREAL
El 22 de mayo (14h30) en el Centro Segal será ofrecido un concierto ejecutado por el conjunto Musica Camerata Montreal bajo la dirección de Luis Grinhauz. El programa incluye el Cuarteto para Flauta y Cuerdas Op. 22 No. 1 de Giovanni Battista Viotti, Mobiles para flauta y trío de cuerdas de André Prévost y el Cuarteto Op. 25 en sol menor para Piano y Cuerdas de Johannes Brahms. El sitio web es http://www.segalcentre.org/ / http://www.camerata.ca/camerata.ca/
CONCOURS MUSICAL INTERNATIONAL DE MONTREAL (CMIM)
El CMIM acaba de anunciar que en la competencia de este año dedicado al piano ya han sido invitados 24 pianistas cuya edad promedio es de 25 años.
Los músicos seleccionados provienen de Alemania, Australia, Canadá,Corea del Sur, China, Estados Unidos, Israel, Italia, Japón, Polonia, Rusia y Suiza.
Las pruebas de cuarto de final se realizarán los días 24, 25 y 26 de mayo en el Centro Pierre Péladeau, las semifinales tendrán lugar los días 27 y 28 de mayo, también en el Centro Pierre Péladeau. Las pruebas finales se efectuarán el 31 de mayo y 1 de junio en el teatro Maisonneuve, en tanto que el concierto de gala será el 3 de junio en la sala Wilfrid-Pelletier.
El jurado internacional es presidido por André Bourbeau, co-fundador y presidente del CMIM, y el jurado de este año está compuesto por los prestigiosos nombres de Arnaldo Cohen (Brasil), Jean-Philippe Collard (Francia), Mari Kodama (Japón), James Parker (Canadá), Benjamin Pasternack (Estados Unidos), Imre Rohmann (Austria) y Lilya Zilberstein (Rusia).
SEGAL CENTRE Desde el 1 hasta el 29 de mayo se representa en el escenario principal del Centro Segal la adaptación musical de la pieza de Ted Allan LIES MY FATHER TOLD ME, con música y palabras de Elan Kunin bajo la dirección de Bryna Wasserman.
Esta pieza musical transcurre en el Montreal de la tercera década del siglo pasado narra la emotiva y cariñosa relación establecida entre Davie, un niño de 6 años, y su abuelo Zaida, un comerciante ambulante. Todos los domingos el lazo entre ambos se va intensificando a través del viaje que juntos realizan recorriendo las calles de la ciudad para vender las mercancías; durante esas horas compartidas, Zaida le enseña algunas lecciones de vida y todas sus maravillas. Cuando un día, David despierta para no encontrar a su abuelo, su padre le dice que el anciano partió para no volver jamás; la inocente criatura jamás le perdonará esa mentira blanca.
El elenco está integrado por Theodore Bikel como Zaida; Jamie Mayers animando a Davie y la participación de Patsy Gallant encarnando a Edna. (http://www.segalcentre.org/)
Theorore Bikel
CENTAUR
Debido al extraordinario éxito de público, además de haber gozado de buena repercusión crítica, el teatro Centaur decidió extender hasta el 7 de Mayo inclusive las representaciones de SCHWARTZ’S: THE MUSICAL, comedia musical de Rick Blue y George Bowser inspirada por el libro de Bill Brownstein “Schwartz’s Hebrew Delicatessen: The Story”.
Asimismo en otra de las salas del mismo teatro sigue ofreciéndose A BEAUTIFUL VIEW, obra escrita y dirigida por Daniel Macivor con la actuación de Diane Brown y Colleen Wheeler. La historia gira en torna a la tortuosa relación existente entre dos mujeres donde la íntima amistad las transporta a través de un cúmulo de emociones, de la esperanza al odio pasando por el arrepentimiento y la nostalgia. Sigue en cartel hasta el 22 de mayo inclusive en el Centaur (http://www.centaurtheatre.com/)
DUCEPPE
Hasta el 14 de mayo continúan las representaciones en el teatro Duceppe de SHIRLEY VALENTINE con la dirección escénica de Jacques Girard y la participación de Pierrette Robitaille.
Esta conocida obra gira en torno de Shirley Valentine, una mujer viviendo en los suburbios con su marido y que lleva una existencia rutinaria y sin mayores sorpresas. A través de los años, Shirley se aburre enormemente dado que los hijos ya han dejado el hogar y no existe mayor comunicación entre ella y su marido. Pero todo llegará a cambiar cuando su vecina le ofrece la posibilidad de acompañarla por dos semanas en un viaje de vacaciones a Grecia.
La obra es altamente tonificante brindando un mensaje de autoafirmación, la necesidad de vivir libremente, aprovechando de la vida todo lo que nos pueda brindar antes de que sea demasiado tarde (http://www.duceppe.com/)
TNM
El Teatro du Nouveau Monde repone A toi, pour toujours, ta Marie Lou, obra maestra del gran dramaturgo quebequense Michel Tremblay, que a pesar de haber sido estrenado en 1971 aún conserva resonancia.
El autor escribió esta pieza teniendo en cuenta el contexto de la sociedad de esa época con especial referencia a la clase trabajadora francófona. En escasos 75 minutos de duración, Tremblay describe cómo la pobreza, decadencia religiosa y miseria moral es capaz de destruir el aspecto humano de los individuos transformándolos en monstruos humanos; todo ello, dentro del legado tormentoso de dos hermanas que luchan por identificar a su padre como un repelente ogro que abusó sexual y emocionalmente de su reprimida y sumisa madre.
Gill Champagne tiene a su cargo la dirección escénica y el elenco está integrado por Denis Bernard, Marie Michaud, Kathleen Fortin y Dominique Quesnel.
Desde el 3 hasta el 2 de junio en el escenario del Nouveau Monde. (http://www.tnm.qc.ca/)
FESTIVAL TRANSAMËRIQUES
Desde el 26 de Mayo hasta el 11 de Junio tendrá lugar en Montreal la quinta edición del Festival Transamériques (FTA), una muestra que constituye un lugar de exposición de jóvenes valores internacionales que sobresalen en la actividad teatral, en el arte de la danza, así como en otras formas de expresión artística difíciles de catalogar. Los artistas invitados provienen de aproximadamente una docena de países, a saber: Alemania, Argentina, Austria, Bélgica, Brasil, España, Estados Unidos, Holanda, Japón, México, Nueva Zelandia y Suiza.
El FTA se inaugura con Trust, una obra que combina teatro y danza acerca de la noción de confianza de una pareja en crisis dentro del marco de fondo de la conmoción financiera. Producido por Mythique Schaubühne de Berlin, el espectáculo se ofrecerá ellos días 26 y 27 de mayo en el teatro Jean-Duceppe de la Place des Arts.
La compañía de Israel Galván de Sevilla presentará El Final de Este Estado de Cosas, Redux. Invencible conquistador de una identidad coreográfica ibérica libre y afirmada, Galván acompañadode 11 músicos de flamenco reitera sus audaces creaciones incursionando en algunas zonas aún vírgenes del flamenco. Los días 27 y 28 de mayo en el Teatro Maisonneuve.
El Rumor del Incendio, producción mexicana de Luis Pardo y Gabino Rodríguez, es un documento teatral épico que pone de relieve la tarea desarrollada por los hijos de jóvenes revolucionarios tratando de investigar lo que sus padres acometieron en la década del 60 cuando tomaron las armas para intentar cambiar la sociedad. En español con subtítulos en francés en el teatro Prospero, el 1 y 2 de junio.
El director argentino Daniel Veronese produjo El Desarrollo de la Civilización Venidera, obra basada en Casa de Muñecas de Henrik Ibsen. En el contexto de una sociedad en declinación, el relato se centra en el drama íntimo de Nora con sus problemas financieros y la desilusión amorosa que atraviesa sin poder encontrar salida alguna a su situación. Para Veronese, nada ha verdaderamente cambiado entre hombres y mujeres durante los 150 años pasados. La obra será representada en español con subtítulos en francés en el escenario de la Cinquième Salle de la Place des Arts, los días 8, 9 y 10 de junio.
