UNA BOTELLA EN EL MAR DE GAZA

Une bouteille dans la mer de Gaza. Francia-Israel-Canadá, 2011. Un film de Thierry Binisti. Elenco: Agathe Bonitzer, Mahmoud Shalaby, Hiam Abbass

El eterno y amargo conflicto árabe-israelí ha sido materia de varios documentales y filmes de ficción; ahora Une bouteille dans la mer de Gaza se agrega en la lista de esta última categoría donde el director Thierry Binisti ofrece un film de calidad además de brindar un mensaje de paz y solidaridad humana.

Aunque la premisa del relato pueda resultar idealista, lo que aquí se observa destila sinceridad y completa autenticidad. A pesar de tratarse de su segundo film, el director demuestra un dominio considerable manejando un asunto espinoso y de extrema sensibilidad al haber logrado un delicado equilibrio en exponer los puntos de vista de cada una de las partes beligerantes sin tomar partido alguno. Al propio tiempo, evita cualquier sentimentalismo posible para no caer en la fácil demagogia de contar una simple novelita romántica.

Binisti se basó en el libro de Valérie Zenatti “Una botella en el mar de Gaza” que da título al film donde expone el intercambio de cartas enviadas a través del correo electrónico entre dos jóvenes que viven a menos de 100 kilómetros de distancia pero que en los hechos están apartados por una gigantesca valla difícil de traspasar y que involucra a dos ciudades enemigas.

Tal (Agathe Bonitzer) es una joven israelí de origen francés de 17 años habitando con su familia en Jerusalén y que ha quedado tremendamente impresionada como consecuencia de la bomba que un miembro de Hamas hizo explotar en un café local en 2003 provocando la muerte de inocentes víctimas, entre las mismas la de una chica de su misma edad que estaba por casarse. Ese acontecimiento la impulsa a dirigir una carta a Gaza sin específico destinatario, dejando su dirección electrónica, para que cualquiera que la leyera pudiera explicarle cuáles podrían ser las posibles razones que motivan a que alguien pueda cometer semejante atrocidad criminal; con ese propósito utiliza los servicios de su hermano Eytan (Abraham Belaga), que está en el ejército israelí, para que el mensaje colocado en una botella sea arrojado al mar con dirección hacia la franja de Gaza. La persona receptora es Naïm (Mahmoud Shalaby), un muchacho palestino de 20 años, quien después de haber leído la misiva se instala en su ordenador y bajo el pseudónimo de “Gazaman” le responde a Tal.

A partir de allí, las cartas electrónicas intercambiadas se van sucediendo, creándose de este modo un vínculo de comunicación virtual no siempre libre de animosidad, suspicacia y recelo frente a las vivencias opuestas que cada uno de ellos y sus respectivas familias experimentan con motivo del conflicto. A pesar de que el intercambio de correspondencia va creando un diálogo más personal e íntimo que gradualmente se traduce en un sentimiento afectivo de carácter romántico, ambos enfrentan la dificultad de no poder sustraerse de la trágica realidad social y política que les afecta y que contribuye a que el encuentro físico no pueda materializarse.

El documento impacta por su contenido y a pesar de que los medios de comunicación se ocupan de difundir extensamente la violencia de la región, este film tiene la virtud de describir el inquietante y tenso ritmo de la vida corriente de dos mundos completamente opuestos como pocas veces el cine lo ha hecho; en gran parte eso es debido a que la puesta en escena del realizador, unido al muy buen guión escrito por él junto a la autora de la novela, confieren plena autenticidad y sincera emoción al drama que viven sus personajes.

La interpretación de Bonitzer y Shalaby es completamente convincente animando a los dos personajes centrales que en ningún momento del relato llegan a estar juntos y en los papeles secundarios se distingue la veterana actriz Hiam Abbass por la ternura que imprime como la madre viuda de Naïm.

No obstante su contexto sombrío, el film deja abierto una pequeña puerta esperanzadora al demostrar que si Tal y Naïm pueden entablar un diálogo, nada debería impedir que las partes en conflicto siguiesen su ejemplo.

Conclusión: Un film pequeño pero de inmenso corazón que narrando una amistad casi imposible se distingue por su profundo humanismo y convicción pacifista. Jorge Gutman

Hiam Abbass y Mahmoud Shalaby en el film de Thierry Binisti UNE BOUTEILLE DANS LA MER DE GAZA

TEMPORADA 2012-2013 DE LA OSM

UNA REMARCABLE PROGRAMACION DE LA OSM

Crónica de Jorge Gutman

La nueva temporada 2012-2013 de la Orquesta Sinfónica de Montreal, dada a conocer por el maestro Kent Nagano en una reciente conferencia de prensa, es sencillamente extraordinaria. Con un contenido ambicioso de 85 conciertos ofrecidos en 53 programas, es indudable que satisfará a todos los melómanos; en tal sentido, tanto aquéllos que prefieran el repertorio tradicional como los que estén motivados a abordar composiciones inéditas y/o contemporáneas, tendrán oportunidad de poder asistir a un menú musical rico y diversificado en la Maison Symphonique de Montreal, la nueva residencia de la orquesta.

La temporada será inaugurada el 5 de septiembre por Kent Nagano con la grandiosa Sinfonía N°2 de Mahler (“Resurrección”), que será repetida el día 6 y el 8 del mismo mes. Se trata de una obra coral de excepcional magnitud y belleza que el gran compositor austríaco la concluyó después de más de 6 años de trabajo; en la misma Mahler imprime su característico estilo personal donde predomina una melancolía de incontrolable fuerza como así también la presencia de temas melódicos de carácter popular dentro del contexto de la fe profunda sobre el sentido de la vida y la muerte.

Nagano también tendrá a su cargo finalizar la temporada con el famoso oratorio Jeanne d’Arc au bûcher de Honneger, los días 28 y 30 de mayo así como el 1 de junio de 2013 en donde tendrán participación los bien conocidos actores franceses Carole Bouquet y Lambert Wilson, además de un conjunto vocal de 150 coristas.

En materia temática, Nagano dirigirá un ciclo de conciertos que incluye tres de las más importantes sinfonías de Haydn, la N°92 (“La Sorpresa”), la N°100 (“Militar”) y la N°101 (“El Reloj”).

Aprovechando la acústica y la atmósfera especial del nuevo auditorio de la OSM, habrá una composición de Maxime McKinley y de Maxime Morin –conocido como DJ Champion- en una velada de música electrónica donde éste último también habrá de ejecutarla acompañado de la OSM.

Dentro de las obras sinfónicas de mayor envergadura estarán presentes La Consagración de la Primavera de Stravinsky conmemorando el centésimo aniversario de su creación en 1913, la Primera y Séptima Sinfonía de Beethoven, así como la Sinfonía N° 4 de Brahms y la Sinfonía N°6 de Bruckner.

Generalmente, las más importantes orquestas del mundo están asociadas a un tipo especial de música y en tal sentido la OSM brilla en la ejecución del repertorio francés; para la nueva temporada interpretará algunos clásicos como Ma Mère l’Oye de Ravel, los Réquiem de Fauré y Duruflé y La Mer de Debussy.

Entre las importantes obras rusas que la OSM interpretará se destacan Schéhérazada de Rimsky-Korsakov sobre episodios de las mil y una noches, extractos de Romeo y Julieta de Prokofiev, el poema sinfónico Manfredo y el Concierto para Piano N°1 de Tchaicovski, la Sinfonía N°10 de Shostakovich y el Concierto N°3 para Piano de Rachmaninov.

Como más arriba quedó mencionado, hay numerosas composiciones que la OSM ejecutará por primera vez. Entre las mismas se encuentra la suite sinfónica de Pelléas et Mélisande en arreglo realizado por Marius Constant, Poema Sinfónico para 100 metrónomos de Ligeti, Poemas de Invierno de Buhr, la Sinfonía N°4 de Vaughan Williams, La Victoria de Wellington de Beethoven, la Sinfonía N°4 de Magnard y la composición para música electrónica de DJ Champion y McKinley.

Para el período navideño, la OSM retorna a la Basílica Notre-Dame para ofrecer el oratorio L’Enfance du Christ de Berlioz.

Combinando música e imágenes, la OSM ofrecerá una obra sinfónica combinando ambos elementos; en este caso se trata de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorak.