Para una lista completa de las actividades que tendrán lugar así como los diferentes espectáculos, lugares y horarios respectivos, el sitio de Internet es http://www.fta.qc.ca/
Los cortometrajes que el Festival de Cannes selecciona todos los años constituye una forma de estimular a nuevos directores que realizan sus primeras incursiones a través de este medio antes de encarar proyectos más importantes. En tal sentido muchos de ellos lograron posteriormente un amplio reconocimiento, como ha sido el caso de los directores Nuri Bilge Ceylan, Lynne Ramsay y Catalin Mitulescu cuyos filmes participan en la seleccion oficial de este año.
Entre los cortometrajes que competirán en la 64ta. edición del Festival se encuentra SOY TAN FELIZ de Argentina/Colombia, del novel realizador colombiano Vladimir Durán, único título de América Latina. También compiten el corto canadiense de Nicolas Roy CE N'ESTRIEN, la película de Corea del Sur GHOST de Ma Dahci, BADPAKJE 46 de Bélgica dirigido por Wannes Destoop, el corto australiano BEAR de Nash Edgertonl y KJOTTSAR de Noruega de la realizadora Lisa Marie Gamlem. Los restantes filmes son MEATHEAD de Nueva Zelandia del director Sam Holst, PATERNAL WOMB de Japón realizado por Megumi Tazaki y el corto de Maryna Vroda CROSS de Francia/Ucrania.
Ya ha quedado integrado los miembros del jurado de la Competencia Oficial que acompañarán a su presidente Robert De Niro para los premios que serán otorgados al concluir el festival.
Entre las 8 personas designadas figura la actriz de Argentina Martina Gusman que protagonizó Leonora y Carancho, ambos filmes de Pablo Trapero que fueron estrenados en Cannes.
También se encuentra la actriz americana Uma Thurman, protagonista del laureado film de Quentin Tarantino Pulp Fiction. Otros nombres incluyen al director francés Olivier Assayas cuyo film Carlos fue estrenado en Cannes el año pasado, el actor británico Jude Law, el director y productor de Hong Kong Johnnie To, el realizador de Chad Mahamat SalehHaroun cuyo film Unhomme qui crie obtuvo el Premio del Jurado. La lista se completa con la crítica y escritora noruega Linn Ullman y el productor chino Nansun Chi.
HANNA. Estados Unidos-Gran Bretaña-Alemania, 2010. Un film de Joe Wright
Después de algunos destacados filmes dramáticos –Pride and Prejudice (2005), Atonement (2007)-, el director británico Joe Wright se adentra en un campo totalmente diferente demostrando su gran habilidad para contar historias de acción con gran estilo y distinción. El film comienza en los bosques nevados del norte de Finlandia donde se contempla a Hanna Heller (Saoirse Ronan) demostrando sus condiciones de experta cazadora. De apenas 16 años y huérfana de madre, ella ha pasado casi toda su vida en extremo aislamiento junto a la compañía de su padre Erik (Eric Bana), un ex funcionario de la CIA, quien además de educarla le brindó el adiestramiento físico requerido a fin de estar preparada para matar a sus letales enemigos cuando los tenga que enfrentar una vez que entre en contacto con el mundo exterior. Cuando ese momento llega, padre e hija se separan, conviniendo reunirse en Berlín; claro está que no todo saldrá de acuerdo a lo planeado porque Hanna es inmediatamente secuestrada por agentes despachados por Marissa Wiegler (Cate Blanchett) quien ocupa una posición de alto rango en la CIA y quien tuvo a Erik como colega. En un acto de intrepidez y audacia, Hanna logra escapar de sus captores lo que origina una persecución implacable no solo para ella sino también para su padre. ¿Cuál es el vínculo de Wiegler con Erik? ¿Cómo nació Hanna y cuál es la razón por la que tuvo que ser recluida por tan largo tiempo? ¿Quién ha sido su madre y cómo murió? Dado que el film va adquiriendo el carácter de un apasionante thriller, sería indiscreto responder a esas preguntas porque restaría interés a la intriga que va desarrollándose a lo largo del relato. Baste señalar que poco a poco el interesante guión de Set Lochead y David Farr permitirá que la joven comience a imponerse sobre su verdadera identidad y las razones por las que ella y su padre tienen enemigos letales que harán lo posible para eliminarlos. Si Saoirse Ronan logró impresionar en Atonement -que le mereció una nominación de la Academia de Hollywood a los 13 años-, su actuación protagónica en este film despierta admiración por la madurez demostrada en la composición de un rol sumamente complejo que le exige volcar una desmesurada energía para satisfacer los requerimientos de la trama. Erik Bana ofrece una sobria y convincente actuación como el abnegado padre que actúa como maestro y protector de su hija, preparándola para que pueda sobrevivir cuando el peligro aceche. Por su parte, Cate Blanchett reitera una vez más sus ya conocidas condiciones de gran actriz animando a la fría y despiadada agente de la CIA, cuyo trabajo la ha llevado a construir un mundo de mentiras a través de las encubiertas operaciones en que estuvo envuelta en el pasado y que para seguir manteniendo secretos muy turbios necesita eliminar cualquier vestigio que pueda comprometer su carrera. Entre los aspectos técnicos se destacan los diseños de producción de Sarah Greenwood que tienen especial importancia en el relato en cuanto gravitan en el oscuro cuento de hadas que predomina en el mismo. No menos importante es la labor de Jeff Imada como coordinador de dobles y coreógrafo de los combates de lucha, artes marciales y correrías aeróbicas emprendidas por Hanna para salvar su vida. Finalmente, la fotografía de Alwin Küchler es nada menos que deslumbrante en cada uno de los escenarios en que transcurre la acción; captando la belleza panorámica de los árboles de pinos nevados de Finlandia, la majestuosidad de las arenas desérticas de Marruecos y la autenticidad lograda con las tomas realizadas en Berlín, Küchler ha contribuido a resaltar las cualidades intrínsecas del relato. Resulta dificultoso catalogar a Hanna en un género preciso; pero lo importante es que combinando fantasía, ciencia ficción y fábula negra dentro de un contexto no totalmente irrealista, Wright ha logrado un film de calidad artística que además contiene los elementos necesarios –una permanente tensión, acción a granel, fluido ritmo- para ganar la adhesión popular. Sin duda, un film recomendable.
WINTER IN WARTIME. Holanda, 2009. Un film de Martin Koolhoven
El despertar de la inocencia y el proceso de madurez que experimenta un adolescente dentro del contexto de la Segunda Guerra Mundial es el tema que enfoca el realizador holandés Martin Koolhoven en un drama bélico apreciable pero un poco tibio para ser considerado un documento remarcable. La acción transcurre en una pequeña ciudad holandesa durante la ocupación germana a principios de 1945, pocos meses antes de la liberación por parte de las fuerzas aliadas. Dentro de ese escenario, Michiel (Martijn Lakemeier), un adolescente de 13 años e hijo del alcalde local (Raymond Thiry) siente una animosidad hacia su padre por la neutralidad que adopta con los nazis adueñados del lugar. El conflicto dramático se genera cuando un bombardero británico se estrella en la zona y Jack (Jamie Cambell Bower), su piloto herido logra refugiarse en los alrededores. Cuando Michiel descubre su escondite, tras vencer la desconfianza del piloto, lo ayuda a curar sus heridas con la intervención sigilosa de Erica (Melody Klaver), su hermana enfermera; al propio tiempo, trata de que salga de Holanda sin que sea detectado por las fuerzas de ocupación. Basado en una novela parcialmente autobiográfica de Jan Terlouw, el director ha tratado de captar los aspectos esenciales de la misma, sin eludir los conflictos morales que crea la audacia de Michiel de proteger a un extraño por una causa que considera justa. En tal sentido, la relación generada entre el audaz adolescente y el maltrecho piloto destila completa autenticidad, así como queda bien descripta la transición de Michiel que va perdiendo su ingenuidad para enfrentar el desengaño y dolor de una cruda realidad. A medida que el relato progresa, la tensión va aumentando y llega a un punto culminante cuando el muchacho es testigo de la suerte corrida por su padre y queda develada la verdadera personalidad de su tío Ben (Yorick van Wageningen) por quien siempre sintió un profundo cariño y afecto creyéndolo que era un miembro de la resistencia. Algunos acontecimientos desarrollados en forma precipitada y la acumulación de ciertas coincidencias no siempre convincentes, debilitan parcialmente el efecto dramático deseado. Sin embargo, la impresión final es positiva porque el relato mantiene el ritmo necesario para que se lo siga con interés. La actuación es en general buena, destacándose Martijn Lakemeier quien logra una excelente caracterización del principal personaje de esta historia.
ESSENTIAL KILLING. Polonia-Noruega-Irlanda-Hungría, 2009. Un film de Jerzy Skolimowski
El veterano realizador Jerzy Skolimowski retorna con una dramática fantasía en su último trabajo Essential Killing. Su tema gira en torno de un musulmán, probablemente un combatiente talibán, que después de haber sido capturado por el ejército estadounidense en Afganistán y sometido a torturas, es transportado a un centro de detención ubicado en Europa Oriental. Cuando se produce un accidente en la camioneta donde es conducido, logra huir de sus captores. Allí comienza un largo trayecto a través de bosques densamente nevados donde el fugitivo comportándose casi como un animal salvaje es perseguido implacablemente por helicópteros, soldados y perros de caza; frente a esa inclemente cacería humana, él no tiene duda de tener que matar si acaso es necesario para sobrevivir. Prácticamente sin diálogos, el realizador logra que su relato atraiga a pesar de que en la mayor parte de su metraje no exista más que un solo personaje interpretado excelentemente y en forma exhaustiva por Vincent Gallo quien, exceptuando ciertos gritos de dolor que profiere, permanece sin hablar en casi todo el metraje. En todo caso, la palabra es aquí innecesaria porque Gallo transmite con expresividad el comportamiento de un hombre completamente desorientado, sin poder saber a qué mundo pertenece, acosado por el pánico, terror y sufriendo una continuada agonía; perdido y hambriento se guía exclusivamente por su instinto y en su desesperación no duda en alimentarse de hormigas, saborear la corteza de un árbol, o bien nutrirse del pecho de una mujer que amamanta a su hijo. La lúgubre atmósfera del relato logra atenuarse parcialmente con los escasos momentos de ternura e intimidad que el fugitivo encuentra en la persona de una eslava muda interpretada con calidez por Emanuelle Seigner. El film no persigue un móvil político, no posee un contenido religioso ni tampoco alienta un mensaje claramente específico; eso no impide que brinde una reflexión meditativa sobre el carácter inhumano de la guerra y sus consecuencias frente a situaciones límites. Tal como el relato está planteado, Skolimowski somete al espectador a la difícil prueba de tener que optar entre detestar o simpatizar con un hombre convertido en un maligno animal. La riqueza imaginativa del director se refleja en los aspectos visuales resaltando el esplendor de la naturaleza que está asociada con la huída de su protagonista al atravesar escenarios gélidos, arenosos, boscosos y desérticos, así como algunas surrealistas y alucinantes imágenes. Esencialmente, el público aprecia una obra lírica, enigmática y atractiva gracias a su impecable narración e hipnótica belleza. Del mismo modo este film ha sido apreciado en el último Festival de Venecia donde fue recompensado con el Premio Especial del Jurado y además le valió a Gallo el premio a la mejor actuación masculina.
SOUL SURFER. Estados Unidos, 2011. Un film Sean McNamara
Este es un film que se destaca más por su contenido humano que por sus valores cinematográficos. La historia gira en torno de la brillante surfista Bethany Hamilton quien a los 13 años de edad, en Octubre de 2003 fue atacada por un tiburón que motivó la pérdida de su brazo izquierdo. Después de haber salvado milagrosamente su vida y tras numerosas cirugías efectuadas, esta adolescente de inigualable fortaleza y positiva actitud logra al cabo de pocas semanas retornar al ruedo para participar en una competencia de surf. Teniendo como telón de fondo un escenario de incomparable belleza brindado por las aguas de Hawai, muy bien captado por la cámara de John R. Leonetti, se sigue las hazañas deportivas de Bethany (AnnaSophia Robb) antes del accidente, rodeada del amor de sus cariñosos padres (Dennis Quaid, Helen Hunt) y de su gran amiga Alana (Lorraine Nicholson) quienes también practican el surf. Después del accidente, el relato muestra las dificultades de Bethany para adaptarse a su nueva condición física, su rechazo al empleo de un brazo ortopédico, así como su determinación para retornar a la práctica del deporte que lleva en su alma valiéndose de su único brazo. Posteriormente se la ve viajando a Tailandia para cumplir una labor humanitaria a fin de ayudar a las víctimas del tsunami, para finalmente culminar en el enfrentamiento competitivo que mantendrá con una antipática e insoportable rival (Sonya Balmores), el único personaje desagradable del relato. Imposible de permanecer insensible al drama de Bethany y no sentirse conmovido por su esfuerzo de superar su adversidad física; sin embargo, el problema mayor del film radica en su ejecución. A pesar de tratarse de un acontecimiento verídico, el tratamiento de Sean Mc Namara hace que el filme se asemeje más a un telefilm corriente con situaciones estereotipadas antes que a un drama más elaborado para la pantalla grande. Como si se tratara de una historia de color rosa, la mayor parte del film parece transcurrir en un marco idílico, donde la convicción religiosa de Bethany y su familia es capaz de lograr milagros a fin de lograr nuevamente la felicidad familiar. A pesar de interpretaciones correctas, el mensaje del relato enseñando que la fe es capaz de superar cualquier adversidad, no suena a algo verdadero como auténticamente debiera. Por esa razón, y a pesar de la hermosa lección de vida que Bethany brinda a la juventud actual, la ausencia del efecto dramático contribuye a que no exista una genuina emoción. He ahí el serio problema de este film que aunque noble y bien inspirado no logra convencer demasiado.
WEST IS WEST. Gran Bretaña, 2009. Un film de Andy De Emmony
Este film es la continuación de otro visto hace poco más de una década con el nombre de East is East. En ese entonces el relato giraba en torno de una familia de inmigrantes de origen pakistaní que viviendo en Inglaterra, describía cómo el enfrentamiento de culturas opuestas gravitaba en las diferentes generaciones. Así el patriarca familiar George Khan (Om Puri) esperaba que su familia siguiera las estrictas reglas de conducta basadas en el estilo musulmán sin tener en cuenta que sus hijos, teniendo una madre inglesa (Linda Bassett) y habiendo nacidos y sido criados en Gran Bretaña, se consideraban ingleses; en consecuencia, ellos rechazaban las actitudes del padre en materia de vestimenta, comida, religión y otras normas de vida. El resultado fue un film decididamente animado, lleno de vida y ciertamente recomendable. En West is West, el relato comienza en desarrolla en Salford (Inglaterra) a mediados de la década del 70, donde Sajid (Aqib Khan), el hijo menor y ya adolescente de la familia Khan, es objeto de burla y discriminación racial por parte de sus compañeros de escuela. Es así, que su padre decide llevarlo a Pakistán para que conozca y se embeba de la cultura de su país de origen. Sajid no quiere saber nada con eso, pero respetando a su padre no tiene más remedio que acompañarlo. Las principales peripecias del film se centran en el nuevo medio ambiente y lo que el mismo proporciona a padre e hijo. Así, George sale al encuentro de su primera mujer (Ila Arun) y la familia que abandonó cuando resolvió instalarse en Inglaterra y fundar un nuevo hogar. Mientras que su padre confronta los fantasmas del pasado, Sajid va descubriendo un mundo diferente, con costumbres exóticas y un estilo de vida completamente opuestas a las suyas. A todo ello, y para dar colorido a la trama argumental, el guión hace que Ella, la señora inglesa de George, llegue al lugar para saber qué es lo que está pasando allí. Entre la comedia y el drama, el relato va intercalando episodios, donde algunos de los mismos no están exentos de hilaridad, como los diálogos intercambiados por las dos mujeres de George al referirse a su conducta, o bien en las escenas donde Sajid contempla con estupefacción a los camellos deambulando libremente por las calles. En general, el film no resulta tan efectivo como su predecesor. Eso puede deberse a la falta de dinamismo en su ritmo donde hay cortes abruptos de tono, posiblemente debidos a problemas de montaje; eso conduce a una exposición un poco errática donde no abundan las sorpresas y donde se sabe de antemano que al final del relato padre e hijo llegarán a congeniar y cada uno de ellos habrá aprendido algo del otro. Pero en un balance final, la película resulta aceptable, dado que el humor y la emoción de ciertos momentos están bien equilibrados y sus personajes son decididamente simpáticos. Es buena la recreación de los lugares de Pakistán donde transcurre la acción aunque hayan sido filmados en India.