Entre los directores invitados que participarán en la nueva temporada figuran los nombres de Marc Minkowski, James Conlon, David Zinman, Jacques Lacombe y Bramwell Tovey. Algunos de los importantes solistas invitados son los pianistas Denis Matsuev, Till Fellner, Yefim Bronfman, Jean-Efflam Bavouzet, y Alain Lefèvre, los violinistas Maxim Vengerov, Christian Tetzlaff, Gil Shaham y Karen Gomyo, la violoncelista Alisa Weilerstein, la soprano Measha Brueggergosman y la mezzo-soprano Susan Graham.

La OSM recibirá a tres orquestas: la Orquesta Sinfónica de Toronto bajo la dirección de Peter Oundjian, la Orquesta del Festival de Budapest (Hungría) dirigida por Ivan Fisher y el Collegium Vocale de Gante (Bélgica) bajo la dirección de Philippe Herreweghe que ejecutará el Oratorio de Navidad de Bach.

Para concluir con esta crónica cabe mencionar que habrá una serie de prestigiosos recitales realizados con la organización musical Pro Musica donde participarán el pianista Murray Perahia, el tenor Jonas Kaufmann y el violinista Itzhak Perlman.

Kent Nagano y DJ Champion en la conferencia de prensa donde se dio a conocer el programa de la nueva temporada

HILARY HAHN EJECUTANDO PROKOFIEV

ORQUESTA SINFÓNICA DE MONTREAL

El miércoles 4 y el jueves 5 de Abril la OSM será dirigida por el maestro francés Stéphane Denève, director de la Orquesta Nacional Escocesa Real y el principal director de la Orquesta de la Radio de Stuttgart.

El programa comienza con la Suite de El Amor de Tres Naranjos de Prokofiev, de su ópera satírica que está basada en un cuento fantástico de Carlo Gozzi. También del mismo autor se ejecutará el Concierto para Violin N°1, obra de gran lirismo y excepcional vena melódica que contará como solista a Hilary Hahn; esta remarcable violinista estadounidense comenzó a actuar a la temprana edad de 12 años como solista con las más importantes orquestas sinfónicas de Estados Unidos y hoy día es requerida por los más destacados conjuntos orquestales del mundo.

En el programa también se incluye el Concierto para Orquesta de Ana Sokolovic que fue creado en 2007 a pedido de la OSM, obra que fue dada a conocer en una gira realizada por la orquesta a través de Canadá. Finalmente se habrá de escuchar El Mar (La mer) de Debussy, un hermoso poema musical integrado por tres bocetos sinfónicos, a saber: El mar entre el alba y el mediodía, Juego de las olas y Diálogo del viento con el mar.

Como es habitual, el concierto tiene lugar en la Maison Symphonique de la Place des Arts (www.osm.ca)

MUSICA VIENESA EN EL SEGAL CENTRE

Musica Camerata Montreal concluye su temporada 2011-2012 con un concierto dedicado a música vienesa. El conjunto está integrado por Berta Rosenohl (piano), Luis Grinhauz y Van Armenian (violines), Lambert Chen (viola), Caroline Milot (violoncello) y Eric Chappell (contrabajo), bajo la dirección de Luis Grinhauz. Como especial invitado estará el actor Jean Marchand quen oficiará como maestro de ceremonia además de intervenir como músico en el armonio.

El programa está integrado por la Marcha Miniatura Vienesa para violín, piano y violoncelo de Fritz Kreisler, Dornbacher Länder op. 9, para piano y cuarteto de cuerdas de Josef Lanner, Recuerdos de Viena y De Buen Humor para dos violines, contrabajo y piano de Josef Schrammel, Shatzwalzer op. 418 para piano, armonio y cuarteto de cuerdas de Johan Strauss II, Los Valses Románticos op. 167 para cuarteto de cuerdas de Josef Lanner, Rosen aus dem Südem op. 388 para piano, armonio y quinteto de cuerdas de Johann Strauss II, La Condesa Maritza (extractos) para piano y quinteto de cuerdas de Imre Kalman y Wein, Weib und Gesang op. 333 para piano, armonio y quinteto de cuerdas de Johann Strauss II.

El concierto tiene lugar el 1 de abril (14h30) en el Centro Segal (www.camerata.ca)

UN DIOS VIOLENTO

CARNAGE. Francia-Alemania-Polonia-España, 2011. Dirección: Roman Polanski. Distribución: SONY Pictures Home Entertainment (2012)

Por Jorge Gutman

Resulta difícil sustraer la favorable impresión que me causó Le Dieu du Carnage, la pieza teatral de la dramaturga francesa Yasmina Reza, apreciada en francés y posteriormente en inglés. De allí que ahora, después de haber visto el film de Roman Polanski basado en la mencionada obra, no puedo menos que expresar mi gran satisfacción al comprobar la precisión con que el traslado al cine fue efectuado. Se trata de una pieza de cámara donde todo su desarrollo queda confinado a un solo escenario; sin embargo lejos de resultar claustrofóbica, la versión cinematográfica adquiere vuelo propio debido a la forma en que ha sido abordada. Polanski, valiéndose del guión por él escrito conjuntamente con Reza, para disimular su estructura teatral ubica las cámaras de tal modo que contribuye a que el espectador olvide por completo que está presenciando teatro filmado.

La historia de Reza es una ácida y lúcida descripción de las manifestaciones deplorables que pueden adquirir las relaciones humanas cuando la racionalidad cede paso al instinto animal.

A diferencia de la pieza teatral, el film transcurre en Nueva York en lugar de París y comienza con una secuencia que se desarrolla en un parque donde dos preadolescentes de 11 años de edad se pelean y uno de ellos golpea con un palo la cara del otro haciéndole perder dos dientes. De allí en más todo transcurre en el departamento de Penelope (Jodie Foster) y Michael Longstreet (John C. Reilly), los padres del chico golpeado, quienes reciben la visita de Nancy (Kate Winslet) y Alan Cowan (Christoph Waltz), los progenitores del niño victimario. .El encuentro tiene como propósito redactar en conjunto una carta al comité disciplinario de la escuela testimoniando lo ocurrido como así también tratar de que ambas parejas lleguen a una solución conciliatoria y pacífica.

Los dos matrimonios son clásicos representantes de la mediana burguesía. Penelope es una escritora de libros de derechos humanos, su marido un vendedor de productos hogareños, mientras que Nancy es una inversionista y Alan es abogado de una importante compañía farmacéutica. En nombre de las buenas maneras, todo comienza en forma decorosa y civilizada donde la conversación se ameniza con café y un postre servido por los dueños de casa. Cuando se cree que todo ha queda resuelto y los visitantes están por irse, surgen factores que los retienen retornando al departamento. A medida que la reunión se prolonga más allá de lo necesario comienzan a surgir comentarios incidentales de los dueños de casa hacia el hijo de los Cowan que hieren la sensibilidad de sus padres; eso comienza a desencadenar una guerra de nervios y tensiones donde los desencuentros iniciales de Penelope y Alan alcanzan niveles de discordia para luego irse extendiendo al resto del grupo.

El film que transcurre en tiempo real intercala las desavenencias de las partes involucradas entremezclados por inoportunos llamados que recibe Alan en su teléfono celular y de las comunicaciones que a su vez él efectúa, ignorando por completo la presencia de su esposa y de los dueños de casa; asimismo las conversaciones y altercados se entrecortan momentáneamente por parte del continuo llamado de la madre de Michael que en medio de la enrarecida atmósfera en que la reunión se desarrolla contribuye aún más a exacerbar los ánimos ya caldeados.

Dentro de la vorágine de situaciones que se van sucediendo en el transcurso del relato se va asistiendo a la desintegración de cuatro seres donde cada una de las parejas ataca a la otra además de las recriminaciones que se producen entre maridos y cónyuges; eso origina situaciones jocosas pero decididamente patéticas al demostrar cómo un incidente serio pero no catastrófico ponen en evidencia la fragilidad de las relaciones humanas entre personas que se muestran incapaces de resolverlo.

La autora de esta obra impone a sus protagonistas un gran desafío debido a las tensiones escénicas y los movimientos físicos a que están sujetos los protagonistas durante todo el metraje. En tal sentido la labor de los 4 intérpretes es de antología y resultaría injusto resaltar la actuación de cualquiera de los actores en detrimento de los restantes; Tanto Relly como Foster, Winslet y Waltz configuran un verdadero póquer de ases viviendo intensamente y con absoluta naturalidad sus respectivos personajes, mereciendo el respeto y decidida aprobación del público que los contempla.

A diferencia de la impresión de tristeza que deja la obra teatral, Polansky y Reza han introducido un ingenioso epílogo donde asoma una luz de esperanza. Mejor así.