HORS-LA- LOI. Argelia, Francia-Bélgica, 2010. Un film de Rachid Bouchareb
Esta película es un recuento de la historia de Argelia desde las primeras décadas del siglo 20 hasta su independencia de Francia, en 1962. Con un guión y diálogos del realizador Rachid Bouchareb y Olivier Lorelle, el relato sigue los pasos de una humilde familia argelina a partir del momento en que son expulsados de su tierra en 1925 por colonizadores franceses. Inmediatamente después la acción se desplaza al 8 de mayo de 1945, fecha en que Francia celebra con júbilo la conclusión de la Segunda Guerra mientras que en Sétif (Argelia) manifestantes argelinos deseando una Argelia libre son asesinados por las fuerzas coloniales. En esa increíble masacre, el brutal ejército francés mata al padre de familia, y, como consecuencia, con posterioridad los tres hermanos -Said (Jamel Debbouze), Messaoud (Roschdy Zem) y Abdellader (Sami Bouajila)- junto con su madre viuda (Chafia Boudraa) se trasladan a Francia en procura de forjar un movimiento de resistencia terrorista para lograr el objetivo de una Argelia independiente. El relato ilustra la extremada violencia ejercida por los dos grupos antagonistas donde en la descripción de Bouchareb, la despiadada crueldad francesa está encarnada en la figura del coronel Faivre (Bernard Blancan) quien está a cargo del servicio secreto francés para contrarrestar el terrorismo. El director no escatimó recurso alguno para exponer los secuestros, asesinatos a granel que incluyen no solo a las fuerzas policiales sino también a civiles, bombardeos y todos los ingredientes propios de los enfrentamientos entre los argelinos insurrectos y las autoridades francesas conformando un relato de plena acción. Después de asistir a la proyección de este film, resulta difícil no asociarlo con la obra maestra del género que constituyó La Batalla de Argelia (1966) de Gillo Pontecorvo. En todo caso, y lejos de alcanzar ese nivel, con Hors-la-loi el público asiste a un aceptable film, de prolija producción con una muy buena actuación pero que esquiva profundizar en la complejidad de sus personajes y brindar el necesario impacto emocional para sensibilizar a un público que no está al corriente de los acontecimientos históricos descriptos.
COPIE CONFORME. Francia-Italia-Irán, 2010. Un film escrito y dirigido por Abbas Kiarostami.
En su primer film realizado fuera de Irán, su país de origen, Abbas Kiarostami deja de lado algunos temas de naturaleza existencial para abocarse a una historia que sorprende por su originalidad. Su título expresa la esencia del contenido. Trasladando a la vida real lo que en el mundo del arte se calificaría como una obra artísticamente auténtica en oposición a aquella otra que no lo es, el relato astutamente adopta la forma de un espejismo donde resulta difícil distinguir la realidad de la imaginación. Kiarostami divide su historia en dos partes que se suceden en forma fluida y sin interrupción. La acción transcurre en la región de la Toscana italiana que es afamada por su riqueza artística; allí llega James Miller (William Shimell), un autor británico, para promocionar su reciente libro “Copie Conforme”; frente a un público que lo escucha, se refiere al tema de las reproducciones de obras artísticas y el porqué las reproducciones no tienen el mismo valor que las originales. En esa charla/conferencia se encuentra Ella (Juliete Binoche), una mujer que tiene un negocio de antigüedades en Arezzo y es madre monoparental de un hijo de 10 años (Adrian Moore); después del evento, Ella se convierte en la guía del conferencista y con su coche quiere hacerle conocer los alrededores de la zona antes que él aborde su tren. Así llegan a Lucignano, un pequeño pueblo donde hacen un alto en un agradable café/restaurante para seguir la conversación iniciada sobre la autenticidad del arte, teniendo en cuenta que numerosas obras apreciadas mundialmente como artísticas fueron posteriormente descubiertas como apócrifas. El sugestivo cambio de tono se produce cuando en el café, el escritor se retira por pocos minutos para atender una comunicación telefónica, y la dueña de la tratoría (Gianna Giachetti) se acerca a Ella asumiendo que los dos son una pareja casada y en la breve conversación mantenida abordan aspectos vinculados con los roles tradicionales asignados al hombre y a la mujer. Cuando James regresa a la mesa, ambos personajes comienzan a representar (¿ó no?) los papeles de un matrimonio que tras 15 años de unión, ella no puede más que expresar su desilusión por la falta de atención de su marido absorbido en su trabajo hasta el punto de no recordar la fecha del aniversario matrimonial; queda claro que hay un marcado desgaste de la pareja y al así hacerlo Kiarostami brinda un homenaje a Roberto Rosellini quien en su excelente film Viaggio in Italia (1954) exponía la relación de una pareja en ruinas. Es en esta segunda parte donde el film adquiere un carácter dramático tratando de reflejar una realidad o fantasía que perfectamente cuadra en la esencia del film y que fuerza al público asistente para que determine cuál de las dos historias del film es la realmente auténtica. La actuación es absolutamente natural y por lo tanto efectiva. El barítono inglés William Shimell convence como el escritor intelectual absorbido en sí mismo y en el fondo arrogante y egoísta, mientras que Juliette Binoche ofrece una inusitada intensidad y vitalidad a su rol que bien justificó el premio a la mejor actriz en el último festival de Cannes.
Al concluir el film uno se queda pensando en el mismo con la convicción de que ha permanecido atrapado en un juego fascinante que por cierto se presta a la discusión y ése es sin duda su principal mérito. En el fondo, el film dista de ser complejo pero su estructura ingeniosa hace que uno se sorprenda por la forma en que evoluciona; si el lector se deja llevar por el artificio sobre el doble juego o ensayo propuesto por Kiarostami, seguramente apreciará este buen film.
A MATTER OF SIZE. Israel-Alemania-Francia, 2009. Un film de Sharon Maymon y Erez Tadmor.
Dejando de lado los conflictos del Medio Oriente, este film eminentemente israelí aborda los problemas estéticos de las personas excedidas de peso. Basado en un guión de Sharon Maymon y Danny Cohen Solal, el relato que transcurre en la ciudad israelí de Ramla es simple y dentro de sus limitadas aspiraciones cumple el propósito de que se lo siga con una sonrisa en los labios. Con un peso de 155 kilos Herzl (Itzik Cohen) no se siente muy satisfecho con su obesidad pero sin embargo lo está menos aún al no tener éxito con la dieta impuesta por un club de nutrición al cual asiste. Cuando después de dos meses en lugar de disminuir su peso lo ha incrementado, es expulsado del grupo; además, por su apariencia estética, no puede seguir desempeñándose como cocinero en un distinguido hotel. El resultado es que después de dejar su trabajo logra otro de inferior categoría como lavaplatos en un restaurante japonés donde por circunstancias fortuitas descubre las virtudes del deporte del sumo, que es una variante de la lucha libre practicada en Japón. De inmediato, trata de convencer a tres amigos (Dvir Benedek, Shmulik Cohen, Alon Dahan), de proporciones similares a la suya, para que dejen el club dietético y se unan a él en esta curiosa aventura; así y con la guía del dueño del restaurante (Togo Igawa) quien fuera un ex entrenador de este deporte, el grupo comienza un programa de adiestramiento de este deporte para participar en un campeonato de lucha. La gracia del film radica en contemplar a personas bien dimensionadas luciendo sus atuendos deportivos que los dejan prácticamente desnudos, tratando de adquirir habilidad y destreza para triunfar como luchadores y compensar la frustración de la obesidad. El ingrediente deportivo es combinado con el sentimental añadiendo una tenue nota dramática cuando Herz oculta a Zehava (Irit Kaplan), una afable gordita y trabajadora social con quien mantiene una relación sentimental, que está practicando lucha. De todos modos y aunque es previsible que todo se resolverá favorablemente, eso queda compensado con una historia simpática capaz de ofrecer algunos momentos tiernos en la relación mantenida entre los cuatro amigos y su vínculo con los personajes que los rodean. Aunque los realizadores no pretenden brindar mensaje alguno, el tono de comedia del relato parecería indicar que es preferible ser gordo y feliz antes que caer en la amargura para llegar a ser delgado; en otras palabras, aceptarse físicamente tal como uno es constituye el mejor camino para evitar la disminución de autoestima. Naturalmente, los cardiólogos y diabetólogos estarán en desacuerdo, pero eso poco importa para disfrutar del film.