El DVD ofrece como material suplementario el comentario de los 4 actores sobre las características de sus respectivos personajes y la relación de trabajo con el realizador del film (Actors’ Notes) y una entrevista realizada por Jenelle Riley a John C. Reilly y Christoph Waltz (An Evening with John C. Reilly and Christoph Waltz).

La banda audio del film es en inglés/francés con subtítulos optativos en ambos idiomas.

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MANON Y LA TRAVIATA EN TRANSMISIÓN DIRECTA DESDE EL MET

Concluyendo la exitosa temporada 2011-2012 de la serie “Metropolitan Opera: en directo y en alta definición”, el público canadiense tendrá la oportunidad de ver Manon y La Traviata.

Manon

Esta ópera creada por Jules Massenet entre 1881 y 1883 y se estrenó en la Ópera Comique de París en enero de 1884, con la soprano Marie Hellbronn en el rol protagónico. El Metropolitan Opera la representó por primera vez en enero de 1895 y desde entonces fue cantada muy frecuentemente en más de 200 oportunidades.

Su inspirada música expresa una variada gama de sentimientos y cuenta con una excepcional instrumentación. El libreto de la ópera corresponde a Henri Meilhac y Philippe Gille, basado en Manon Lescaut del abate Prévost. La historia que transcurre en 1721 gira en torno de la joven Manon que es llevada por su primo Lescaut a un convento de acuerdo a los deseos del padre de la chica. Durante la breve estancia de Manon, antes de entrar al convento, llega al lugar el Caballero de Grieux y se produce un amor a primera vista, hecho que modificará todo los planes de la pareja que decide huir juntos.

La producción pertenece a Laurent Pelly como así también el diseño del vestuario. La dirección musical está a cargo del maestro Fabio Luisi y el elenco central está integrado por la excelente soprano Anna Netrebko en el rol títular, el tenor Piotr Beczala en el rol del Caballero de Grieux, el barítono Paulo Szot como Lescaut y el bajo David Pittsinger animando al Conde de Grieux.

La difusión en Canadá tiene lugar en las salas de la cadena exhibidora CINEPLEX, el sábado 7 de abril (redifundida el 14 de mayo) a las 12h00 (hora del este) en las provincias de Ontario y Quebec que es la misma que corresponde a Nueva York.

Para consultar las salas de transmisión así como los horarios locales en las restantes provincias del país el sitio a visitar es www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

La Traviata

Esta ópera de Giuseppe Verdi que se estrenó en marzo de 1853 en el teatro La Fenice de Venecia es posiblemente una de las más representadas del repertorio lírico. Su inmensa popularidad se debe a su melodramática historia escrita por el libretista Franceso Maria Piave basada en la novela La Dama de las Camelias (1852) de Alejandro Dumas, así como también por sus hermosas arias, dúos y coro donde se destaca el famoso y esplendoroso “Brindis”.

La presente producción del Met cuenta con la producción escénica minimalista de Willy Decker y el maestro Fabio Luisi dirige la orquesta. En los principales roles el reparto está integrado por la soprano francesa Natalie Dessay quien revive a Violeta por primera vez en el Met, el tenor lírico estadounidense Matthew Polenzani animando a su amante Alfredo Germont y el extraordinario barítono ruso Dmitri Hvorostovsky caracterizando a su padre Giorgio Germont.

La difusión tiene lugar el 14 de abril (redifundida el 26 de mayo) a las 13h00 (hora del este). Al igual que con la transmisión de Manon, las salas corresponden al circuito exhibidor CINEPLEX y los horarios locales se pueden consultar visitando el sitio web indicado anteriormente
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JUEGOS DIABOLICOS

The Hunger Games. Estados Unidos, 2012. Un film de Gary Ross. Elenco : Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrrelson, Donald Sutherland, Stanlely Tucci

Después de una espectacular campaña promocional realizada durante los últimos meses, acaba de estrenarse en América del Norte la película The Hunger Games basada en el primer libro de una trilogía escrita por Suzanne Collins y adaptada para el cine por su autora conjuntamente con el director Gary Ross y Billy Ray. Aunque en principio el público adolescente es el principal destinatario del film, el contenido, realización y vigorosa actuación de su protagonista captará a una audiencia mucho más amplia que la pensada.

El tema de la violencia ha sido tratado en múltiples oportunidades pero quizás pocas veces en una forma tan descarnada y cruel como aquí está expuesto, adoptando como referencia a una sociedad deshumanizada. El director ha captado la sensibilidad de la autora tratando de sensibilizar a cierto sector del público actual que se deleita con algunos espectáculos televisivos que aunque de dudoso gusto sirven para saciar los instintos más primitivos.

La acción transcurre en Panem en un futuro no muy lejano, aunque sin fecha precisa. Se trata de una nación conformada por 12 distritos que reemplaza a lo que geográficamente fuera América del Norte que quedó devastada por conflictos bélicos. Con el propósito de evitar nuevas guerras o revoluciones que atenten el orden social existente, el autoritario gobierno central –denominado Capitolio- ha decidido intimidar a la población ofreciendo un castigo anual consistente en sacrificios humanos. Con ese fin ha creado un programa de televisión denominado Hunger Games en donde se efectúa una selección al azar de una chica y un muchacho de entre 12 y 18 años de cada uno de los distritos y que, a semejanza de los gladiadores del imperio romano, deben luchar entre ellos para llegar a matarse hasta que uno solo quede con vida y sea consagrado ganador del torneo. Este juego de masacre, considerado como una responsabilidad política para los elegidos, es observado por la nación entera que sigue apasionadamente su desarrollo hasta que 23 de los 24 tributos quedan eliminados.

El personaje central de esta historia es Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), una muchacha humilde de 16 años perteneciente al Distrito 12, el más pobre del país, quien es una experta cazadora y diestra deportista en el manejo del tiro con arco. Ella se ofrece como voluntaria para reemplazar y proteger a su hermana menor (Willow Shields) que había sido seleccionada; tendrá como compañero de su jurisdicción a Peeta Mellark (Josh Hutcherson) con quien compartirá una considerable parte de esta siniestra aventura y en donde quedará cimentada una emotiva relación sentimental.

En un relato fluido de casi dos horas y media, su primera parte describe muy bien el traslado de los futuros combatientes a una torre de cristal para los procedimientos que precederán a los diabólicos juegos que integran el resto de la exposición. La contienda tiene lugar en una zona boscosa donde la nación entera sigue los movimientos de los “tributos” y cómo deben instintivamente defenderse unos de otros para salvar sus vidas. En todo caso, sin agregar detalles adicionales de cómo la historia habrá de evolucionar cabe señalar que su desenlace satisface plenamente las expectativas del espectador.

Ross ha logrado un film de intensa acción no exento de emoción donde gran parte de su mérito reside en la sobresaliente actuación de Lawrence. Esta joven actriz que impresionó gratamente en Winter’s Bone (2010), brinda aquí otra notable interpretación caracterizando a una muchacha vulnerable pero firmemente determinada a tratar de salvarse de los otros participantes que por imperio de las circunstancias son sus enemigos. Es aquí como Lawrence ofrece en su rostro una riqueza expresiva demostrando que su personaje está lejos de ser una asesina pero que está obligada a matar para seguir con vida; de este modo, la actriz consigue imprimir una inusual energía emocional que sensibiliza al público, obteniendo del mismo una total empatía. El resto del elenco acompaña muy bien a Lawrence, desde Hutcherson como Peeta, hasta pequeños roles asignados a actores bien conocidos como Donald Sutherland animando al presidente de Panem, Woody Harrelson proporcionando algunas situaciones humorísticas como el consejero de Katniss, Elizabeth Banks en su rol de escolta de la joven y Stanley Tucci dando vida a un presumido y un tanto caricaturesco reportero de la televisión.

Formalmente, es apreciable la fotografía de Tom Stern captando la atmósfera decadente en que transcurre la acción así como la magnífica labor de edición por parte de Stephen Mirrione y Juliette Welfling.

Aparte de los aspectos morales que el relato contempla sobre una sociedad en descomposición, el realizador permite que el universo post-apocalíptico presentado se convierta en una metáfora de la sociedad competitivamente descarnada que nos toca vivir, donde ciertamente en más de una ocasión predomina la ley de la jungla con el “sálvese quien pueda”.

Es posible que muchos espectadores consideren perniciosa la moralidad de la violencia de este film pero cabe remarcar que muchos de los programas de entretenimientos de la televisión actual no dudan en recurrir por cualquier precio a situaciones igualmente brutales con tal de incentivar el interés de una audiencia en procura de gran excitación y emoción.