Ya se conoce la lista de los filmes que participarán en esta prestigiosa muestra. En la categoría competitiva de la Selección Oficial figuran 19 filmes compitiendo para la Palma de Oro, en tanto que igual número de películas forma parte de la categoría “Un Certain Regard”. De todos modos es posible que en los próximos días puedan agregarse algunos otros títulos aún no decididos. La primera impresión es que este año la selección es mucho más sólida que la del año anterior teniendo en cuenta de que un buen número de los filmes competitivos corresponden a directores ya consagrados y aplaudidos en Cannes en ediciones anteriores.
Un film muy aguardado es THE TREE OF LIFE (Estados Unidos) de Terrence Malick protagonizado por Bradd Pitt y Sean Penn; teniendo en cuenta la breve pero valiosa filmografía de su autor, todo hace suponer que la calidad está garantizada. Habiendo corrido el riesgo de no haber sido completado a tiempo, Pedro Almodóvar logró que LA PIEL QUE HABITO (España) con Antonio Banderas y Marisa Paredes pueda tener su estreno mundial en Cannes, donde además es el único título de habla hispana que participa en la competencia.
Antonio Banderas y Elena Anaya en La Piel Que Habito
Nanni Moretti retorna a Cannes con HABEMUS PAPAM (Italia) con Michel Piccoli animando a un Papa que debe lidiar con las responsabilidades del alto cargo. El cineasta Nuri Bilge Ceylan que en 2009 fue premiado como el mejor director (Three Monkeys) también regresa presentando ONCE UPON A TIME IN ANATOLIA, en tanto que los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne (doblemente ganadores en Cannes con Rosetta en 1999 y L’enfant en 2005) lo harán con su último film LE GAMIN AU VÉLO (Bélgica-Francia) protagonizado por Cécile de France. Naomi Kawase cuyo film The MourningForest (2007) obtuvo el Gran Premio, competirá ahora con su quinta película HANEZU NO TSUKI (Japón).
Otros títulos en competición de prestigiosos directores son LA SOURCE DES FEMMES (Rumania) de Radu Mihaileanu, PATER (Francia) de Alain Cavalier con la actuación del realizador y Vincent Lindon, MELANCHOLIA (Dinamarca) de Lars von Trier con Charlotte Gainsbourg y Kirsten Dunst, LE HAVRE (Finlandia) de Aris Kaurismaki, así como WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN (Gran Bretaña-Estados Unidos) de la realizadora escocesa Lynne Ramsay que viene precedido de buenos comentarios y cuenta en su elenco a Tilda Swinton y John C. Reilly.
La presencia de nuevos realizadores en la sección competitiva es algo que no se da con mucha frecuencia; sin embargo, este año está representado por Julia Leigh que presentará un relato erótico SLEEPING BEAUTY (Australia), en tanto que el otro novel realizador es el austríaco Markus Schleinzer con su film MICHAEL (Austria).. Un film que suscita interés es FOOTNOTE (Israel) del director Josef Cedar sobre la rivalidad entablada entre dos profesores que son padre e hijo, interpretado por Shlomo Bar-Aba y Lior Ashkenazi respectivamente.
Filmes de reconocidos autores integran la lista de “Un Certain Regard”. Entre algunos de los títulos se destacan RESTLESS (Estados Unidos) de Gus Van Sant, LES NEIGES DU KILIMANDJARO (Francia) de Robert Guediguian, ARIRANG (Corea del Sud) de Kim-Ki-duk y HORS SATAN (Francia) de Bruno Dumont.
A pesar de que ningún título de América latina competirá por la Palma de Oro, tres de ellos participan en “Un Certain Regard”; ellos son TRABALHAR CANSA de Brasil realizado por Juliana Rojas y Marco Dutra, la película mexicana MISS BALA del conocido director Gerardo Naranjo y el film chileno BONSAI de Cristian Jiménez. En la sección de las presentaciones de medianoche se verá DIAS DE GRACIA de México del realizador Everardo Gout.
Como ya se dio a conocer, MIDNIGHT IN PARIS de Woody Allen inaugura la muestra y será presentado fuera de concurso. Igualmente, entre los filmes presentados fuera de competición se encuentran PIRATES OF THE CARIBBEAN: ON STRANGER TIDES de Rob Marshall con Johnny Depp, Penélope Cruz y Geoffrey Rush, THE BEAVER de Jodie Foster que también es su protagonista junto a Mel Gibson y LA CONQUETE de Xavier Durringer que relata el ascenso al poder del presidente Nicolas Sarkozi.
THE TEN COMMANDMENTS. Estados Unidos, 1956. Dirección: Cecil B. DeMille. Distribución: Paramount (2011).
Completamente remasterizado, Paramount ha editado Los Diez Mandamientos, en formato Blu Ray y DVD. Considerado en su momento como el espectáculo más importante filmado por el cine de Hollywood, el épico drama bíblico de Cecil B.DeMille constituyó un excelente entretenimiento. El elenco estuvo integrado por Charlton Heston en el papel protagónico de Moisés, Yul Brinner como el faraón Ramsés, Anne Baxter caracterizando a la princesa Nefertari en los roles más importantes; en papeles de apoyo se encontraban figuras legendarias como Edward G. Robinson, Judith Anderson, Yvonne de Carlo, Debra Paget, John Derek, Sir Cedrick Hardwicke, Nina Foch, Martha Scott, John Carradine y Vincent Price. El film de 1956, que fue el último de DeMille, ha logrado resistir perfectamente el paso del tiempo y se distinguió por sus sobresalientes efectos especiales que le mereció un Oscar en esa categoría; en tal sentido, la escena de la partición de las aguas del Mar Rojo sigue impresionando gratamente, a pesar del adelanto tecnológico registrado en más de medio siglo. Entre los extras, se incluyen los comentarios de Katherine Orrison, autora de Written in Stone: Making Cecil B. DeMille’s Ten Commandments, los trailers utilizados para su promoción, los archivos sobre el estreno mundial que tuvo lugar en Nueva York, un documental sobre el proceso de filmación, etc. Tanto la banda audio como los subtitulados incluyen varios idiomas, incluyendo el español. PARTIR. Francia, 2009. Dirección: Catherine Corsini. Distribución: Seville (2011) Catherine Corsini brinda con Partir, un drama de adulterio sin mayor relevancia. Con un tema repetido en infinitas oportunidades, el espectador asiste a un triángulo amoroso donde resulta difícil comprender o simpatizar con sus personajes. En el guión de Corsini y Gaëlle Macé, Kristin Scott Thomas encarna a Suzanne, una señora burguesa casada con un marido (Yvan Attal) que le provee todo el confort necesario para vivir cómodamente y en donde no existe evidencia alguna que sugiera distanciamiento o fisura en la relación conyugal. Habiendo dedicado gran parte de su vida casada a criar a sus hijos, ella quiere reanudar su profesión de fisioterapeuta; para reacondicionar la mansión en que vive a fin de instalar su consultorio, el matrimonio contrata los servicios de Iván (Sergi López), un albañil español y ex presidiario de quien Suzanne se enamora a primera vista. Ese apasionado amor impulsará a que Suzanne deje su hogar sin lograr que el humillado marido le conceda el divorcio. Con diálogos banales y caracterizaciones poco profundas, ninguna simpatía despierta el comportamiento de una mujer que por mera atracción sexual decide dejarlo todo para unirse a un proletario con quien guarda una marcada diferencia social y cultural. A pesar de una actuación muy buena de Scott Thomas y López, esta historia de irresistible amor no permite un análisis profundo, salvo que por comparación trae a la memoria el magnífico film que sobre el mismo tema ofreciera François Truffaut en La femme d’à côté (1981). El DVD no contiene material suplementario alguno. La banda audio es en francés o inglés con subtítulos optativos en inglés.
BLACK SWAN. Estados Unidos, 2010. Dirección: Darren Aronofsky. Distribución: 20th Century Fox Entertainment (2011)
Después del triunfo del año pasado en el Festival de Venecia donde The Wrestler obtuvo el premio al mejor film, Darren Aronofsky retorna con Black Swan, un drama de gran tensión psicológica que explora el mundo del ballet cómo pocas veces se ha mostrado en cine (un buen ejemplo del tema data de 1948 cuando Michael Powell y Emeric Pressburger realizaron el excelente film británico The Red Shoes). El ballet es una de las profesiones más ingratas en términos del extremadamente corto período de vida activa de la que puede gozar un bailarín profesional y que para destacarse debe afrontar un duro e implacable ambiente competitivo. Ese es el caso de Nina Sayers, la protagonista de esta historia interpretada por Natalie Portman. El relato enfoca a Nina, una amante bailarina que se desempeña en el Lincoln Center de Nueva York y para quien la danza es la pasión de su vida. No se necesita mucho diálogo para que Aronofsky trasunte en la expresión de Portman ese amor insaciable por lo que hace y donde su personaje no alcanza a percibir con total claridad el mundo exterior que la rodea al estar consumida por su obsesión de lograr la perfección en lo suyo. Para acentuar aún más la presión que Nina se impone como profesional, hay dos elementos adicionales que gravitan en ella; por un lado, la presencia de su madre (estupenda Barbara Hershey) que si bien la quiere, eso no impide que sea castradora al punto de convertirse en una velada amenaza para su estabilidad emocional. Simultáneamente, los responsables del guión (Mark Heyman, Andres Heinz, John McLaughlin) describen al coreógrafo y director artístico de la agrupación (Vincent Cassel) como un absorbente y arrogante manipulador que en procura del nivel de excelencia no escatimará esfuerzo alguno para despedir de su elenco a integrantes que no están en perfecta forma por razones de edad (caso del personaje animado por Winona Ryder), y elegir a la mejor intérprete que pueda dar vida al dual personaje de cisne blanco y negro en su nueva producción de El Lago de los Cisnes; sabiendo que de algún modo, ese rol podrá constituir el puntapié para su consagración, Nina realiza todos los esfuerzos posibles para superar sus limitaciones en cuanto a la sensualidad y sexualidad que requiere el “cisne negro” en el ballet de Tchaicovsky. El conflicto central de la historia se produce con la llegada a la compañía de Lily (Mila Kunis), una nueva profesional de la danza de naturaleza extrovertida y con gran confianza en sí misma, a quien Nina teme por creer que le pueda llegar a arrebatar el papel protagónico del ballet que finalmente ha logrado obtener. A pesar de no tratarse de un film documental, todo lo que aquí se ilustra parece condecir con lo que ocurre en la realidad en lo que concierne a la rígida disciplina que este arte impone a quienes lo practican. La ficción se hace aquí presente con la desintegración psicológica que va experimentando Nina a medida que la historia progresa y que en muchas instancias el público podrá asociarla con personajes similares femeninos como los de Repulsión (Catherine Deneuve) y El Bebe de Rosemary (Mia Farrow) de Roman Polanski. A la sobresaliente composición que logra Portman de su personaje, cabe agregar que todos los actores que la rodean transmiten total convicción, en parte debido a la excelente descripción de sus personajes. Aronofsky ha logrado un sólido film retratando la paranoia y descontrol de una persona que en procura de lo perfecto llega a pagar un alto precio emocional y espiritual; todo eso está relatado acabadamente en medio de una atmósfera perturbadora pero al propio tiempo excitante donde en muchos casos resulta difícil discernir la realidad de la alucinante fantasía presenciada, hasta llegar a un desgarrante desenlace. Complementando el interés de la historia central, las logradas escenas de baile contribuyen a atraer el interés de los espectadores amantes del género. Entre los agregados se incluyen el detrás de la escena, aspectos vinculados con el diseño de producción, entrevistas realizadas con Aronofsky y Portman, perfiles de los integrantes del reparto, etc. Audio: francés, inglés, español. Subtítulos optativos: Español e inglés.
FAIR GAME. Estados Unidos, 2011. Dirección: Doug Liman. Distribución: Entertainment One
Esta película de trasfondo político se basa en acontecimientos verídicos ocurridos en los Estados Unidos teniendo como telón de fondo la guerra de Irak. En todo caso, el film no está centrado propiamente en el lamentable conflicto bélico sino en los coletazos que produjo en la vida de un matrimonio durante el gobierno de George W. Bush. El relato escrito por Jez Butterworth y John-Henry Butterworth basado en dos libros escritos por Valerie Plame Wilson (Fair Game) y su esposo Joseph (Joe) Wilson (The Politics of Truth), engloba el drama moral atravesado por esta pareja a partir de mediados de 2003. Conformando una familia bien avenida con dos hijos, nada hacía presagiar que la tranquilidad gozada habría de desmoronarse frente a la insidia y malevolencia de ciertos personeros de Washington DC. Valerie (Naomi Watts) era una funcionaria encubierta de alto rango de la CIA que con antelación al comienzo de la guerra tenía como misión realizar una investigación sobre la existencia potencial de armas de destrucción masiva en Irak. En octubre de 2002, la agencia dio a conocer un informe confirmando que Irak efectivamente las poseía. Simultáneamente a esos hechos, Joe Wilson (Sean Penn), un ex diplomático de carrera, es encomendado por el gobierno americano para realizar una misión en África que consistía en aportar las pruebas necesarias de que Saddam Hussein había adquirido uranio enriquecido proveniente de Niger; sin embargo, al completar su trabajo señaló en su informe que no había evidencia alguna sobre la materia. Cuando la administración Bush resuelve ignorar las conclusiones del ex diplomático y desata la guerra, Joe Wilson reacciona a través de un artículo publicado en el New York Times en julio de 2003 señalando sus conclusiones personales, lo que en otras palabras implicaba que las razones esgrimidas para comenzar la guerra eran ilegítimas. Pocos días después, Robert Novak, un popular periodista del Washington Post, manifestó en una de sus crónicas que la esposa de Joe Wilson trabajaba como agente de la CIA. Esa revelación causó a Valerie Plame un daño irreparable en su carrera profesional, puso en riesgo de muerte a sus contactos en el exterior, tuvo que defenderse denodadamente frente a la opinión pública para salvar su imagen y la de su marido y además llegó a afectar su vida privada en la medida en que su matrimonio estuvo a punto de naufragar. Ese acto de vendetta hacia Joe Wilson y a Valerie fue instrumentado cuidadosamente por Lewis Libby (David Andrews), quien como un estrecho colaborador del vicepresidente Chenney fue el que filtró la noticia al periodismo quebrando de ese modo la estricta confidencialidad que debe ser mantenida con respecto a los que se desempeñan para la CIA. Esa vil acción es una demostración clara de la despiadada arrogancia de quienes ocuparon funciones relevantes en la administración Bush, además de haber provocado un grave daño emocional a una leal colaboradora como lo fue Valerie a lo largo de su carrera. Como la revelación de la identidad de la damnificada constituye un grave delito federal, Libby fue condenado a 30 meses de cárcel y a una multa de 250 mil dólares; sin embargo, la pena quedó rápidamente conmutada a los pocos días por George W. Bush quien utilizó sus atributos presidenciales para liberarlo de la cárcel como un acto de clemencia. Doug Liman narra toda esta historia a través de un thriller muy bien construido. No sólo proporciona una buena cuota de suspenso, sino que también logra que el espectador experimente un sentimiento de rabia y repugnancia frente a las mentiras, traiciones, deslealtades y manipulación de la opinión pública causada por la alta política del gobierno mediante el uso y abuso del poder en forma cínica y despiadada. Las interpretaciones de Watts y Penn están de acuerdo a las expectativas que se tienen de estos dos grandes actores. Manteniendo una buena química ya demostrada en otros trabajos conjuntos (21 Grams, The Assassination of Richard Nixon) transmiten con completa autenticidad las emociones del matrimonio Wilson frente a las enormes presiones que debieron atravesar. En resumen, un muy buen docudrama. Los agregados del DVD incluyen comentarios en audio con Valerie Plame Wilson y Joe Wilson. Audio: inglés, francés. Subtítulo optativo en inglés.