Conclusión: Un film muy bien realizado que además de entretener, permite reflexionar y replantear la necesidad de preservar ciertos valores para no deshumanizarnos. Jorge Gutman

Jennifer Lawrence, la excelente protagonista de "The Hunger Games" en una escena del film de Gary Ross

LA GRANDEZA HUMANA DE SHAKESPEARE

L’HISTOIRE DU ROI LEAR. Autor: William Shakespeare. Dirección: Martin Faucher. Elenco: Jean-François Blanchard, David Boutil, Jean-François Casabonne, Denis Gravereaux, Bruno Marcil, Pascale Montpetit, Vincent-Guillaume Otis, Gilles Renaud, Evelyne Rompré, Paul Savoie, Marie-Hélène Thibault. Música: Robert Normandeau. Escenografía: Guillaume Lachapelle. Iluminación: Marc Parent. Vestuario: Marc Senécal

Rey Lear es una obra de Shakespeare escrita entre 1605 y 1606 y a pesar de los cinco siglos transcurridos, sigue teniendo amplia vigencia. Sin querer generalizar, el desamor de los hijos hacia sus padres mayores no es un tema nuevo pero el inmortal autor lo expresa con una dosis de humanidad realmente conmovedora.

Al comenzar la obra el anciano rey Lear (Gilles Renaud) le pide a sus tres hijas que le expresen su sentimiento antes de proceder a distribuir el legado de su reino: dos de ellas, Gonoril (Pascale Montpetit) y Regan (Marie-Hélène Thibault), fingen su gratitud con elogiosas palabras hacia su padre mientras que Cordelia (Évelyne Rompre), la menor, mucho más sincera, mantiene un bajo perfil ofreciéndole un amor que compartirá con su marido el día que llegue a casarse; esa respuesta dista de convencer al soberano quien termina desheredándola y echándola del hogar. A medida que progresa la obra se habrá de comprobar el egoísmo y la perfidia de las dos hermanas mayores que demostrarán una execrable ingratitud hacia su padre, mientras que la menor será quien habrá de amarlo brindándole su devoción.

En forma paralela se asiste a otro drama de familia en la desavenencia familiar suscitada por parte del conde de Gloucester (Paul Savoie) y sus dos hijos, Edgar (Vincent-Guillaume Otis) el legítimo y Edmond (David Boutin) el bastardo, donde éste último conspira para que su hermanastro y su padre actúen el uno contra el otro.

En esta tragedia, tanto la ceguera paternal como el desagradecimiento filial están crudamente expuestos mostrando la decadencia de un rey que va siendo despojado de todo incluyendo su cordura, donde ni siquiera el cariño y compasión de Cordelia podrán salvarlo de su destino final.

La obra cautiva por su contenido y en tal sentido los sentimientos que se exponen resulta fácil de cundir en el ánimo del público dado que los conflictos generacionales entre padres e hijos alcanzan validez universal e intemporal. Sin embargo la puesta escénica de Denis Marleau resulta un tanto grisácea y fría sin que este drama de egoísmo, deslealtad, crueldad, humillación y ambición personal, trascienda como realmente debiera.

De todos modos cabe destacar la notable caracterización de Renaud en el papel protagónico ofreciendo su energía, sensibilidad y eventualmente su fragilidad como un rey que finalmente quedará reducido a la condición de un hombre ordinario aplastado por el sufrimiento. Igualmente, el resto del elenco aporta calidad a una producción que, aunque no completamente lograda, es recomendable.

Se representa hasta el 7 de abril en el escenario del Teatro du Nouveau Monde. Jorge Gutman

UN WESTERN CARICATURESCO

Casa de mi Padre. Estados Unidos, 2012. Un film de Matt Piedmont. Elenco : Will Ferrell, Gael García Bernal, Diego Luna, Pedro Armendáriz Jr., Génesis Rodríguez

Con un film que apunta a la caricatura de sus personajes y medio ambiente, el novel director Matt Piedmont decidió satirizar a los narcotraficantes mexicanos mediante una disparatada historia que incursiona en el género del western mezclado con el de las telenovelas latinoamericanas. Sin que resista un serio análisis, este cóctel ofrece al espectador una moderada diversión, siempre y cuando pueda convencerse de que lo que observa, desde la primera hasta la última escena, no es más que una amable farsa sin connotación social o mensaje alguno.

Casi todo el film es hablado en español y aunque su protagonista sea Will Ferrell, cuya pronunciación hispana dista de ser ideal aunque sea pasable, su inclusión constituye un ejemplo más de la gentil parodia que anima al relato. El popular actor es Armando Alvárez, un ranchero mexicano que siempre ha sido considerado por su padre (Pedro Armendáriz Jr.) una persona de poco carácter y firmeza para manejar su hacienda. Cuando su hermano menor Raúl (Diego Luna) regresa de los Estados Unidos como un triunfante hombre de negocios, acompañado de su atractiva novia Sonia (Génesis Rodríguez), su padre ignora que la fortuna amasada ha sido como traficante de drogas; menos aún sospecha que Raúl deberá enfrentar a Onza (Gael García Bernal), un temido padrino de la droga que no escatimará en recursos para tratar de eliminarlo como así también al resto de su familia. Para complicar las cosas, Armando se enamora de Sonia que resulta ser nada menos que la sobrina de Onza.

Dentro de un escenario absolutamente paródico, es irrelevante hablar de actuación, ya que deliberadamente las torpezas, gestos, reacciones y en general cualquier tipo de comportamiento de los personajes están al servicio de situaciones sonrientemente ridículas. Entre las mismas se incluye una dramática boda de sangre donde mueren casi todos los invitados, peligrosos coyotes inmovilizados frente a sus potenciales víctimas, Armando y Sonia montando como vaqueros en “falsos” caballos, el empleo de vacas de utilería, la interrupción momentánea del film para anunciar lo que habrá de pasar, así como un irrisorio encuentro a muerte entre las dos bandas rivales del narcotráfico. Quien al leer estas líneas esté dispuesto a involucrarse en esta farsa, pasará 80 minutos entretenidos.

Conclusión: La casa de mi padre es un divertimento dirigido especialmente al público latino quien es el que más gozará con las disparatadas tonterías que emergen de su relato. Jorge Gutman

Will Ferrell y Génesis Rodríguez

UNA LARGA VIGILIA

VIGIL. Autor: Morris Panyuch. Dirección: Martin Faucher. Elenco: Marcel Jeannin y Kim Yaroshevskaya. Música: Larsen Lupin. Escenografía: Jonas Bouchard. Iluminación: Marc Parent. Vestuario: Linda Brunelle

El Centro Segal para las Artes estrenó VIGIL (Vigilia) del conocido dramaturgo canadiense Morris Panych. Se trata de una coproducción realizada con el Teatro du Rideau Verte que precisamente la representó doblada al francés hasta hace dos semanas atrás bajo la misma dirección de Michel Faucher.

Se trata de una pieza de cámara animada por dos actores y que a pesar de todo, se asemeja más a un monólogo que a un diálogo actoral. Aunque en principio uno cree estar presenciando una obra dramática. bien pronto queda en claro que la intención del autor es abordar algo diferente. En pocas palabras, un joven de veintitantos años de edad se presenta en la casa de su tía anciana de 90 años a quien no vio desde hace muchos años y que está muy enferma; el propósito es cuidar de ella en sus últimos días de vida.

La veterana actriz Kim Yaroshevskaya, que también actuó en el Rideau Vert, infunde a su rol una gran dosis de humanidad a pesar de que prácticamente no habla durante el transcurso de la pieza con excepción de dos o tres palabras hacia el final de la misma. A su lado Marcel Jeannin, sobre quien recae todo el parlamento, anima con soltura al desenfadado sobrino quien creyendo que su tía moriría en pocos días más, se encuentra con la sorpresa de que goza de un estado de salud muy superior al que imaginaba. No ocultando su disgusto, exaspera a la digna dama con un cinismo a toda prueba, casi haciéndola forzar a que se muera lo antes posible para recoger el legado que le corresponde y retornar a su actividad habitual.

En un relato que más se asemeja a la farsa que a un drama, su humor mórbido no resiste la hora y media de duración y después de unos primeros 30 minutos, los chistes se repiten constantemente dando la impresión de contemplar un programa cómico de televisión antes que a una obra de macabra mordacidad.