COPACABANA Francia, 2010. Dirección: Marc Fitoussi. Distribución: Entertainment One/Seville (2011)
Esta película francesa de Marc Fitoussi reúne por primera vez a la gran actriz Isabelle Hupert y su hija Lolita Chammah que también lo es en la ficción de este film. Huppert anima a Babou una mujer excéntrica de mediana edad y despreocupada de las convenciones sociales por lo que su hija, próxima a casarse, siente un poco de vergüenza de estar con su madre frente a terceros y por eso no la invita a su boda. Aunque gran parte del film trata de mostrar las peripecias que atraviesa Babou al lograr encontrar un trabajo en Ostende vendiendo departamentos bajo el sistema de tiempo compartido y ayudando a los sin hogar para tener un refugio donde dormir, lo que en última instancia predomina es el amor de una madre hacia su hija y el esfuerzo que realiza para conquistar su afecto. Dado el vínculo real que une a Hubert con Chammah existe una natural complicidad entre ellas, donde Huppert brilla como de costumbre en un papel apartado de lo dramático y Chammah brinda simpatía y espontaneidad ajustándose perfectamente al juego actoral de su madre. En resumen, se trata de una agridulce comedia con cierto contenido social que mantiene interés no solo por su elenco sino también por las oportunas observaciones mordaces del guión. El DVD contiene como material extra 8 breves escenas no incluidas en su versión teatral, con comentarios de su director. Se presenta en su versión original francesa con subtítulos optativos en francés e inglés.
AMERICA, AMERICA Estados Unidos, 1963. Dirección: Elia Kazan. Distribución: Warner Home Video (2011)
Elia Kazan ha sido uno de los más importantes directores del siglo pasado americano con una filmografía que registra títulos que son clásicos en la historia del cine (Gentleman’s Agreement, A Sreetcar Named Desire, Viva Zapata, On the Waterfront, East of Eden, Splendor in the Grass) y este film no es la excepción a la regla y es posiblemente el trabajo más personal de Kazan por su contenido en parte autobiográfico. Comienza con las palabras del realizador señalando que es griego de sangre, turco por nacimiento y americano porque su tío efectuó un viaje. Esa es la esencia del relato de casi 3 horas de duración donde queda reflejado el difícil peregrinaje que sirvió de inspiración al libreto escrito por Kazan basado en episodios reales de su propia familia. La acción que comienza a fines del siglo 19 presenta a Stavros (Stathis Giallelis), el alter ego del tío de Kazán- un joven griego de Anatolia cuyo sueño máximo es reunir el dinero necesario para dejar Turquía y viajar a los Estados Unidos en procura del sueño americano que pueda mejorar sus humildes condiciones de vida y las de su familia. Para ello debe vencer varios obstáculos donde el primero consiste en lugar la aldea montañosa donde vive y en donde las minorías griegas - como lo fuera la familia de Kazán- así como las armenias sufren la opresión de los turcos. Su primera etapa es Constantinopla (actual Estambul) donde llega con muchas ilusiones y esperanzas; allí debe trabajar duramente para mantenerse, es objeto de robos, muchas veces pasa hambre y finalmente ,dándose cuenta de la realidad que lo circunda, comprende que para cumplir su meta debe adoptar una actitud pragmática como comenzar a venderse para actuar como gigoló. No es necesario describir las vicisitudes que atraviesa hasta finalmente desembarcar en Nueva York. Lo importante es que la crónica reseñada por Kazan no presenta a los Estados Unidos como una paradisíaca tierra sino como un lugar en donde no siempre es fácil la adaptación pero que a base de grandes esfuerzos es posible la superación. Eficientemente relatado, este absorbente drama alienta humanidad y a pesar de haber transcurrido casi medio siglo años de su estreno conserva toda su frescura además que permite comprender e identificarse con los esfuerzos de los emigrantes europeos de esa época que alentaron mejores horizontes de vida; en última instancia no es muy diferente con los flujos migratorios que por razones ya no exclusivamente económicas sino también políticas se ha vivido en las últimas décadas. Como material adicional del film se encuentra el comentario en audio realizado por el historiador Foster Hirsch, uno de los grandes seguidores de los filmes de Kazan, refiriéndose al contenido de las diferentes escenas del film a medida que se van sucediendo las imágenes del mismo. El DVD es presentado en su versión original inglesa con subtítulos optativos en inglés o francés.
INSIDE JOB. Estados Unidos, 2011. Dirección: Charles Ferguson. Distribución: Sony Pictures Home Entertainment
Este film que hace pocos días obtuviera el Oscar al mejor documental del año, es un remarcable documento que explica en forma esclarecedora y escalofriante la génesis, desarrollo y consecuencia de lo que su realizador Charles Ferguson ha calificado como el robo bancario más grande perpetrado no por asaltantes comunes sino por quienes ocuparon los eslabones más elevados en la estructura jerárquica de corporaciones privadas e instituciones de gobierno. Lo que este film evidencia es que el descalabro financiero del 15 de setiembre de 2008, no fue debido a errores o accidentes humanos sino a hechos que fueron claramente advertidos mucho antes de esa fatídica fecha y que por lo tanto podían haberse evitado si se hubiera actuado en forma firme y radical. Después de la gran depresión de 1929 y durante los siguientes 45 años Wall Street no experimentó ningún terremoto dramático, debido a la regulación existente que había permitido un funcionamiento normal de los mercados financieros. Sin embargo, cuando comienza la política de desregulación que se acentuó en la administración Reagan y sus sucesores, el campo quedó abierto para que la falta de supervisión condujera a la hecatombe conocida. Así el film destaca cómo la política de fáciles y malos préstamos por parte del sector financiero fue sembrando burbujas de fantasía hasta que se produce la quiebra del banco de inversión Lehman Bros generando un desmoronamiento del sistema que afectó a la economía mundial. Lo más lamentable es que detrás de la escena participaron voraces buitres humanos quienes usufructuando de sus cargos públicos y privados de altísimo nivel participaron en maniobras especulativas que los convirtió en ilegítimos multimillonarios; en esa lista figuran académicos de universidades prestigiosas y reconocidos economistas quienes actuando como “asesores” supieron cómo beneficiarse de la falta de regulación imperante en el mercado. Mientras que sus responsables siguen gozando de plena libertad favorecidos por resquicios legales, el resto de la población sufrió los impactos de la desocupación, la pérdida de sus viviendas al no poder cumplir con sus préstamos hipotecarios y, sobretodo, afrontando un sombrío futuro. Al asumir el gobierno del presidente Obama, todo parecía indicar que llegarían nuevos aires de renovación y saneamiento; sin embargo, Ferguson expresa su gran desilusión al constatar que el actual mandatario nombró colaboradores claves que habían estado implicados en el desastre financiero. Para la crónica de estos eventos, el realizador se valió de numerosas entrevistas, entre ellas las realizadas al congresal Barney Frank, el ex gobernador del estado de Nueva York Eliot Spitzer, el editor asociado y columnista económico del Financial Times, el ex presidente del Banco de la Reserva Federal Paul Wolcker, y muchos otros nombres cuya lista se haría excesivamente larga de enumerar. Si bien todo lo expuesto deja en el ánimo del espectador un profundo sentimiento de repulsión y amargura, esta lección de historia contemporánea es entretenida, instructiva y, obviamente, muy recomendable. El film está editado en formato DVD y Blu-Ray. Ambos contienen valiosos comentarios del director Ferguson y el productor Audrey Marrs sobre cómo ha sido posible realizar este film; el Blu-Ray contiene como material exclusivo 60 minutos adicionales de escenas no incluidas en la versión cinematográfica. La banda audio del film es en inglés con subtítulos optativos en español, francés, inglés y varios otros idiomas.