No es de culpar al director ni a sus intérpretes. Todos insuflan la máxima energía posible a un texto que se alarga demasiado y que sólo al final produce una sorpresa frente a una vuelta de giro que el autor introdujo para sorprender al público. Sin embargo, a pesar de todo, desde el comienzo resulta predecible que la situación de disgusto que el susodicho sobrino siente por su tía se transformará en un sólido lazo afectivo. En resumen, la pieza finalmente sufre de un forzado sentimentalismo, carece de la solidez necesaria para constituir una reflexión dramática sobre la vida y la muerte y no posee la ironía cáustica que cabría de aguardar. Las representaciones siguen en el Centro Segal hasta el 1 de abril. Jorge Gutman

Marcel Jeannin y Kim Yaroshevskaya (Foto de Andrée Lanthier)

PESCANDO SALMON EN YEMEN

Salmon Fishing in the Yemen. Gran Bretaña, 2011. Un film de Lasse Hallstrom. Elenco: Ewan McGregor, Emily Blunt, Kristin Scott Thomas, Amr Waked

Lasse Hallstrom ofrece con Salmon Fishing in the Yemen un relato donde el tono absurdo se entremezcla con una fábula contemporánea con contenido romántico dentro de un contexto político.

Inspirado en la novela de Paul Torday con un guión de Simon Beaufoy, la premisa inicial es cómicamente original atendiendo a la utópica idea concebida por un visionario y millonario jeque yemenita (Amr Waked). Este buen hombre siente una verdadera pasión por la pesca de salmón y está convencido de que puede mejorar el nivel de vida de sus compatriotas si ese deporte pudiera ser practicado en su tierra. Con ese propósito contrata los servicios de Harriet Chetwode (Emily Blunt), una agradable joven británica, a fin de que ella pueda implementar la idea de introducir el salmón en las áridas tierras desérticas del Yemen a través de la participación del Departamento de Pesca y Agricultura de su país.

La gestión de Harriet se encuentra con el escollo de tener que vencer la resistencia del muy escéptico Dr. Alfred Jones (Ewan McGregor). Este científico marino, que trabaja para el gobierno británico, encuentra descabellada la proposición realizada pero cuando el primer ministro entra a tomar cartas en el asunto a través de su agente de prensa (Kristin Scott Thomas), el fantasioso proyecto comienza a cobrar impulso.

La primera mitad del film es la de mayor interés ofreciendo una leve sátira de naturaleza política; pero después va perdiendo fuerza cuando la trama incorpora varios elementos que desvirtúan al relato, especialmente los de naturaleza romántica. Alfred es un hombre casado, poco feliz en su matrimonio, que va sintiendo una atracción hacia Harriet a medida que el trabajo conjunto va progresando; por su parte ella corresponde a sus sentimientos a pesar de tener un novio agradable que pertenece al ejército británico y es enviado a Afganistán; esa relación origina una artificiosa historia de amor difícilmente creíble. Tampoco favorece la solidez del relato la incorporación de grupos yemenitas que se oponen al jeque; finalmente, la culminación de la historia no despierta la emoción perseguida por Hallstrom.

En los aspectos favorables, tanto Blunt como McGregor ofrecen su agradable presencia así como Scott Thomas demuestra que aún en pequeños papeles logra trascender. El humor, aunque no muy abundante, se hace presente en algunas alusiones pertinentes a las características e idiosincrasias de culturas e instituciones diferentes como las británicas y yemenitas. En los renglones técnicos cabe apreciar la belleza de los escenarios naturales donde transcurre la acción.

Conclusión: A pesar de las buenas intenciones del director, esta comedia satírica y humanista que trata de tender un puente de hermandad entre Europa y el Medio Oriente es demasiado tibia como para llegar a conformar plenamente. Jorge Gutman

DOS INMADUROS POLICIAS

21 Jump Street. Estados Unidos, 2012. Un film de Phil Lord y Christopher Miller. Elenco: Jonah Hill, Channing Tatum, Ice Cube

Basado en las series televisivas de 1987 que sirviera para el lanzamiento de la carrera de Johny Depp, 21 Jump Street llega ahora al cine como vehículo para demostrar una faceta diferente de Channing Tatum; en esta oportunidad, al ascendente actor no le toca animar un nuevo papel romántico sino actuar en un rol cómico junto a Jonah Hill. Conformando una buddy movie, es decir un dúo con personalidades opuestas, ambos actores dinamizan una extraña comedia que por un lado reconforta parcialmente con su comicidad, pero por otra parte no puede desprenderse de los clisés que la debilitan.

En 2005 Schimidt (Hill) y Jenko (Tatum) fueron compañeros de estudio donde el primero aunque inteligente se caracterizaba como un tímido marginado del grupo que lo rodeaba, en tanto que Jenko era un despistado sin muchas luces personificando al atlético muchacho seguro de sí mismo.

Ahora, siete años después, el destino vuelve a reunirlos tomando cursos en una academia policial; después de la graduación, ambos son asignados para cumplir una primera misión comprobando que lo aprendido en clase no es suficiente para desempeñarse en la práctica: así ambos demuestran una franca incompetencia en la primera misión que les es encomendada. Inmediatamente después son destinados a trabajar bajo las órdenes del poco agradable Capitán Dickson (Ice Cube). Como consecuencia de la muerte de un adolescente de una escuela secundaria a causa de drogas, ambos deben descubrir al responsable de suministrarlas en dicho establecimiento. Aprovechando el semblante juvenil de sus rostros, los dos se infiltran en dicha escuela como alumnos que son a la vez hermanos. Con la nueva identidad adquirida, esta pareja despareja deja de lado la rivalidad de otros tiempos y comienza a forjar una cálida amistad reviviendo involuntariamente sus años de adolescencia al tener que convivir con sus compañeros de clase.

Nada de lo que se aprecia en el relato es creíble, aunque en este caso eso poco importa dado que el propósito es ofrecer una comedia lunática que haga reír a cualquier precio. Hasta donde eso se logra depende de la actitud de cada espectador; ciertamente hay algunos momentos risueños bien trabajados pero también hay muchas situaciones donde la risa es provocada en forma forzada apelando a un humor vulgar y grosero de escaso buen gusto.

Sin mayor ingeniosidad ni originalidad, lo más destacable de este film es la presencia de Tatum y Hill; los dos actores salen airosos en su cometido, despertando amplia simpatía como los naturales adolescentes que deben saber adaptarse a sus nuevos roles así como resulta agradable la química existente entre ellos.

Conclusión: Un entretenimiento menor para un público no demasiado exigente. Jorge Gutman

UN VIRTUOSO PIANISTA

MARC-ANDRÉ HAMELIN

La organización musical Ladies Morning Musical Club (LMMC) presentará al eximio pianista canadiense Marc-André Hamelin.

Nacido en Montreal, comenzó sus estudios de piano a los cinco años y cuatro años después obtuvo el primer premio en una competición de música canadiense. Hoy día goza de un merecido prestigio internacional por su virtuosidad musical en las refinadas interpretaciones que suele ofrecer en conciertos y recitales.

Aunque siente especial interés en la ejecución de obras raramente escuchadas y desconocidas, también aborda el repertorio clásico y romántico con total maestría. En música de cámara tuvo la oportunidad de participar, entre otros, con Midori, la Academy of St. Martin-in-the Fields así como en giras con el Cuarteto Takács, además de ofrecer recitales a través de los Estados Unidos y Europa. Como solista ha sido invitado por las más importantes orquestas del mundo.

El recital que ofrecerá para LMCC incluye la Sonata N°3 en Fa menor, Op.5 de Brahms, Preludios de Debussy y extractos de 12 estudios que le pertenecen. El concierto tiene lugar el 11 de marzo en el auditorio Pollack a las 15h30

LA NUEVA TEMPORADA DE LMMC

En reciente conferencia de prensa LMMC ha dado a conocer los artistas que participarán en los 10 conciertos de la temporada 2012-2013.

El primer concierto tiene lugar el 9 de septiembre con el debut en Montreal del pianista brasileño Arnaldo Cohen. Otras presentaciones estarán a cargo del Cuarteto Emerson de Cuerdas (30 de septiembre), el violoncelista Pieter Wispelwey (21 de octubre), el Cuarteto Takács de Cuerdas (11 de noviembre) y la contralto Marie-Nicole Lemieux (2 de diciembre).

En 2013 la agenda incluye los nombres de la violinista Rachel Barton Pine (10 de febrero), el Cuarteto Fauré de Piano y Cuerdas (3 de marzo), el pianista canadiense André Laplante (24 de marzo), el Cuarteto Pavel Haas de Cuerdas (14 de abril) y el Trío Setzer-Finckel-Wu Han de Piano y Cuerdas (5 de mayo). El sitio web es www.lmmc.ca

MOONRISE KINGDOM

Crónica de Jorge Gutman
EL FESTIVAL DE CANNES 2012 SE INAUGURA CON MOONRISE KINGDOM

Un comunicado de prensa del Festival de Cannes anunció que Moonrise Kingdom, la nueva película del director estadounidense Wes Anderson, será la que habrá de inaugurar el 16 de mayo próximo la sexagésima quinta edición de la muestra en el Gran Teatro Lumiere de la Costa Azul.

La filmografía del realizador incluye los siguientes títulos: Bottle Rocket (1996), Rushmore (1998), The Royal Tenembaums (2001), The Life Aquatic with Steve Zissou (2004), The Darjeelling Limited (2007) y el film de animación Fantastic Mr. Fox (2009). Todos ellos, en mayor o menor grado, merecieron elogiosos comentarios críticos con relación al estilo de sutil excentricidad empleado por Anderson.

Al anunciar el film seleccionado, Thierry Fremaux en su carácter de delegado general del festival señaló que "Wes Anderson es uno de los directores más influyentes en Estados Unidos en la actualidad a través de la interpretación personal del cine de su país. Moonrise Kingdom en particular constituye un nuevo testimonio de la libertad de creación que le caracteriza. Este admirador de Fellini y Renoir, sensible e independiente, es además un cineasta brillante e inventivo".

Por su parte, Gilles Jacob -presidente del festival- también se mostró complacido por la elección al indicar que de ese modo el festival "celebra al joven cine estadounidense".

El film que fue rodado en una isla de Nueva Inglaterra cuenta con un elenco de primeras figuras donde se destacan los nombres de Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Tilda Swinton, Harvey Keitel y Frances McDormand. Con un guión escrito por el realizador y Roman Coppola, se anticipa que su relato evoca una historia de niños y adultos acaecida durante unos días de tormenta del verano de 1965. La película se estrenará en Francia el mismo día en que se inaugura el festival y una semana después en Estados Unidos y Canadá.

Aunque recién el 19 de abril se dará a conocer en París la lista de los filmes incluidos en la selección oficial de este año, hay algunos títulos que tienen altas posibilidades de ser escogidos. Entre ellos figuran Elefante Blanco del argentino Pablo Trapero, Like Someone In Love del iraní Abbas Karostami, Lawrence Aniways del joven realizador canadiense Xavier Dolan, Nero Fiddled de Woody Allen y Superstar del francés Xavier Giannoli.

Bruce Willis y Edward Norton en una escena del film inaugural Monrise Kingdom

STRAVINSKY POR DOS

UNA VELADA CON STRAVINSKY

Les Grands Ballets Canadiens de Montréal presenta un doble espectáculo coreografiado por el artista belga Stijn Celis en base a dos obras de Igor Stravinsky: Noces (Bodas) y Le Sacre du printemps (La Consagración de la Primavera). Foto : Damian Siqueiros. Primeros balarines solistas Emilie Durville y Jérémy Galdeano

Noces

En 1913 –ya radicado en París- Stravinsky concibió el proyecto de Noces con música inspirada en los ritmos irregulares de algunas canciones folclóricas de Rusia, su país natal. De este modo compuso una cantata en cuatro cuadros sobre los rituales del casamiento en base al forzado matrimonio de dos jóvenes. Diez años después, Sergei Daghilev - el renombrado empresario de ballet y fundador de Ballets Ruses- le solicitó al compositor que en base a su música efectuara una orquestación que incluyera un coro de cuatro voces, cuatro solistas, cuatro pianos y percusión para una coreografía perteneciente a Bronislawa Nijinska. Como resultado surgió el ballet Noces que a través de los años fue objeto de varias versiones coreográficas incluyendo entre otras las de Merce Cunningham, Angelin Preljocaj, Maurice Béjart y Jiri Kyllián.

En 2002, les Grands Ballets decidió abordar esta obra con la coreografía de Stijn Celis quien ofreció una visión crítica de la institución del matrimonio, transformándolo en un sombrío sacrificio ritual. Doce bailarinas con rostros cadavéricos se oponen al destino que les aguarda en una coreografía gestual, con movimientos espasmódicos y frenéticos ritmos que se asocian con la atronadora y vibrante partitura musical de Stravinsky.

Le Sacré du printemps

Este ballet estrenado en París en 1913, con la coreografía de Vaslav Nijinsky y bajo la dirección orquestal de Pierre Monteux, es una de las creaciones más revolucionarias de la música clásica por sus innovaciones en armonía y ritmo. Aún cuando en oportunidad de su primera presentación en el Théâtre des Champs-Élysées produjo un marcado escándalo que produjo el rechazo del público asistente, hoy día goza de gran popularidad en todo el mundo y es considerada como una obra emblemática de la música y del ballet del siglo XX.

Les Grands Ballets la estrenó con enorme suceso en 1987 con la coreografía de Marie Chouinard y James Kudelka. Bajo la óptica de Celis la compañía adoptó en 2009 una versión diferente, desprendiéndose del libreto original donde una virgen es sacrificada en ocasión de un ritual celebrando la primavera, para remarcar los aspectos mortíferos de la presión social en la que se entremezcla la temática de la diferencia y la exclusión; de este modo el sacrificio que aquí se considera es el de la individualidad enfrentando al poder del grupo y de la norma social. Celis ha logrado una coreografía visceral que en consonancia con la partitura armónica y rítmica de Stravinsky, encarna la brutalidad y la violencia de la fuerza vital.

Las representaciones tienen lugar los días 22, 23, 24, 29, 30 y 31 de Marzo a las 20h00 en la sala del Teatro Maisonneuve de la Place des Arts. Información adicional puede obtenerse en el sitio http://www.grandsballets.com/

LA DIFÍCIL REINTEGRACION A UNA VIDA NORMAL

Martha Marcy May Marlene. Estados Unidos, 2011. Dirección: Sean Durkin. Distribución: 20th Century Fox Entertainment (2012)

Viendo este film uno no puede olvidar la tragedia acaecida el 18 noviembre de 1978 cuando más de 900 miembros pertenecientes a una comunidad denominada Jonestown ubicada al noreste de Guyana y que conformó un culto liderado por Jim Jones, fueron obligados a suicidarse colectivamente. Aunque sin llegar a ese drástico final, algo semejante aborda el director y guionista Sean Durkin enfocando el problema de una joven que después de haber vivido una alucinante y dolorosa experiencia trata de reintegrarse a una vida normal.

Dentro de un clima de suspenso psicológico, el realizador ofrece un relato elíptico y enigmático enfocando al personaje principal de la historia. Martha (Elizabeth Olsen), rebautizada como Marcy May en una comunidad rural donde vivió durante un cierto tiempo, ha logrado fugarse de ese “paraíso artificial” tras haber experimentado una existencia opresiva, violenta y explotada por el patriarca (John Hawkes) de la misma. Intentando comenzar una nueva etapa de su vida busca refugio en la casa campestre cercana a un lago que tiene su hermana Lucy (Sarah Paulson) y que la comparte con su marido Ted (Hugh Dancy).

El film se desplaza entre pasado y presente para captar lo que le pasó a la joven y comprender mejor el tremendo trauma que la aflige. Sin embargo, nunca llega a explicar los motivos que la impulsaron a formar parte de la secta.

Debido a su extraño comportamiento, la relación de Martha con su hermana y cuñado está sembrada de tensión aunque nunca llega a conformar plenamente; con todo, el film, impecablemente dirigido por Durkin, logra su propósito de ilustrar el estado de confusión mental y emocional de una joven que habiendo sido objeto de un lavado cerebral, le resulta difícil reinsertarse a una existencia normal. Olsen se destaca como la trastornada joven en tanto que Hawkes se distingue como el carismático líder del culto que de afable en un comienzo se convierte posteriormente en un monstruoso psicópata.

Como material suplementario el DVD incorpora el corto de 14 minutos Mary Last Seen realizado por Durkin en 2009, donde describe el viaje de una joven que es llevada a una granja rural de similar naturaleza a la de Martha en el presente film.

La banda audio es en inglés, español o francés, con subtítulos optativos en español e inglés. Jorge Gutman

UN EMOTIVO FILM CANADIENSE

Romeo Onze. Canada, 2011. Un film de Ivan Grbovic. Elenco: Ali Ammar, Joseph Bou Nassar, Sanda Bourenane

La vida de un muchacho solitario y taciturno con una deficiencia física al caminar, está muy bien expuesta en Romeo Onze, la ópera prima de Ivan Grbovic. De difícil clasificación genérica, el relato logra sensibilizar al espectador gracias a la muy buena interpretación de Ali Ammar animando al personaje central.