HABITACIÓN EN ROMA. España, 2010. Dirección: Julio Medem. Distribución: Entertainment One (2011)
Después de su poco logrado trabajo en Caótica Ana, el realizador español Julio Medem retorna con este film hablado mayormente en inglés que no contribuye a mejorar su filmografía. No existen elementos que permita redimir a este relato desequilibrado cuyo único propósito es graficar la relación lésbica entre dos mujeres pero sin indagación psicológica que permita juzgarlo seriamente. El relato que transcurre en Roma, presenta en la puerta de un hotel a dos mujeres que no se habían conocido previamente; una de ellas es la española Alba (Elena Anaya) quien invita a la otra, la rusa Natasha (Natasha Yarovenko), a pasar en su habitación de hotel la última noche de ambas en la ciudad. Natasha acepta e inmediatamente las dos mujeres comienzan a hacer el amor que seguirá en forma intermitente hasta el amanecer. Medem no escatima detalles ni tampoco es sutil para ilustrar el condimento sexual destinado a un público que disfrute contemplando el juego amoroso de dos mujeres. Durante los momentos de reposo, ambas se cuentan sus respectivas vidas, aunque nada indica que lo que dicen responda a la realidad. Al día siguiente, y después de compartir el desayuno, Alba y Natasha se despiden en la puerta del hotel sin ninguna promesa de volver a verse y alejándose en direcciones opuestas. Estilísticamente, hay ciertas tomas de relativo interés que tratan de compensar el vacuo contenido del film. Las interpretaciones de Anaya y Yarovenko son correctas aunque no se requieren grandes condiciones artísticas para lo que el relato les demanda. La banda audio es en inglés/francés y con subtítulos optativos en inglés. No contiene material extra.
Este film desmiente la idea de que una producción concebida para la televisión, tal como la de este film, pueda ser de menor calidad que otra destinada a ser presentada en las salas de cine. Estructurado en tres capítulos, Carlos no demuestra ser una exclusivamente una miniserie televisiva preparada para la televisión francesa dado que se trata de un documento fílmico de notable calidad. El film concebido por Olivier Assayas es una obra de gran ambición y magnitud sobre Carlos, el tristemente famoso terrorista internacional, donde puede ser juzgado en la comodidad del hogar a través de una edición que contiene dos discos: uno de ellos es en formato DVD y corresponde al film visto en las salas de cine con una duración de 165 minutos, en tanto que el otro disco es en formato Blu-ray e incluye la versión televisiva. En consecuencia, el público tiene la oportunidad de juzgar ambas versiones, donde debido a su longitud la destinada a la televisión es más analítica y sin que el interés llegue a resentirse a pesar de sus 5 horas y media de duración. El guión preparado por Assayas y Dan Franck recuenta la vida turbulenta del más notorio terrorista internacional durante la década de los 70 y 80 fundamentalmente, hasta su detención en Sudán en 1994. Con la seriedad de un trabajo periodístico que bien podía haber correspondido al efectuado por un concienzudo historiador, Assayas realizó un considerable esfuerzo de investigación para tratar de reflejar de la manera más objetiva posible la personalidad de este individuo que siempre lograba escabullirse de la justicia. Así y sin ser estrictamente una biografía, el film que no es un documental sino un relato de ficción, brinda una lograda visión de las contradicciones de un militante de extrema izquierda quien se convierte en terrorista internacional como único medio de lograr sus propósitos, aunque éstos no siempre quedaron claros. El relato omite sus primeros años de vida aunque se sabe que nació en Caracas como hijo de un abogado marxista que tuvo la idea de bautizarlo con el nombre de Ilich; claro está que para su actuación “profesional”, Ilich Ramírez Sánchez dejaría de llamarse así para adoptar el seudónimo de “Carlos”. Siguiendo el criterio sustentado para la televisión, el film claramente puede ser dividido en tres partes. Después de haber recibido una educación formal en Gran Bretaña y la Unión Soviética -aspecto que el relato pasa por alto-, el primer segmento muestra al joven graduado de 21 años adhiriéndose en 1970 al Frente Popular para la Liberación de Palestina liderado en Beirut en 1970 por el militante Wadie Haddad (Ahmad Kaabour) participando en el asalto de la armada roja japonesa a la embajada de Francia en Holanda en 1974 y posteriormente en el fracasado ataque a la aerolínea israelí El Al. El segundo capítulo, por cierto el más tenso y excitante, Carlos siguiendo las instrucciones de Haddad asume la responsabilidad de liderar un comando de 5 revolucionarios para el asalto a la sede de la OPEC en Viena en oportunidad de la conferencia de ministros que tuvo lugar en Diciembre de 1975; dado que esta operación era financiada y planeada por Saddam Hussein, el objetivo consistía en secuestrar a todos los ministros participantes y ejecutar a los de Arabia Saudita e Irán, naturales enemigos de Irak. El operativo que no resultó como fue planeado, ofrece al espectador –a pesar de saber su desenlace- escenas brillantemente filmadas que bien podrían formar parte de un film de suspenso frente a los inconvenientes que los terroristas encuentran en su intento de llegar a Bagdad con un avión facilitado por las autoridades austríacas. Después de ser expulsado del Frente Popular, Carlos decide formar su propia organización terrorista, y comienza una nueva ola de crímenes y atentados en Europa. Con la caída del muro de Berlín en 1989 y la rápida desintegración del régimen comunista en Europa Oriental, parte de la misión que motivaba el accionar terrorista de Carlos deja su razón de ser y es así que en la parte final del relato se asiste al ocaso de esta “celebridad” quien amparado por sus vínculos con gobiernos del Medio Oriente, especialmente el de Siria, se ve obligado a dejar el santuario de este último país donde estaba alojado, peregrinando por otros países para no ser atrapado hasta que finalmente como fugitivo perseguido se asienta en Sudán, lugar donde es capturado. Dudo que este film pudiera haber sido tan perfecto de no haber contado con la interpretación del actor venezolano Edgar Ramírez (sin parentesco alguno con Ilich) Este actor se introdujo en cuerpo y alma en la psicología de Carlos, adoptando todos los matices necesarios para transmitir su multifacética personalidad; así, el incansable manipulador, despiadado asesino de considerable ego que no hesita en eliminar a cualquiera que se le llegue a interponer, corrupto mercenario y contrabandista de armas, carismático y encantador seductor de mujeres, logra en la excepcional caracterización de Ramírez brindar la sensación de estar contemplando al verdadero y multilingüe Carlos, olvidando que actualmente está en una cárcel de París cumpliendo su condena de prisión perpetua. Si estos logros fueran pocos, habrá que agregar su notable desempeño lingüístico al haber tenido que hablar en alemán, español, francés, e inglés así como expresarse también en idioma árabe. Assayas es un director de extraordinaria ductilidad si se tiene en cuenta que después de haber efectuado un hermoso y delicado film intimista como L’Heure d’ Été (2008) llega aquí con un relato de naturaleza diametralmente opuesta aunque igualmente de meritoria calidad. Habrá que agradecerle por haber elegido a Ramírez para el difícil y complejo rol protagónico cuidando de no hacerlo caer en la caricatura y al propio tiempo obteniendo un medido equilibrio de una personalidad no extremadamente diabólica como tampoco excesivamente romántica; también cabe admirar su impecable dirección escénica y preciso encuadre dando como resultado un film que además de ser rico en múltiples detalles es de ritmo fluido, contribuyendo a que sea altamente entretenido al punto tal de no reflejar su larga duración. Los detalles de producción, especialmente en la reproducción de época, son de primer nivel con escenarios filmados en Alemania, Austria, El Líbano, Francia, Hungría, Marruecos y Sudán. La edición contiene como material adicional el proceso de desarrollo del film, así como entrevistas realizadas con el director Assayas y su protagonista Edgar Ramírez animando al célebre terrorista internacional. Tanto la banda audio como la opción de subtítulos abarcan varios idiomas, donde el español es uno de ellos. Sin duda, un video muy recomendable para quienes no hayan visto aún el film o la miniserie y para los cinéfilos y coleccionistas interesados en la trayectoria de este sanguinario criminal
También se encuentra la actriz americana Uma Thurman, protagonista del laureado film de Quentin Tarantino Pulp Fiction. Otros nombres incluyen al director francés Olivier Assayas cuyo film Carlos fue estrenado en Cannes el año pasado, el actor británico Jude Law, el director y productor de Hong Kong Johnnie To, el realizador de Chad Mahamat Saleh Haroun cuyo film Un homme qui crie obtuvo el Premio del Jurado. La lista se completa con la crítica y escritora noruega Linn Ullman y el productor chino Nansun Chi.