El guión del director escrito con Sara Mishara presenta a Rami (Ammar) de 20 años de edad cuya discapacitación física, aunque no intensamente marcada, lo convierte en una persona frágil, insegura y vulnerable. Pertenece a una familia libanesa que vive en Montreal, integrada por su padre inmigrante (Joseph Bou Nassar) propietario de un restaurante, su madre y sus dos hermanas de las cuales una de ellas a punto de casarse.

Sin amigos a la vista, y eludiendo asistir a clase para formarse como contador, como su padre quiere que sea, tampoco se siente satisfecho ayudándolo en su negocio. Aparentemente, su familia no esta conciente de lo que le está pasando ni de su aislamiento social.

Para compensar su soledad, Rami -que desea encontrar una compañera con quien mantener una relación sentimental- llega a entablar por Internet un chateo con una chica; habiendo adoptado la personalidad de “Romeo11”, él le hace creer que es un rico y exitoso ejecutivo que viaja alrededor del mundo y pernocta en lujosos hoteles. Durante esos momentos de flirteo virtual se puede contemplar el rostro cambiado y feliz de este joven que ha logrado internalizar el rol que asume ante su interlocutora, quien a su vez adoptó el nombre de “Malaury26”.

Las escenas de mayor envergadura dramática del relato se producen cuando ella insta a Rami para que se encuentren y conozcan personalmente; es aquí donde el director transmite con gran sensibilidad el momento agonizante del muchacho al verse obligado a tener que enfrentarse con “Malaury26” y mostrarse tal cual es. ¿Hasta donde el triunfante “Romeo11” podrá dejar de lado al tímido y vulnerable Rami?

Aunque en varias oportunidades el cine se ha ocupado de describir el mundo de gente que afronta parcial o total incapacidad física, Grbovic logra expresar acertadamente la psicología de un joven que trata de abrirse paso personal y socialmente frente a obstáculos que le resulta difícil superar. El final abierto del film parecería sugerir que existe alguna posibilidad de lograrlo.

Conclusión: Un film sencillo y profundamente humano de un nuevo y valioso realizador y de un talentoso actor que en su primera interpretación cinematográfica logra expresar toda la gama emocional de un muchacho tímido luchando ansiosamente por vencer sus limitaciones físicas para integrarse a la sociedad en que está viviendo. Jorge Gutman

FLORES DE GUERRA

The Flowers of War. China, 2011. Un film de Zhang Yimou. Elenco: Christian Bale, Ni ni, Zhang Xinyi, Huang Tianyuan

La batalla de Nankin es uno de los episodios más dramáticos de la guerra de Japón con China que se inicia en Shangai en octubre de 1937 y concluye el 13 de diciembre de ese año en Nankin –en ese entonces la capital del país- con la victoria del ejército nipón. En las semanas siguientes, los vencedores iniciaron una cruel campaña de asesinatos de más de 200.000 personas y violaciones de miles de mujeres. Ese es el telón de fondo que el prestigioso realizador Zhang Yimou (Curse Of The Golden Flower, The Road Home, Raise the Red Lanterns) utiliza para narrar un drama de ficción en The Flowers of War donde estudiantes de un convento y un grupo de prostitutas tratan de proteger sus vidas del invasor enemigo.

El relato presenta a John Miller (Christian Bale), un desaprensivo americano que se encuentra en Nankin para la inhumación de un sacerdote recién fallecido. Tratando de abrirse paso en las calles de la bombardeada ciudad encuentra a dos jóvenes chicas estudiantes y tratando de ayudarlas las lleva a una catedral católica donde se encuentran otras compañeras allí refugiadas que integran el coro religioso del convento. Simultáneamente llegan a la iglesia un grupo de de atractivas prostitutas lideradas por la seductiva Yu Mo (Ni Ni) quienes huyendo del burdel donde se hallaban tratan de proteger su vida en aquel santuario. La convivencia de las estudiantes con las nuevas huéspedes y John dentro de un ámbito espacial reducido es lo que sustenta la primera parte del film narrado en forma convencional y sin mayor trascendencia. Para atenuar el clima dramático de la historia, la trama incluye la nota sentimental que vincula a John con Yu Mo.

El conflicto central del film se presenta en su segunda mitad con la llegada de un oficial japonés (Atsuro Watabe) a la catedral invitando autoritariamente a las jóvenes coristas que asistan a una fiesta y cantar para la audiencia que estará allí presente. Queda claro que la intención es violarlas y posteriormente matarlas; para evitar que eso suceda, John concibe un plan arriesgado con la colaboración de las prostitutas.

Con un tono melodramático en el contexto de un relato poco convincente, se asiste a la transformación repentina de John quien de oportunista buscavidas asume la condición de un hombre de gran corazón en busca de redención; al propio tiempo, tampoco resiste credibilidad el modo en que las sofisticadas mujeres de la vida se convierten en almas caritativas demostrando una extraordinaria generosidad al servicio de una noble causa. Con un desenlace que no ofrece mayor sorpresa, todo pareciera calculado para satisfacer a la audiencia; sin embargo, como la historia transcurre sin un foco preciso y a veces languidece en el camino, no podría asegurar que las dos horas y veinte minutos de duración puedan llegar a conformar.

Es la primera vez que un actor americano actúa en un film chino y esa sería una de las notas distintivas del film, a pesar de que el personaje de Bale no resulte muy creíble, sobre todo porque él se comunica con gran parte del grupo que lo rodea en inglés, lo que hace difícil suponer que en ese entonces los personajes chinos aquí mostrados pudieran dominar el idioma de Shakespeare.

Conclusión: Aunque el film no responda a las expectativas aguardadas de su realizador, cabe mencionar que la nota de gracia rescatable descansa en el placer visual que produce contemplar algunas imágenes poéticas captadas con su distintivo estilo. Jorge Gutman

EL JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR

THE GAME OF LOVE AND CHANCE.

Autor: Pierre de Marivaux. Elenco: Zach Fraser, Gil Garrat, Gemma James-Smith, Harry Judge, Trish Lindström y William Webster. Decorados: Anick La Bissonnière. Vestuario: Linda Brunelle. Iluminación: Luc Prairie. Teatro: Centaur

Posiblemente, el dramaturgo francés Pierre de Marivaux ha sido el comediógrafo de mayor importancia después de Molière y si en la época del siglo XVIII en que vivió no gozó de la merecida fama de la que gozaría a partir del siglo XX, se debió a que la extraordinaria dimensión y popularidad de su compatriota ensombreció su valiosa contribución al teatro francés. Dentro de su repertorio, caracterizado por comedias románticas plenas de enredos y equivocaciones, El Juego del Amor y del Azar es la más lograda y representada. Es ahora que la compañía del Teatro Centaur la ha repuesto en inglés y me place señalar que a la calidad de la pieza se le añade en la presente ocasión la muy buena versión lograda por el director Matthew Jocelyn en la moderna adaptación y traducción realizada por Nicolas Billon.

Si en su momento la pieza fue escrita para ser representada dentro de la modalidad adoptada por la comedia del arte, ese estilo aplicado a la época actual mantiene su vigencia. La ingeniosidad del autor haciendo empleo de diálogos precisos, fluidos y decididamente graciosos, repercute favorablemente en el ánimo de la platea asegurando una amplia diversión en una hora y media de buen espectáculo.

La pieza se centra en Silvia (Trish Lindström) cuyo padre aristócrata, Monsieur Orgon (William Webster), la quiere casar con Dorante (Harry Judge), un hombre de la nobleza. La joven que es escéptica del amor y más aún del matrimonio, le propone a su progenitor que para conocer mejor las virtudes y defectos de su pretendiente y poder observar su comportamiento, su empleada doméstica Lizette (Gemma James-Smith) ocupe su lugar; lo que Silvia ignora es que Dorante recurre al mismo truco haciendo que su valet Arlequino (Gil Garratt) asuma su identidad. De este modo, criados y amos intercambian sus roles en un azaroso, e hilarante juego pleno de situaciones equívocas donde el público resulta el principal beneficiado.

Para que esta amena comedia adquiera la agilidad y chispa necesaria es necesario contar con una ágil dirección y un buen manejo en la conducción de actores. Eso lo ha logrado Matthew Jocelyn cuya puesta escénica alcanza un óptimo nivel; si bien todos y cada uno de los intérpretes irradian un entusiasmo contagioso, el trabajo que realiza Garratt como el cómico y bufonesco Arlequino es nada menos que maravilloso. Los decorados de Anick La Bissonière con la incorporación de grandes espejos y paredes que se desplazan de acuerdo con los requerimientos y el tono de la pieza.

En síntesis, un clásico del teatro francés demostrando que la comedia del arte y el talento de Marivaux tienen amplia aceptación en el actual siglo.

Las representaciones en el escenario del Centaur prosiguen hasta el 1 de abril (www. centaurtheatre.com). Jorge Gutman

EL BALLET BOLSHOI PRESENTA EL CORSARIO

En la serie dedicada al Ballet Bolshoi, el domingo 11 de Marzo se difundirá en vivo y en alta definición la legendaria producción Le Corsaire desde el escenario de su célebre teatro en Moscú a varias salas de cines de Canadá.

En esencia, su historia que se basó en el poema de 1814 de Lord Byron del mismo nombre, gira esencialmente en torno a una hermosa joven que siendo esclava y sujeta a un casamiento forzado llega a ser rescatada por un elegante pirata.

Con la romántica música de Adolphe Adam, y la clásica coreografía del gran Marius Petipa, con la revisión efectuada por los coreógrafos Alexei Ratmansky y Yuri Burlaka, El Corsario contiene muchos momentos líricos que lo hacen apreciable tanto por los adictos a la danza como por un público que no sea tan conocedor de ballet debido a que es fácilmente accesible y además altamente entretenido.

El espectáculo llega a Montreal y sus alrededores a través de la cadena exhibidora Cineplex en los siguientes cines: Quartier Latin, Scotiabank, Cavendish Mall, Colossus Laval, Colisée Kirkland y Brossard.

Toda otra información adicional se puede consultar visitando los sitios www.cineplex.com/events o www.cineplex.com/evenements

EL CUARTETO DE CUERDAS PACIFICA

Invitado por la organización musical Ladies Morning Musical Club (LMMC) llega por primera vez a Montreal el Pacifica Quartet integrado por los violinistas Simin Ganatra y Sibby Bernhardsson, el violista Masumi Per Rostad y el violoncelista Brandon Vamos.

Este conjunto ha sido creado en 1994 en la costa occidental de los Estados Unidos y desde sus primeros conciertos se ha caracterizado por su virtuosidad, estilo exuberante y a menudo por la elección de audaces repertorios de música contemporánea. Desde su formación, el cuarteto ha obtenido los primeros premios en los más prestigiosos concursos internacionales, entre los mismos se encuentra la codiciada beca de carrera Avery Fisher y el Grammy al Mejor Conjunto de Cámara, ambos en 2009. En la temporada 2009-2010, Pacifica fue designado cuarteto-residente en el Museo Metropolitano de Nueva York, reemplazando al Cuarteto Guarneri que ocupó ese cargo durante 43 años. El grupo de músicos viaja extensamente a través de los Estados Unidos, Europa y Asia.

En el concierto que tendrá lugar el domingo 4 de marzo (15h30) en el auditorio Pollack de la Universidad McGill, participará el violista Roger Tapping quien persigue una carrera de solista y de músico de cámara además de ejercer la docencia en el Conservatorio New England, la Longy School of Music y el conservatorio de Boston.

El programa está integrado por el Quinteto para Cuerdas en Sol menor, K. 516 de Mozart, el Cuarteto de Cuerdas N° 9, Op. 117 de Shostakovich y el Quinteto de Cuerdas en Mi bemol mayor, Op. 97 de Dvorak.

UN AUDAZ ASALTO

L’assaut. Francia, 2010. Dirección: Julien Leclercq. Distribución: Seville Films (2012)

Un dramático episodio que bien puede ser considerado como prólogo a la tragedia de septiembre de 2001, es lo que narra este film basado en hechos verídicos. El 24 de diciembre de 1994 un comando integrado por miembros del Grupo Islámico Armado liderado por Yahia (Aymen Saidi) se apodera en Argel de un avión de la línea aérea Air France que se aprestaba a partir a París, tomando como rehenes a la tripulación y sus 227 pasajeros a bordo. Aunque lo que los terroristas exigían para revertir la situación era la liberación de dos camaradas de armas, la intención verdadera era estrellar el avión en la Torre Eiffel.

La terrible odisea que se prolongó por espacio de 40 horas con la ejecución de tres rehenes, culmina el 26 de diciembre en el aeropuerto Marignane de Marsella, cuando agotadas las negociaciones con los secuestradores, se produce el asalto a la aeronave por parte del Grupo de Intervención de la Gendarmería Nacional de Francia, poniendo de esa manera un punto final al grave conflicto.

Paralelamente al tema central, el film desarrolla dos historias conexas bien intercaladas. Una de las mismas está referida a Thierry (Vincent Elbaz), uno de los miembros de las fuerzas francesas que participa en el asalto final, presentándolo en la intimidad familiar con su señora (Marie Guillard) e hijita, en tanto que la otra se refiere a una funcionaria del Ministerio de Interior de Francia (Melanie Bernier) quien debe mostrar su eficacia frente a la operación de rescate que se está preparando.

Filmado con cámara al hombro y con visceral energía, el realizador logra un film de suficiente tensión y suspenso, sobre todo en los últimos 20 minutos donde el asalto se realiza delante de millones de televidentes quienes están a la expectativa de lo que habrá de acontecer.

Dada su duración relativamente breve de 90 minutos, el relato no permite una exhaustiva profundización de todos sus personajes; sin embargo, eso no impide que proporcione la cuota dramática y emocional necesaria como para mantener una constante atención y producir un film satisfactorio.

El DVD es presentado en su versión original francesa con subtítulos opcionales en francés o inglés. Jorge Gutman

DOS RECORDADOS TITULOS DE WOODY ALLEN

Annie Hall (1977). Manhattan (1979). Dirección: Woody Allen. Distribución: 20th Century Fox Home Entertainment (2012)

Por primera vez se han editado en formato Blu-ray, dos filmes emblemáticos de Woody Allen. El primero de ellos es Annie Hall, uno de los títulos más logrados en la carrera del veterano realizador. Esta película constituyó el comienzo de una nueva etapa para Allen porque a partir de la misma, deja de lado sus relatos esencialmente cómicos y menos estructurados para abordar temas de mayor gravitación.

El guión de Allen y Marshall Brickman describe el vínculo sentimental que une a Alvy Singer (Allen) un cómico y neurótico neoyorkino, con Annie Hall (Diane Keaton), una joven aspirante a cantante, donde ambos tienen en común una suerte de inseguridad personal y el temor a un compromiso emocional que pueda trastocar sus vidas. A través de esos dos personajes el film analiza las características de las relaciones personales de jóvenes superando los 30 años de edad que no están muy seguros de que el matrimonio constituya la solución para lograr la felicidad. Con un incisivo humor y brillantes diálogos, el film deja una sensación melancólica y agridulce al demostrar las dificultades que se presentan para lograr una estable y duradera relación de pareja. Annie Hall logró un gran éxito de crítica y del público quien se hizo eco de los sentimientos que animan a sus personajes. Obtuvo 4 Oscars de la Academia de Hollywood, incluyendo el de la mejor película, dirección, guión y actriz principal.

De algún modo Manhattan vuelve sigue los pasos del film precedente. En este caso, Allen rinde tributo a Nueva York y especialmente a Manhattan, el lugar donde transcurrió la mayor parte de su vida. Nuevamente el realizador y Marshall Brickman son los guionistas y en este caso enfocan a Isaac Davis (Allen) un escritor de televisión de más de 40 años de edad que después de haber sido abandonado por su esposa (Meryl Streep) que se unió a una lesbiana, ahora está conviviendo con una adolescente de 17 años (Mariel Hemingway). Cuando su mejor amigo Yale (Michael Murphy) decide romper una relación adúltera mantenida con Mary (Diane Keaton), una atractiva mujer, Isaac decide ocupar su lugar.

Nuevamente Allen considera aquí los vaivenes sentimentales de personajes que aunque intelectualmente cultos no están lo suficientemente maduros emocionalmente para mantener una relación de pareja estable y duradera. Si bien el tema no alcanza a sorprender porque es una variante de lo que se apreció en “Annie Hall”, el texto en cambio está enriquecido por su sarcasmo, ironía, ingeniosidad y sus excepcionales diálogos que incluyen jugosas referencias culturales, especialmente en materia de cine. El director de fotografía Gordon Willis ha captado maravillosamente en blanco y negro la belleza de Manhattan y la Rapsodia en Blue de George Gershwin constituye la mejor partitura que pudo haber elegido Allen como homenaje a su amada ciudad.

Técnicamente, la transferencia de ambos filmes al formato Blu-ray es muy buena en términos de claridad y nitidez. La banda audio de las dos películas es en inglés, francés, y español con subtítulos optativos en los mismos idiomas. Jorge Gutman